1.2 Становление духовых инструментов в оркестрово-исполнительской культуре XVII-XVIII веков

Первые оркестры сформировались в начале XVII в. в итальянской опере. Одним из создателей оркестра явился основоположник классической оперы, гениальный реформатор в инструментальной сфере Клаудио Монтеверди (1567 - 1643). Он разделил все инструменты оркестра на группы смычковых и духовых; на группы, сопровождающие и ведущие мелодию. Монтеверди использовал инструменты, более совершенные по устройству и новые по эмоциональной выразительности. Композитор одним из первых ввел в оперный оркестр трубы с сурдинами (как правило, они применялись в быту при исполнении траурной музыки).

Духовые инструменты в оркестре Монтеверди играли не только важную колористическую роль, но и участвовали в музыкально-сценическом развитии. Так, пасторальный колорит ряда сцен создается звучанием маленькой флейты; использование тромбонов сгущает атмосферу страха в картине царства теней усопших, а подвижные пассажи в партиях двух корнетов еще более подчеркивали драматический характер эпизодов.

В 1637 г. в Венеции открывается первый общедоступный оперный театр «Сан-Кассиано». Вслед за ним на протяжении XVII в. появляются другие оперные театры, всего свыше десяти.

Духовые инструменты получали все большую самостоятельность. В увертюрах и шествиях все шире применялись трубы, они же часто противопоставлялись голосу в ариях; в фантастических эпизодах звучали фаготы, корнеты и тромбоны; в изобилии употреблялись литавры, барабаны и другие ударные инструменты. Флейты использовались в оркестре пока еще очень редко. Смелым новшеством явилось введение Кавалли в оркестр (в опере «Свадьба Фетиды и Пелея», 1639) хора охотничьих рогов. Оно открыло дорогу сначала использованию этих инструментов в сценах лесной природы и охоты, а позднее - появлению и введению в оркестр валторны.

Важные преобразования в оркестре реализовал глава неаполитанской оперной школы Алессандро Скарлатти (1660 - 1725), который включил в состав своего оркестра пару натуральных валторн. Было устранено «парное письмо» для духовых инструментов, при котором каждый голос партии исполнялся двумя музыкантами. Это привело к выделению одного из них как солирующего инструмента, а также к появлению аккомпанемента.

Духовые инструменты получили свое развитие и в английской музыке. Из народных инструментов бытовали волынка «бэгпайп» и рожок «хорнпайп».

Музыке в театре Шекспира отводилась важная роль: трубные фанфары возвещали торжество, выборы королей, появление посланцев и вельмож; флейты участвовали в сценах свадеб, гобои - в веселых эпизодах, валторны - в охотничьих сценах, а тромбоны - в сценах погребения.

Наиболее яркой и значительной фигурой в музыкальной культуре Англии был Генри Перселл (1659 - 1695), автор первой национальной оперы «Дидона и Эней» (1680). Трактовка оркестра Перселлом была своеобразной: духовые инструменты либо дублировали струнные, обогащая их тембровыми красками, либо перекликались с ними. У Перселла, как и у Монтеверди, выявляется важный принцип - обогащение оркестровой фактуры сочетанием различных тембров.

Вторая половина XVII и начало XVIII столетия являются «золотым веком» солирующей трубы, которая в оркестре и в сольных произведениях обладала, как правило, чрезвычайно развитой и трудной, высокой по регистру партией. Такие высокие партии трубы носили название «кларино» (от лат. «clarus» - «ясный»). Размер канала этой трубы был вдвое длиннее современного, поэтому инструмент звучал октавой ниже и начинался с до малой октавы. Применяя мундштук с мелкой и плоской чашкой, исполнитель мог достигать на такой трубе верхние натуральные звуки.

Достигнуть предельно верхних нот и подвижности на натуральной трубе могли только особо одаренные музыканты. Прославленный немецкий трубач и ученый И.Э. Альтенбург (1736 - 1801) отмечал, что исполнение партий кларино было делом нелегким, требовавшим от трубача природных подходящих губ, крепких зубов, гибкого языка, хорошего дыхательного аппарата, сильного выносливого организма и ко всему много времени для систематических занятий.

Значительную роль в развитии подлинного стиля кларино сыграли итальянские оперные композиторы XVII в. Алессандро Страделла и Карло Паллавичино, разработавшие виртуозные партии труб и валторн в высоких регистрах. Вершиной этого стиля явились партии кларино в творчестве И.С. Баха и Г.Ф. Генделя.

Сравнительно недавно, в 1958 г., в Праге был опубликован ряд сочинений чешского композитора XVII в. Павла Иозефа Вейвановского (ок. 1640 - 1694). Среди них - серенада и две сонаты, ведущую роль в которых играют трубы кларино. Композитор сам был превосходным трубачом и хорошо знал исполнительские возможности инструмента.

В числе первых сочинений для других солирующих духовых инструментов следует назвать сонату для флейты и струнных инструментов Перселла, шесть трио-сонат для двух гобоев и цифрованного баса одиннадцатилетнего Генделя, написанных в 1696 г.

XVII век явился периодом дальнейшего развития камерного ансамбля духовых инструментов. Необычайно интересны дошедшие до нас сочинения немецкого композитора Георга Даниеля Спеера (1636 - 1707). Для его произведений характерно мягкое, бархатное звучание тромбонов и звонкие голоса корнетов.

В XVII в. появляются и закрепляются в оркестровой практике гобой и поперечная флейта. Первым, кто ввел флейту в оперный оркестр как постоянный инструмент, был Ж.Б. Люлли. Но в его оркестре флейты еще были продольными (прямыми). Прямую флейту, или флейту с наконечником, держали прямо перед собой.

Где и когда возникла поперечная флейта, неизвестно. Предполагают, что проникла она в Западную Европу, прежде всего в Германию, из Азии. На всех европейских языках поперечная флейта получила название «немецкой». Основное же отличие поперечной флейты от продольной состояло в том, что звучала она гораздо выразительнее и поэтому прочно заменила свою соперницу.

Признание флейты в качестве художественно-концертного инструмента произошло во Франции. Французские мастера первыми начали заниматься усовершенствованием поперечной флейты. Так, в 1695 г. ими был применен клапан ре-диез, повышавший основной звук инструмента на полутон. Тогда же в конструкцию поперечной флейты были внесены и некоторые другие улучшения: более точное сверление канала облегчило получение верхних звуков и сделало их более красивыми и певучими; изготовление же ствола из трех частей (колен) со сменной средней частью, которая имела разные размеры, давало возможность менять строй флейты. Для точной подстройки инструмента прибегали к раздвиганию головной части, но поскольку при этом внутри канала получался глубокий зазор, влиявший на качество звука, в канал вставляли специальные деревянные кольца.

Вторым инструментом симфонического оркестра был гобой. Его изобретение приписывают французским мастерам М. Филидору и Ж. Оттетеру.

Наряду с развитием исполнительства на духовых инструментах и совершенствованием их конструкций появляются педагогические руководства по обучению игре на том или ином инструменте. Наиболее раннее учебное пособие, дошедшее до нас, - это «Искусство игры на поперечной флейте», написанное знаменитым флейтистом Л. Оттетером и изданное в 1707 г.

Постоянно развивавшееся в XVII в. исполнительство на духовых инструментах свидетельствует об уже существовавших тогда определенных методах и педагогических приемах, способствовавших развитию духового инструментального искусства.

XVIII век был временем стремительного развития и распространения оркестрово-исполнительской культуры в Западной Европе. Оркестры, инструментальные капеллы, оперные театры продолжали существовать при дворах коронованных особ, представителей дворянства и высшего духовенства.

Высокого подъема достигла оркестровая культура в Италии. К лучшим оркестрам относились: туринский, пьемонтский, миланский. Венеция была подлинным центром профессионального обучения духовиков. В ней существовало четыре консерватории. Наиболее широкой известностью в первой половине XVIII в. пользовалась инструментальная капелла Ospedale della Pieta, которой руководил А. Вивальди.

Одним из мировых центров музыкального искусства в XVIII в. был Париж. Знаменитыми коллективами здесь считали оркестры «Духовных концертов», «Концертов олимпийской ложи», «Королевской академии музыки».

Хорошие придворные капеллы существовали в Дрездене, Берлине, Вене и других городах Германии и Австрии. Возникновение придворных или городских оркестров в наиболее крупных городах Австрии и Южной Германии, совпавшее с творческой деятельностью Гайдна и Моцарта, послужило расцвету оркестрового исполнительства. Состав оркестра к этому времени уже достаточно определился. Правда, некоторые инструменты - тромбоны, кларнеты и ударные, получившие признание в оперном оркестре, - не были еще введены в состав концертного оркестра.

Руководителем придворной мангеймской капеллы был чешский композитор, скрипач и дирижер Ян Стамиц (1717 - 1757).

Среди музыкантов-духовиков оркестра выделялся флейтист Иоганн Батист Вендлинг (1720 - 1797), первый исполнитель многих сочинений Моцарта. К замечательным оркестрантам и солистам капеллы относятся также гобоисты Ф. Рамм и А. Лебрюн, валторнист Ф. Ланг и фаготист В. Риттер.

Мангеймская капелла была необычна по своему составу. В ней имелось парное количество флейт, гобоев, кларнетов, валторн, труб и литавр; фаготов было четыре. Неполной по существу оставалась медная духовая группа: ей недоставало квартета валторн, трио тромбонов и тубы. Опираясь на богатейшую практику мангеймцев, Моцарт установил парное соотношение всех духовых инструментов и таким образом определил современный малый состав классического оркестра. Именно для этого состава написали свои симфонии Гайдн и Моцарт, положив тем самым начало новой эре в истории концертно-симфонической музыки.

Широкое распространение получают духовые инструменты и исполнительство на них в бытовой и военной музыке, например в оркестрах французской гвардии и немецких уланских полков. На военных парадах исполнялось множество музыкальных произведений, написанных для двух гобоев, двух кларнетов, двух валторн и двух фаготов.

В XVIII в. подлинно концертным, даже модным инструментом становится поперечная флейта. Она еще не отличалась совершенством. В конструкции было много недостатков, что сказывалось на чистоте интонации и равномерности силы звука в различных октавах. Тем не менее, появился ряд выдающихся исполнителей на этом инструменте.

Одним из наиболее популярных концертантов XVIII в. считался немецкий флейтист-виртуоз Иоганн Иоахим Кванц (1697 - 1773). Он был образованным музыкантом, композитором, педагогом. С успехом концертировал Кванц у себя в стране и за ее пределами. Кванцу принадлежит капитальный труд под названием «Опыт руководства по игре на поперечной флейте», изданный в 1752 г. Автор дает не только метод скорейшего овладения навыками игры на поперечной флейте, популяризует новый инструмент в противовес старой, продольной флейте, но и широко обобщает музыкально-исполнительскую практику эпохи. Ему принадлежит также работа «Аппликатура для поперечной флейты в двух ключах». Из музыкальных произведений Кванца несомненную ценность для нас представляют его произведения для флейты. Он написал около 300 концертов для одной и двух флейт, шесть сонат для флейты и баса, около 200 камерно-ансамблевых пьес с участием флейты. Его концерт соль мажор (1740) с успехом исполняется в наши дни. Кванц занимался и усовершенствованием флейты: он первым изготовил регулирующий винт для пробки головной части инструмента.

Совершенствование конструкций инструментов происходило очень медленно. Изменение конструкции было связано, в первую очередь, с расширением диапазона, выравниванием звукоряда, с эстетической окраской звучания. Исполнители и мастера почти одновременно пришли к мысли о необходимости ввести в механизм флейты дополнительные клапаны. Заслуга в совершенствовании принадлежит флейтистам и инструментальным мастерам: итальянцу П. Флорио, англичанину Д. Тесситу, немцу И. Тромлицу и датчанину П. Петерсену. Их усовершенствования, в частности, дополнительные клапаны, позволили флейтистам получать все полутона, облегчилась техника игры, стали возможными хроматические пассажи.

На рубеже XVII-XVIII вв. появляется, наконец, один из интереснейших инструментов, который в дальнейшем дополнил и украсил группу деревянных духовых инструментов в симфоническом оркестре - кларнет. Он создан, как предполагается, в 1701 г. известным нюрнбергским мастером деревянных духовых инструментов Иоганном Кристофом Деннером (1655 - 1707). С 1750-х гг. кларнеты были включены во все военные оркестры. Натуральные трубы могли исполнять мотивы только ярко выраженного фанфарного плана. Гобои звучали на воздухе очень слабо, поэтому появление кларнетов и их применение в духовом оркестре было встречено с большим удовлетворением.

Первый случай применения кларнета в симфоническом оркестре относится к 1720 г.: капельмейстер собора в Антверпене Ж. А. Фабер включил его в свою мессу. До 1950-х гг. это был единственный случай применения кларнета. Затем кларнет все чаще и чаще появляется в партитурах. Рамо Ж.Ф. в 1751 г. вставил его в героическую пастораль «Акант и Кефис», а И. С. Бах - в оперу «Орион», поставленную в Лондоне в 1753 г.

В первой половине XVIII в. валторна превращается в натуральную - с широким, мягким, бархатистым звучанием. Исполнители на этом инструменте ищут более эффективных приемов игры. Серьезные усовершенствования затронули в XVIII в. также трубу и валторну, что сделало эти инструменты ведущими в симфонических оркестрах.