1. Больший контроль над персонажем,

2. Не допускает нежелательных искажений или изменений размеров персонажа.

3. Позволяет лучше рассчитать время и спрогнозировать, когда начнется и закончится определенное действие.

С помощью линейного тестера и рисунков ключевых поз можно проверить основные движения персонажа до того, как будут готовы все остальные рисунки.

Не стоит забывать, что в анимации важны все рисунки, как ключевые, так и промежуточные, и если слишком сильно акцентировать внимание на ключе­вых кадрах, анимация может получиться неуклюжей и негибкой.

8.

Искусство анимации, как это ни парадоксально, старше самого кино, которое во многом именно ей обязано своим рождением.

Первые, дошедшие до нас, сведения о попытках запечатлеть движение относятся к древнему миру, когда человек запечатлел движение при помощи наскальных рисунков. Этот примитивный способ воплощения движения и можно считать первой анимацией. В первобытных рисунках северных народностей нашей страны мы видим бегущего оленя, изображенного с большим количеством ног, как бы показывающих стремительность его бега; танцующего охотника с восемью ногами и руками,.

Вполне вероятно, что первым толчком в этом направлении еще в доисторические времена был горящий костер, его беспрестанно изменяющиеся, пляшущие тени. В дальнейшем стремление получить иллюзию движения от рисунка привело к созданию китайского театра теней, когда тени рисунков, проецируемые на освещенной плоскости, начали двигаться - начали жить.

70-е годы до н.э. - Римский поэт и философ Лукреций в трактате "О природе вещей" описал приспособление для высвечивания на экране движущихся рисунков.

Бельгийский профессор Жозеф Плато построил в 1832 году маленький лабораторный прибор - фенакистископ, конструкция которого основана на способности сетчатки человеческого глаза сохранять изображения (название это происходит от греческого слова "фенакс" - обманщик и корня "скоп" - смотреть).

Изобретение фенакистископа значительно приблизило нас к молодому искусству Тот же принцип был положен венским профессором Симоном фон Штампефером в основу стробоскопа.

Эффект видимого движения при смене неподвижных изображений, сделанных на внутреннем диске, стал называться стробоскопическим эффектом.

В середине XIX века этот прибор под названием "стробоскоп" получил широкое распространение как техническая игрушка. По существу это было рождением мультипликации в самой примитивной форме

Зоотроп, в котором, подобно стробоскопу, двигались наклеенные на лентурисунки, был сконструирован английским математиком Уильямом Джорджем Хорнером

В Сан-Франциско англичанин Эдвард Мюйбридж начал свою работу по съемке последовательных фаз движения. Его исследования и по сей день служат значительным вкладом в изучение движения животных и человека.

9.

1877 г. - француз Эмиль Рейно, заимствовав вращательный барабан зоотропа Хорнера и усовершенствовав зеркальную систему фенакистископа Жозефа Плато, создал новый, более совершенный прибор, назвав его "праксиноскопом" Рейно. Этот день можно считать днем рождения анимации, а именно 30 августа 1877 года, когда в Париже был запатентован подобный аппарат праксиноскоп Эмиля Рейно.

Эмиль Рейно заменил в ленте барабана цикловые рисунки, которые воспроизводили одно и то же движение, начиная и замыкая его, более длинными лентами, на которых в последовательных рисунках разыгрывались занимательные сюжеты маленьких смешных пьесок, буффонады, и пантомимы, тогда он действительно создал искусство мультипликации, искусство "одушевленного рисунка", придав ему форму спектакля.

1888 г. - Рейно усовершенствовал свой праксиноскоп, перенес рисунки на целлулоидную ленту (35 мм) и высветил ее на большом экране в кругу своих родных и друзей. С 1892 года Рейно устраивает специальные показы в музее Гревен и дает им название "Оптический театр".

Еще до рождения кинематографа он нашел основной метод одушевления рисунков, получивший во Франции название "image par image" т.е. изображение за изображением, рисунок за рисунком, широко разработанный сейчас в кинематографии искусства рисованного фильма.

Эмиль Рейно нашел способ отделения рисунков движения своих героев от декораций на фоне которых эти движения воспроизводились.

"Светящиеся пантомимы" Эмиля Рейно знаменовали собой рождение искусства мультипликации, возникшего раньше других видов кино.

10.

Эмиль Коль (настоящая фамилия Куртэ)

Если говорить о творчестве, как системе эстетических принципов, разрабатываемых и утверждаемых художником, то пальма первенства безусловно принадлежит в рисованном кино Эмилю Колю,

Идея рисованного фильма, рожденная Рейно, была соединена с люмьеровским изобретением, кинопленкой и киноаппаратом. Родилось рисованное кино, такое, каким мы его знаем, в принципе, и сегодня –

оживление рисунка в кинематографии методом покадровой съемки.

как сценариста, а затем и как художника - автора юмористических и сатирических мультипликационных фильмов. Затем, став оператором, он помножил свой опыт художника на опыт кинематографиста - трюковое искусство получило кинематографическое воплощение

Фантош (от французского fantochе, которое, в свою очередь, восходит к итальянскому fantoccio - кукла, марионетка). Первый постоянный персонаж Эмиля Коля в рисованной мультипликации - фантастический, гротесковый герой Фантош, достоинство которого состояло в том, что он уже тогда, несмотря на примитивность рисунка, был наделен своим определенным характером.

Рисунки, естественно, делались черными на белой бумаге. Но в эпоху, когда при проекции еще было много мелькания, белый фон утомлял глаз. Поэтому Коль проецировал свои фильмы в негативах, и казалось, что они нарисованы мелом по грифельной доске.

В мультипликации Эмиль Коль создал свой стиль рисунка, где доминирующим была простота графики ,перенес на экран условный стиль журнальной карикатуры, что позволяло ему производить многообразные "каламбуры изображений".

Часто он совмещал натурные кадры с рисованными, а иногда пытался использовать в одном кадре рисунок и фотографию.

Э. Колю анимация обязана такими нововведениями, как соединение игрового (актерского) фильма с рисованным и кукольными фильмами ("Сияние испанской луны" / "Сlaire de Lune espagnol", 1909).

Э. Коль увидел специфику выразительных возможностей анимации именно в близости к гротеску и фантастике, карикатурной заостренности изображаемого

1Трансформация, трюки,

2. заимствования традиционных сюжетов и приемов народной пантомимы и кукольного театра,

3. стилистика "примитива" и детского рисунка,

4. серийность –

все это было предугадано и найдено Колем и получило затем распространение в мультипликации, стало для целых направлений рисованного фильма "грамматикой" его художественного языка.

11.

По мнению некоторых деятелей анимационного искусства«Рисованный фильм должен проистекать из норм и форм современного искусства, «отвечающего требованиям эпохи». В 20–е годы прошлого века таким искусством заявил себя "абстракционизм" и как одно из направлений его "дадаизм"

Абстракционизм (лат. "abstractio" – удаление, отвлечение) — направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.

Крайнее проявление модернизма Дадаизм, выразил себя в скандальных выходках — заборных каракулях, псевдочертежах, комбинациях случайных предметов. Антивоенное, антинационалистическое, антиконформистское течение, направленное против всего на свете

Вальтер Рутман – изобретатель выражения «абсолютный фильм» - это направление «абстрактного фильма» - бессюжетного, построенного исключительно на движении, динамике и ритме.

По его мнению фильм – это нечто иное и нечто большее, чем «сфотографированный театр».

«Абсолютный фильм» провозглашает принципиальный разрыв между театром и кино.

Все это утверждало существование нового самостоятельного искусства – временно-движущегося зрелища, когда по экрану танцуют условные геометрические значки, предельно оторванные от действительности.

Главное достоинство – «А. ф» то, что он способствовал обогащению средств выражения в кино.

В 1922 году Рутман продолжил работу над серией "Опус" ("Опус 22", "Опус 23"). Годом позже Рутман сделает анимационный эпизод "Сон о соколах" для "Нибелунгов" Фрица Ланга.

Ганс Рихтер создает абстрактный мультипликационный этюд "Ритм 21", за которым следуют, соответственно годам, "Ритм 22" и "Ритм 23".

1923 г. - Во Франции Ман Рэй показывает фильм "Возвращение к разуму" ("Retour a Raison"), в котором была применена техника рэйограмов. Она заключалась в подсвечивании кинопленки, на которой раскладывались различные предметы. Некоторые фрагменты фильма были сделаны без использования камеры.

1924 г. - Премьера фильма Фернана Леже "Механический балет", в котором соединялись фотофрагменты, рисунки, нанесенные на ленту, классическая анимация (например, кубистическая фигура Чаплина или танец ног) и спецэффекты.

12.

Норман Мак-Ларен – эксперименты в области абстрактного фильма без испо льзования камеры

В первых опытах он смывал эмульсию со старой бракованной кинокопии, прозрачную целлулоидную ленту, на которой, не придерживаясь покадрового разделения, рисовали изображение. Это были преимущественно геометрические фигуры: линии, кружочки, треугольники или точки. Фигуры размещались одна под другой. В качестве материала использовались цветная прозрачная мастика, черная китайская тушь и разнообразная цветная тинктура.

Затем Мак-Ларен начал экспериментировать с "рисованием" звука на звуковой дорожке.

Фильм—«Мерцающая пустота». В нем полностью властвует рисованный звук, мелодии там нет, там есть только шумы—такие с эхом повторенные ударчики или протяжные флейтовые звуки. Все это он нарисовал! Ни одного натурного музыкального звука он не записывал. И эти звуки идеально, я бы сказал, гениально поддержаны ритмом действия, ритмом движения.

В первые послевоенные годы он экспериментирует с техникой, позволяющей постепенно менять формы и цветовую гамму своих рисунков, для чего конструирует специальный стол с тремя сменными плоскостями (он называет этот метод системой "фундус").

Мак-Ларен—один из открывателей вида анимации, который получил название «пиксиляция». Что такое «пиксиляция»? Это создание движения как суммы неподвижных состояний. В этой технике выполнены его фильмы «Две багатели» («Два пустячка») и «Соседи».

Фильм «Па-де-де» – совершенно новая техника. Используется способность фотографии выдерживать многократную экспозицию: движение раскладывается на несколько фаз, и все они фиксируются на кинопленке.

Все его формальные поиски были подчинены одной идее - найти путь к преодолению барьера между рисованием как искусством и анимационным фильмом.

13. 14. 15.

Заслуга У.Диснея создание школу искусства рисованного фильма.

В самом начале своего творческого пути он решил ввести не рисованный персонаж в реальную обстановку, а, наоборот, живого героя в мультипликационный мир. (Фильм «Алиса в рисованной стране»)

Первым ввел звук в анимационный фильм – «Пароходик Вилли» 1928 год.

Впервые применив звук в рисованном фильме не как обезличенный музыкальный фон, а как выразительное средство, неразрывно связанное с изображением.

Звучание с точностью относилось к определенному кадру и только к нему. Звучало само изображение, а не посторонний к содержанию звук.

Дисней — поразительный мастер и непревзойденный гений в создании звукозрительных эквивалентов музыке через самостоятельное движение линий и графической интерпретации внутреннего хода музыки...

Первый ввел цвет в анимационный фильм «Цветы и деревья».

Дисней первый, кто снял полнометражный анимационный фильм –«Белоснежка и семь гномов».

Дисней сконструировал тщательно продуманную многоплановую съемочную камеру. При съемке она свободно передвигалась с помощью особого механизма. Специальные приемы съемки с движения и смены рисунков создавали у зрителя ощущение, что он сам въезжает в рисунок, проникает вглубь. Впоследствии такая камера стала общепринятой.

Дисней являлся настоящим генератором идей. Он давал своим сотрудникам грубый набросок и подробное описание того, как должен выглядеть тот или иной персонаж, а уж те в меру своего таланта осуществляли поставленную перед ними задачу.

Дисней, нисколько не умаляя значения графики, первым посмотрел на свои рисунки взглядом кинематографиста. Его персонажи — не движущиеся картинки, а действующие лица фильма. Они для него артисты, участники съемки. Он обдуманно использует смену различных планов, от общего до крупного, широко применяет движение аппарата, панорамы, наезды, удаления. Все это специфические выразительные средства, свойственные киноискусству, и Дисней пользуется ими как режиссер художественного фильма.

Для Диснея взаимодействие его художественной индивидуальности с творческим коллективом имело первостепенное значение. Такая конкретная форма искусства, как рисованный фильм, не допускала разнобоя, неотвратимо требовала единства стиля. Этот стиль, художественную манеру создавал сам Дисней. А работавшие с ним художники обязаны были ему следовать.

Дисней вводит обязательное обучение для художников-оживителей. Для учебных занятий привлекаются преподаватели Института искусств Лос-Анжелоса.

Он сломал укоренившееся а мультипликации понимание движения как простой суммы неподвижных положений.

Качество передачи движения считал Дисней зависит не только от количества рисунков, которыми оно изображается. Качество движения сказывается не только в плавности, а в правильно переданной реальности.

Дисней выделяет специальную группу наиболее изобретательных художников для разработки содержания фильмов, отдельных сценок, деталей и комических трюков. Собственно говоря, это – отдел студии, приноровленный к задачам производства рисованных фильмов.

Я работаю для зрителей. Если открытки способны производить впечатление на народ—я за открытки! И если я ошибаюсь, то вместе с миллионами людей своей страны».

16.

Владислав Старевич (1882–1965) – родоначальника объемной анимации.

Первым в истории кукольным фильмом считается Прекрасная Люканида, или Кровавая война рогачей и усачей (1912). Еще раньше Старевич попытался сделать документальный фильм о битве двух жуков-рогачей, но жуки замирали, стоило ему включить свет. Тогда он вспомнил, как когда-то оживлял рисунки на полях тетрадок, и придумал способ «оживить» мертвых жуков. Он пропустил через их лапки тонкую проволочку, прилепив ее воском к панцирю, закрепил лапки в пластилиновом основании и стал снимать, деля движение на фазы.

В следующих фильмах Старевича – Месть кинематографического оператора (1912), Стрекоза и муравей (1913) – тоже действовали насекомые. Куклы были так тонко сделаны и двигались так естественно, что зрители думали, будто ему удалось выдрессировать настоящих насекомых. Самая известная его работа – полнометражный фильм Рейнеке-Лис (Le roman de Renart, 1939), над которым режиссер работал около десяти лет (к этому времени он уже перебрался во Францию). Он сам написал сценарий, сам был художником, оператором и мультипликатором, помогала ему в работе только дочь. Старевич так никому и не захотел открыть своих секретов, и до сих пор неизвестно, из чего именно он делал кукол: это был очень пластичный материал, и лица у персонажей были удивительно подвижными и выразительными.

17. 19.

Компью́терная анима́ция — вид анимации, создаваемый при помощи компьютера. На сегодня получила широкое применение как в области развлечений, так и в производственной, научной и деловой сферах. Являясь производной от компьютерной графики, анимация наследут те же способы создания изображений:

Векторный

Растровый

Фрактальный

3D