7) Архитектура.

В послереволюционные годы внимание архитекторов привлекли задачи не только промышленного, но и массового жилищного строительства, разработка жилых комплексов с экономными типовыми квартирами, рассчитанными на среднюю и низкооплачиваемую категорию людей. В проектировании городов нового типа и крупных промышленных предприятий все более утверждаются принципы функционально-конструктивной системы. Этот стиль в архитектуре получил название конструктивизма.

Новаторы провозглашали отказ от «искусства ради искусства». Отныне искусство должно было служить производству, а производство — народу. Конструктивизм характеризуется строгостью, геометризмом, лаконичностью форм и монолитностью внешнего облика. Характерные памятники конструктивизма — фабрики-кухни, Дворцы труда, рабочие клубы, дома-коммуны.

1930-е- стилевые тенденции располагались между двумя крайними точками — конструктивизмом и традиционализмом. Этот переходный период в наше время некоторые специалисты считают постконструктивизмом, другие исследователи называют его советским вариантом ар-деко.

Ар-деко: Это эклектичный стиль, который представляет собой синтез модерна и неоклассицизма. Отличительные черты — строгая закономерность, смелые геометрические формы, этнические геометрические узоры, богатство цветов, щедрые орнаменты, роскошь, шик, дорогие, современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро. Примером архитектуры переходного периода является здание ленинградского Фрунзенского универмага и хорошо известный «Дом на набережной» в Москве.

Сооружения этого времени, относительно декорированные внешне, сохраняли или комбинировали в своей планировке конструктивистские основы вместе с классическими пропорциями.

В 1945 году страна приступила к восстановлению разрушенных городов. Архитектура стала одним из приоритетных направлений народного хозяйства. Архитектурное произведение должно было внушать уверенность зрителям в скором восстановлении всей страны. Яркими примерами являются Главное здание МГУ.

МГУ выстроено в 1949—1953 гг., архитекторы Б. М. Иофан (был смещён с должности главного архитектора), Л. В. Руднев, С. Е. Чернышёв, П. В. Абросимов, А. Ф. Хряков, В. Н. Насонов. Скульптурное оформление фасадов — работы мастерской В. И. Мухиной.

Здание было построено в стиле «сталинский ампир». Стиль «сталинский ампир» был главенствующим в архитектуре страны до 1955 года. Сталинский ампир сочетая классические пропорции и основные символические мотивы во внешней отделке, ампир был развит и существенно расширен, где фигурировали в лепных украшениях героизированные люди разных профессий.

В 1955 году принято постановление «Об устранении излишеств в проектировании и строительстве», положившее конец сталинскому ампиру. Началась застройка районов крупными массивами. В 1960-70-х гг. развивался новый стиль архитектуры — простая, экономная, на основе новой индустрии и выражающая возможности современной техники.

29. Модерн, Югенстиль, Ар-Нуво, Ар-Деко, Сецессион в европейском и русском изобразительном искусстве и архитектуре.

Ар-деко (фр. «декоративное искусство») —течение в изобразительном и декоративном искусстве первой половины XX века, которое впервые появилось во Франции в 1920-х годах, а затем стало популярно в 1930-е и 1940-е годы в международном масштабе. Синтез модерна и неоклассицизма.

Отличительные черты — строгая закономерность, смелые геометрические формы, этнические геометрические узоры, богатство цветов, щедрые орнаменты, роскошь, шик, дорогие, современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро).

Модерн - художественное направление в искусстве, наиболее распространённое в последней декаде XIX — начале XX века (до начала Первой мировой войны, оборвавшей естественное развитие искусства в большинстве стран Европы).

В разных странах стиль модерн назывался по-разному:

в США – тиффани (по имени Л. К. Тиффани),

во Франции – Ар Нуво (фр., новое искусство),

в Германии – югендстиль (нем., молодой стиль),

в Австрии – стиль Сецессион,

в Англии – модерн стайл,

в Италии – стиль либерти,

в Швейцарии – еловый стиль.

Модерн стремился вовлечь в сферу прекрасного все стороны деятельности человека. Он стремился стать единым синтетическим стилем, в кот все элементы из окружения человека были выполнены в одном ключе: архитектура, живопись, дизайн интерьера, керамика, книжная графика.

Характерные черты (изобразительное искусство):

- отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий;

- динамика и текучесть форм;

- орнамент (растительный);

- 2-хмерность изображения;

-декоративность

Представители:

Обри Бёрдсли (график) – Англия;

Герда Вегенер — Дания;

Густав Климт («Змеи-2», «Даная», «Золотая рыбка») — Австрия;

Альфонс Муха — Чехия;

Фердинанд Ходлер («Ночь», «День») – Швейцария;

Люсьен Леви-Дюрмэ, Анри де Тулуз-Лотрек, Пьер Пюви де Шаванн — Франция;

Россия:

М. А. Врубель;

А. Н. Бенуа;

В.А. Серова;

Н.К. Рерих

В. М. Васнецов;

С. В. Малютин;

М. В. Нестеров;

В. Д. Поленов;

Л. С. Бакст, К. А. Сомов, Мир искусства

Обри Винсент Бёрдсли (1872, Брайтон—1898, Франция) — английский художник-график, иллюстратор, декоратор, поэт, один из виднейших представителей английского эстетизма и модерна 1890-х гг.

Обри Бёрдсли родился в семье Пола Бёрдсли, чьими родственниками были состоятельные лондонские ювелиры, и Элен Агнес Питт, которая происходила из семьи врачей. Несколько поколений в семье отца страдали от туберкулёза. В 1879 году семилетнему Обри поставили аналогичный диагноз.

. В семье рано поняли, что их сын — вундеркинд. Рисовать он начал с четырёх лет, под влиянием матери рано пристрастился к английской и французской литературе, благодаря её урокам музыки он осознал свой незаурядный талант. При поддержке нескольких аристократических семей он занимался с известными пианистами и, как результат, в 11 лет сочинял музыку и стихи, которые отличались редким изяществом, а с марта 1881 года (переезд в Лондон) вместе с сестрой Мейбл (впоследствии она стала актрисой) давал концерты, на которые собирались до 3000 человек.

Несмотря на болезнь, некоторое время он посещает уроки в Вестминстерской художественной школе у профессора Ф. Брауна. Однако всего в искусстве он добился самостоятельно, и поэтому считается гениальным самоучкой.

Слава настигла его в 1892 году, когда он по заказу издателя Джона Дента выполнил серию иллюстраций к роману сэра Томаса Мэлори «Смерть Артура». Одной из отличительных черт его работ являлась утончённая эротичность.

Иоканаан и Саломея Глаза Ирода Танец живота

Иллюстрации к пьесе английского писателя Оскара Уайльда «Саломея» (1894 г.)

Альфонс Мариа Муха (1860 —1939) — чешский живописец, театральный художник, иллюстратор, ювелирный дизайнер и плакатист, один из наиболее известных представителей стиля «модерн».

Альфонс Муха родился в городке Иванчице в Южной Моравии в семье небогатого судебного чиновника Ондре Мухи, отца шестерых детей от двух браков. Окончил гимназию, после пытался поступить в пражскую Академию художеств, но не выдержал экзамены и некоторое время по протекции отца работал писарем в суде своего родного городка. Всё своё свободное время он посвящал занятиям в местном любительском театре — вначале как актёр, затем как декоратор и художник афиш и пригласительных билетов.

В сер. 1880-х восхищённый его творчеством граф Куэн-Беласси, кот он украшал замок, согласился оплатить расходы по его учёбе в Мюнхенской академии изящных искусств. Однако в 1889 году графу надоело быть меценатом, и Муха остается без средств к существованию. Ему приходится бросить занятия серьёзной живописью и зарабатывать изготовлением рекламных плакатов, афиш, иллюстраций в книгах и журналах, календарей, ресторанных меню, приглашений, визитных карточек и т. д.

Поворот в его судьбе наступил в 1894 году, когда накануне Рождества он получил от театра «Ренессанс» заказ на афишу премьеры представления «Жисмонда» с участием великой актрисы Сары Бернар. Эта работа моментально сделала его едва ли не самым популярным художником в Париже. Он получил место главного декоратора театра.

Все работы Мухи отличаются своеобразным неповторимым стилем. Центром композиции, как правило, является молодая здоровая женщина славянской внешности в свободной одежде, с роскошной короной волос, утопающая в море цветов — иногда томно-пленительная, иногда загадочная, иногда грациозная, иногда неприступно-роковая, но всегда обаятельная и миловидная. Картины обрамляют замысловатые растительные орнаменты, не скрывающие своего византийского или восточного происхождения. В отличие от тревожных картин современных ему мастеров — Климта, Врубеля, Бакста — его произведения дышат спокойствием и негой. В этом же стиле были созданы красочные графические серии «Времена года», «Цветы», «Деревья», «Месяцы», «Звезды», «Искусства», «Драгоценные камни», которые до сих пор тиражируются в виде арт-постеров.

Жисмонда Лунное сиияние Утрення звезда Вечерняя звезда Северная звезда

Декоративное панно из серии «Звезды» 1900

Фрукты.1897. весна лето осень зима

Декоративное панно из серии «Времена года» 1896

Россия.

Николай Константинович Рерих (1874 - 1947)

Николай Константинович Рерих был одной из самых ярких фигур русского символизма и модерна.

Он родился 9 октября 1874 в Петербурге, в семье нотариуса.

Окончательно стать художником Рерих решил еще учась в гимназии К. И. Мая. Первым его учителем рисования был М. О. Микшеин.

После окончания гимназии Рерих учился на юридическом факультете Санкт-Петербургского университета, слушал лекции на историко-филологическом факультете и, несмотря на недовольство отца, посещал классы Академии художеств (1893 — 97).

Учителем Николая Константиновича в Академии Художеств был А. И. Куинджи, сыгравший огромную роль в жизни Рериха. “Мощный Куинджи был не только великим художником, но так же был великим учителем жизни” — вспоминал Рерих.

Рерих с детских лет интересовался археологией. В студенческие годы он стал членом Российского Археологического общества. В 1899 — 1904 гг. он занимался изучением славянских и угро-финских древностей. Темы из древнерусской жизни предстают в его картинах в виде красочных символов-обобщений: “Укушуйник”, “Пскович”, “Иван-царевич наезжает на убогую избушку” (1894), “Гонец. Восста род на род” (1897). “Город строят” (1902) и др.

В 1898 году Рерих окончил университет и поступил на службу в Общество поощрения художеств помощником директора музея и помощником редактора нового журнала “Художественная промышленность”, в котором он публиковал свои статьи о задачах творчества.

Рерих считал своим духовным учителем известного французского художника-монументалиста Пюви де Шавана, который оказал большое влияние на стилистическую манеру художника. Одной из первых работ, начатых Рерихом в Париже, была картина “Идолы” 1901 г., в работе над которой проявились новые черты его творчества: стремление к декоративности цветовых отношений и обобщенности форм.

Идолы.1901.

Его картины “Иноземные гости” и “Заморские гости”, написанные в начале 1900-х гг., это стилизация славянской древности. Рерих — яркий представитель стиля модерн, которому присущи декоративность, изысканные живописные эффекты, преобладание растительных орнаментов.

Иноземные гости.

В 1901 году Рерих вернулся в Россию и 28 октября женился на Е. И. Шапошниковой. В этом же году он становится Секретарем общества поощрения художеств. В это время он пишет такие картины как “Город. Утро”, “Городок”, “Городок зимой” и др., в которых использует традиции народного творчества.

1903 — 1904 гг. Рерих совершает поездку по старинным русским городам, результатом которой стала серия “архитектурных пейзажей”: картина “Смоленск. Крыльцо женского монастыря” (1903), этюды “Ростов Великий” и “Вознесенский монастырь в Угличе” и т.д.. В 1904 г. он работает над эскизом для мозаики “Александр Невский поражает ярла Биргера”, колористическая гамма которого отличается декоративностью и красотой.

Умер Николай Константинович Рерих в Кулу 13 декабря 1947.

В Русском Музее:

Баян «Витязь». Сюита - Богатырский фриз. «В монастыре». Эскиз декораций к

пьесе М. Метерлинка «Сестра Беатриса».

Характерные черты (архитектура):

-отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий;

-использование новых материалов: железо (сталь), бетон, стекло. Они дополняют использование камня, кирпича и дерева. Ведь возникновение стиля модерн соответствует эпохе империализма, когда возникла потребность строить не только замки, ратуши и церкви, но и заводы, вокзалы, аэродромы, выставочные залы, магистрали;

-отказ от обязательных симметричных форм. В нем появляются новые формы, как, например, «магазинские окна», то есть широкие, предназначенные играть роль витрин;

-не скрывает конструкцию строения;

-вытекание внешнего облика здания из его внутреннего содержания: сначала продумывается внутренний план комнат. Стремление к созданию одновременно и эстетически красивых, и функциональных зданий. Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и интерьеру, который тщательно прорабатывался. Все конструктивные элементы: лестницы, двери, столбы, балконы — художественно обрабатывались.

Представители:

Петер Беренс — Германия;

Виктор Орта – Бельгия;

Эктор Гимар – Франция;

Антони Гауди – Испания;

Хендрик Берлаге — Голландия;

Ф.О.Шехтель, И.А. Фомин, Ф.И. Лидваль, П.Ю.Сюзор, Г.В. Барановский – Россия.

Одним из первых архитекторов, работавших в стиле модерн, был бельгиец Виктор Орта (1861-1947) – великий бельгийский архитектор родом из Гента. Виктор недолго учился в Париже, затем после смерти отца вернулся в Брюссель и поступил в Королевскую академию изящных искусств. Для произведений Орта характерны изогнутые напряжённо-изящные линии, похожие на изгибы хлыста, стебли, разветвления, складки. Каждая деталь декора функциональна.

В 1885 году Орта выполнил свои первые три заказа - жилые дома в родном Генте. Однако лёгкой и быстрой славы он не искал, поэтому в течение следующих восьми лет оттачивал мастерство на небольших скульптурных формах и участвовал в различных конкурсах.

В своих проектах он активно использовал новые материалы, в первую очередь, металл и стекло. Несущим конструкциям, выполненным из железа, он придавал необычные формы, напоминающие какие-то фантастические растения. Лестничные перила, светильники, свисающие с потолка, даже дверные ручки — все тщательно проектировалось в едином стиле. Четыре брюссельских дома работы Орта включены в список объектов всемирного наследия ЮНЕСКО.

Всё находиться в Брюселле:

Дом Отрика.

Особняк Тасселя.

Особняк Сольве.

Дом Орта

Во Франции идеи модерна развивал Эктор Гимар, создавший, в том числе, входные павильоны парижского метро. Родился 1867 года в Лионе. В 1882-м вся семья переехала в Париж, где он поступил в Национальную школу декоративных искусств. Через год Гимар перевелся на архитектурное отделение. В 1885 году Гимар поступил в Парижскую школу изящных искусств. Через два года молодой архитектор получил первый заказ на строительство кафе в Париже, за которым последовало множество других заказов.

Париж:

Замок Кастель Беранже.

Вилла Флора.

Павильон метро.

Ещё дальше от классических представлений об архитектуре ушёл Антонио Гауди. Здания, сооруженные им, настолько органически вписываются в окружающий пейзаж, что кажутся делом рук природы, а не человека.

Антонио Гауди родился 25 июня 1852 г. в городе Реусе, недалеко от Барселоны, в семье, принадлежащей к роду потомственных каменщиков. С 1868 г. жил в Барселоне, где в 1873–1878 гг. занимался в Высшей технической школе архитектуры. Гауди изучал различные ремесла (столярное дело, ковку металлов и др.) в мастерской Э. Пунти. Умер в 1926.

Барселона:

Дом Висенс (1878—80).

Дом Висенс - это диалог с арабской архитектурой. Асимметричное решение фасадов, ломаная линия крыши, геометрический орнамент, кованые решетки на окнах и балконах, яркий колорит за счет керамики – вот отличительные черты Каса Висенс.

Дом Мила (1906-10).

Это - расположенный на угловом участке шестиэтажный доходный дом с двумя внутренними дворами и шестью световыми колодцами. Здание, как и квартиры, имеет сложный криволинейный план.

Дом Бальо (1904-06) - плод причудливой фантазии, имеющей чисто литературное происхождение. В нем разработан сюжет - Св. Георгий убивает дракона. Первые два этажа напоминают кости и скелет дракона, фактура стены - его кожу, а кровля сложного рисунка - его хребет.

Россия.

В отдельных крупных городах и регионах модерн имел свои отличительные черты. В России появились термины — московский модерн, петербургский модерн (северный модерн), рижский, провинциальный и т. д.

Фёдор Осипович Шехтель (1859— 1926)

родился в Саратове в семье инженера из обрусевших немцев. После смерти отца семейство перебралось в Москву. Мать Шехтеля стала экономкой в доме собирателя живописи П. М. Третьякова. Атмосфера любви к искусству, царившая здесь, повлияла на будущего зодчего. Шехтель поступил на архитектурное отделение Московского училища живописи, ваяния и зодчества. 1 сентября 1878 года Шехтель был отчислен из училища с формулировкой «за плохую посещаемость», однако это не помешало его самостоятельной работе.

С именем Шехтеля связан расцвет архитектуры стиля модерн в России. Перелом от готики к модерну произошёл в 1900 году.

Классическим образцом русского модерна считается особняк предпринимателя и коллекционера С. П. Рябушинского, построенный Шехтелем в 1900—1902 гг. на Малой Никитской улице. (В 1931 г. дом был переделан в соответствии со вкусами нового жильца — писателя Максима Горького.)

Особняк Рябушинского в Москве.

Каждый фасад имеет неповторимый облик: крыльца, балконы, окна — неправильной формы и разного размера. Оконные переплёты и рамы изгибаются, словно ветви деревьев.

В 1902—1904 гг. мастер перестроил в неорусского стиле (направление в модерне)Ярославский вокзал в Москве.

После революции 1917 г. Шехтель преподавал, создавал новые проекты, но они так и остались неосуществлёнными.

Фёдор Осипович Шехтель скончался от рака желудка 7 июля 1926 года.

Иван Александрович Фомин (1872, Орёл —1936, Москва) —русский и советский архитектор, преподаватель, историк архитектуры.

Начав работу в стиле модерн, в начале 1910-x гг. Фомин стал ведущим мастером петербургской неоклассической школы..

Он родился в 1872 году в Орле. Закончив гимназию в Риге, в 1891 году поступил на математический факультет Московского университета, но через три года перевелся в Петербургскую Академию Художеств, однако в 1896 за участие в студенческих выступлениях был исключен из нее, не закончив курса.

В 1900 построил своё первое здание в Скатертном переулке - особняк для В.И.Рекк.

Пристройка особенно интересна композиционно — её фасадная плоскость состояла из трёх элементов, вместе образующих характерную для модерна форму "замочной скважины".

В особняке Рекка важную роль играл намеренно гипертрофированный лепной декор, воспроизводивший формы органической жизни —цветы.

На рубеже XIX—XX вв. в Петербурге распространился стиль северный модерн, родственный архитектурным традициям Скандинавских стран. Его отличает подчёркнутая строгость отделки. Мастера использовали грубую кладку из неотёсанного камня (серого карельского гранита) в сочетании с цементной штукатуркой, поверхность которой напоминала болотные мхи. Постоянный спутник северного модерна — скульптурный рельеф.

В Петербурге одним из основных архитектурных типов стал доходный дом.

Одним из ведущих петербургских архитекторов рубежа веков был Фёдор Иванович Лидваль (1870—1945). Он родился в Петербурге в семье шведского подданного. Лидваль окончил Училище технического рисования, учился в Академии художеств.

Самое известное произведение мастера — доходный дом на Каменноостровском проспекте (1899—1904 гг.), принадлежавший его матери Иде Лидваль.

Начало 1910-х было временем наибольшего творческого расцвета архитектора. В эти годы он создаёт гостиницу «Астория» на Исаакиевской площади и Толстовский дом на Троицкой улице (ныне ул. Рубинштейна, дом 15-17), другим фасадом выходящий на набережную Фонтанки (наб. Фонтанки, дом 54).

Толстовский дом — неофициальное, но широко распространённое название знаменитого доходного дома графа М. П. Толстого в Санкт-Петербурге.

Гостиница "Астория" (1911-1912)

Мощный карниз над пятым этажом иллюзорно понижает высоту здания. Скошенный угол позволяет зданию удачно вписаться в ансамбль площади. Первый этаж с длинным рядом остекленных арок украшен скульптурными масками на замковых камнях.В облицовке использован гранит.

Павел Юльевич Сюзор (1844, Санкт-Петербург — 1919, Петроград) — выдающийся русский архитектор, академик архитектуры, общественный деятель, педагог, действительный статский советник.

Павел Юльевич Сюзор родился в 1844 году в Санкт-Петербурге, в семье известного педагога и литератора Ю. С. Сюзора. В 1866 году он окончил Академию художеств, сразу же начал строительную практику.

Самая известная работа Павла Сюзора - Дом Зингера (Здание «Дома книги» - Невский пр. 28).

Гавриил Васильевич Барановский.

Елисеевские магазины.

доходный дом Г. Г. Елисеева

Доходный дом Барановского

Буддийский храм (дацан) в Старой Деревне

30. Мировая художественная культура эпохи Модернизма – периодизация и типологическая характеристика.

Модернизм (от фр. moderne — современный) — понятие, обозначающее течения художественной практики, сложившиеся в первые десятилетия 20 века (кубизм, экспрессионизм, футуризм, абстракционизм, сюрреализм, конструктивизм, поп-арт и др.) и развивавшиеся вплоть до Второй мировой войны (1950-60 гг).

Характеризуется разрывом с предшествующим историческим опытом художественного творчества, стремлением утвердить новые нетрадиционные начала в искусстве, непрерывным обновлением художественных форм, а также условностью (схематизацией, отвлечённостью) стиля

Специфика художественных процессов модернизма состояла в том, что разнородные художественные течения развивались в его рамках не последовательно, а параллельно, и при этом воспринимались как равноправные.

Искусство модернизма породил кризис веры в рациональное устройство мира. Новая картина мира (опыты по расщеплению ядра, возникновение теории относительности, развитие психоанализа) не вооружила, а разоружила человека, резко усилив в его представлении долю нерациональных факторов, правящих миром и лежащих в основе существующего.

Художественная практика модернизма породила идеи о «необязательности пребывания искусства в рабстве у действительности», о возможности художественного творчества генерировать смыслы внутри своего языка, извлекая их из интонации, тембра, света, цвета, красок, линий, движений, ритмов, контрастов и т.д. самих по себе.

Модернизм строит свою художественную символику, не обращаясь прямо к реальности, а мобилизуя внутрихудожественные ресурсы.

Можно говорить о принципиальном различии сути художественного творчества модернизма и постмодернизма. Искусство модернизма еще означало сохранение надежды, стремилось, несмотря ни на что, продолжать быть посредником между человеком и миром, вырабатывать адекватные времени ориентации. Созданная и воплощенная постмодернизмом пародия на все предшествующие эпохи несла культ аутентичности самой по себе, стремление мыслить все творческие проявления как игровую сферу, абсолютизацию самоутверждения как такового, не задаваясь вопросом, имеются ли точки сопряжения между художественной деятельностью и картиной мира. Т.о., созидательный характер искусства модернизма, несомненно, противостоит творчеству постмодернизма с его игрой уже состоявшимися художественными формами.

Модернизм в изобразительном искусстве.

К наиболее известным модернистским течениям относятся такие стили, как:

-(нео-)примитивизм,

-кубизм,

-сюрреализм,

-супрематизм,

-футуризм,

-экспрессионизм,

-абстракционизм,

-дадаизм.

Каждый из них преследует свою цель, имея в основе оригинальную философскую идею или мысль.

(Нео-)Примитивизм– это намеренное искажение образов, методом упрощения. В некотором смысле данный стиль подражает первичным, примитивным этапам развития живописи. Детская интерпретация человеческой сущности, обрисованная мелкими деталями, сделала этот стиль популярным среди художников самоучек.

Анри Руссо (Франция): Спящая цыганка, Автопортерет.

М.В. Ле Дантю

Н. С. Гончарова: "Уборка хлеба" (1908) Р.м., "Рыбная ловля" (1909), «Павлин под ярким солнцем», "Идолы" (1908-09)

М. Ф. Ларионов: «Парикмахер» Р.м., «Венера (Венера и Михаил)»

Нико Пиросмани: «Жираф», Медведь в лунном свете, Актриса Маргарита

Кубизм основывается на сдвиге форм образов, их деформации и разложении на геометрические элементы. Концепция картин стала доминировать над художественной ценностью. Основоположник Пабло Пикассо: "Бидон и миски", "Три женщины", "Скрипка и гитара", "Кирпичный завод в Тортосе" – всё в Эрмитаже.

Любовь Попова: «Портрет философа»

Хуан Грис, Фернан Леже, Марсель Дюшан.

Дадаизм.

Дадаизм возник как реакция на последствия Первой мировой войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Дадаисты провозглашали: «Дадаисты не представляют собой ничего, ничего, ничего, несомненно, они не достигнут ничего, ничего, ничего».

Основными принципами дада были иррациональность, отрицание признанных канонов и стандартов в искусстве, цинизм, разочарованность и бессистемность. Считается, что дадаизм явился предшественником сюрреализма, во многом определившим его идеологию и методы. К основателям дадаизма чаще всего относят поэтов Хуго Балля, Рихарда Хюльзенбека (Richard Huelsenbeck), Тристана Тцару и художников Ханса Арпа, Макса Эрнста и Марселя Янко.

Сюрреализм - это направление сложилось под большим влиянием теории психоанализа Фрейда. Нередко сюрреалисты выполняли свои работы под воздействием гипноза, алкоголя, наркотиков или голода, ради того, чтобы достичь глубин своего подсознания. Основное понятие сюрреализма, сюрреальность — совмещение сна и реальности. В своем первом манифесте сюрреалисты утверждали, что творчество должно строится на «психологическом автоматизме», что в нем нужно доверять сновидениям. Исходя из этих положений, сюрреалисты сформировали свое основное «правило несоответствия», «соединение несоединимого».

Сальвадор Дали: « Постоянство памяти», «Пылающий жираф», «Сон …»

Макс Эрнст, Рене Магритт.

В России –В. Б. Янкилевский «Атмосфера Кафки».

Супрематизм.

Изобретенному направлению — регулярным геометрическим фигурам, написанным чистыми локальными цветами и погруженным в некую «белую бездну», где господствовали законы динамики и статики, — Малевич дал наименование «супрематизм». Сочиненный им термин восходил к латинскому корню «супрем», образовавшему в родном языке художника, польском, слово «супрематия», что в переводе означало «превосходство», «главенство», «доминирование». На первом этапе существования новой художественной системы Малевич этим словом стремился зафиксировать главенство, доминирование цвета надо всеми остальными компонентами живописи.

К.Малевич: «Чёрный супрематический квадрат», «Движение супрематического квадрата», «Красный квадрат», «Крестьянка» (1928—1932 гг.), русский музей.

Футуризм.

В изобразительном искусстве футуризм отталкивался от фовизма, заимствуя у него цветовые находки, и от кубизма, у которого перенял художественные формы, однако отвергал кубический анализ (разложение) как выражения сущности явления и стремился к непосредственному эмоциональному выражению динамики современного мира.

Главные художественные принципы — скорость, движение, энергия, которые некоторые футуристы пытались передать достаточно простыми приёмами. Для их живописи характерны энергические композиции, где фигуры раздроблены на фрагменты и пересекаются острыми углами, где преобладают мелькающие формы, зигзаги, спирали,скошенные конусы, где движение передаётся путём наложения последовательных фаз на одно изображение — так называемый принцип симультанности.

Джакомо Балла

Карло Карра

Умберто Боччони (Италия): Улица входит в дом

Экспрессионизм.

Его родиной стала Германия в преддверие первой мировой войны. Социальная напряженность тех лет и дала толчок для появления экспрессионизма. Его психологической основой стал протест и отчуждение человека от уродливого мира, чувство бесприютности и крушения надежд на европейскую культуру.

С французского языка «expression» переводится как «выразительность» и выражало это течение пессимизм и тяготение к мрачной мистике, апокалиптические настроения, ужас.

Художники-экспрессионисты стремились изображать мир плоским и деформированным, нередко преувеличенно удлиняли пропорции, «ломали» формы. Их краски драматичные и резкие, а целью изображения было выражение эмоций, далеко не радужных. Экспрессионисты использовали тяжелые мазки, крупнозернистые холсты и свои картины заключали в черные рамы.

Одним из основоположников экспрессионизма считается постимпрессионист Винсент Ван Гог.

Ханс Хофманн.

Эдвард Мунк «Крик»

Алексей Явленский: «Фабрика», «Девочка с зелёным лицом».

Абстракционизм в живописи – полный отказ от действительной передачи образов направлен на создание своеобразных ассоциаций у зрителя, путем сочетания на холсте разных геометрических фигур конкретных оттенков. Абстракционизм в живописи нацелен на гармонию композиции, ведь любой предмет под разным углом может иметь разные формы и оттенки. Это течение — последняя стадия проявления модернизма, так называемое нефигуративное искусство.

Василий Кандинский: Композиция 8, Импровизация

Модернизм в литературе:

В литературе модернизм пришёл на смену классическому роману. Вместо жизнеописания читателю стали предлагать литературные интерпретации различных философских, психологических и исторических концепций, появился стиль, названный Поток сознания (англ. Stream of consciousness), характеризующийся глубоким проникновением во внутренний мир героев. Важное место в литературе модернизма занимает тема осмысления войны, потерянного поколения.

Франц Кафка

Вирджиния Вульф

Маяковский, Хлебников (футуризм)

Ахматова, Мандельштам, Гумилёв (акмеисты)

Гиппиус (символизм)

Модернизм в архитектуре.

Архитектурный модернизм включает такие архитектурные направления, как:

- европейский функционализм 20-30-х годов,

-конструктивизм и рационализм в 20-х годах России.

Братья Веснины (Дом Общества политкаторжан (1930) – сейчас театр киноактёра, Дворец культуры Пролетарского района в Москве, Днепровская гидроэлектростанция), Эль Лисицкий, К.С. Мельников (клуб им. Русакова)

- движение «баухаус» в Германии- Ба́ухаус (нем. Высшая школа строительства и художественного конструирования) — учебное заведение, существовавшее в Германии с 1919 по 1933, а также художественное объединение, возникшее в рамках этого заведения, и соответствующее направление в архитектуре. Теоретические посылки часто сводятся к лозунгу «функционализм», то есть что утилитарно, удобно, то и красиво.

- архитектурный ар-деко стиль - Ар-деко (фр. «декоративное искусство») —течение в изобразительном и декоративном искусстве первой половины XX века, которое впервые появилось во Франции в 1920-х годах, а затем стало популярно в 1930-е и 1940-е годы в международном масштабе. Синтез модерна и неоклассицизма.

Отличительные черты — строгая закономерность, смелые геометрические формы, этнические геометрические узоры, богатство цветов, щедрые орнаменты, роскошь, шик, дорогие, современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро);

-интернациональный стиль.

Интернациональный стиль — ведущее направление модернистской архитектурной мысли периода 1930—1960-х гг. Пионерами интернационального стиля были в основном выросшие из эстетики конструктивизма архитекторы: Вальтер Гропиус, Петер Беренс и Ханс Хопп в Германии, наиболее яркими и последовательными представителями — Ле Корбюзье (Франция), Мис ван дер Роэ (Германия — США) и Якобус Ауд (Нидерланды).

Эстетика интернационального стиля требовала отказа от национальных культурных особенностей и всяческих разновидностей исторического декора в пользу прямых линий и других чистых геометрических форм, лёгких и гладких поверхностей из стекла и металла. Излюбленным материалом стал железобетон, в интерьерах ценились широкие открытые пространства.

Примеры: Штаб-квартира ООН (коллектив авторов, 1950), Фабрика Фагус (Гропиус, 1911-13), Метлайф-билдинг (Гропиус и др., 1963)

-брутализм.

Брутали́зм — направление (стиль) в архитектуре периода 1950-х — 1970-х годов, первоначально в архитектуре Великобритании. Одна из ветвей послевоенного архитектурного модернизма. Декларативной лёгкости и приглаженности «интернационального стиля» брутализм противопоставил впечатляющую мощь конструкций и объёмов, смелые крупномасштабные композиционные решения. Железобетон.

Библиотека Гейзел Лайбрери Калифорнийского ун-та в Сан-Диего, США (1970). Арх. Вильям Леонард Перейра

Здание парламента в Дакке, Бангладеш, 1961. Арх. Луис Кан

-органическая архитектура.

В противоположность функционализму, органическая архитектура видит свою задачу в создании зданий и сооружений, раскрывающих свойства естественных материалов и органично вписанных в окружающий ландшафт.

«Дом над водопадом» (арх. Ф. Л. Райт, 1935)

29. Мировая художественная культура эпохи Постмодернизма – типологическая характеристика.

Постмодернизм (фр. postmodernisme — после модернизма) — термин, обозначающий структурно сходные явления в мировой общественной жизни и культуре второй половины XX века: он употребляется как для характеристики постнеклассического типа философствования, так и для комплекса стилей в художественном искусстве.

Возникший как антитеза модернизму, открытому для понимания лишь немногим, постмодернизм, облекая всё в игровую форму, нивелирует (стирая, сглаживая) расстояние между массовым и элитарным потребителем, низводя элиту в массы (гламур).

Два краеугольных камня постмодерна — это использование готовых форм и ирония.

Постмодернизм в искусстве.

В настоящее время уже можно говорить о постмодернизме как о сложившемся стиле искусства со своими типологическими признаками.

Использование готовых форм — основополагающий признак такого искусства. Происхождение этих готовых форм не имеет принципиального значения: от утилитарных предметов быта, выброшенных на помойку или купленных в магазине, до шедевров мирового искусства (всё равно, палеолитического ли, позднеавангардистского ли).

«Художник наших дней — это не производитель, а апроприатор(присвоитель)… со времен Дюшана мы знаем, что современный художник не производит, а отбирает, комбинирует, переносит и размещает на новом месте…»

Марсель Дюшан (1887—1968) — французский и американский художник, теоретик искусства, стоявший у истоков дадаизма и сюрреализма.

Его творчество оказало влияние на формирование таких направлений в искусстве второй половины XX века, как поп-арт, минимализм, концептуальное искусство, и др.

«Фонтан», представляет собой писсуар с автографом и датой.Дюшан.

При этом в постмодерне слегка видоизменяется заимствованный материал, а чаще извлекается из естественного окружения или контекста, и помещается в новую или несвойственную ему область.

Эффектные произведения Мерсада Бербера с включениями копированных фрагментов полотен Ренессанса и барокко.

Аллегория 3

Композиции Луизы Буржуа из стульев и дверных полотен, Ленин и Микки Маус (Александр Косолапов) в произведении соц-арта — все это типичные проявления повседневной реальности постмодернистского искусства.

Объединяя Ленина, Микки–Мауса и Б–га Иисуса в едином четырехмерном континууме, Косолапов как бы говорит, что все они являются символами одного порядка, основное предназначение которых обратить потребителей в свою веру.

Леонид Петрович Соков. Сталин и Мерлин Монро.

Постмодерн в общем и целом не признает пафоса, он иронизирует над окружающим миром или над самим собой, тем самым спасая себя от пошлости и оправдывая свою исконную вторичность.

Ирония — ещё один типологический признак культуры постмодерна. Авангардистской установке на новизну противопоставлено устремление включить в современное искусство весь мировой художественный опыт способом ироничного цитирования.

Постмодерн наследует из соцреализма синтетичность или синкретизм — как типологический признак. Причем, если в соцреалистическом синтезе различных стилей сохраняется их идентичность, чистота признаков, раздельность, то в постмодернизме можно видеть сплав, буквальное сращение различных признаков, приемов, особенностей различных стилей, представляющих новую авторскую форму. Это очень характерно для постмодернизма: его новизна — это сплав старого, прежнего, уже бывшего в употреблении, использованного в новом маргинальном контексте. Для любой постмодернистской практики (кино, литература, архитектура или иные виды искусства) характерны исторические аллюзии.

Критика постмодернизма носит тотальный характер и принадлежит как сторонникам современного искусства, так и его неприятелям. Постмодернизм получил характеристику культуры second hand.

Принято считать, что в постмодерне нет ничего нового, это культура без собственного содержания и потому использующая как строительный материал все какие угодно предшествующие наработки , а значит синтетическая и больше всего по структуре похожая на соцреализм и, следовательно, глубоко традиционная, исходящая из положения, что «искусство всегда одно, меняются лишь отдельные приемы и средства выражения».

Энди Уорхолл. Поп-арт. Самым известным произведением и своего рода визитной карточкой поп-арта стала натуральная консервная банка с томатным супом. Портрет Монро.

Просто для прочтения и ознакомления:

Как узнать произведение 17в:

1.Многозначность; 2 творч.метода: реализм и романтизм.

2.Любовь к символике (с одной стороны - религиозность, с другой - обилие символов и аллегорий, отражающих конкретную ситуацию в данном общ-ве).

3.Визуальный контакт со зрителем , образ активен.

4.Тяготение к большим размерам, панорамность.

5.Тяготение к синтезу (смешение жанров, видов, материалов).

!!6.Рождаются новые жанры: пейзаж, натюрморт (Питер Клас - Завтрак с ветчиной в Эрмитаже), бытовой (жанровый). А также до сих пор существуют исторический жанр (сюжеты: античные, собственно исторические, библейские), портрет (парадный, представительский). Жанр городского пейзажа - ведутто.

7.Возрастает роль окруж.среды (человек лишь песчинка, как бы растворен в пейзаже).

8.Передача образов и явлений в движении и изменчивости.

9.Появление новых образов: люди из народа, старики, дети.

10.Любовь ко всему необычному и курьезному (Возрождение - был идеал, теперь - отклонения).

11.Возрастает психологич.глубина (выражения радости, скорби и тп).

12.Интерес к необычным состояниям (искусственное важнее природного, например: фонтан - вода течет наверх, это неестественно).

13.Любовь к зеркалам, к расширению пространства.

14.Возрастает контрастность.

15.Двойственность/дуализм чувственного иррационально-мистического.

16.Присущ гносеологич./познавательный интерес, пафос познания.

17.Высокая степень театральности.

18.Мышление у людей сложно.