2. Искусство рубежа 19-20 вв. Символизм и модерн.

Символизм(знак, символ) – направление в литературе и изобразительном искусстве Европы конца 19 века – начала 20 века. Символизм возник как альтернатива исчерпавших себя и художественной практики реализма и натурализма, обратившись к антиматериалистическому, антирационалистскому образу мышления и подхода к искусству. В основе его мировоззренческой концепции лежала идея существования за миром видимых, реальных вещей другой, настоящей действительности, смутным отражением которой и является наш мир. Все случающееся с нами и вокруг нас символисты считали порождением цепи причин, сокрытых от обыденного сознания, а единственным путем достижения истины, моментом прозрения – творческий процесс. Художник становится посредником между нашим иллюзорным миром и сверхчувственной реальностью, выражая в зрительных образах «идею в форме чувств». Символизм в изобразительном искусстве – явление сложное и неоднородное, не сформировавшееся в единую систему и не выработавшее своего художественного языка. Вслед за поэтами-символистами художники искали вдохновения в тех же образах и сюжетах: темы смерти, любви, порока, греха, болезни и страданий, эротика привлекали их. Характерной чертой движения было сильное мистико-религиозное чувство. Художники-символисты часто обращались к аллегории, мифологическим и библейским сюжетам. Черты символизма отчетливо прослеживаются в творчестве самых разных мастеров – от Пюви де Шаванна, Г.Моро, О.Редона и прерафаэлитов до постимпрессионистов (П.Гогена, Ван Гога, «набидов» и др.), работавших во Франции (родине символизма), Бельгии, Германии, Норвегии и России. Для всех представителей этого направления характерны поиски собственного изобразительного языка: одни уделяли особое внимание декоративности, экзотическим деталям, другие стремились к почти примитивной простоте изображения, четкие контуры фигур перемежались с размытыми, теряющимися в туманной дымке, очертаниями силуэтов. Такое стилевое многообразие в совокупности с освобождением живописи «от оков достоверности» создало предпосылки для формирования многих художественных тенденций 20 в.

Основные мотивы символизма в изобразительном искусстве — т.н. вечные темы: смерть, любовь, страдание. Нарочитые салонные банальности тут парадоксально соседствуют с изощрённой фантазией – то манерно-утончённой, болезненно-хрупкой (Г. Моро во Франции), то убеждающе достоверной, как бы осязаемой (А. Бёклин в Швейцарии, Г. Тома в Германии), то интригующе неопределённой и пугающе алогичной (О. Редон во Франции).В произведениях Ганса Тома, например, в его иллюстрациях к «Кольцу Нибелунгов» Вагнера воплотился сам дух седой германской древности.

Во Франции изобразительное искусство рубежа XIX— XX вв. было теснейшим образом связано с символизмом, у истоков которого стоит французский живописец Пюви де Шаванн (1824—98). Предельно простые по содержанию, работы представляют собой символическое воплощение отвлеченных идей и понятий («Надежда»). Зрелое творчество художника сочетает приемы классицизма и романтизма, являясь одним из вариантов живописного символизма («Девушки у моря»). В его монументальных панно, пронизанных торжественным линейным ритмом, обобщенные, условно трактованные фигуры объединены в уравновешенной, статичной композиции; пейзажные фоны навеяны идиллическими представлениями о «золотом веке» человечества («Священная роща, возлюбленная музами и искусствами»). Пюви де Шаванн — крупнейшая фигура в области монументальной живописи конца XIX в. Пюви де Шаванн выполнил росписи парижского Пантеона, Сорбонны, Дворца искусств в Лионе и др. Его лучшие произведения в этом жанре — цикл панно «Жизнь св. Женевьевы» для парижского Пантеона (бывшей церкви Св. Женевьевы). Одна из лучших композиций цикла — «Св. Женевьева, созерцающая Париж» — прекрасно передаёт дух сосредоточенности и строгого благородства, к которым всегда стремился художник.

Еще один французский живописец, воплощавший в своих произведениях эстетику символизма, — Одилон Редон (1840—1916). Первоначально работал в области рисунка (гл. обр. углем) и тоновой литографии, он выпустил целый ряд альбомов гравюр, в которых создал индивидуальную иконографию, основанную на гротеске и иллюзиях («Улыбающийся паук») в духе Гойи. Фантастические мотивы его эстампов, проникнутые верой в существование мистического внутреннего зрения, напоминают обрывки сновидений. Близкие своему мироощущению темы и образы зачастую заимствует из поэзии и музыки («Беатриче»). Позднее Редон перешел к масляной технике. Его живописные работы наполнены теми же фантастическими образами («Мистическая барка»). Художник обращается к религиозным, восточным, античным сюжетам («Рождение Венеры»). Создавая в своих произведениях мир фантастических существ, вводит в него реальные детали. Редон писал также красочные пейзажи и удивительные натюрморты. («Две девочки среди цветов»). Образы пугающей, невероятной графики Одилона Редона — одного из основоположников французского символизма, еще дальше ушли как от традиционного реализма, так и от объективного отображения действительности

Моро Гюстав (1826-1898), французский живописец и график. Родился в Париже 6 апреля 1826 года, в семье архитектора.На протяжении 1860 –х годов произведения Моро пользуются огромным успехом и популярностью. Критики называют Моро спасителем жанра исторической живописи. В течение всей жизни Моро писал фантастически пышные, мастерски исполненные в духе символизма композиции на мифологические, религиозные и аллегорические сюжеты.Восхищался женским телом, имел вкус к роскошным нарядам и аксессуарам. Мир картин Моро – зачарованный мир фантастических пейзажей, призрачной архитектуры, дремотных состояний. В 30 лет едет на два года в Италию, привозит несколько сотен копий мастеров Ренессанса. Пишет в пастели и акварели. Романтическая стилистика, отрешенность. После смерти свой особняк с картинами (более 1200 полотен) и мастерской завещал государству. (Картины: "Орфей", “Одифус и Сфинкс”, “Саломея”)

Наиболее ярким и своеобразным представителем символизма в изобразительном искусстве был бельгийский живописец и график Джеймс Энсор (1860—1949). Энсор начинал с незатейливых бытовых сюжетов, живописующих жизнь буржуазии. Однако очень скоро художник отошел от этой тематики и начал создавать мрачные символико-фантастические композиции с изображением гротескных масок и скелетов («Маски, сражающиеся за тело повешенного»). В окружении невообразимых масок художник изобразил себя на автопортрете 1889 г. («Энсор с масками»). В творчестве Энсора отразился его взгляд на человеческое общество как на маскарад («Въезд Христа в Брюссель»). В его картинах гротескный образ-символ маски на лицах людей раскрывает сложность, многоликость, непредсказуемость эмоционального мира человека («Странные маски»). Большинство живописных и графических работ откровенно сатиричны, исполнены хлесткого и горького юмора («Плохие доктора»).

В конце 1880-х гг. можно наблюдать ярко выраженное тяготение к символизму в картинах известного импрессиониста П. Гогена и его «понт-авенской» школы: (Э. Бернар, Л. Анкетен и др.). Понт-авенцы теперь призывали художника следовать «таинственным глубинам мысли». Основываясь на живописной системе т.н. синтетизма, которая упрощала и обобщала формы и линии, ритмически располагая крупные цветовые плоскости, прибегая к чёткой контурной линии, они пытались воплотить искомые символы в самом характере пластической формы, потом станет выражать неотъемлемые черты символизма в России.

Стиль Модерн зародился в Европе в конце 19 века.В начале 1890х годов передовые художники начинают интенсивные поиски нового стиля, пытаясь освободиться от возвратов к прошлому и начать все с нового листа. Первые шаги Модерн как стиль начинает с живописи и графики. Основным орнаментом и формой нового стиля становится изогнутая линия, похожая на локон волос или изгиб стебля растения. Стиль носит четко выраженный декоративно - прикладной характер ориентированный на подражание природным формам. Лейб мотивом стиля становиться отсутствие прямых линий в природе. Поэтому часто встречаются стилизованные изображения локонов волос, цветов, бабочек и мотыльков, перьев птиц, стеблей и листьев растений, волны. Последователи стиля Модерн стали первыми, кто попытался использовать машинный труд и достижения техники не для копирования кустарных изделий, а для создания новых форм вещей, в которых гармонично сочетается материал, форма и функция.К концу 19го, началу 20го века Модерн как стиль получает международное распространение. Главным содержанием периода модерна стало стремление к синтезу различных источников, методов, стилей, форм и приемов. Так же, как и в начале XX столетия, на рубеже веков преобладал идеализм, вера в то, что искусство может изменить жизнь. Однако художники модерна стали использовать в своем творчестве разные формы: греческой архаики, крито-микенского искусства, античной классики, экзотического искусства Китая и Японии, Готики и Ренессанса, искусство этрусков и французского Рококо. Перед стилем модерн ставилась задача создания синтеза искусств, поэтому был необходим общий формальный язык. Ярким примером синтетичности стиля модерн может служить любой особняк, в котором начиная от решетки ограды до оконных переплетов, дверных ручек, перил, мебели, посуды, тканей, светильников, лестниц и других составных элементов целого, решено в одном ключе. Вследствие этого в этот период возрос интерес к прикладным искусствам.

В сравнении с предыдущим периодом эклектики чаще применялся принцип формовычитания, а не формосложения, обеспечивающий целостность внешних и внутренних, декоративных и конструктивных элементов композиции. Стремление к такой целостности и есть главное качество искусства модерна. В то же самое время многообразие художественных форм и различных композиционных приемов, сложность переходной эпохи, ее кратковременность не позволили принципу целостности реализоваться достаточно полно во всех произведениях. Поэтому в период модерна существовали разные стилистические течения. Почвой для его появления служила полная неразбериха в стилях конца 19 века, которая свалила в один котел подражание старым стилям (так называемый "историзм") и эклектику. Также стоит отметить скачок технологий и начала перехода производства от ремесла к массовому производству. Это внесло еще больший хаос, дома обывателей уже больше походили на музей разностильных вещей, нежели на органично выстроенный интерьер. Несомненно, то, что предпринятая на рубеже веков попытка обобщения эстетического опыта человечества, синтеза художественных традиций Запада и Востока, античности и средневековья, классицизма и романтизма сопровождалась и, в известной мере, была порождена явлениями упадка, кризиса сложившейся к этому времени системы научных, эстетических и этических ценностей.

Происходившее в период модерна интенсивное расширение аудитории - заказчиков, потребителей искусства привело к двояким последствиям. С одной стороны - к проникновению утонченной эстетики, идей символизма и изысканной поэзии в дотоле оторванные от высокого искусства сферы материального производства: изделия декоративного и прикладного искусства, ювелирные украшения, жилой интерьер, моделирование одежды. С другой стороны, мещанские вкусы, коммерческий интерес, пошлость обыденной жизни и проза развивавшегося капитализма стали оказывать сильное давление на художников, которые откликнулись огромным количеством произведений. В частности, для живописи модерна характерен эклектичный прием соединения фантастических и натуралистичных элементов.

В Австрии он получает название Сецессион. В 1898 году из Мюнхенского выставочного объединения "Glasplast" выходит группа художников и декораторов в знак протеста против академического искусства и начинает творить в стиле Модерн. От латинского слова secessio (отделение, уход) образуется австрийский вариант названия стиля Модерн. Основателями Сецессионизма стали Густав Климт, Отто Вагнер, Йозеф Гофман, Коломан Мозер и другие. В Германии приверженцы стиля Модерн группировались вокруг журнала "Jugend", по названию которого немецкий модерн стал называться Jugendstil (Молодой стиль). К этой группе принадлежали Отто Экман, Петер Беренс, Бернгард Панкок и др. Во Франции Модерн получил название Art nouveau (Арт - Нуво, дословно Новый стиль). Имя свое стиль получил по названию магазина, который был открыт в Париже в 1895 году Самуэлем Бингом. Для оформления магазина был приглашен еще тогда малоизвестный бельгийский архитектор Анри Ван де Вельде, который спроектировал интерьер четырех торговых залов магазина в стиле Модерна. Магазин не дал хорошей прибыли Самуэлю Бингу и вскоре был закрыт, но стиль Модерн во Франции стал называться Art nouveau. Также во Франции в новом стиле работал Анри Тулуз - Лотрек (плакат, графика), Эмиль Галле (Emile Gallé), Луи Можараль (Louis Majorelle) и многие другие. В Англии наиболее последовательными приверженцами Модерна были Макинтош, Ашби, Б. Скотт и другие. Английский Модерн отличается от общеевропейского более сдержанными формами. Общие, консервативные, взгляды английского общества способствовали тому, что большее признание Английский Модерн получил в континентальной Европе, нежели на родине. В Венгрии новый стиль особого распространения не получил. Единственным очагом распространения Модерна тут была "Будапештская Мастерская", художественным руководителем которой был архитектор Лайош Козма. Также стоит отметить Эде Виганда, Кароя Кош, Бела Лайта и других. В России стиль Модерн наиболее ярко проявился в архитектуре.Закат Модерна как всеобщего стиля в интерьере, архитектуре и живописи приходиться на 1910е года. Обусловлено это несколькими причинами. Во-первых стиль носил очень ярко выраженный декоративно - прикладной характер, что как любое ярко выраженное явление имело не только своих сторонников, но и противников. Кроме того, технически изготовление предметов интерьера в стиле Модерн было сложным и дорогим. А в свете нарастающей мощи промышленных предприятий это было важно. Появление технической возможности ставить на поток массовые дешевые изделия пошатнули позиции стиля Модерн. Последний удар по уже затухающему стилю нанесла начавшаяся в 1914 году Первая мировая война, окончательно низложив Модерн. Уже новый стиль, получивший название Арт - Деко, с его массовыми изделиями, пусть не такими яркими как у Модерна, но дешевыми и технологичными, начинал набирать силу.

Особенности художественного мировоззрения:Продлившись всего два десятилетия (1890-1910-е годы), этот стиль стал отчаянной попыткой вернуться в мир рукотворных изделий, противопоставив их вторжению безликой машинной продукции.Этому порыву сопутствовали события вроде бы очень далекие. В 1868 году после революции Мейдзи Япония вышла из изоляции и европейская публика получила возможность любоваться шедеврами японского прикладного искусства. И, хотя интерес европейцев к культуре Дальнего Востока, особенно Китая, был давним, именно японская манера украшать изделия керамики мотивами одиночных птиц, цветов, животных, а также диагональная композиция, наискось пересекающая поверхность предмета, и асимметрия стали отличительными чертами стиля модерн.Музой, вдохновляющей творцов модерна, было присущее японской традиции изображение естественного движения: птица парит, трава наклонилась под порывом ветра, хрупкий и трогательный цветок раскрылся навстречу свету. Скрупулезная проработка деталей, следование природному прототипу, только переосмысленное и возвышенное, вносили в украшения вещей в стиле модерн некую меланхолическую ноту. Особенно это отразилось в дизайне и украшении фарфора, фаянса, стекла. Свойство фарфоровой и стеклянной массы легко принимать неожиданные формы, "живая" пластика этих материалов превращались в модерне в волшебное существо, подчинявшееся малейшей прихоти своих создателей. Привычные, устоявшиеся веками формы – будь то чайник, вазочка, лоток для туалетного столика, тарелка или баночка для таблеток – "одушевлялись" новой пластикой. Возможно, рациональность была заложена в модерне изначально, не только как противостояние машинной продукции, но и решительное вмешательство в нее, желание сознательно придать массовым изделиям черты стиля, экзотическую форму, изысканность, творческое начало. Над этой задачей в разных странах трудились группы художников, создавая вещи-эталоны, повлиявшие на остальное производство.