45. Художественная культура

Художественная культура начинается с искусства, но не сводится к нему. Искусство - ядро художественной жизни и куль­туры, ее важнейший элемент, вокруг которого образуются другие слои и пласты художественной жизни. В составе художественной культуры исследователи выделя­ют следующие компоненты:

- создателей художественных ценностей ( как профессио­нальных , так и самодеятельных);

- все, что относится к системе художественного образова­ния (училища, художественные вузы, консерватории и т.п.);

- художественное производство, т.е. процесс создания ху­дожественных ценностей; художественная деятельность как таковая;

- продукты художественного творчества - художественные произведения;

- репродуцирование, тиражирование художественных про­изведений, художественные учреждения и средства доставки ху­дожественных ценностей (дворцы культуры, музеи, театры, пе­риодические издания, средства массовой информации и т.д.);

- «потребителей» художественных произведений (читателей, зрителей, слушателей);

- систему художественного образования и воспитания в средней и высшей школе, учреждения, ведущие художественную пропаганду;

- систему поощрения, стимулирования деятелей художест­венной культуры, творцов художественных ценностей (премии, конкурсы, смотры, присвоение почетных званий);

- творческие союзы, объединяющие деятелей литературы и искусства;

- теорию художественной культуры, эстетику; науки об искусстве;

- литературно-художественную критику;

- наконец, органы управления художественной культурой

Чаще всего, напри­мер, выделяются следующие функции художественной культуры:

1. эстетическая, связанная со способностью искусства дос­тавлять

46. Изобразительное искусство Древнего Египта.

Архитектура.

Изобразительное искусство Древнего Египта, представленное архитектурой, скульптурой, рельефами и росписями, теснейшим образом связано с заупокойным культом. При этом ведущим видом была архитектура.

Первым значительным сооружением в ряду грандиозных царских усыпальниц была т.н. ступенчатая пирамида фараона Джоссера в Саккара (28 в. до н.э.). С детищем зодчего Имхотепа связаны два важных момента: первый - создание целого ансамбля, вобравшего в себя комплекс заупокойных храмов, молелен и дворов, окружающих 60 - метровую усыпальницу. Ансамблевое начало подчеркивалось стеной отгораживающей прямоугольную территорию заупокойного комплекса; второй - воплощение идеи увеличения гробницы по вертикали. Выделение гробниц фараона за счет резкого увеличения масштабов отражало растущую власть “сынов бога”.

Классическим образцом такого рода сооружений являются пирамиды фараонов 4-й династии (27 в. до н.э.) Хеопса, Хефрена и Микерина (греч. вариант их имен). Их отточенная форма, основанная на пропорциях “золотого сечения”, была предельно лаконична и бесконечно выразительна.

Два элемента определяли закономерности формы: основание, квадратное в плане, и схождение сторон в одной точке, подобно тому, как вся египетская жизнь сходилась, сфокусировалась в обожествленном фараоне. Гениальная в своей простоте пирамидальная конструкция несла художественное обобщение самой сути египетского общества, подчиненного безграничной власти фараона.

Характерной особенностью пирамид как архитектурных соображений было отношение массы и пространства: погребальная камера, где стоял саркофаг с мумией, очень небольшая, а подводили к ней длинные и узкие коридоры. Пространственный элемент был сведен к минимуму. Безраздельно господствовала масса всей пирамиды, в то время каксама пирамида была завершающей частью огромного пространственного ансамбля: на берегу Нила стоял небольшой нижний заупокойный храмик, от которого шел длинный крытый коридор. Поднимаясь по склону Ливийского плоскогорья, он

подводил к верхнему заупокойному храму, расположенному у подножия пирамиды. Ансамбль фараона Хефрена имел гигантского сфинкса, которого египтяне называли “отцом страха”. Считается, что это было изображение Хефрена в львином образе (голова человека и тело льва).

В эпоху среднего царства (21-18 вв. до н.э.) появляется новый тип заупокойного храма. Ярчайший образец-храм Ментухотепа I долине Деир-эль-Бахари (западный берег Нила).

Первое, бросающееся в глаза новшество, изменение местности: не в пустыне, а у скал Ливийского нагорья.

Второе - усложнение композиции заупокойного храма, состоящего из двух террас, расположенных одна над другой и завершаемых небольшой пирамидой. Горизонтальная распластанность террас, подчеркнутая пологим пандусом , как бы притормаживается верти кальными портиками , идущими по фасаду и по бокам храма.

За основным ядром комплекса шел небольшой открытый двор, окруженный колоннадой. Он вел во второй гипостильный зал (первый - нижняя терраса) и помещения, вырубленные в скале.

К этому добавлялся нижний храмик (или пропилеи) и дорога, огражденная с двух сторон стенами и соединяющая храмик с главным заупокойным ансамблем.

Дополнительными элементами этого архитектурного комплекса были каменные раскрашенные статуи царя, стоявшие на дороге, и сад с двумя бассейнами перед первым гипостильным залом.

От заупокойного комплекса Менхотепа I тянется ниточка к храмовой архитектуре Нового царства, одним из наиболее ранних образцов, которой был заупокойный храм царицы Хатшепсут (нач. 15 в. до н.э.). Он возведен уже в знакомой нам долине Деир-эль-Бахари архитектором Сенмутом, рядом с храмом Ментухотепа I.

Рельефы и росписи. Наиболее распространенной темой рельефов и росписей была тема пира, обычно связанного с заупокойным культом. Роспись из гробницы в фиванском акрополе относится к периоду Нового царства Именно здесь с наибольшей отчетливостью проступают характерные черты египетского искусства, поскольку любая сюжетная композиция использует много различных “элементов” таких как человеческие фигуры, предметы обихода(столы, кресла, посуда), деревья, птицы, животные и т.п. И все это множество изображений размещается на плоскости, разделенной на горизонтальные пояса так, чтобы каждая из фигур и предметов ясно “читалась” глазами, не заслоняя друг друга. Расположенные через одинаковые интервалы, с повторяющимися жестами, они как будто застывают: вся “картинка” какой бы ни была ее тема воспринимается как торжественное ритуальное действо, воспарившее над обыкновенным миром реального бытия. Все конкретные и заимствованные из жизни сюжеты, воссозданные в египетских рельефах и росписях, благодаря композиционному решению, приобретали характер священнодействия, ибо они воспроизводили жизнь после смерти.

Для всех характерны следующие художественные приемы: фигуры построены со строгим соблюдением фронтальности и симметричности; голова поставлена прямо и взгляд устремлен вперед; фигуры неразрывно связаны с блоком, из которого высечены, что подчеркивается сохранением части этого блока в виде фона; статуи раскрашивались: тело мужских фигур - красновато-коричневого цвета, женских - желтого, волосы - черного, одежды- белого цвета.

Основной характер - торжественная монументальность и строгое спокойствие. К этим общим для всех скульптурных статуй закономерностям следует добавить небольшой, но очень существенный штрих - портретные черты в передаче лица. Невозможно перепутать лицо писца Каи с его чуть плоским носом и выдающимися скулами и лицо царевича Рахотепа с напряженными морщинками у переносицы, аккуратными усиками и пухлыми губами; надменное лицо зодчего Хемиуна, чуть полноватое, с маленьким, но энергичным и жестким ртом и лицо верховного жреца Ранофера с правильно строгими и бесстрастными чертами.

47. О ранней культуре этрусков мы знаем на удивление мало. По сообщению греческого историка классической эпохи Геродота их родиной была Лидия в Малой Азии, откуда впоследствии они и переселились в ту область между Флоренцией и Римом, что по сей день носит название Тосканы. Но на самом деле они могли появиться на земле Италии значительно раньше. Тогда неожиданный расцвет этрусской цивилизации после 700 г. до н. э. можно было бы считать результатом слияния коренного населения полуострова с небольшими, но активными группами мореплавателей из Лидии, прибывавшими в Италию в течение восьмого века до н. э. Но как бы то ни было, на авансцену истории Аппенинский полуостров вышел довольно поздно. Бронзовый век завершился здесь лишь в восьмом веке до н. э., примерно в то же время, когда в Сицилии и на юге Италии появились первые греческие поселения. В седьмом и шестом веках до н. э. этруски переживают пору политического расцвета — их власть распространяется на значительную часть центральной Италии. Но этруски, подобно грекам, так и не создали собственного единого государства. Они всегда оставались непрочной федерацией городов-государств, вечно ссорящихся между собою и неспособных объединиться в борьбе против общего могущественного врага.

Скульптура

 Расцвет этрусской скульптуры хронологически совпадает с греческой архаикой. Именно в этот период, особенно в конце шестого — начале пятого века до н. э., этрусское искусство переживает свой наиболее яркий период. Влияние греческой архаики оттеснило восточные элементы на второй план, но этрусские художники не превратились при этом в простых имитаторов греческих образцов. Работая в совершенно иной культурной среде, они сохранили свое ярко выраженное лицо. Свидетельством тому служит «Аполлон» на иллюстрации 79 — признанный шедевр этрусской скульптурной архаики. Его могучее тело, прекрасно различимое под орнаментально уложенными складками струящегося одеяния, ер жилистые, мускулистые ноги, его быстрая, целеустремленная походка — все дышит выразительной силой, равно которой мы ничего не найдем в современных ему греческих статуях. Бронзовая фигура львицы, выкормившей Ромула и Рема, легендарных основателей Рима (илл. 80; детские фигурки принадлежат эпохе Ренессанса) тоже напоминает Аполлона своей внушающей ужас свирепостью и физической мощью.

Гробницы и их декоративное убранство

Как представляли себе этруски загробную жизнь, мы точно не знаем. Похоже, однако, что они считали гробницу местом обитания не только тела, но и души покойного (в противоположность египтянам, которые полагали, что душа после смерти странствует отдельно от тела, и чья погребальная скульптура оставалась поэтому «неодушевленной»). Быть может этруски думали, что, наполняя гробницу картинами пиров, игр, танцев и других подобных увеселений, они вселяют в душу умершего желание остаться в царстве мертвых и не тревожить живых своим появлением. Иначе чем объяснить великолепные стенные росписи их погребальных камер? На илл. 81 вы видите роспись гробницы Львиц из Тарквинии, изображающую двух танцоров в экстатической пляске. Как и в статуе Аполлона, страстная энергия их движений кажется по духу своему скорее восточной, нежели греческой. Особенно интересны прозрачные одежды женщины, через которые хорошо видно ее тело. Контрастные тона мужского и женского тела отвечают традиции, введенной египтянами двумя тысячелетиями прежде К концу пятого века до н. э. взгляды этрусков на загробную жизнь стали, похоже, более сложными и куда менее радужными. Эти изменения хорошо отражает крышка от погребальной урны, выполненная после 400 г. до н. э. из местного мягкого камня. Женщина, которая сидит в ногах у возлежащего юноши — вовсе не его жена. Ее крылья говорят о том, что она демон смерти, а в свитке, который она держит в левой руке, записана судьба умершего. Молодой человек указывает на него, как бы говорят: «Вот, мое время пришло». Задумчивый, меланхолический облик фигур объясняется, возможно, влиянием греческой классики, которое в стиле этой скульптуры очень ощутимо. В то же время, однако, здесь появляется и совершенно новый мотив — сожаления, неуверенности в будущем: смерть переживается скорее как прощание, чем как продолжение, пусть в ином мире, прежней, земной жизни. В позднейших гробницах смерть приобретает еще более устрашающий облик. Появляются и злые демоны, часто оспаривающие у  добрых  духов-покровителей   право   на душу умершего.

 Архитектура По сообщениям римских писателей этруски были великими мастерами по части строительной техники, архитектурного планирования и топографии. Именно они научили римлян возводить укрепления, мосты, дренажные системы и акведуки. Однако собственные их постройки этого рода как раз и не сохранились. То, что римляне очень многому у них научились, сомнений не вызывает, но каков именно был их вклад в римскую архитектуру, сказать трудно, так как за редкими исключениями все образцы этрусской и ранней римской архитектуры для нас утрачены. Одним из таких счастливых исключений являются ворота Августа в Перудже — укрепленные городские ворота второго века до н. э. (илл. 83). Ворота эти, расположенные в глубине между двумя сильно выступающими вперед крепостными башнями, представляют собой не просто вход в крепость, а настоящий архитектурный фасад. Их высокий проем перекрыт полукруглой аркой, обрамленной лепным поясом. Над ним находится балюстрада из карликовых пилястр, перемежающихся с круглыми щитами — декоративный мотив, ведущий свое происхождение от триглифов и метопов дорического фриза. Еще выше располагается второй, ныне заложенный арочный проем, фланкированный двумя большими пилястрами.

49.Готич. стиль – это худ. стиль, кот. господствовал в западноевроп. Ис-ве в период с XIII по XV век. Готика зародилась в XII веке на сев. Франции, в XIII веке она распространилась на территорию совр. Германии, Австрии, Чехии, Испании, Англии. В Италию готика проникла позднее, с большим трудом и сильной трансформацией, приведшей к появлению «итальянской готики». В конце XIV века Европу охватила т. н. интернац. готика. В страны Восточной Европы готика проникла позднее и продержалась там чуть дольше — вплоть до XVI в.Слово происходит от итал. gotico — непривычный, варварский и сначала использовалось в кач-ве бранного. Впервые понятие в сов. смысле применил Джорджо Вазари для того, чтобы отделить эпоху Ренессанса от средневековья. Готика завершила развитие Европ. Средневек. Ис-ва, возникнув на основе достижений романской ку-ры, а в эпоху Возрождения ис-во средневековья считалось «варварским». Гот. Ис-во было культовым по назначению и религ. по тематике. Оно обращалось к высшим божеств. силам, вечности, христ. мировоззрению.Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику. Отличит. черты готического стиля: высокие стрельчатые окна, порталы, кружевные орнаменты, пучковые колонны, аркбутаны и своды, темные цвета и монументальность,разноцветные витражи, карнизы деревянные или кованые.Цвета: пурпурные, малиновые, темно- зеленые, иссиня- черные, гвоздично – розовые оттенки.Кроме того, средневек. зодчие использовали самые новые строит. технологии, благодаря чему стены кладки, отличающейся тонкостью, смогли выдерживать причудливые, витиеватые переплеты и огромные декоративные окна. Архитектура:Готич: стиль,в осн., проявился в архитектуре храмов, соборов, церквей, монастырей. Развивался на основе романской, точнее говоря — бургундской архитектуры. В отличие от романского стиля, с его круглыми арками, массивными стенами и маленькими окнами, для готики характерны арки с заострённым верхом, узкие и высокие башни и колонны, богато украшенный фасад с резными деталями (вимперги, тимпаны, архивольты) и многоцветные витражные стрельчатые окна. Все элементы стиля подчёркивают вертикаль.В готич. архитектуре выделяют 3 этапа развития: ранний, зрелый (высокая готика) и поздний.Церковь монастыря Сен-Дени́, созданная по проекту аббата Сугерия, считается 1 готич. Архитект. сооружением. Почти вся архитектура готич. соборов обусловлена одним гл. изобретением того времени — новой каркасной конструкцией, что и делает эти соборы легко узнаваемыми. C появлением крестового свода, системы колонн, аркбутанов и контрфорсов, соборы приобрели вид громадных ажурных фантастич. сооружений.Осн. принцип работы конструкции таков: свод более не опирается на стены, теперь давление крестового свода передают арки и нервюры на колонны (столбы), а боковой распор воспринимается аркбутанами и контрфорсами. Часто на месте опоры аркбутана на контрфорс ставился пинакль. Пинакли — это завершенные остроконечными шпилями башенки. Наиболее известные архитект.Памятники:Собор Парижской Богоматери,Собор в Реймсе, Собор в Шартре,Миланский собор,Кёльнский собор, Собор Вестминстерского аббатства Собор святого Вита Скульптура: Скульптура играла огр. роль в создании образа готич. собора. Во Франции она оформляла в осн. его наружные стены. Десятки тысяч скульптур, от цоколя до пинаклей, населяют собор зрелой готики. В формальном отношении готич. скульптура гораздо более самостоят.Она не подчинена в такой степени плоскости стены и тем более обрамлению, как это было в романский период. В готику активно развивается круглая монументальная пластика. Но при этом готич. скульптура — неотъемлемая часть ансамбля собора, она — часть архитектурной формы, поскольку вместе с архитек. элементами выражает движение здания ввысь, его тектонический смысл.Примеры: Мадонна фасада церкви погребения Филиппа, фигуры фонтана Мозе.Скульпторы: Клаус Слутер Тильман Рименшнайдер, Вит Ствош ,Адам Крафт Живопись:Готич. живопись развилось спустя несколько десятилетий после появления элементов стиля в архитектуре и скульптуре. Один из первых готич. портретов, дошедших до наших дней- Иоанн Добрый(худ. неизвестен.)Одним из осн. Направл. Готич. живописи стал витраж, который постепенно вытеснил фресковую живопись. Техника витража осталась такой же, как и в предыдущую эпоху, но цветовая палитра стала гораздо богаче и красочней, а сюжеты сложнее — наряду с изображениями религ. сюжетов появились витражи на бытовые темы. Кроме того в витражах стали использовать не только цветное, но и бесцветное стекло.На период готики пришёлся расцвет книжной миниатюры. С появлением светской лит-ры (рыцарские романы и пр.) расширился круг иллюстрированных рукописей, также создавались богато иллюстрированные часословы и псалтыри для дом. употребления. Художники стали стремиться к более достоверному и детальному воспроизведению натуры. Яркими представителями готической книжной миниатюры являются братья Лимбурги,создавшие знаменит. «Великолепный часослов герцога Беррийского» Развивается жанр портрета — вместо условно-отвлечённого изобр. модели художник создаёт образ, наделённый индивид., присущими конкр. человеку чертами. С посл. четверти 14 в. в изобразит. Ис-ве Европы господствует стиль, названный позднее интернац. готикой. Этот период явился переходным к живописи Проторенессанса.Декоративно-прикладное ис-во:Эпоха позднего средневековья характеризуется расцветом город. Ку-ры, развитием торговли, ремёсел. С сер. 13 в. начинается строительство зданий светского назначения — город. ратуш, рынков, цеховых домов, а также роскошных замков знати. Все элементы экстерьера и интерьера сооружений подчинялись готич. Архитект. форме.Примечательны «шпалерные» росписи стен, изображающие сцены охоты и рыбной ловли, выполненные под руководством Маттео Джованетти.С конца 14 в. Пр-во шпалер в Европе стало важнейшей отраслью худ. ремесла. Одним из выдающихся произведений, явл. серия шпалер на сюжеты Апокалипсиса, так называемый Анжерский Апокалипсис), созданная по заказу Людовика I Анжуйского.Мебель: эпохи готики простая и тяжеловесная ,отделывается бархатом, точеной резьбой.к концу эпохи Средневековья появляются прототипы осн. Совр. предметов мебели: шкафа, кровати, кресла. Одним из наиб. распространенных приемов изгот. мебели была рамочно-филеночная вязка. Мода:Эпоха Крест. походов совершила переворот в оружейном деле. Европейцы познакомились на Востоке с лёгкой и ковкой сталью. Тяжёлые кольчуги вытесняются новым типом доспеховКонструкция новых доспехов повлекла за собой появление новых форм Европ. одежды. В это время были созданы почти все известные ныне способы кроя. Готич. мода, в отличие от предшествующей свободной «рубашкообразной» романской, проявилась в сложном и облегающем покрое одежды. Вершины своего развития готич. костюм достигает в конце14—15в.в., когда по всей Европе распространилась мода, созданная при Бургундском дворе. В 14 в. укорачивается мужское платье.Облегающая куртка, узкие шоссы, короткий плащ — одежда воплощает эстетический идеал эпохи — образ стройного молодого человека, галантного кавалера.В женской одежде происходит отделение юбки от лифа. Ширина юбки увеличивается дополнительными вставками ткани. Верхняя часть костюма — узкий лиф с узкими длинными рукавами, треуг. вырезом на груди и спине. Подобно архитектуре того периода готич. одежда получила вертик. направленность: отвесные концы верхних рукавов, острые манжеты, пахи, сложные каркасные головные уборы, вытянутые кверху и остроносые ботинки эту тенденцию подчёркивали. Наиб. популярным и дорогим цветом был жёлтый. Витражи:Цветн. витражи в виде стрельчатых арок - одна из самых узнаваемых особенностей стиля .Теологи приписывали витражам способность просветлять душу человека и удерживать его от зла. Уникальные эффекты витража объясняются прозрачностью его основы - цветного стекла; использовавшаяся же для прорисовки контуров черная краска была непрозрачной. В орнаментальных зонах витража доминируют красный и синий тона, в сюжетных - белый, разл. оттенки фиолетового, желтый и зеленыйНеоготика — худ. стиль 18 и 19 вв., заимствующий формы и традиции готики. Неоготика зародилась в Великобритании, но получила распространение также и в континентальной Европе, и даже в Америке.Примеры:здание Брит. парламента в Лондоне. Неоготич. собор Святого Патрика в Нью-Йорке.

. 50.Если пытаться отделить византийскую культуру от др. культур то наиб. важными будут след. факторы : · В Византии была языковая общность (осн. языком был греч.); · В Византии была религиозная общность ( осн. религией было христианство в форме православия); В Византии при всей многоэтничности, существовало этнич. ядро, состоящее из греков.· Визант. империю всегда отличали устойчивая государственность и централизов. Упр.В ист. Ку-ры Византии выделяют 3 этапа: ранний (4 – сер.7 в.); ср. (7 - 9 в.); поздний (10 - 15 в.). В ист. Европ., да и всей мировой ку-ры визант. цивилизации принадлежит особое место, для нее характерны торжественная пышность, внутреннее благородство, изящество формы и глубина мысли. В теч. всего тысячелетнего сущ. Визант. Империя представляла собой центр своеобр. и блестящей ку-ры. Кроме того, вплоть до 13 в. Византия по уровню развития образованности, по напряженности дух. жизни и красочному сверканию предметных форм ку-ры находилась впереди всех стран средневек. Европы.Собственно визант. Ис-во начинается с VII в., но античная традиция в Византии никогда не прерывалась, и античная цепь сдерживала шаги развития искусства, которое во многом выполняло функцию передачи культ. наследия и дух. воспитания.. В обл. живописи этот процесс связан о мозаичной техникой, процветавшей в 4—6 вв.. По визант. мозаикам можно проследить этот процесс эллинистич. угасания: утрачивается монументальность, потухает цветность, рис. становится балее геометрич., схематичным. K XIV в. мозаику сменяет фреска, а затем станковая икона...Мировую славу приобрели мозаики Византии. Технология мозаичного ис-ва известна еще с античности, но только в Византии стали впервые применять не естеств., а окрашенные мин. красками стеклянные сплавы, с тончайшей золотой поверхностью. Мастера широко использовали золотой цвет, кот., с одной стороны, символизировал роскошь и богатство, а с др., был самым ярким и сияющим из всех цветов. Большинство мозаик располагалось под разным углом наклона на вогнутой или сферической поверхности стен.Мозаичисты Византии пользовались широким красочным спектром: от нежно-голубого, зеленого и ярко синего до бледно-лилового, розового и красного разл. оттенков и степени интенсивности. Изобр. на стенах гл. образом рассказывали об основных событиях христ. Ист., земной жизни Иисуса Христа, прославляли власть императора. Особую известность приобрели мозаики церкви Сан-Витале в г. Равенне.Важной сост. 2 этапа ист. Визант. Ку-ры явилось противостояние иконоборцев и иконопочитателей .Первое напр. поддерживала правящая светская элита, а второе - ортодоксальное духовенство и многие слои населения. Иконоборцы, утверждая идею о неописуемости и непознаваемости божества, стремясь сохранить возвышенную духовность христианства, ратовали за отмену поклонения иконам и прочим изобр.Христа, Богородицы и святых, видя в этом превознесение плотского начала и пережитки Античности. А поэтому их требования сводились к нейтральным картинам, отвлеченным символам, орнаментальным и декоративным мотивам, пейзажам с изобр. животных и птицВ период иконоборчества была сделана попытка офиц. запрещения икон. В защиту икон выступил философ, поэт, автор многих богословских сочинений Иоанн Дамаскин. По его мнению, икона принципиально отличается от идола. Она явл. не копией или украшением, а иллюстрацией, отражающей природу и сущность божества. Иоанн Дамаскин выделил следующие особенности иконы, которые делают ее необходимой в религиозном обиходе: икона является книгой для неграмотных; напоминает о прошлом; выполняет декоративную функцию; изображение подводит телесное созерцание к духовному; изображения иконы являются носителями возвышенного; икона несет в себе высшую благодать; икона выполняет функцию поклонения Оставил Иоанн Дамаскин и мысли о назначении иконы в правосл.к-ре Икона, говорил Дамаскин, дает созерцающему информацию ”Не надо забывать, что икона, как и другие предметы православного культа, обладает “божественной благодатью”. Причем “благодать” здесь понимается не как отвлеченная абстракция (типа справедливости, честности), а как вполне конкретная и реальная субстанция. И, наконец, икона является поклонным образом. Постепенно в борьбе за икону в области мировоззрения возникает и особый“византийский стиль” — изобразительные каноны правосл. мировоззрения. В центре внимания художника- внутр. мир человека, его дух. наполнение. И в зависимости от наполнения человека духовным его изображение меняется.Наиб. значимые фигуры располагаются фронтально. в профиль предпочитают изображать отрицат. персонажей — предающего и кающегося Иуду, попираемого Сатану. Остальные фигуры канон требует располагать вполоборота.Часто на иконе гл. персонажи увеличены в размерах и в самой композиции иконы расположены в центре. Композиция же иконы чаще всего треуг. Причем, в треуго. выстраиваются не сами фигуры, и даже не их головы, а нимбы над их головами.Отношение фигур, тел к земле тоже весьма условно. Тела как бы нематериальны, парят над землей.Все эти особенности иконописи показывают, что иконописец вовсе не старается передать образ реального мира. Он отображает мир иной — дух., идеальный. Не люди, а их идеальные образы являются персонажами иконы. икона не стремится передать реального времени. Время дух. мира — это вечность

51.«Божественная комедия» — величавый итог всего поэтического пути Данте. Она вобрала опыт целой жизни, все то, что годами крепло в душе поэта, питало его мысль и художественный гений. Вдохновенный лиризм «Новой жизни», философская мысль «Пира», национальная идея трактатов «О народном красноречии» и «О монархии» — все слилось в «Божественной комедии» в величественный синтез, все получило новую даль и широту. Верный давней клятве, Данте посвятил поэму Беатриче. Ее образ живет в «Комедии» как светлое воспоминание о великой, единственной любви, о ее чистоте и вдохновляющей силе. В этом образе поэт воплотил свои искания истины и морального совершенства. Но Беатриче — образ-символ, образ - идея. Рядом с призраком умершей возлюбленной в «Комедии» встает другой образ — живой, трепетный, реальный. То образ родины поэта — Италии. Сюжет поэмы Данте типично средневековый. Это схоластическая аллегория, изображающая «хождение по мукам» — путь человеческой души от греха к праведности, от заблуждений земной жизни к истине богопознания. Именно этим сюжетным замыслом подсказано название поэмы: Данте назвал ее «комедией», так как в его время так называли произведения, имеющие мрачное начало и светлую оптимистическую развязку. Что касается эпитета «божественная», то он появился позднее: его дало «комедии» потомство, выразившее этим свое восхищение поэтическим совершенством бессмертного творения Данте. Структура: В удивительно последовательной композиции «Божественной комедии» сказался рационализм творчества, развившегося в атмосфере новой буржуазной культуры. «Божественная комедия» построена чрезвычайно симметрично. Она распадается на три части; каждая часть состоит из 33 песен, причём кончается словом Stelle, то есть звёзды. Всего таким образом получается 99 песен, которые вместе с вводной песней составляют число 100. Поэма написана терцинами — строфами, состоящими из трёх строк. Эта склонность к определённым числам объясняется тем, что Данте придавал им мистическое толкование, — так число 3 связано с христианской идеей о Троице, число 33 должно напоминать о годах земной жизни Иисуса Христа и пр. Сложная католическая символика проходит сквозь всю «Комедию», проникает все ее образы и мотивы. Каждый образ несет двойной, а то и множественный смысл. Автор вводит в поэму мистические эпизоды, таинственные видения, вещие сны, пророчества, знамениям/Композиция поэмы основана на сложной, мистической игре числами 3, 7, 10 и их сочетаниях. Магии этих чисел поэт придает особый, тайный смысл. Наибольшее значение придает Данте числу 3, которое положено в основу всей композиционной схемы «Комедии».(Поэма делится на три части: «Ад», «Чистилище», «Рай». В каждой части тридцать три песни (всего, вместе с первой, вступительной — сто песен). Принцип троичного членения выдержан и в стихотворном размере: «Комедия» написана терциной — трехстрочной строфой.

52.    Образно-смысловая система средневекового искусства выражала центральную идею картины мира средневекового человека - христианскую идею Бога. Искусство воспринималось как своего рода библейский текст, легко "читаемый" верующими посредством многочисленных скульптурных и живописных образов. ("Архитектура и скульптура средних веков были "Библией в камне"... Живопись выражала те же библейские темы в линии и свете" - П. Сорокин). Поскольку языком Библии и богослужения была латынь, незнакомая большинству мирян, скульптурные и живописные образы имели дидактический смысл - передать верующим основы христианской догматики. В храме перед глазами средневекового человека развертывалось все христианское учение. Идею греховности мира отражал ведущий сюжет в оформлении церквей, скульптуры и рельефов - сцены Страшного суда и Апокалипсиса. Взирая на собор, средневековый человек мог как бы читать святое Писание в изображенных там образах. То же изображение Страшного суда наглядно представляло богословскую схему иерархического строения мира. В центре композиции всегда изображалась фигура Христа. Верхнюю часть занимало небо, нижнюю - земля, по правую руку Христа находился рай и праведники (добро), по левую - осужденные на вечные муки грешники, черти и ад (зло).

     Идея превосходства духа над телесным, плотским представлена в аскетизме образов монументальной живописи и скульптуры, их суровости и отрешенности от внешнего мира. Предельная условность всей образной системы средневекового искусства нашла отражение в канонах построения человеческой фигуры: линейность, торжественная неподвижность, удлиненность овала лица и фигур, широко открытые глаза ("зеркало души"), "бестелесность", бесплотность фигур. Средневековая живопись не знает перспективы, открывающей глубину картины. Перед зрителем плоскостное развертывание композиции и единственное зримое движение - восходящее, устремленное к небу.

     Важнейшей чертой средневекового искусства является символизм. Скульптурный или живописный образ - это прежде всего символ, некая религиозная идея, запечатленная в камне или красках. Символичен весь образный строй средневекового искусства (длинные, почти бесполые тела апостолов и святых выражают идею о преодолении духовным началом грешной материи - плоти).

     Разномасштабность фигур - еще одна особенность средневекового искусства. Размер фигур определялся иерархической значимостью изображенного (что, кстати, позволяло легко "узнавать" изображенные персонажи). Христос всегда больше апостолов и ангелов, которые, в свою очередь, больше простых мирян.

     Романский и готический стили. Термин "Романский стиль" условен, он возник во Франции в первой половине XIX в., когда была обнаружена связь средневекового зодчества с характерной для римской архитектуры аркой. Создателями романского стиля стали монастыри и епископские города. Церковь в этот период сводила задачу искусства к необходимости показывать не зримую красоту, а подлинную красоту духа. Эстетический идеал, возникший в романском искусстве, вся образно-смысловая система романики призваны были решить поставленную задачу. Контраст между тяжеловесными, приземистыми очертаниями собора и духовной экспрессией его образов отражал христианскую формулу красоты - идею превосходства духовного над телесным. Романский собор являл собой символ твердыни человеческого духа в искусстве. Архитектура, росписи, рельефы дверей необходимо дополняли друг друга, составляя единство, основанное на подчинении малого большому, отражая принцип средневековой иерархии. романский стиль (к. X - XII вв.) стал первым общеевропейским стилем. Это исторический стиль зрелого Средневековья, характеризующийся общностью типов построек, их конструктивных приемов и выразительных средств. К числу выдающихся памятников романской архитектуры относятся собор Нотр-Дам в Пуатье, соборы в Тулузе, Орсинвале, Арне (Франция), соборы в Оксфорде, Винчестере, Нориче (Англия), собор в Лунде (Швеция). Образцами поздней романики стали соборы в Вормсе, Шпейере и Майнце (Германия).

Эпоха готики (конец XII - XV вв.) - это период, когда в средневековой культуре все большую роль начинает играть городская культура. Характерные черты готической скульптуры могут быть сведены к следующему: интерес к явлениям реального мира; фигуры, олицетворяющие догматы и верования католической церкви, становятся более реалистичными; усиливается роль светских сюжетов; появляется и начинает играть главенствующую роль круглая пластика (хотя рельеф не исчезает).  Готическое искусство с его интересом к явлениям реального мира, усилением роли светских сюжетов, стремлением к жизненной выразительности, конкретности скульптурных образов подготовило расцвет искусства Ренессанса.

«Роман о Розе»

В XIII веке крупнейшим произведением куртуазной культуры стала поэма «Роман о Розе», написанная около 1230 рыцарем Гильомом де Лоррисом (около 1210—1240) и представляющая собой куртуазно-любовную аллегорию, своего рода «словарь символов» любви. Продолжив тему, начатую Овидием, Гильом де Лоррис обыгрывает малейшие оттенки любовного чувства. Цель автора — воплощение возвышенного идеала куртуазной любви, переживания его героя — возвышенны и утончённы, описания природы и чувств — в высшей степени поэтичны. Юный герой романа находит чудесный сад, за стенами которого ведут хоровод прекрасные девы, водимые Весельем. Праздность впускает рыцаря в этот сад Наслаждений, где в Источнике Любви, у которого погребён Нарцисс, он видит отражение Розы. Его тотчас поражает стрелой Амур — отныне влюблённый обречён Розе — и, обратив его в вассала, поучает, как добиться желанной цели. Приветливость, Дружба, Жалость, Искренность помогают герою, Злоязычие, Страх, Стыд и другие охраняют от него Розу. Юному рыцарю удаётся добиться от Розы поцелуя, но Злоязычие пускает об этом слух, и Ревность воздвигает вокруг Розы башню, в которой запирает и Приветливость. Жалобой Влюблённого заканчивается часть, написанная Гильомом де Лорисом. Сюжетную линию, оборванную Гильомом, через 40 лет после его смерти закончил учёный горожанин Жан де Мен (Жан Клопинель, или Шопинель, из Мена; около 1240—1305). Теперь в романе появляются новые действующие лица: Лицемерие, Природа, Радость, которые поучают влюблённого на его пути к Розе. Лицемерие душит Злоязычие, Щедрость и Вежество стараются освободить Приветливость, которую Стыд и Страх вновь заключили в башне. Перед башней разыгрывается бой, и одержать победу влюблённому помогает Природа. Он срывает Розу и просыпается.

54. Категория стиля настолько универсальна, что всю историю мирового искусства можно рассматривать как историю художественных стилей. Стиль – не постоянная и неизменная структура, а живой художественный процесс. Стили в искусстве не имеют четких границ, они плавно переходят один в другой и находятся в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот в свою очередь, переходит в следующий. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому чистых стилей вообще не бывает.

И только области творческой деятельности, теснее всего смыкающейся с материальной жизнью – прикладное искусство, традиционные художественные ремесла, дизайн – являются отражением времени и места своего рождения. Таким образом, распространенное мнение о том, что подлинное искусство всегда отражает жизнь эпохи, особенности исторического этапа развития общества весьма спорно.

Стиль – это единство, целостность содержательных и формальных элементов, с помощью которых непосредственно создается художественное произведение. В художественном стиле все элементы не случайны, а связаны между собой. Именно поэтому натурализм не имеет стиля. По этой же причине трудно говорить о стиле живописи импрессионистов. Стиль есть исторический синтез образных представлений идеального мира. Вот почему понятие "реализм", "модернизм", не может быть названием стиля. Чем менее натуралистично художественное произведение, тем оно более стильно. Чем выше ясность, чистота композиционных связей, чем они полнее проявляются, тем выше стилевое качество произведения искусства.

«Стили в искусстве» Власова В. Г., которая послужила основой для написания работы. Кроме того, для более подробного рассмотрения некоторых культурных эпох, были использованы книги по общей истории и истории культуры, такие как «История античной культуры» Зелинского Ф. Ф

Отдельно следует упомянуть о так называемом «Большом стиле», сформировавшимся и получившим распространение во Франции в годы правления Людовика XIV – с 1643 по 1715 гг. В этом стиле соединились элементы классицизма и барокко. Своеобразным строем «Большой стиль» выражал идеи торжества сильной, абсолютной королевской власти, национального единства, богатства и процветания. Художникам давались прямые указания прославлять неограниченную власть, не считаясь со средствами. Новые идеалы абсолютизма и должен был отразить «Большой стиль». Им мог быть только классицизм, ассоциирующийся с величием древних греков и римлян. Но строгий и рациональный классицизм казался недостаточно пышным для выражения торжества абсолютной монархии. В Италии в это время господствовал стиль барокко. Поэтому закономерно, что художники Франции обратились и к формам современного итальянского барокко. Но во Франции барокко не могло столь мощно, как в Италии, вырасти из архитектуры классицизма. С эпохи французского Ренессанса XVI в. в этой стране утвердились идеалы классицизма, влияние которых на развитие искусства не ослабевало вплоть до конца XIX в. В этом состоит главная особенность «Большого стиля»

55. Стиль барокко сформировался вслед за плеядой разрушительных войн, в условиях социальной несправедливости, на почве контрреформации и просуществовал с 1600 по 1750 годы. Барокко воплотил в себе чувство падения ренессансных идеалов, а также обостренное осознание социальных, религиозных и экономических кризисов, переживаемых Европой в эту эпоху. И хотя художественная коцепция барокко и сохраняет гуманистическую направленность Возрождения, но, в отличие от последнего, она отмечена печатью трагизма, пессимистичности, бессмысленности жизни, сомнением в силе человека, обреченностью существования. Возрождение восхищается человеком и его бытием, барокко сомневается в ценности жизни, воспринимая ее как театр.

Стиль барокко медленно вызревал в архитектуре и скульптуре Высокого Возрождения. Его основателем стал Микеланджело, поскольку в его статуях, зданиях, рисунках происходит, одновременно, возврат к духовным ценностям Средневековья и последовательное открытие новых принципов формообразования. В его произведениях впервые проявился один из первых признаков искусства барокко: избыточность средств и смешение масштабов. По его проекту был построен собор Святого Петра в Риме, монументальный декор которого создал Л. Бернини

В это время возникла идея о том, что чем неправдоподобнее произведение искусства, чем резче оно отличается от увиденного в жизни, тем оно интереснее с художественной точки зрения. Все ясное и простое стало казаться скучным и унылым, а необычное, неясное и призрачное красивым, привлекательным, и именно это понятие красоты стало основой стиля барокко.

Эпоха барокко – это мир крайностей, контрастов возвышенного и земного, прекрасного и низменного, пышной метафоры и уродливого факта. Драматизм стиля барокко заключается в столкновении языческого мироощущения и чувственности, накопленной эпохой Возрождения, с духовными порывами, откровениями, стремлением вырваться за физические пределы материи. Повышенная экспрессивность, мистицизм, иллюзионизм, имматериальность, свойственные католическому мироощущению нашли свое отражение в барокко.

В эпоху барокко мировоззрение человека не просто было расколото, но окончательно потеряло цельность и гармоничность. Мировоззрение, мироощущение человека постигло глубину, внутреннюю противоречивость бытия, человеческой жизни, мироздания. Барокко – это пышность, декоративность, величие, замысловатость, текучесть, порыв, страсть, экстаз, артистизм, личностность. Оно было призвано возвеличивать католическую церковь и короля.

Классицизм

В XVII в., когда во Франции установилась неограниченная власть монарха, которая достигла апогея при Людовике XIV, сформировалось художественное направление, охватившее все виды художественного творчества – Классицизм.

Классицизм, основанный на следовании принципам античного искусства: рационализма, симметрии, целенаправленности, сдержанности и строгом соответствии содержания произведения его форме, стремился выразить возвышенные, героические и нравственные идеалы, создать ясные, органичные образы. В то же время классицизм нес в себе черты утопизма, идеализации, отвлеченности, академизма, нараставшие в период его кризиса.

Абсолютизм в политике Франции ограничивал личность государственными интересами, заставлял индивидуальное приносить в жертву общественному. Классицизм был тесно связан с придворной аристократической культурой периода утверждения французского абсолютизма. Идеологическая основа классицизма включала в себя идеи патриотизма, государственного служения, воссоздания человека, способного поставить высокие цели и достичь их, предпочесть собственным интересам общественные. Идеологи классицизма считали, что чувства должны ограничиваться разумом, личному счастью нужно предпочитать установленные обществом нормы морали.

Отдельно следует упомянуть о так называемом «Большом стиле», сформировавшимся и получившим распространение во Франции в годы правления Людовика XIV – с 1643 по 1715 гг. В этом стиле соединились элементы классицизма и барокко. Своеобразным строем «Большой стиль» выражал идеи торжества сильной, абсолютной королевской власти, национального единства, богатства и процветания. Художникам давались прямые указания прославлять неограниченную власть, не считаясь со средствами. Новые идеалы абсолютизма и должен был отразить «Большой стиль». Им мог быть только классицизм, ассоциирующийся с величием древних греков и римлян. Но строгий и рациональный классицизм казался недостаточно пышным для выражения торжества абсолютной монархии. В Италии в это время господствовал стиль барокко. Поэтому закономерно, что художники Франции обратились и к формам современного итальянского барокко. Но во Франции барокко не могло столь мощно, как в Италии, вырасти из архитектуры классицизма. С эпохи французского Ренессанса XVI в. в этой стране утвердились идеалы классицизма, влияние которых на развитие искусства не ослабевало вплоть до конца XIX в. В этом состоит главная особенность «Большого стиля»

Дени Дидро. В повести «Монахиня», рассказывая о судьбе девушки, насильно постриженной в монахини, он показывает царящие тогда в монастырях отнюдь не благочестивые нравы и порядки. «Что за дьявольское устройство! Одни обжираются, а другие, у которых такой же ненасытный аппетит, не имеют ни куска»,- говорит герой повести «Племянник Рамо».

Драматургическая реформа Дидро открыла дорогу знаменитому Бомарше (1732-1799 гг.). всемирно известные комедии Бомарше «Севильский цирюльник» и «Женитьба Фигаро» являются лучшими произведениями этого жанра. Людовик XVI долго противился тому, чтобы «Женитьба Фигаро» попала на подмостки театра, но в конце концов уступил настояниям своих придворных.

Великого французского живописца Антуана Ватто (1684-1721 гг.), историки искусства назвали «самым французским из всех французских живописцев XVIII в». в большинстве своих картин Ватто изображает в основном галантные празднества («Венецианские праздники», «Беседа в парке»), хотя он уже обращается и к сюжетам, взятым из простой сельской жизни.

Скульптура XVIII в. представлена именами выдающихся мастеров - Фальконе (1716-1791 гг.), Гудона (1741-1828 гг.). Фальконе известен как создатель великолепного памятника Петру Первому в Петербурге («Медный всадник»), Гудон запечатлел облик лучших людей своего времени - Монтескье, Дидро, Даламбера, Жан Жака Руссо, Вольтера.

56. Это уже целая программа нового искусства. Живописать борьбу сословий, черпать в ней драматические конфликты - такова задача сцены. Более того, вне сферы этой борьбы нет подлинного искусства. Политический характер пьесы Бомарше согласуется с его эстетической системой.«Женитьба Фигаро» значительнее, серьезнее, смелее ставит социальные проблемы, затронутые еще в «Севильском цирюльнике». «Театр -* это исполин, который смертельно ранит тех, на кого направляет свои удары», - пишет Бомарше в предисловии к пьесе.Вельможе Альмавиве противопоставлен простолюдин Фигаро, «наиболее смышленый человек нации». Однако здесь не простое противопоставление, как в «Севильском цирюльнике», где плебей своим умом и жизнедеятельностью лишь выгодно отличался от аристократа, здесь плебей и аристократ - враги. Между ними ожесточенная война. В их противопоставлении, в их борьбе - сценический нерв пьесы. Фигаро гневен, Фигаро готовится к бою. Но это не будет открытый бой: ведь силы неравны, в руках Альмавивы - власть. Фигаро прошел суровую школу жизни и рано познал нравственные законы общества, разделенного на господ и рабов: «Каждому хочется добежать первому, все теснятся, толкаются, оттирают, опрокидывают друг друга, - кто половчей, тот свое возьмет, остальных перегонит». Пред нами не просто весельчак, неунывающий мастер хитрой интриги, но человек, наделенный огромными силами ума и характера. На что тратятся эти силы? «Ради одного только пропитания мне пришлось выказать такую осведомленность и некую находчивость, каких в течение века не потребовалось для управления Испанией», - говорит он. Жизнь Фигаро - постоянная, незатихающая, напряженная и ожесточенная борьба простолюдина за свое существование. Ни минуты покоя, ни дня отдыха - всегда и везде дамоклов меч нужды, угроза остаться па улице без крова. Он перепробовал все профессии: был парикмахером и драматургом, занимался медициной и политической экономией, сталкивался с судебными властями. За критические выступления в печати подвергался правительственным репрессиям, сидел в тюрьме. Он «все видел, всем занимался, все испытал». И этот тернистый путь Фигаро проходит, не теряя ни своей жизнерадостности, ни оптимизма.Фигаро и Сюзанна утверждают себя в жизни сами, ни от кого не ждут помощи, ни на кого не опираются. Ум, воля, сознание своей правоты - вот их оружие! И они верят в его силу. Они относятся к своим господам с некоторой долей снисходительного презрения: на стороне господ богатство и знатность, но это очевидная несправедливость, сами же господа - существа слабые, неспособные постоять за себя. Фигаро и Сюзанна - люди с сильной волей. Они не станут унывать и умеют добиваться своего. Отсюда проистекает их покоряющая веселость, их неиссякаемый оптимизм. Автор их любит, любуется ими, постоянно, всегда, и своею любовью к ним заражает зрителя.

Язык Бомарше энергичен и выразителен чрезвычайно.В его комедиях все бьет в одну цель. Социальные конфликты раскрываются через конфликты сценические, через систему художественных средств и образов. Напряженный, контрастный диалог с характерной для Бомарше речевой антитезой наполнен духом борьбы, волнений, страстей предреволюционных лет. И даже праздничный, ярко расцвеченный, нарядный колорит их - и тот свидетельствует о вере в победу приближающейся революции.Когда К.С. Станиславский весной 1925 г. задумал ставить «Женитьбу Фигаро», он высказал актерам, привлекавшимся к участию в ее исполнении, много глубоких и здравых суждений.«Прежде всего освободим ее от наросших на нее штампов, - говорил он. - Первый из них - это трактовка пьесы как сугубо развлекательной комедии, где граф - не граф, а какой-то прообраз Арлекина, Сюзанна - Коломбина, Фигаро - Пьеро и т.д. Мы будем создавать реалистический спектакль, разумеется, не лишенный той праздничности, которой он дышит у Бомарше и которая оправдывается внутренне тем, что в этой бессмертной комедии народ побеждает своих врагов»¹.На этом, по сути дела, и заканчивается комедийный театр Бомарше. Он автор двух драматических шедевров. История приняла только их да великолепные «Мемуары» - шедевр публицистической прозы.Бомарше написал еще либретто философской оперы «Тарар», музыку которой создал ученик Глюка Сальери (впервые поставлена 8 июня 1787 г.). В годы революции он поставил в театре последнюю часть трилогии о Фигаро, «Преступную мать» (26 июня 1792 г.). Это уже драма, тот сентиментально-трогательный жанр, с которого Бомарше начал свое драматическое поприще.Фигаро здесь не смеется, как прежде. Он удручен, его гнетут заботы. На его глазах рушится семейное счастье графа, а он теперь так ему предан. Куда делось политическое бунтарство, чувство сословной неприязни плебея к аристократу? Ничего этого уже нет. Фигаро преобразился. И весь строй пьесы, ее внутреннее содержание, ее общий колорит совсем не те, что были в первых пьесах трилогии. Нет в ней и яркой правды жизни.Бомарше объяснял свое новое мироощущение старостью: «С возрастом расположение духа становится все более мрачным, характер портится. Несмотря на все усилия, я уже не смеюсь».Однако здесь были другие причины, более важные, о чем он умалчивал: он был встревожен размахом революции. Его пугала гигантская ломка, которая происходила у него на глазах. Он хотел бы теперь остановить революцию. Раз сословные привилегии упразднены, гражданские свободы установлены, чего же больше? Довольно!Поэтому и герой его Фигаро из бунтаря превращается в верноподданного слугу, преданного своему господину. Правда, и господин уже иной. Это не прежний тиран, распутный аристократ, стоящий на страже своих сословных привилегий, а человек гуманный, поднявшийся до благородного прощения невольной неверности жены, наконец, человек иных политических взглядов

58. Новорожденный кинематограф Беларуси становился на ноги с помощью людей, в нем крайне заинтересованных. В их числе немало было тех, кого сегодня по праву относят к плеяде романтиков, мечтателей. Их творческие порывы отнюдь не были беспочвенны, за ними стояла Республика, заявившая о желании иметь собственный кинематограф. Первый белорусский сценарист—Анатоль Вольный. «Белорусское искусство, — писал он, — должно быть возвышенным и простым, как наши народные сказки… Мы должны не забывать того, что мы можем и обязаны дать свое в сокровищницу мировой культуры… В выполнении этой задачи нам более всего обязано помочь наше кино…»Молодой энтузиазм находил отклик таких, уже хорошо известных в 20–е годы режиссеров, как Юрий Тарич и Владимир Гардин. Впечатляет повествование о создании в Белгоскино первых приключенческих картин — «Лесная быль» и «Сосны шумят», фильмов поэтичных (сегодня — наивно–трогательных). С них ли, обращенных к событиям гражданской войны, в сущности, начиналась партизанская тема, которая в киноповестях о войне Отечественной определит облик белорусской кинематографии (не только тематический, но и творческий) на долгие времена. Янку Купалу и Якуба Коласа заинтересовали детали киносъемочного процесса, и занятый постановкой картины «До завтра» Юрий Тарич знакомил классиков с «секретами» кинопроизводства. Киноленты «Сосны шумят» и «Искатели счастья». Выдающихся советских кинорежиссеры (М. Донской, Е. Дзиган, И .Пырьев), артисты (В. Крылович, Б. Бабочкин, Л. Кмит, Л. Смирнова), композиторы (И. Дунаевский, С. Прокофьев), начинавших свой творческий путь в искусстве именно в Белгоскино. В послевоенное время во всю мощь зазвучала тема Великой Отечественной войны в фильмах «Константин Заслонов» и «Часы остановились в полночь». возрождении детского кино, начало которому было положено в тридцатые годы ХХ века фильмами «Боям на встречу», «Полесские робинзоны», «Концерт Бетховена». Кино для детей получило затем свое продолжение в творчестве режиссера Льва Голуба, чьи фильмы «Дети партизана», «Миколка–паровоз», «Девочка ищет отца» стали классикой отечественного и советского экрана.Самое интересное и плодотворное время белорусского кино— с 1960 до 1985 года —называют «золотым веком» отечественного экранного искусства. режиссеры Виктор Туров, Борис Степанов, Валентин Виноградов, Игорь Добролюбов, Виталий Четвериков, операторы Анатолий Заболоцкий, Юрий Марухин, художник Евгений Игнатьев и многие другие. Настоящие «шестидесятники», они принесли с собой дыхание новой эпохи — «оттепели». благодаря им белорусская кинематография становится одной из ведущих в бывшем Советском Союзе. фильмы, как «Я родом из детства», «Война под крышами», «Люди на болоте» Турова, «Альпийская баллада» Степанова, «Иван Макарович» Добролюбова. Первый полнометражный фильм режиссера Турова «Через кладбище» впоследствии вошел в сотню лучших фильмов мира о войне. Позже ряды кинематографистов пополняют Валерий Рубинчик «Дикая охота короля Стаха». Валерий Рыбарев снял картины «Свидетель» и «Чужая вотчина», ставшие новой классикой белорусского кино. Главная особенность национального кино — связь с литературой, с книгами лучших белорусских и русских писателей — от А. Пушкина и И. Тургенева до В. Быкова, А. Адамовича, В. Короткевича, В. Козько. Кинокомедии «Теща» и «Белые Росы». Роль документального кино, в котором отражена вся многоликая жизнь страны и ее людей. анализ истории развития телевизионного кино Беларуси. Его авторы — доктор искусствоведения О. Нечай, кандидат филологических наук О. Медведева и кандидат искусствоведения Н. Агафонова впервые исследовали тенденции развития отечественного кинематографа в формате «малого экрана». Наиболее сложное время— 1986–2003. Эти 20 лет стали периодом взлета и активной перестройки творчества и кинопроизводства, периодом надежд и поисков, смены поколений, разочарований и возвращению к традициям. Игровое кино «Меня зовут Арлекино», «Под небом голубым», «Наш бронепоезд», «Безумной страстью ты cама ко мне пылаешь», «Кооператив «Политбюро», «В августе 44–го…», «Анастасия Слуцкая» и др. Именно короткометражное кино вместе с анимационным принесло нашему кинематографу самое большое количество наград и призов на самых престижных мировых фестивалях.

59. Иоганн Готфрид Гердер родился в 1744 г., в Морунгене, небольшом городке в Восточной Пруссии, в семье школьного учителя. в 1762 г. Поступил на богословский факультет Кенигсбергского университета. Там он слушал лекции магистра философии Иммануила Канта, С 1784 по 1791 г. Гердер издает свой основной труд по культурологии - "Идеи к философии истории человечества", принесший ему всемирную известность

Теперь обратимся к более подробному описанию культурологической концепции Гердера, изложенной в труде "Идеи к философии истории человечества".рассматривается "местожительство" Человека и его культуры на планете Земля. Гердер ставит задачу проследить историческую судьбу человечества как части Вселенной, понять смысл его существования на Землей. Философия истории человеческого рода должна начаться "с небес", поскольку Дом наш - Земля, которая не сама по себе наделена способностью создавать и сохранять органические существа, а получает их от сил, пронизывающих нашу Вселенную. Поэтому и Землю нельзя рассматривать отдельно, а лишь в хоре миров, куда она помещена. Незримые, вечные узы привязывают ее к Солнцу, от которого на Земле свет, тепло, жизнь и цветение. Таково начало культурологической концепции Гердера. Он не противопоставляет культуру и природу, но видит их единство и взаимозависимость. История человечества будет неполной, если ее рассматривать вне связи с миром животных. История культуры наполнена различными сюжетами приручения животных, близости с ними, использования для своей жизни. Гуманность - это надежда на подлинность человеческого существования, это цель истории человечества, его высшее предназначение. "И человек - пока только человекоподобный - станет человеком, и расцветет бутон гуманности, застывающий от холода и засыхающий от зноя, он расцветет и явит подлинный облик человека, его настоящую, его полную красоту".Мы счастливы лишь благодаря естественным отношениям, заботой о семье, близких, друзьях, ибо мы любим других как часть самого себя. Мера блаженства - в каждом человеке. Но при этом счастлива душа деятельная, неустанно творящая благо, и жалок тот человек, который лишь расплывается в словах, не принося добра ни себе, ни другим. Таковы общие контуры культурологической концепции Гердера. Она проникнута идеями гуманизма и просвещения, исторического оптимизма и равнаденности культур всех народов. Многие его мысли удивительно современны, несмотря на то, что Они были высказаны почти двести лет назад. Изучение теоретического наследия Гердера еще ждет своих исследователей. Многие из его предложений о создании истории культуры человечества всех времен и народов необычайно заманчивы, но до сих пор не существует такой энциклопедии культуры. Возможно, эта идея будет интересной для нового поколения ученых.

60. Зарождение постмодерна это 60 — 70-е гг., связано и логически вытекает из процессов модернизма как реакция на кризис его идей, а также на так называемую смерть супероснований: Бога (Ницше), автора (Барт), человека (гуманитарности). Термин появляется в период Первой мировой вой­ны в работе Р. Панвица «Кризис европейской культуры» (1914). В 1934 году в своей книге «Антология испанской и латиноамериканской поэзии» литературовед Ф. де Онис применяет его для обозначения реакции на модернизм. Однако в эстетике термин «постмодернизм» не приживается. В 1947 году Арнольд Тойнби в книге «Постижение истории» придает постмодернизму культурологический смысл: постмодернизм символизирует ко­нец западного господства в религии и культуре.^[3]

Популярность термин «постмодернизм» обрел благодаря Чарльзу Дженксу. В книге «Язык архитектуры постмодернизма» он отмечал, что хотя само это слово и приме­нялось в американской литературной критике 60-70-х го­дов для обозначения ультрамодернистских литературных экспериментов, автор придал ему принципиально иной смысл. Постмодернизм означал отход от экстремизма и нигилизма неоавангарда, частичный возврат к традициям, акцент на коммуникативной роли архитектуры. Обосновы­вая свой антирационализм, антифункционализм и анти­конструктивизм в подходе к архитектуре, Ч. Дженкс наста­ивал на первичности в ней создания эстетизированного артефакта.^[3] Впоследствии происходит расширение содержания этого понятия с первоначально узкого определения новых тенденций в американской архитектуре и нового течения во французской философии (Ж. Деррида, Ж.-Ф. Лиотар) до определения, охватывающего начавшиеся в 60-70 годы процессы во всех областях культуры, включая феминистское и антирасистское движения.

В настоящее время существует ряд взаимодополнительных концепций постмодернизма как феномена культуры. Хабермас, Белл трактуют постмодернизм как постиндустриальное общество с характерным эстетическим эклектизмом. Объявленным «началом» постмодернизма считают статью Лесли Фидлера, «Пересекайте границу, засыпайте рвы» (1969), демонстративно опубликованную в журнале Playboy. Американ­ский теолог Харви Кокс в своих работах начала 70-х годов, посвященных проблемам религии в Латинской Америке, широко пользуется понятием «постмодернистская теоло­гия».