2 Фрески, которые должны были находится в одном зале, друг напротив друга в Палаццо Веккьо (администрация Флоренции).

В 1515 году уезжает из Италии, по приглашению французского короля

Леда (копия) 1505г

Живет во Франции 3-4 года

замок Шамбор

Леонардо придумал 4-ч маршевую лестницу

Леона́рдо ди сер Пье́ро да Ви́нчи (итал. Leonardo di ser Piero da Vinci, 15 апреля 1452, селение Анкиано, около городка Винчи, близ Флоренции — 2 мая 1519, замок Кло-Люсе, близ Амбуаза, Турень, Франция) — великий итальянский художник (живописец, скульптор, архитектор) и учёный (анатом, естествоиспытатель), изобретатель, писатель, один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения,

Мастерская Верроккьо находилась в интеллектуальном центре тогдашней Италии, городе Флоренции, что позволило Леонардо обучиться гуманитарным наукам, а также приобрести некоторые технические навыки. Он изучил черчение, химию, металлургию, работу с металлом, гипсом и кожей. Помимо этого юный подмастерье занимался рисованием, скульптурой и моделированием. В мастерской, кроме Леонардо, обучались Перуджино, Лоренцо ди Креди, Аньоло ди Поло, работал Боттичелли, часто бывали такие известные мастера, как Гирландайо и др. Впоследствии, даже когда отец Леонардо принимает его на работу в свою мастерскую, он продолжает сотрудничать с Верроккьо.

В XV веке в воздухе носились идеи о возрождении античных идеалов. Во Флорентийской Академии лучшие умы Италии создавали теорию нового искусства. Творческая молодёжь проводила время в оживленных дискуссиях. Леонардо оставался в стороне от бурной общественной жизни и редко покидал мастерскую. Ему было не до теоретических споров: он совершенствовал свое мастерство. Однажды Верроккьо получил заказ на картину «Крещение Христа» и поручил Леонардо написать одного из двух ангелов. Это была обычная практика художественных мастерских того времени: учитель создавал картину вместе с помощниками-учениками. Самым талантливым и старательным поручалось исполнение целого фрагмента. Два ангела, написанные Леонардо и Верроккьо, недвусмысленно продемонстрировали превосходство ученика над учителем. Как пишет Вазари, пораженный Верроккьо забросил кисть и никогда больше не возвращался к живописи.

Высокое возрождение

Микеланджало

(1464 год)Родился в семье аристократов.

школа Садохмелича

Битва кентавров

ранее изображение Давида, первые работы

Пьета - означает оплакивание.

1501 году возвращается во Флоренцию

8

Микеланджело родился 6 марта 1475 г. в тосканском городке Капрезе (Caprese) около Ареццо, в семье Лодовико Буонарроти, городского советника. Его мать, Франческа Нери ди Миниато дел Сера, умерла в 1481 году. Приблизительно с 1485 до 1488 года Микеланджело посещал гимназию Франческо да Урбино. Его отец женился во второй раз. В детстве Микеланджело воспитывался во Флоренции, затем некоторое время жил в городке Сеттиньяно.

В 1488 г. отец Микеланджело смирился с наклонностями сына и поместил его учеником в мастерскую к художнику Доменико Гирландайо. Он занимался там в течение одного года. Год спустя, Микеланджело переходит в школу скульптора Бертольдо ди Джованни, существовавшую под патронажем Лоренцо де Медичи, фактического хозяина Флоренции.

Медичи распознает талант Микеланджело и покровительствует ему. Приблизительно с 1490 до 1492 Микеланджело находится при дворе Медичи. Возможно в это время были созданы «Мадонна около лестницы» и «Битва кентавров». После смерти Медичи в 1492 г. Микеланджело возвращается домой.

В 1494—1495 годах Микеланджело живёт в Болонье, создаёт скульптуры для Арки святого Доминика. В 1495 году он возвращается во Флоренцию, где правит доминиканский проповедник Джироламо Савонарола, и создаёт скульптуры «Святой Йоханнес» и «Спящий Купидон». В 1496 г. кардинал Рафаэль Риарио покупает мраморного «Купидона» Микеланджело и приглашает художника для работы в Рим (куда Микеланджело прибывает 25 июня). В 1496—1501 годах он создаёт «Вакха» и «Римскую Пьету».

В 1501 году Микеланджело возвращается во Флоренцию. Работы по заказу: скульптуры для «алтаря Пикколомини» и «Давид». В 1503 выполнены работы по заказу: «Двенадцать Апостолов», начало работы над «Светым Матфеем» для флорентинского собора. Приблизительно с 1503 до 1505 происходит создание «Мадонны Дони», «Мадонны Таддеи», «Мадонны Питти» и «брюггерской Мадонны». В 1504 году наступает окончание работ над «Давидом»; Микеланджело получает заказ на создание «Битвы при Кашине».

В 1505 году скульптор был вызван римским папой Юлием II в Рим; тот заказал ему гробницу. Следует восьмимесячное пребывание в Карраре, выбор необходимого для работы мрамора. В 1505—1545 годах проводится (с перерывами) работа над гробницей, создаются скульптуры «Моисей», «Связанный раб», «Умирающий раб», «Лия».

В апреле 1506 года — вновь возвращение во Флоренцию и примирение с Юлием II в Болонии (в ноябре). Микеланджело получает заказ на бронзовую статую Юлия II в Болонье, которая была позже разрушена; над этой статуей он работает в 1507 году.

В феврале 1508 Микеланджело вновь возвращается во Флоренцию. В мае по просьбе Юлия II он едет в Рим для писания фресок потолка в Сикстинской капелле; над ними он работает до октября 1512 года.

В 1513 Юлий II умирает. Джованни Медичи становится папой Львом Х. Микеланджело заключает новый договор на работу над гробницей Юлия II. В 1514 году скульптор получает заказ на «Христос с крестом» и капеллы папы Льва X в Энгельсбурге.

В июле 1514 года Микеланджело вновь возвращается во Флоренцию. Ему поступает заказ на создание фасада церкви Медичи Сан Лоренцо во Флоренции, и он подписывает третий договор на создание гробницы Юлия II.

В 1516—1519 годах состоялись многочисленные поездки за мрамором для фасада Сан Лоренцо в Каррару и Пьетразанта.

В 1521 году умер Лев X, папой с 1523 году становится Джулио Медичи (Клемент VII).

1527 6 мая происходит разграбление Рима. 17 мая Медичи изгоняют из Флоренции.

Скончался Микеланджело 18 февраля 1564 г. в Риме. Погребён в церкви Санта-Кроче во Флоренции. Перед смертью он продиктовал завещание со всей свойственной ему немногословностью: «Я отдаю душу Богу, тело земле, имущество родным».

9

Рафаэль сын художника Джованни Санти.

Ватраченто художник, живопись суховата. Распятие 1502.

Обручение девы Марии и Иосифа.

Особенность Рафаэля - уметь писать плавно линии.

Чувство пространства, перспективы. Лучшие работы принадлежат Рафаэлю (лучше чем Леонардо и Микеланджело)

с 1504-1508 год жил во Флоренции и осваивал школу Флоренции.

Мадонна Конеставилли

Прекрасная садовница

в 1508 завоевывают Флоренцию и Рафаэль уезжает. Его приглашают в Ватикан.

Темпьетто

Проект собора св. Петра, на основе старой деревянной базиллики.

Собор строили 120-130 лет

Начинал Романте, в 1515 году начал Рафаэль. Купол по проекту Микеланджело.

Он должен был создать фрески, комната Станца (итал.Зал) Дела Сеньятуре.

У Рафаэля набирается много учеников. Вместе они берутся за большое количество заказов. Появляется "школа Рафаэля"

портрет Бальтазарра Кастильоне (1514-1515)

Донна Велата (1516)

1514-1516 год

Сикстинская Мадонна (НЕ путать с Сикстинской капеллой)

Рафаэль умер в ~38 лет в 1520 году (не дожил до 40)

Сын живописца Джованни Санти. Прошёл первоначальную художественную выучку в Умбрии у своего отца Джованни Санти, но уже в юном возрасте оказался в мастерской выдающегося художника Пьетро Перуджино. Именно художественный язык и образность картин Перуджино с их тяготением к симметричной уравновешенной композиции, ясностью пространственного решения и мягкостью в решении колорита и освещения оказали первостепенное влияние на манеру молодого Рафаэля.

Необходимо оговорить и то, что творческий почерк Рафаэля включал синтез приемов и находок других мастеров. Сначала Рафаэль опирался на опыт Перуджино, позднее поочерёдно — на находки Леонардо да Винчи, Фра Бартоломео, Микеланджело.

Ранние произведения («Мадонна Конестабиле», ок. 1502—1503) проникнуты изяществом, мягким лиризмом. Земное бытие человека, гармонию духовных и физических сил прославил в росписях станц (комнат) Ватикана (1509—1517 года), достигнув безупречного чувства меры, ритма, пропорций, благозвучия колорита, единства фигур и величественных архитектурных фонов.

Во Флоренции, соприкоснувшись с творениями Микеланджело и Леонардо, Рафаэль учился у них анатомически правильному изображению человеческого тела. В 25 лет художник попадает в Рим, и с этого момента начинается период наивысшего расцвета его творчества: он выполняет монументальные росписи в Ватиканском дворце (1509—1511), среди которых безусловный шедевр мастера — фреска «Афинская школа», пишет алтарные композиции и станковые картины, отличающиеся гармоничностью замысла и исполнения, работает как архитектор (некоторое время Рафаэль даже руководит строительством собора св. Петра). В неустанных поисках своего идеала, воплощающийся для художника в образе Мадонны, он создает самое совершенное своё творение — «Сикстинскую Мадонну» (1513), символ материнства и самоотречения. Картины и росписи Рафаэля были признаны современниками, и вскоре Санти стал центральной фигурой художественной жизни Рима ^[3]. Породниться с художником хотели многие знатные люди Италии, в том числе близкий друг Рафаэля кардинал Биббиена. Однако свадьба Рафаэля и Марии Доваци, одной из племянниц кардинала, так и не состоялась. По одной из версий, девушка умерла, так и не дождавшись выполнения Рафаэлем обещания жениться, по другой версии, художник уже был тайно женат на куртизанке Форнарине. Художник умер в возрасте тридцати семи лет от сердечной недостаточности ^[4]. Незаконченные росписи виллы Фарнезины, Ватиканские лоджии и другие работы были завершены учениками Рафаэля в соответствии с его эскизами и рисунками.

10

По месту рождения (Пьеве-ди-Кадоре в провинции Беллуно) его иногда называют да Кадоре; известен также как Тициан Божественный.

Тициан родился в семье Грегорио Вечелли, государственного и военного деятеля. В десятилетнем возрасте был направлен вместе с братом в Венецию для обучения у известного мозаичиста Себастьяна Дзуккато. Через несколько лет поступил учеником в мастерскую Джованни Беллини. Учился вместе с Лоренцо Лотто, Джорджо да Кастельфранко (Джорджоне) и рядом других художников, ставших впоследствии знаменитыми.

В 1518 году Тициан пишет картину «Вознесение Богоматери» (Assunta), в 1515 году — Саломею с головой Иоанна Крестителя. С 1519 по 1526 год расписывает ряд алтарей, в том числе алтарь семейства Пезаро.

В 1525 году Тициан женился.

В 1538 году закончена картина «Венера».

Тициан прожил долгую жизнь. До последних дней он не прекращал работать. Свою последнюю картину, «Оплакивание Христа», Тициан написал для собственного надгробия. Художник скончался от чумы в Венеции 27 августа 1576 году, заразившись от своего сына, ухаживая за ним.

Император Карл V вызвал Тициана к себе и окружил почётом и уважением и не раз говорил: «Я могу создать герцога, но где я возьму второго Тициана». Когда однажды художник уронил кисть, Карл V поднял её и сказал: «Услужить Тициану почётно даже императору». И испанский, и французский короли приглашали Тициана к себе, поселиться при дворе, но художник, выполнив заказы, всегда возвращался в родную Венецию.

В честь Тициана назван кратер на Меркурии.

• Венера и Адонис (~1553)

• Венера Урбинская, 1538

• Любовь земная и Любовь небесная, 1515—1516

• Портрет Карла V в кресле, 1549

• Женщина перед зеркалом (~1515)

• Венера перед зеркалом, 1555

• Венера Анадиомена, 1520

• Динарий кесаря, 1516

• Коронование терновым венцом, 1570-е

• Несение креста, 1565

• Се человек, 1543

• Портрет Альфонсо д’Авалоса, в доспехе и с пажом, 1533

11

Джорджоне родился в небольшом городке Кастельфранко-Венето недалеко от Венеции. Он был учеником Джованни Беллини и усвоил себе глубину и блеск его тёплого колорита, даже превзошёл его в этих качествах и первый из всех итальянских живописцев стал отводить в религиозных, мифологических и исторических картинах важное место поэтически-придуманному, красивому, не чуждому натуральности пейзажу. Главным местом его деятельности была Венеция. Он писал здесь надпрестольные образа, исполнял многочисленные портретные заказы и, по обычаю того времени, украшал своей живописью сундуки, ларцы и фасады домов. Умер от чумы.

Основной период творческой деятельности Джорджоне приходится на первое десятилетие XVI века. Джорджоне, первоначально сформировавшийся как художник под влиянием Винченцо Катены и Джованни Беллини, сумел в течение нескольких лет выработать собственную зрелую манеру, в основе которой лежало тонкое чувство взаимодействия цвета и света. Во многом от Джорджоне берет начало эта принципиальная сторона европейского живописания, развивавшаяся впоследствии многими поколениями художников. Техника масляной живописи, к которой обратился Джорджоне, позволяла ему в полной мере передавать плавные цветовые переходы, насыщенные пятна цвета, сгущающиеся тени и мягкие очертания фигур и предметов. Вазари отмечал в полотнах Джорджоне отголоски влияния творчества Леонардо да Винчи, посетившего Венецию в начале XVI века.

Несмотря на кратковременность жизни Джорджоне у него было много учеников, к которым принадлежат, между прочим, Себастьяно дель Пьомбо, Джованни да Удине, Фр. Торбидо (прозванный иль Моро) и сам Тициан. Еще значительнее число художников, подражавших его направлению, каковы, например, Лоренцо Лотто, Пальма Старший, Джованни Кариани, Рокко Марконе, Парис Бордоне, Джирол. Пеннаки, Порденоне, Коллеоне, Дзанки и др., картины которых нередко слывут теперь за его работы.

Из произведений, несомненно принадлежащих Джорджоне, особенно замечательны:

• "Поклонение пастухов", до 1505, Национальная галерея, Вашингтон;

• "Поклонение волхвов", до 1505, Национальная галерея, Лондон;

• «Мадонна Кастельфранко». ок.1504, Собор св. Либерале, Кастельфранко;

• «Три философа», ок. 1507-1508, Музей истории искусства, Вена;

• так называемый «Концерт» в палаццо Питти во Флоренции;

• «Юдифь», ок. 1505, Эрмитаж Санкт-Петербург.

• «Гроза», ок. 1508, Галерея Академии, Венеция.

• «Спящая Венера», ок. 1508, Картинная гелерея, Дрезден.

• «Портрет Антонио Брокардо», ок. 1510, Музей изобразительных искусств, Будапешт.

Джованни Беллини (1427/1430-1516) - один из величайших итальянских художников эпохи Возрождения. Он родился и вырос в семье крупного венецианского живописца, имевшего в городе процветающую художественную мастерскую. Известным живописцем был и старший брат будущего мастера. Начиная с 1460 года молодой художник начинает помогать отцу и старшему брату в исполнении художественных заказов. Еще в 1453 году в семью Беллини на правах зятя вошел знаменитый художник Андреа Мантенья, и творческое формирование Джованни долго оставалось под его влиянием.

С 1475 года Джованни Беллини работает вместе с отцом и братом над украшением венецианского Дворца дожей. А когда в 1479 году старший брат художника уехал в Константинополь с дипломатической миссией, Джованни официально назначают вместо него руководителем работ. Возвращение из Нидерландов Антонелло де Мессины, привезшего в Италию секреты масляной живописи, помогло многим   венецианским живописцам познакомиться с этой техникой. Беллини очень заинтересовали ее художественные возможности, и он начинает сначала работать в смешанной технике, а потом полностью переходит на масляную живопись. В 1483 году Беллини получает официальное звание художника Венецианской республики. Он был очень известен и почитаем в городе, имел большую мастерскую, где учились почти все ставшие затем известными венецианские живописцы, в том числе и великие Джорджоне и Тициан. Джованни Беллини недаром называли «отцом зенецианской живописи». Кровь искупителя написана художником в 1460-1465 годах. На этой ранней картине мы видим художественную аллегорию Страстей Господних и Евхаристии (таинства причастия). В центре картины - несущий крест Христос (на картине лишь придерживающий его).

Преклонивший перед ним колена ангел собирает в чашу сочащуюся из ран Христа кровь. Рядом изображено языческое жертвоприношение. Сопоставляя эти два деяния, художник подчеркивает великую значимость искупительной жертвы Христа. Об этом же говорит и вознесшийся к небу шпиль христианской церкви, стоящей рядом с разрушенным языческим храмом. В трактовке пейзажа чувствуется явное влияние Мантеньи. Силуэт Христа и пейзаж фона соединены несколько искусственно. Картине недостает плавности переходов от света к тени, столь свойственных более поздней живописи Беллини.

Мадонна на лугу написана художником в 1500-1505 годах. Это произведение уже зрелого мастера. В центре композиции образ сидящей на лугу молодой Марии, на коленях которой спящий обнаженный младенец. Прелестно ее задумчивое лицо, прекрасны сложенные в молитвенном жесте руки. Фигурка божественного малыша кажется скульптурно смоделированной, что напоминает о близком знакомстве мастера с творчеством Мантеньи. Однако мягкость светотеней и общая насыщенность цветовой гаммы говорят о том, что Беллини нашел свой путь в живописи. Прекрасно написанный на заднем плане пейзаж наделен очевидной символикой. Картина исполнена в смешанной технике, что позволило художнику сделать контуры мягче, а цвета насыщенней.

Портрет дожа Леонардо Лоредана был официально заказан Беллини как художнику Венецианской республики. В этом произведении дож изображен почти фронтально - вопреки существовавшей традиции изображать лица портретируемых в профиль, в том числе и на медалях, и на монетах. Четкие светотени прекрасно рисуют высокие скулы, нос и упрямый подбородок умного и волевого лица пожилого человека. На ярком сине-зеленом фоне контрастно выделяется белая с золотом и серебром парчовая мантия. Ее дож надевал в праздник Сретения - день, когда обручался с морем, принимая на год власть над Венецией. Работа маслом помогла художнику наполнить воздухом пространство картины и тем самым сделать образ портретируемого удивительно живым.

• Мадонна с младенцем. 1450-55.

• Греческая Мадонна. ок. 1460.

• Мёртвый Христос поддерживаемый ангелами. ок. 1460

• Преображение. ок. 1455.

• Моление о чаше. ок.1455

• Принесение во храм. 1460е

• Пьета. ок. 1460 

• Триптих Св. Себастьяна. 1460-64

• Полиптих Св. Винченцо Феррера. после 1464 г.

• Алтарь Пезаро. Общий вид. 1470-80.

• Алтарь Сан Джоббе. 1478-80.

• Мадонна с младенцем. 1475-80.

• Мадонна с младенцем. ок. 1480.

• Мадонна с младенцем. 1483.

• Мадонна с младенцем. 1487.

• Триптих Фрари. 1488.

• Святое собеседование. ок. 1490.Венеция

• Священная аллегория. 1490—1500

• Мадонна на лугу. ок. 1505.

• Пьета. 1500—1514 гг.

• Мадонна на троне со святыми Петром, Екатериной, Лючией и Иеронимом. 1505

• Обнажённая перед зеркалом. 1514-16гг.

• Пиршество богов. 1514

• Оплакивание Христа. 1510

12

Художник родился в Венеции, по разным источникам (между концом сентября и началом октября 1518 — согласно 'Documentazione sull’uomo e l’artista'^[1]) — в 1519^[2] либо 1518 году. Своё прозвище Тинторетто он получил по профессии отца, бывшего красильщиком (tintore). Очень рано обнаружив необыкновенную способность к живописи, он поступил в ученики к Тициану и под его руководством делал столь быстрые успехи, что этот мастер, как гласит предание, не захотел держать его дольше у себя, предугадывая в нём опасного себе соперника. После выхода из школы Тициана, Тинторетто не перестал, однако, благоговеть перед своим бывшим наставником и стремился в своих произведениях соединять тициановские блеск и силу красок с совершенством рисунка, которым, по его мнению, никто не обладал в такой степени, как Микеланджело. Он даже написал в видном месте на стене у себя в мастерской девиз своего искусства:

Но влияние флорентийского и венецианского художников не заглушило в нём самостоятельности: заимствованные от них элементы переработались у него в новый, индивидуальный стиль, отличительные качества которого — живая драматичность композиции, смелость мастерского рисунка, своеобразная живописность в распределении света и теней, теплота и сила красок, широкий приём письма. Сочиняя и исполняя свои произведения с удивительной лёгкостью, занимаясь ими день и ночь, простирая свою нестяжательность до такой степени, чтобы работать даром для своих товарищей и возмещать себе только расход на краски, Тинторетто не замедлил приобрести громкую известность наравне с Тицианом и Паоло Веронезе. Однако, не все его работы хороши в одинаковой степени, что объясняется поспешностью, с какой они иногда исполнялись. В первое время он занимался ими не торопясь, более внимательно, а потому почти все они выходили удачными; впоследствии же, будучи осаждаем заказами, он нередко писал наскоро, небрежно, и тогда из-под его кисти порой появлялись вещи, недостойные его имени.

Наиболее замечательны картины Тинторетто, относящиеся к первой поре его деятельности:

• «Грехопадение Адама и Евы» и «Убийство Авеля», исполненные совершенно в духе Тициана (обе находятся в венецианской академии художеств)

• «Поклонение золотому тельцу» и «Страшный Суд», две огромные картины в хоре церкви Санта-Мариа дель Орто, в Венеции, в которых уже заметна его оригинальность

• в полном блеске талант Тинторетто выказывают «Чудо св. Марка» (в Галереи академии), «Брак в Кане Галилейской» (в ризнице церкви Санта-Мариа делла Салуте), «Философ Диоген» (в Новой Библиотеке, в Венеции), «Открытие мощей св. Марка в Александрии» и «Перенесение их на корабль» (в Ст. Библиотеке, там же)

• многие другие картины, рассеянные по разным европейским музеям, например «Венера, Вулкан и Амур» (в Старой Пинакотеке, в Мюнхене), «Рождество Христово» и «Омовение ног» (в Эскориальском дворце, в Мадриде), «Несение креста» (в венской галерее), «Девять муз» (в Гемптонкортском музее в Лондоне), «Юдифь» (в мадридском музее дель-Прадо) и «Рождество Иоанна Крестителя» (в Эрмитаже, в СПб.).

С наибольшей яркостью характеризуют искусство Тинторетто работы, составившие циклы декоративных панно и позволившие его «манере письма» воплотиться в грандиозных и драматичных композициях. Из его настенных панно и плафонов, также созданных в технике масляной живописи, особенно великолепны находящиеся в Скуола ди Сан Рокко («Распятие, или Голгофа», «Избиение младенцев», «Мария Магдалина в пустыне», «Медный змий» и др.) и во Дворце дожей в Венеции (колоссальное «Воскресение праведников, или Рай», «Венеция — богиня морей», «Завоевание Цары» и др.). Занимаясь преимущественно исторической живописью, Тинторетто охотно писал также и портреты, из которых многие поражают превосходной постановкой фигур, выразительностью, силой красок и широким приёмом исполнения. Таковы, например, портреты дожа Николо де Понте (в венской галерее), адмирала Н. Капелло (у герцога Девонширского, в Англии), медика А. Везаля (в мюнхенской пинакотеке), самого художника (в копенгагенском музее) и некоторые др. Всецело преданный искусству, Тинторетто воспитал в любви к нему и своих детей. Его дочь, Мариетта Робусти (1560—1590), образовавшаяся под отцовским руководством, успешно занималась портретной живописью. Немецкий император Максимилиан и король Филипп II Испанский приглашали её к себе на службу, но она не захотела расстаться с обожаемым родителем, которому суждено было вскоре после того оплакивать её безвременную кончину. Брат художницы, Доменико Робусти (en:Domenico Tintoretto) (1562—1637), подобно сестре, ученик своего отца, усвоил себе его манеру и пользовался известностью преимущественно как искусный портретист.

• Обретение мощей апостола Марка (1548).

• Тайная вечеря, 1592—1594

• Происхождение Млечного Пути, 1575—1580

• Похищение Елены, ок. 1578

Па́оло Вероне́зе (итал. Paolo Veronese), при рождении Па́оло Калья́ри (итал. Paolo Cagliari, * 1528 — † 19 апреля 1588) — один из виднейших живописцев венецианской школы, прозванный Веронезе по месту рождения, сын скульптора Габриеля Калиари, ученик Антонио Бадиле.

В своих юношеских произведениях («Мадонна», остатках фресок из Casa Contarini, фресках виллы Соранцо и виллы Фанцоло) он проявил характерные особенности веронской школы с её нежным колоритом, но вместе с тем и выказал свободу создания художественных образов, которой он был обязан влиянию рафаэлевской школы. Благодаря быстро распространившейся славе о его таланте он в возрасте 27-28 лет был призван в Венецию для украшения ризницы церкви Святого Себастиана и так хорошо исполнил возложенную на него задачу, что до 1570 года ему приходилось постоянно возвращаться к работам для этой церкви и существовавшего при ней монастыря, а по смерти своей удостоился чести быть погребенным в этом храме. Его работы в церкви Святого Себастиана отличаются легкостью рисунка и нежным, теплым колоритом, свойственным веронской школе:

• Коронование Пресвятой Девы

• Эсфирь перед Артаксерксом (Ксеркс I)

• Коронование Эсфири и триумф Мардохея

• Алтарный образ Богородицы

• Фрески, изображающие житие и страдания Святого Себастиана

• Христос у Симона Фарисея

В своих изображениях евангельских сцен с участвующим на них Христом (Брак в Кане Галилейской, Христос у Симона Фарисея; Христос у Симона; Брак в Кане Галилейской и Христос в Еммаусе) Калиари своеобразно соединил библейское с современным: в помещениях, украшенных в венецианском вкусе XVI века, с архитектурными задними планами в стиле Возрождения, пируют, в венецианских же костюмах, современники художника. В этих произведениях оживает перед нашими глазами все великолепие пиров тогдашнего времени; мы видим ту жажду удовольствий и ту любовь к роскоши и нарядам, которыми отличались старинные венецианцы.

По лёгкости письма и свежести колорита фрески на вилле Мазер предвещают импрессионистов

Легкость отношения к духовным сюжетам однажды навлекла на художника преследование инквизиции: он был обвинен в 1573 году её судом, но сумел оправдаться и был принужден только исправить и исключить некоторые фигуры в одной из своих картин. В числе религиозных его произведений, кроме вышеприведенных, заслуживают быть упомянутыми:

• Обручение св. Екатерины

• Мучение св. Юстины

• Святого Георгия

• Снятие с креста

• Отдохновение на пути в Египет

Из картин его на светские сюжеты можно указать:

• Семейство Дария

• Похищение Европы

• Концерт

• Юпитер

• Марс и Венера

Во всех этих произведениях среднего периода деятельности Веронезе умелый и изящный рисунок соединяется с богатством замысла и с блеском и теплотой колорита. Как портретист (портреты Маркантонио Барбари, Даниеле Барбаро, воина, сенатора из фамилии Капелло, Джованни Барбариго) Паоло Веронезе близко подходит по манере к Тинторетто, но при всем том остается, как везде, оригинальным.

Также следует рассмотреть его декоративные работы, из числа которых многие, к сожалению, до нас не дошли; работы эти отличаются, помимо их в высшей степени умелого приспособления к архитектурным целям, смелостью замысла, свободой исполнения, ласкающей глаз свежестью колорита; его стенная и плафонная живопись составляет сильную сторону его таланта. Особенно интересны в этом отношении, например, фрески в вилле Барбаро в Мазере, в вилле Тиене, в замке в Маньядоле и во Дворце дожей в Венеции. Часть исполненных им во Дворце дожей работ теперь находится в других местах; лучшие из них — в зале Большого совета:

• Возвращение дожа Андреа Контарини с морской победы над генуэзцами при Кьодже

• Защита Скутари Антонием Лоредано

• знаменитый плафон Апофеоз Венеции

Веронезе в 1566 г. женился на дочери своего учителя Антонио Бадиле. В непрестанной работе, окруженный всеобщим уважением и почетом, он умер 19 апреля 1588 г.

После его смерти его сыновья Карлетто и Габриеле вместе с его братом Бенедетто образовали товарищество и выпускали из своей мастерской картины за подписью «наследников Павла» (Heredes Paoli); но, переняв его манеру, они не унаследовали его гения, и масса разбросанных по всему свету картин их работы, часто идущих под именем великого художника, весьма низки по качеству.

Из подражателей и последователей Веронезе заслуживают быть названными: Баттиста д’Анджело, Баттиста Дзелотти и Даоло Фаричати.

1-1

1-2

Раннее христианское искусство

Христианство первоначально явл сектой как религия и было запрещено. потому первые 3 века христиане скрывались и строили свои храмы под землей. Катакомбы. Само слово переводится "У могил" с итал. Святилища были тайные. За религию жестоко наказывали.

В конце 14 ого века катакомбы были открыты заново. Большинство находилось в Риме. Первая катакомба находилась возле древнего кладбища. Ранее христианство сыграло огромную роль в формировании Европейского искусства. В дальнейшем христианскому искусству (с 3его по 9 век) было примешано (присоединилось) искусство варварских племен, мусульманская культура. на этой смеси появилось Европейское искусство и культура. Формируется новая цивилизация.

Отличия от античного искусства. В раннем христианском искусстве не разрешалось изображать человека (первые 5 веков), изображались знаки и символы. Чаще всего животные или растения. самая главная часть - гроздь винограда или лоза. Лоза - символ Христа. (Виноград - символ крови Христа) Тем не менее в культуру проникали языческие символы. Птица- символ души. Разные птицы. Павлин - символ девы Марии. Также это символ богини Геры (язычество)

Корабль - символ церкви. Олень - символ жаждущий религии и веры (вечная жизнь, перерождение) Ягненок (Агнец) символ Христа. В то время существовали только письменно, портретов не было (появились только в 14 веке) Рыба - символ Иисус Христос сын Божий (зашифровано "рыба")

В конце 2ого века в катакомбах появляются фигуры. Но это фигуры-символы. Отвлеченные фигуры которые что то символизируют.

В это же время формируется художественный язык и форма изображения. Христианская фигура плоская, никакого объема и реалистического изображения. Оранта - символ души человека. Всегла изображают с распахнутыми руками и изображают большие глаза. Символ молящийся души. Глаза - это проводники (поэтому рисовали большими). Ранее христианство искало другой художественный язык, отличающийся от язычества. Добрый пастырь с ягненком на плечах - символ Христа. В христианстве композиция не используется 3ех мерного пространства, нет перспективы. Изображение плоскастно и композиция ленточна. Такая композиция существовала до 14 века. Тк христиане не знали как выглядит большой кит, то его изображали наподобии дракона. В катакомбах также хранили христиан.

1-3

1-4

В 4ом веке император Константин Великий провозгласил христианство официальной религией Римского государства. И христианство вышло на поверхность. К тому времени христианство сильно разрасталось. Тем не менее язычников притесняли. Появляется официальная церковь. Церковь ищет тип здания для своих богослужений. Языческий тип не подошел (типа периметра). Это тип здания который в языческие времена заседала администрация. Базилик. Слово и традиция пришло еще из Греции. Вождь города звался Базилевс.

Базилика - это здание четырехугольной формы, которое внутри делится колоннадой или аркадой на сквозные коридоры. Их может быть 3 или 5. Эти коридоры называются неф. Первый (центральный) неф самый высокий, в верхней части имеет окна. У входа в Базилику находится натекс (фойе перед входом), где верующие должны были вымыть руки и ноги, привести себя в порядок. В конце Базилика находится Алтарь и алтарная стена (в восточной части). Храм всегда располагается с запада на восток (вход- запад, алтарь - восток). В конце 4ого века Римская империя раскололась на две части. На восточную и западную. Еще в 30тых годах 4ого века император Константин решил построить новый город на востоке (Константинополь) сделав этот город столицей империи. Причина: Рим в течении 5ти веков постоянно подергался набегам варваров и ослабла как империя. Вся старая аристократия осталась в Риме. Появился раскол между двумя столицами. В итоге империя раскололась. Восточная римская империя стала называться Византией. В 10ом веке христианской церкви произошел раскол на православную и католическую. Византия - православие, римская западная империя - католичество. Патриарх и папа римский.

Начиная с 5ого века, христианское искусство делится на 2 части.

1. Искусство Италии под влиянием искусства Византии. Города Ровена, Рим.

2. Развитие северной и центральной части Европы. Англия, Франция, Германия, Испания, где большое влияние оказывали варварские традиции.

Происходит разделение искусства. Разные пути и направления. В 410 году, Рим был захвачен и разграблен Германскими племенами Вестготов. В 455 году, Рим захватили вандалы. В 476 году, Рим был захвачен Германским наемником Одаакром, который провозгласил себя Римским императором, убив последнего императора Августа.

Начиная с 476 года, начинается новая история. Варварские короли правят Римом (Италия) до 10ого века. Одаакр был первым римским императором, но не признавал христианство. Следующий король Рима Тиадорих (конец 6ого века), принимает христианство и переносит столицу в город Равенна, строит там много храмов и дворцов.

Мавзолей Тиадориха в Равенне.

Еще в 4ом веке, наряду с появлением Базилики, как основного типа христианского храма, был утвержден еще один тип. Центрический храм. В плане круг. Центрический храм предназначался для мавзолея или баптистерей (для крещения). Баптистери строились рядом с храмами.

В Равенне в конце 6ого - начала 7ого, строилось большое кол-во храмов.

Арийский Баптистский. Внутри выполнен полностью из мозаики.

Тиадорих стал дружить с Константинополем, оттуда приезжали архитекторы.

Баптистский православных.

Мавзолей Галлы Плацидии. (центрическая постройка)

Символы. Появляются фигуры.

Три животного и человек - тетраморф. Изображение четырех евангелистов в виде трех животных и человека. Апостолы которые написали четыре Евангелия. Евангелист Марк изображается в виде крылатого льва. Иоан изображается в виде ангела. Лука изображается в виде крылатого орла. Матвей изображается в виде крылатого быка. В католической традиции тетроморф изображается очень часто.

Сан Витале (базилика)

Это императорская базилика, где проходили службы для императора и его двора. Имела символы светской власти. Шествие к алтарю. В мозаики часто использовалось золото.

Сан Аполлинера Нуово (базилика) с колокольней и баптитерией.

Северная и центральная Европа. Средние века в Европе делятся на несколько периодов.

1-5

1. С 5ого по 9ый век "Темные века" переходный период когда происходит формирование будущего европейского стиля, соединение античных и варварских традиций. Процесс был долгим и неравномерным по территории. Варварские племена, после падения Рима обосновались в Европе, Франки осели в Галлии (территория современной Германии и Франции), Остроты и Лангабарды в Италии, Англосаксы в Британии, Вестготы в Испании. В последствии образуются Европейские страны.

В период темных веков с 5ого по 9ый век, Галлией правила династия Меровингов или "Ленивые короли".

Архитектура темных веков. С точки зрения искусства это упадок.

Сан Хуан Баутиста (7 век, Испания)

Санта Мария дель Монте Нарранко. Испания.

Сан Митель де Линьо.

Ораторий Галерия 7-8 век, Англия.

Санта Кроче 9 век - Италия.

Храм Клитуимна.

Баптистерий Св. Иоанна.

Упадок был в архитектуре в живописи и скульптуре.

Живописи не было. В темные века зарождается традиция миниатюрной живописи. В монастырях пишутся святые книги, где особое внимание уделяли изображению заглавной буквы и изображению святых или сюжетов. Единственно в чем варварские племена были на высоком художественном уровне, это декоративно прикладное искусство. Украшение оружия, создание ювелирных украшений, крестов, ларцов.

Стальной венец. 5ый век.

Курица с семью цыплятами (скульптурная группа)

Сапфировая чаша (5 век)

Корона Теоделинды 6-7 век.

Кубок короля Теодорика 9 век, Франция.

Период Королингский ренесанс.

В 7ом веке династия мировинга, становится номинальной, а власть в свои руки, берут их мажордомы. Карл Мартел. В 8ом веке, он и его дружина остановили экспансию мусульман в Европе. Его внук стал основателем следующей династии. Династии Королингов, от этой династии появилось слово "Король". Во время правления Карла Великого, уделялось большое внимание искусству и культуре и ориентировались на античные памятники. Карл завоевал территории всей Северной и центральной Европы от Италии до Чехии. И почти восстановил территории прежней Римской империи. За это папа Лев III (папа Римский) после того как Карл принял Христианство, короновал его , короной римских императоров и на время Римская империя была восстановлена, но под правлением Варварского короля. Называлась она Священная Римская Империя.

После раскола империи, образовалась Византия и западная римская империя. Период темных веков, период варварских королеств.

К 9ому веку, ситуация стабилизировалась, появляется лидер, который завоевал все варварские королевства, создает новую империю. Карл Великий, по происхождению франк. Завоевал всю центральную и восточную Европу, дошел до Киева и Средиземного моря, а также островную часть Британии. За то что обеспечивал папе римскому безопасность и автономию, его коронуют, становится императором Священной римской империи.

В это время христианство продвигается дальше в северную Европу. Когда Карл Великий завоевал большинство территорий, он понимает что ему нужно как то объединить всё завоеванное, стал заниматься культурой. Период Королевский ренессанс. Основывает свою столицу, город Ахин (между Германией и Францией, ныне территория Германии) Строит шикарные дворцы, храмы уделяет много внимания культуре и строительству. Часто произведения эпохи Карла Великого сложно найти. Приглашались мастера из Византии. При своем дворе Карл создает кружок людей, который занимается изучением, чтением, ученый кружок. Когда Карлу было за 40, он стал учиться писать. Капелла в ахине. (то что сохранилось)

Была перестроена в Готическое время. Ворота в Морщил

Араторий. Монастырский комплекс, Ораторий Жерминьи Де Пре.

Украшения оратория - мозаика. Приглашались мастера мозаики.

Помимо архитектуры процветала миниатюра. Миниатюры достигают рассвета и формируются в этот период основные школы. Школы разделяются манерой и стилем. Школы находились в монастырях, учились только там. Реймская школа. Придворная школа, где преобладает демокративизм.

1-6

Священную римскую империю восстановил внук карла великого Отон I. Впоследствии все императоры Римской империи это императоры Австрийской империи.Когда Отон стал императором, он также поощрял искусство, строил крепости, дворцы, храмы. Отонновский ренессанс (10ый век) совпал по хронологии с началом Романского стиля. Делится на два периода, романский и готический. С 10 ого по 16ый век эпоха средневековья. В Италии по начало 15ого века. Во Франции и Германии по начало 16ого века. В Англии до начала 17ого века.

Первый стиль - Романский. С 10го века по середину 12ого века. Второй стиль- Готический. С середины 12ого века по 16ый век.

Дворцовая капелла в Ахене — единственный сохранившийся относительно неприкосновенным фрагмент знаменитого Аахенского дворца. Это уникальный памятник архитектуры времён Карла Великого, который здесь похоронен. На протяжении 600 лет в часовне проходила церемония коронации императоров Священной Римской империи. Капелла дала городу его французское название — Экс-ля-Шапель. Ныне входит в комплекс Аахенского собора (памятник Всемирного наследия).

Карл Великий начал строительство дворца в Аахене не позже 792 года. Дворцовая церковь была освящена папой Львом III во имя Девы Марии в 805 году. Восьмигранное здание симметрично в плане и увенчано куполом. В его архитектуре преломились мотивы позднеантичной и ранневизантийской архитектуры (один из вероятных прообразов — равеннская Сан-Витале). Проект разработал некий Одон из Меца.

Колонны и декоративное убранство, по свидетельству Эйнхарда, представляют собой сполии, доставленные для украшения капеллы по приказу императора из Равенны и Рима. Храм был призван наглядно воплотить притязания Карла на преемственность по отношению к римским и равеннским императорам. Подкупольные фрески с течением времени были заложены мозаиками. В отличие от этих элементов убранства, трон Карла с мраморными инкрустациями сохранился до наших дней.

Имперское аббатство в Лорше (нем. Reichsabtei Lorsch) под Вормсом известно в истории как один из главных центров Каролингского возрождения.

Бенедиктинский монастырь св. Петра был учреждён в Лорше в 764 году графом Канкором (вероятно, кто-то из Робертинов). Первые два года новой обителью управлял племянник графа, мецкий епископ Хродеганг. Затем управление было передано его брату. В знак особой благосклонности папа римский прислал в аббатство мощи св. Назария, которые должны были привлечь в Лорш паломников. В честь св. Назария был в 774 году освящён и соборный храм; на церемонии присутствовал сам Карл Великий.

Каролингское искусство развивалось на отрезке приблизительно в 100-лет, между 800—900. За этот короткий период Северная Европа познакомилась с римским искусством, что подготовило почву для появления готического искусства и искусства Возрождения. В этот период развились книжная миниатюра, скульптура, мозаика и фреска.

В эпоху Каролингов необычайного расцвета достигло искусство книжной миниатюры. В конце VIII в. под покровительством Карла Великого в Ахене была организована книгописная мастерская, позже подобные мастерские возникли в других городах его империи — Реймсе, Туре.

Из всех работ, выполненными этими мастерскими, наиболее известны «Евангелие Годескалька» (около 781—783) и «Утрехтская псалтырь» (IX век). Эти книги оформлены необычайно красочными миниатюрами, которые поражают яркостью и живостью образов.

Из пластики этого периода наиболее известна статуэтка «Карл Великий» (хранится в Лувре, возможно, изображён Карл Лысый).

Наряду с раннехристианской традицией, восходящей к античности, элементами пространства и объёма в монументальной живописи 9 в. наблюдаются черты порывистости, экспрессии. Ещё сильнее они проявились в книжной миниатюре (изображения евангелистов, библейских сцен, монархов каролингской династии).

В некоторых миниатюрах («Евангелие Годескалька», около 781—783, Национальная библиотека, Париж; «Евангелие Ады», начало 9 в., Городская библиотека, Трир) античная стилистика сочетается со средневековой символикой и орнаментикой, другие («Евангелие Эббо», около 816—835, Городская библиотека, Эперне; «Утрехтская псалтырь», 9 в., библиотека университета в Утрехте) поражают страстной взволнованностью, непосредственностью наблюдений, свободой и динамикой композиции и рисунка. Различается ряд местных школ миниатюры (дворцовая в Ахене, реймсская, турская и др.).

7

Делится на два периода: Ранняя романика (с 10ого века по середину 11ого). Было время накопления знаний и формирования Романского стиля. Второй период - зрелая романника. (вторая половина 11ого - первая половина 12ого века) В некоторых местах до 13ого века. Это было время когда уже зародилось средневековая культура. Появляется культура "Рыцарства" (Рыцарская культуазность) . Были записаны в это время варварские саги и сказания. Появляется средневековый эпос. В архитектуре создаются первые шедевры.

В 15ом веке в Италии начинается эпоха ренессанса. Готика стала казаться некрасивой. Появляются писатели как Вальтер Скотт. Те кто пришли после него и стали изучать архитектуру и поэзию, сделали вывод, что не все средневековье похоже.

В основе Римской архитектуры использовались арки. И использовали римские типы зданий (например Базилика). Романский стиль, на территории Св. Римской Империи Отона I романника в различных местностях развивалась неравномерно. Наиболее последовательное формирование Романского искусства осуществлялось во Франции. Важными центрами романского искусства были Бургундия, ламбардия, Лангетов, Южная Франция. (прованс и пуатье). Ранняя Романника. Многие Романские храмы перестраивались в Готические. Аббатство Сен Дени. Захоронены все французике короли. Аббатство было уже сформировано, потом перестраивалось. Основное строительство в 10ом веке.

Характерные черты Романской архитектуры.

Базилика (храм) которая чаще перерывалась по коробовым сводам или крестовым. Храмы имели толстые стены, доходящих до метра в ширину и узкие окна. В таком помещении возникает ощущение давления, мощи каменных стен.

Архитектура локанична, никакого декора, гладкие стены. Тк узкие окна, то в храме было темно. Архитектуру можно разделить на две части: религиозная и светская. Светская архитектура это замок, ратуша (типа мэрии)

Замок, самая главная часть - дэнжон (главная башня) Обязательно оборонительная стена, ров, мост через ров, который являлся одновременно дверью в крепость.

Романский храм в гармонии с окружающей средой. Архитекторы проектируя храмы, думали и о оборонительных функциях, но и о взаимодействии с окружающей средой. Сен Фуа.

Зрелая Романика.

Стены украшались фресками (до нашего времени почти не сохранились) В зрелой романике своды и стены обретают более сложную конфигурацию (крестовый свод) и украшаются не живописью, а скульптурным рельефом.

Храмы. Сен Пьер в Ангулеме. (ближе к Готике)

Сен Фрон в Перигё.

В эпоху зрелой романики формируется скульптура. Все средние века под скульптурой подразумевается скульптурный рельеф. В раннюю романику, плоский рельеф. В зрелую романику, становится всё более выпуклым, насыщенным свето-теневыми эффектами. Но неизменна сохраняющим связь со стеной. (какбы вырастает из стены.) В готическом искусстве скульптура приобретая объем но располагается на фоне стены или у стены. В то время скульптура еще не рассматривалась, как пространственный объект.

Романская скульптура. Зрелая романика. Во Франции существовало четыре сильных архитектурноскульптурных школ. Первая школа - Лангедока (самая старинная школа). Бургунская школа, Прованская школа и школа Пуатье.

Лангедокская школа. Отличительные черты. Тк на территории сильны были варварские традиции, пластически скульптура тяготела к реализму а не к стилизации. Объемный рельеф. Повышенная экзальтация и эмоциональность образов. В средневековой скульптуре подчеркивалось преобладания духовного над физическим. Поэтому форма (тело) чаще уродливая и некрасивая, чтобы дух торжествовал над плотью.

церковь Сен Пьер в Муассаке. в романской архитектуре скульптуре были отведены определенные места. В интерьере храма скульптура появлялась только на капителях, а в экстерьере на фасаде над порталами. На фасаде всегда было три портала. (итал. Порта - вход) Тимпан (над порталом). Они особо украшались. Еще скульптура располагалась по бокам портала.

Видение 24ех апокалиптических страцев (тимпан)

Были сильны варварские верования. (традиции античности). Поэтому церковь очень жестко руководила в этих областях и основной темой в украшениях храмов был апокалипсис и страшный суд. Также изображен Петр с ключом от Рая.

Бургунская школа, церковь Сен Мадлен в Везле. Тимпан над входом называется сошествие святого духа на апостолов.

Лаконичная стена без узоров, 3 портала

Бургунская школа один из шедевров романской культутры.

Расположение скульптуры на фасадных стенах.

Расположение скульптуры в интерьере, 2 распространенных места. Канитель и над входом или арками.

Сошествие святого духа на апостолов. Тимпан.

Основное правило всей скульптуры графики живописи: иерархия, величина фигур которая изображалась, не на основе перспективы, а на принципе, чем изображаемый ближе к небу (к Богу) тем больше.

маленькие люди - пигмеи

большеухие люди

собакоголовый (кинекепалый)

Школа Прованса

Церковь СентЭлер

Сен Трофин в Арле

Сен Жиль

пластика более реалистична

античные традиции

школа Пуатье

рельеф скульптурный располагается не только на тимпанах и порталах , но и на фасаде.

Канители были 2ух видов

Фигурная и Орнаментальная

Орнаментальная делилась на два типа: Растительный и геометрический орнамент.

Можно было изображать обнаженными только Адам и Еву.

Второй - аллегория сладострастия или грехопадение.

Третий - тело Христа или тело святого Себастьяна.

Капитель Битва Монстров.

искушение музыкой

1-8

Готика

12 век 1130 год

и просуществовала до 16ого века. Франция 12ого века (половина 12ого века) до 15ого века. В Италии с 13ого до конца 14ого века. В Англии с 13ого по 16ый век.

Готика зародилась во Франции. В местности Иль Де Франс. (центральная Франция) В аббадстве Сен Де ни. Появилась благодаря Сугерея.

Хотел чтобы храм наполнял дневной свет и нашел архитекторов, которые смогли придумать такой тип конструкции, который позволил расширить окна и создавать высокие храмы с перекрытиями.

Готика

В отличие от других стилей можно назвать точные хронологические рамки

В 1132 году (12 век) зарождается во Франции в Иль Де Франс, местность центральной Франции в аббадстве Сен Де Ни.

В начале 12ого века происходят архитектурные реформы в аббадстве. Аббатство являлось королевским, а также усыпальницей всех королей Франции.

Сам термин Готика возник в 15ом веке, в Италии в эпоху Ренесанса. Этим словом, в те времена называли всё средневековое искусство. Готика, от слова (название племени варваров) Готы. В 19 веке, когда начали изучать культуру средних веков, разделили искусство средних веков на романский стиль (с 10 - по сер. 12) и на Готический стиль (сер. 12 по 15-16 век). В италии готика с 13ого века по начало 15ого века. В Англии с 13ого века по 16ый (включая 17ый) века. В Германии середина 12ого - включая 16ый век.

Очень редкий случай, когда созданию стиля способствовал одному человеку. Аббат Сугерея. Романские храмы достаточно тяжеловесные. Окна находятся только в верхней части постройки, достаточно маленькие окна. Аббат Сугерея занялся проблемой, чтобы сделать окна больше. Он старался сделать окна больше, а храм светлее. Проблема была решена, храм перестроили в 1132 году, он стал на половину в готическом, на половину в романском стиле. В основу готики ложится стрельчатая арка. В итоге стала по другому располагаться нагрузка на стены.

1-9

Периоды Готики.Делится на три периода, во Франции, ранняя готика. Сабор Сен Де Ни. Первые готические храмы, перестраивались из романских построек. В конце 12ого - начале 13ого века, стиль распространяется на территорию всей Франции, появляются полностью готические храмы. Это период Зрелая готика (конец 12ого - 13ый век) Зрелой Готикой еще называется лучистой. К храмам зрелой готики относится НотерДам (шахтерский собор) Реймский собор, Собор Парижской Богоматери, Нотердам в городе Лане. В средние века был культ девы Марии, она почиталась больше чем Христос. Только с 17ого века начинается культ Христа, тк церковь, решила перенести основной акцент на сына Бога. Появляются церкви Ильджизу (в честь Христа) церкви больше в стиле Борроко.

Нотердам в Париже. Наиболее известный, является уникальным. Суть является в пропорциях, они достаточно гармоничны. Западный фасад украшался так. Делился на несколько горизонтальных частей 3 или 2, в центре всегда окно-роза. Окно - это символ девы Марии. Фасад украшается рядом скульптур, расположение не было каноном, просо ряд скульптур. Нижняя часть состоит из трех порталов (как в романскую эпоху). Украшались рельефной скульптурой. На западном фасаде расположены две башни. В готическом храме центр нерфа пересекает транцепт. План здания превращается в католический крест. В месте где центральный нерф пересекается с транцептом располагается башня средокрестия. Две башни на фасаде существовали только во Француской архитектуре.

Шартр Нотр Дам. строительство началось в начале 12ого века после пожара, уничтожившего романскую постройку. Основная часть здания была достроена к 14ому веку, но шпиль достраивали до 16ого века. Готические храмы строились очень долго (минимум 5о лет, максимум 200 лет - 400 лет). В каждом готическом храме находится подземное хранение - Критта. Существует очень много языческих символов, например символ Аполлона (солнце).

Тк стены храма в интерьере неровные, это выступающие и углубленные поверхности, то расписывать такой храм фресками не было смысла. Поэтому живописными панно, в готическом храме являются витражи. Стены голые и неукрашеные. Уникальность собора, в том что витражи сохранились до нашего времени. Цвет также имеет символическое значение. Самый главный цвет - золотой, символ божественности. Белый цвет - символ святости. Синий и голубой цвета - символ божественной сущности. Красный - символ страстей (в смысле жизнь), символ плоти, земных страданий (физических и духовных). Фиолетовый цвет - цвет молитвы.

В ранюю и зрелую готику скульптура уже вычленяется из поверхности стены, но обязательно находится на её фоне. Это по форме вертикальные столбики, с намеченными руками и задрапированные складки. Также этот собор очень часто писали художники.

1-10

Из Франции Готика распространяется по всей Европе. После Франции, наиболее ярко этот стиль реализовался в Германии, где были усвоены готические конструкции. Также как и во Франции ,в Германии, бурное развитие получила скульптура.

В Германии готика начала развиваться позже, чем во Франции, но это не помешало немцам внести свой, достаточно весомый вклад в историю готической архитектуры, а также создать абсолютно новый тип — “кирпичную готику”.

Итак, самыми образцовыми немецкими готическими соборами являются знаменитый Кёльнский собор, высоченный Ульмский собор и Фрайбургский Мюнстер, ставший знаменитым благодаря венчающему его башню шпилю, который называют чудом христианского мира. Кёльнский собор

Кроме того, что это один из самых больших и красивых готических соборов в Европе — он ещё и был самым высоким зданием мира с 1880 по 1884 год. Жемчужина Кельна и шедевр готической архитектуры, Кельнский собор Святых Петра и Марии поражает своей монументальностью, величием и, одновременно, легкостью и изяществом, ажурностью устремленных ввысь форм.

Он представляет собой огромную пятинефную базилику из красноватого камня трахита, площадью около 8500 кв. м. Длина собора 144 метра, ширина трансепта — 83 метра, высота здания до гребня крыши — около 60 метров. На западном фасаде собора расположены две колоссальные башни, увенчанные остроконечными шпилями. Они поднимаются в высоту на 157 метров. Здание имеет снаружи множество опорных пилястр, аркбутанов, фиалов, галерей, сквозных решеток, а его главный портал богато украшен скульптурной пластикой, декоративной резьбой, повторяющимися от яруса к ярусу стрельчатыми арками. Огромный основной зал собора окружен множеством часовен и капелл, звездчатые своды поддерживают колонны высотой в 44 метра. Грандиозность внутреннего пространства собора ощущается не только благодаря внушительным абсолютным размерам, но и вследствие нарочитого перепада высот: средний неф в два с половиной раза выше боковых, также на разных уровнях расположены неф и хор. Стены, своды, пол собора выложены из серого рейнского камня. Две крутые винтовые лестницы — в 509 ступенек каждая — ведут на колокольни, устроенные в средних ярусах обрамляющих фасад башен. Отсюда, с высоты около 100 метров, открывается великолепная панорама Кельна и окрестностей.

Огромные башни Кельнского собора видны практически из любой точки города, но особо потрясающее впечатление собор производит в вечернее время — благодаря зеленоватым отблескам подсветки на темном камне.

Кельнский собор — это не только место проведения церковных служб, но и крупнейший музей, где собраны за долгие столетия богатейшие коллекции картин, скульптур и драгоценностей. В соборе хранятся сокровища, которые просто не возможно все перечислить и дать им оценку. Среди них в первую очередь следует назвать такие памятники средневекового искусства, как ряды скамей в хоре, фрески над ними, главный алтарь, 14 скульптур — Христос, Дева Мария и 12 Апостолов на ограде хора. Высоко в верхних рядах окон сияют великолепные витражи. Окна Королей а также Библейские окна и окна Святых волхвов, расположенные в галерее хора, в боковой капелле, сохранились с 1280 года.

В Мариенкапелле можно восхищаться знаменитым “Поклонением волхвов” — престольным образом работы Стефана Лохнера. Еще в одной капелле находится древнейшее из скульптурных изображений Распятия, в другой — погребен основатель Кельнского собора архиепископ Конрад фон Хохштаден. Сокровищница собора хранит также раку Святого Энгельберта, знаменитый крестовый реликварий, кресты различных эпох, епископские жезлы, статуи святых, ценные дароносицы и многое другое.

Ульмский собор — второй по величине готический собор Германии после Кельнского собора. Построен он был на средства зажиточных горожан. Во эпоху Средневековья под мощными сводами собора могли разместиться более 20 000 верующих. Массивная западная башня собора высотой 161 метр является самой высокой церковной башней в мире. Башня была достроена только в 1890 году, после многовекового перерыва в строительстве, и именно тогда собор приобрел мировую известность. Со смотровой площадки на башне открывается захватывающая панорама, а в хорошую погоду оттуда видны даже Альпы!

Готический кафедральный собор с его гигантской западной башней возвышается в самом центре Ульма. Ульмский собор — бесспорный символ города.

Строительство собора было начато в XIV веке и продолжалось еще пять веков. Собор является посещаемым, а значит действующим, выполняющим как и в далеком прошлом свою миссию на германской земле Баден-Вюртемберг. Он насчитывает в год более 1000 евангелических богослужений и подобных других мероприятий. Его называют “живым”, так как открыт он каждый день.

1-11

стиль развивается дальше по Европе. В начале 13ого века, Готика распространяется в Англии.

Английская Готика.

Термин достаточно условен, потому что англичане в первую очередь переняли декоративную часть готики, а не конструкцию. Во Франции и Германии готические соборы идут по вертикали (собор-проводник к Богу), в Англии здания расположены по горизонтали.

Уэльский собор.

Еще одно отличие. Англичане практически не используют розы.

Башни на колокольне (фасаде) более примитивны.

Редко украшаются скульптуры, в основном орнаментальный декор.

В Англии было создано большое и уникальное количество перекрытий, сводов, а также разнообразные конструктивные элементы, которые нигде не встречались, кроме как в Англии.

Хронология.

Начало в 13ом веке, конец в 17ом веке.

Является национальным стилем.

Делится на три периода.

Ранняя готика (ланцедавидный стиль). Первая половина 13ого века (около 60 лет)

Высокая (Средняя?? О_о) готика (декоративный стиль) вторая половина 13ого - первая половина 14ого века (1270 г до 1350 г)

Поздняя готика (1350г - 1539г)

Уэльский собор относится к первому периоду, построен в 1230 году.

Соборы строились не так долго как во Франции или Германии (около 30 лет)

Солсберский собор. ТАкже как и в Уэльском соборе присутствует арка средокрестия.

Линкольнский собор.

Виндзорский замок (резиденция недалеко от Лондона), принадлежала монархии. На данный момент является летней резиденцией монархов.

Вестнистерское абаддство, очень хорошо представлен тип перпендикулярной готики (поздний период).

Веерообразные виды перекрытий, а также перекрытия напоминающие паруса кораблей.

Паутинообразное перекрытие.

1-12

В Италии готика также появилась в 13ом веке, Италия переняла от готики только декор, конструкции остались традиционными для Италии.

Постройки во Флоренции.

Старый дворец (??)

Палаццо Веккью

Зрелая готика. Санта Мария Дель Фьоре (около 30 лет)

Компанила (колокольня) + баптистелий

Итальянцы практически не использовали серый камень, использовали цветные камни, белый розовые и синии тона (большая красочность)

Сиенский собор. (13ый век) Джованни Пизано (архитектор)

Мозаика - традиционная техника для Италии и Византии.

Миланский собор( строили с конца 13ого века до 18ого века)

Был разрушен в 20ом веке во время войны.

Только в Миланском соборе на шпилях расположены скульптуры (причем далеко не готические)

Скульптура в стиле ренесанс.

Венеция.

Дворец Дожей (в честь верховного правителя). построен в 13ом веке.

собор и площадь Сан марко (собор строится в 14ом веке) в Венеции.

В Италию готика пришла намного позже, только к XV в. и не получила такого же сильного развития как во Франции и Германии.

• Палаццо Дожей, (Palazzo Ducale). Венеция. Был заложен ещё в IX в. как оборонительное сооружение, но несколько раз подвергался пожарам, вследствие чего, много раз перестраивался. Первоначальный квадратный план здания с большим внутренним двором остался почти без изменений, а нынешние фасады приобрели свой декор, напоминающий орнаменты мусульманских сооружений, к началу XV в. Первый сквозной этаж образуется лёгкой аркадой, на втором этаже подхватываемой ажурными колоннами с удвоенным шагом, на которых покоится огромный блок третьего этажа. На протяжении веков только это здание Венеции именовалось палаццо, все остальные дворцы, носили скромное название Ca’ (сокращенный вариант от Casa, то есть просто дом). Здесь размещалась не только резиденция дожа, но также совет Республики, суд и даже тюрьма.

• Миланский собор, 1386—XIX в. Изначально был задуман такого огромного размера (в нём помещается 40 тысяч человек), что с большими трудностями был частично завершён только к концу XVI в. Строительство началось в 1386 г., а в 1390 г. было объявлено о сборе средств и посильной помощи среди миланцев для ускорения строительства собора. Первоначальный замысел предполагал кирпичную кладку, что можно увидеть и сейчас в северной сакристии собора, но в 1387 г. герцог Висконти, желавший видеть собор великим символом своей власти, пригласил ломбардских, немецких и французских архитекторов и настоял на использовании мрамора. В 1418 г. собор был освящён папой Мартином V, но оставался незаконченным до XIX в., пока при Наполеоне был не завершён фасад. Более пяти веков строился этот собор и, в результате, соединил многие черты архитектурных стилей, от барокко до неоготики.

• Ка д’Оро (итал. Ca' d’Oro — Золотой дом) в Венеции. Расположенный на Большом Канале этот дворец претерпел множество изменений, а в интерьере осталось очень мало от готического дворца XV века.

1-13

Базилика (храм) которая чаще перерывалась по коробовым сводам или крестовым. Храмы имели толстые стены, доходящих до метра в ширину и узкие окна. В таком помещении возникает ощущение давления, мощи каменных стен.

Архитектура локанична, никакого декора, гладкие стены. Тк узкие окна, то в храме было темно.

Неф (фр. nef, от лат. navis — корабль) — вытянутое помещение, часть интерьера (обычно в зданиях типа базилики), ограниченное с одной или с обеих продольных сторон рядом колонн или столбов, отделяющих его от соседних нефов

Архитектурный тип «корабль» характеризуется расположением частей церкви (храма, трапезной и колокольни) в одну линию, в чем было найдено сходство с кораблем. По вопросу точного определения типа существуют различные точки зрения. Согласно одной из них, церковь должна иметь в плане прямоугольную форму.^[1] Согласно другой, достаточно расположения на одной линии "запад-восток", форма в плане принципиального значения не имеет. В этом случае большое количество православных храмов может быть отнесено к типу "корабль" ввиду популярности расположения храма, трапезной и колокольни в одну линию.

В готическом храме центр нефа пересекает транcепт. План здания превращается в католический крест. В месте где центральный неф пересекается с транcептом располагается башня средокрестия.

Трансе́пт (от позднелат. transeptum из лат. trans «за» и лат. septum «ограда») — поперечный неф (корабль) в базиликальных и крестообразных в плане храмах, пересекающий под прямым углом основной (продольный) неф и выступающий концами из общей массы сооружения.

В основу готики ложится стрельчатая арка. В итоге стала по другому располагаться нагрузка на стены.

арка, образованная двумя выпуклыми полуарками, пересекающимися под углом в вершине и очерченными из двух и более центров дугами, радиусами более половины длины пролёта

Нервюра в архитектуре (фр. nervure — жилка, прожилка) — выступающее ребро готического каркасного крестового свода.

Наличие нервюр в совокупности с системой контрфорсов и аркбутанов позволяет облегчить свод, уменьшить его вертикальное давление и боковой распор и расширить оконные проёмы. Нервюрный свод также называют веерным. Система нервюр (главным образом в архитектуре готики) образует каркас, облегчающий кладку свода.

Аркбутан это каменная полуарка, которая переносит распор свода на контрфорс.

Аркбута́н (фр. arc-boutant) — один из типов используемых в церковной архитектуре контрфорсов в форме наружной полуарки, передающей горизонтальное усилие распора от сводов постройки на опорный столб и расположенной за пределами основного объёма здания.^[1][2]

Применение аркбутанов позволяет значительно сократить размеры внутренних опор, освободить пространство здания, увеличить оконные проёмы, а также пролёты сводов.

Традиционно аркбутаны связывают с готической архитектурой, хотя в замаскированном виде они применялись ещё в византийских и романских сооружениях. Однако в XII веке аркбутаны, по-прежнему выполняя функцию распределения нагрузки, превратились в специально выставленный на показ декоративный элемент и использовались в таких известных сооружениях как Шартрский собор, Собор Парижской Богоматери, Собор в Бове, Реймсский собор и др.

Система контрфорса и арбутан. Контрфорс - это вертикальная конструкция (столб) представляющая собой либо выступающую часть стены, либо либо отдельно стоящий столб. Этот столб связан со стеной арбутан. Арбутан это каменная полуарка, которая переносит распор свода на контрфорс. Те контрфорс предназначен для усиления несущей стены (подпорка своего рода). Верхняя часть контрфорса венчает ПИНАЛкль

Контрфо́рс (фр. contre force — «противодействующая сила») — вертикальная конструкция, представляющая собой либо выступающую часть стены, вертикальное ребро, либо отдельно стоящую опору, связанную со стеной аркбутаном. Предназначена для усиления несущей стены путем принятия на себя горизонтального усилия распора от сводов. Внешняя поверхность контрфорса может быть вертикальной, ступенчатой или непрерывно наклонной, увеличивающейся в сечении к основанию.

ПИНАЛкль - это остроконечная башенка, которая с одной стороны украшает контрфорс, а с другой стороны является частью конструкции. Она своей тяжестью придавливает контрфорс, то есть усиливает его устойчивость. Крабб - украшает пинакль и давит на него своей тяжестью, дополнительная часть конструкции. Нервюры - это две арки накрест перекрывающие отдельную ячейку свода. Ячейка сводов называется - тровей. Распределяют массу сводов на опоры (нервюры).

Гаргулья - водостоки. Они также несут определенную эмоциональную нагрузку.

Скульптуры в виде гаргулий (наряду со скульптурами химер) украшают храмы, построенные в готическом архитектурном стиле.

В романских храмах (Франция, Германия) появились сюжетные витражи. Многоцветные, большие по размеру витражи из разнообразных по форме стёкол, скреплённых свинцовыми перемычками, являлись особенностью готических соборов. Чаще всего готические витражи изображали религиозные и бытовые сцены. Они размещались в огромных стрельчатых окнах, так называемых «розах». В эпоху Возрождения витраж существовал как живопись на стекле, применялась техника выскабливания по специально покрашенному разноцветному стеклу.

14

Италия - Интернациональная Готика

Италия состояла из городов- государств. Лоренцо Монако.

Лоренца Монако - Поклонение Волхов (1421)

Характерные черты интернациональной готики.

Декоративность

Много золота (как фон и прописи)

Декоративный элемент - резьба по дереву

вставки из драгоценных и полудрагоценных камней и металлов и эмалей. Ими часто украшали нимбы и короны

Яркие краски

Повышенная эмоциональность, взволнованность

Фигуры часто изображали вытянутыми

Отличительные черты живописи интернациональной готики: красочность, изысканность и декоративность, экзальтированность, утончённость. Как завершающий, финальный этап развития стиля, он отличается некоторым маньеризмом: экспрессивностью форм, остротой, графичностью и гротеском. В архитектуре этому стилю живописи будет соответствовать т. н. «пламенеющая готика», также необыкновенно вычурная.

Частые золотые фоны, пренебрежение пространственной глубиной, плоскостность, отсутствие свето-воздушной среды и прочие черты средневекового искусства сочетаются при этом с высокими ремесленными живописными навыками, тщательностью в разработке деталей костюма и интерьера, проработанностью драпировок, лиц, а также растений.

15

Прото Ренесанс.

Переводится "перед Ренессансом"

В искусствоведении принято называть определенный период средних веков проторенессанс. Во Флоренции в 13ом веке появляется художник и архитектор в творчестве которого намечаются тенденции Ренессанса.

И период его жизни и последователей (было не так много)

творчество Джотто (умер в начале 14ого века)

Является очень важной личностью для становления Европейской живописи. Стал первым художником, который перел в живописи в сторону реализма.

Характерные черты средневековой живописи.

Отсутствие пространства (не было знаний перспективы)

Золотой фон

Не существовало жанра пейзажа, портрета и жанровой живописи.

Отсутствие знаний анатомии, фигура изображалась условно.

Отсутствие характерных черт, индивидуальности.

Джотто первый вводит в живопись пейзаж, старается его сделать максимально реалистичным.

Приносит в образы святых индивидуальность.

Джотто интерпретируют сюжет через жизнь.

Он пытается на интуиции показать пространство, перспективу и объем фигуры.

________________________________________