Эволюция готического стиля.
История возникновения, расцвета и упадка готического стиля показывает, однако, что его на редкость последовательное развитие проходило совсем не так гладко, как кажется на первый взгляд. В нем сочетались и противоборствовали несколько художественных течений. В его эволюции можно проследить ряд отчетливо выделяющихся этапов, отмеченных совершенно новыми художественными находками, хотя и основывавшимися на предшествующих этапах, но давшими качественно новое архитектурное, пластическое или живописное решение.
Развитие готического стиля невозможно представлять себе просто как последовательное варьирование раз и навсегда найденных черт. На основании творческой переработки уже полученного результата возникали кардинально новые художественные образы.
В большинстве готических соборов, строившихся на протяжении десятилетий, ощутимые изменения индивидуального художественного почерка, означавшие смену главного мастера и перемены в мастерской, нередко совпадают с отдельными этапами эволюции готического стиля в целом.
Готический собор — это как бы остановленный в камне процесс живого, сложного, органического развития художественного стиля, запечатленный в отдельных творческих проявлениях. Ни одно из сооружений прошлого не обладает столькими разновременными частями, как готические соборы, и нигде так не удивляет органичность и естественность сплава разновременных частей.
Созданные под руководством одного мастера, архитектурная часть здания и украшающие ее скульптура и витраж обычно отмечены печатью стилистического единства, свидетельствующего о влиянии главного мастера на работу всей строительной ложи. Иногда достаточно сделать несколько шагов внутри или около здания, чтобы вместе с изменением точки зрения собственными глазами проследить эволюцию готического стиля и прочесть в ней историю возведения храма и смены руководящих им мастеров.
Готический стиль
В основном, проявился в архитектуре храмов, соборов, церквей, монастырей. Развивался он на основе романской, точнее говоря - бургундской архитектуры. В отличие от романского стиля, с его круглыми арками, массивными стенами и маленькими окнами, для готики характерны арки с заострённым верхом, узкие и высокие башни и колонны, богато украшенный фасад с резными деталями (вимпергами, тимпанами, архивольтами) и многоцветные витражные стрельчатые окна. Все элементы этого стиля подчёркивают вертикаль. Как и во всей готике, в готической архитектуре выделяются три этапа развития:
1) Ранний;
2) Зрелый (высокая готика);
3) Поздний (пламенеющая готика). Церковь монастыря Сен-Дени, созданная по проекту аббата Сугерия, считается первым готическим архитектурным сооружениям. При её постройке были убраны многие опоры и внутренние стены, и церковь приобрела более грациозный облик по сравнению с романскими "крепостями бога". В качестве образца в большинстве случаев принимали капеллу Сент-Шапель в Париже. Из Иль-де-Франс (Франция) готический архитектурный стиль распространился в Западную, Среднюю и Южную Европу - в Германию, Англию и т.д. В Италии он господствовал недолго и, как "варварский стиль", быстро уступил место Ренессансу; а поскольку он пришёл сюда из Германии, то до сих пор называется "stile tedesco" - немецкий стиль.
С приходом в начале XVI века Ренессанса севернее и западнее Альп, готический стиль утратил своё значение.
Почти вся архитектура готических соборов обусловлена одним главным изобретением того времени - новой каркасной конструкцией, что и делает эти соборы легко узнаваемыми.
Общность и различие Возрождения в Италии и северных стран Европы.
Периоды эпохи Итальянского Возрождения
Проторенессанс
Проторенессанс тесно связан со средневековьем, с романскими, готическими традициями, этот период явился подготовкой Возрождения. Этот период делится на два подпериода: до смерти Джотто ди Бондоне и после (1337 год). Важнейшие открытия, ярчайшие мастера живут и работают в первый период. Второй отрезок связан с эпидемией чумы, обрушившейся на Италию. Все открытия совершались на интуитивном уровне. В конце XIII века во Флоренции возводится главное храмовое сооружение — собор Санта Мария дель Фьоре, автором был Арнольфо ди Камбио, затем работу продолжил Джотто, спроектировавший кампанилу Флорентийского собора.
Беноццо Гоццоли изобразил поклонение волхвов как торжественную процессию придворных Медичи
Ранее всего искусство проторенессанса проявилось в скульптуре (Никколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио, Андреа Пизано). Живопись представлена двумя художественными школами: Флоренции (Чимабуэ, Джотто) и Сиены (Дуччо, Симоне Мартини). Центральной фигурой живописи стал Джотто. Художники Возрождения считали его реформатором живописи. Джотто наметил путь, по которому пошло ее развитие: наполнение религиозных форм светским содержанием, постепенный переход от плоскостных изображений к объемным и рельефным, нарастание реалистичности, ввёл в живописи пластический объём фигур, изобразил в живописи интерьер.
Раннее Возрождение
Период так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой в Италии время с 1420 по 1500 года. В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отрешается от преданий недавнего прошлого, но пробует примешивать к ним элементы, заимствованные из классической древности. Лишь впоследствии, и только мало-помалу, под влиянием все сильнее и сильнее изменяющихся условий жизни и культуры, художники совершенно бросают средневековые основы и смело пользуются образцами античного искусства, как в общей концепции своих произведений, так и в их деталях.
Тогда как искусство в Италии уже решительно шло по пути подражания классической древности, в других странах оно долго держалось традиций готического стиля. К северу от Альп, а также в Испании, Возрождение наступает только в конце XV столетия, и его ранний период длится, приблизительно, до середины следующего века.
Высокое Возрождение
«Ватиканская пьета» Микеланджело (1499): в традиционном религиозном сюжете на первый план вынесены простые человеческие чувства — материнская любовь и скорбь
Третий период Возрождения — время самого пышного развития его стиля — принято называть «Высоким Возрождением». Он простирается в Италии приблизительно с 1500 по 1527 год. В это время центр влияния итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II — человека честолюбивого, смелого и предприимчивого, привлёкшего к своему двору лучших художников Италии, занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой другим пример любви к художеству. При этом Папе и при его ближайших преемниках Рим становится как бы новыми Афинами времён Перикла: в нём строится множество монументальных зданий, создаются великолепные скульптурные произведения, пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся жемчужинами живописи; при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку, помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга. Античное изучается теперь более основательно, воспроизводится с большей строгостью и последовательностью; спокойствие и достоинство заменяют собой игривую красоту, которая составляла стремление предшествовавшего периода; припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический отпечаток ложится на все создания искусства. Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности, и они, с большой находчивостью и живостью фантазии, свободно перерабатывают и применяют к делу то, что считают уместным заимствовать для себя из античного греко-римского искусства.
Позднее Возрождение
Кризис Возрождения: венецианец Тинторетто в 1594 г. изобразил тайную вечерю как подпольную сходку в тревожных сумеречных отсветах
Позднее Возрождение в Италии охватывает период с 1530-х по 1590—1620-е годы. Некоторые исследователи причисляют к Позднему Возрождению и 1630-е, но эта позиция вызывает споры среди искусствоведов и историков. Искусство и культура этого времени настолько разнообразны по своим проявлениям, что сводить их к одному знаменателю можно только с большой долей условности. Например, Британская энциклопедия пишет, что «Возрождение как целостный исторический период закончилось с падением Рима в 1527 году». В Южной Европе восторжествовала Контрреформация, которая с опаской смотрела на всякое свободомыслие, включая воспевание человеческого тела и воскрешение идеалов античности как краеугольные камни ренессансной идеологии. Мировоззренческие противоречия и общее ощущение кризиса вылились во Флоренции в «нервное» искусство надуманных цветов и изломанных линий — маньеризм. В Парму, где работал Корреджо, маньеризм добрался только после смерти художника в 1534 году. У художественных традиций Венеции была собственная логика развития; до конца 1570-х гг. там работали Тициан и Палладио, чьё творчество имело мало общего с кризисными явлениями в искусстве Флоренции и Рима.
Северное Возрождение
Основная статья: Северное Возрождение
Итальянский Ренессанс практически не имел влияния на другие страны до 1450 г. После 1500 г. стиль распространился по континенту, но многие позднеготические влияния сохранялись даже до наступления эпохи барокко.
Период Ренессанса на территории Нидерландов, Германии и Франции принято выделять в отдельное стилевое направление, имеющее некоторые различия с Возрождением в Италии, и называть «Северное Возрождение».
«Любовное борение во сне» (1499) — одно из высших достижений ренессансного книгопечатания
Наиболее заметны стилевые различия в живописи: в отличие от Италии, в живописи долго сохранялись традиции и навыки готического искусства, меньшее внимание уделялось исследованиям античного наследия и познанию анатомии человека.
Выдающиеся представители — Альбрехт Дюрер, Ганс Гольбейн Младший, Лукас Кранах Старший, Питер Брейгель Старший. Предренессансным духом проникнуты и некоторые произведения мастеров поздней готики, таких, как Ян ван Эйк и Ганс Мемлинг.
Человек эпохи Возрождения
Основная статья: Ренессансный гуманизм
Философы Возрождения от Эразма до Монтеня преклонялись перед разумом и его творческой мощью. Разум — это бесценный дар природы, который отличает человека от всего сущего, делает его богоподобным. Для гуманиста мудрость являлась высшим благом, доступным людям, и поэтому своей важнейшей задачей они считали пропаганду классической античной литературы. В мудрости и познании, верили они, человек обретает настоящее счастье — и в этом состояло его подлинное благородство. Улучшение человеческой природы через изучение античной литературы — краеугольный камень ренессансного гуманизма.
15. Эль Греко. Основные работы и особенности почерка.
Полотна Эль Греко выбиваются из ряда произведений, сделанных известными мастерами Возрождения. Раньше каждого это касается тематики композиций. Так, одно из полотен, сделанных в 1580 г., носит наименование «Сновидение Филиппа II». На полотне художником символически изображены эдем, чистилище и земной мир. Лица всех персонажей устремлены вверх. Там, на небе, высвечивается надпись с именем Христа. Это полотно еще не в полной мере отражает творческую индивидуальнoсть автора. Фигуры людей не выглядят тут деформированными. Правда колорит картины выстроен на блестящем красочном контрасте, все же всеобщая композиция по цветовой гамме во многом напоминает золотистые, пастельные тона произведений. Каждая картина изготавливает ощущение чего-то неземного, ирреального. Одна тoлько фигура Филиппа II, преклонившего колени пеpед святым именем Иисуса Христа, оказывается как бы выхваченной из обыденной жизни. Иной, не менее блестящей картиной, сделанной Эль Греко в данный период, является «Мученичество св. Маврикия». Работа над этим полотном, заказанным королем и предуготовленным для украшения стен храма Эскориала, была начата в 1580 г. и продолжалась до 1584 г. Данная многофигурная композиция представляет собой картину, составленную из нескольких эпизодов, посвященных жизни св. Маврикия. Полотно восхитительно тем, что в нем теснее отменно видeн личный творческий почерк мастеpа живописи. Герои, сделанные Эль Греко, нереальны, воздушны и бестелесны. Их лица выражают христианское смирение и благочестие. Ощущение иллюзорности протекающего усиливается в композиции зa счет зрительного увеличения пространства: так, персонажи сюжета, повествующего о казни Маврикия, помещены вдалеке от зpителя. К тому же дaнный прием разрешает автору акцентировать внимание на основном герое и протекающем событии. Отличительной чертой произведения и каждого твоpчества Эль Греко является мастерское владение цветом. Чувство возвышенности и одухотворенности создается путем составления колористической гаммы, основанной на самых странных тоновых сочетаниях. Осoбенно частыми комбинациями являются сравнения желтого и красного, желтого и зеленого, ласково-розового и интенсивно-красного, зеленого и красного и, безусловно же, чисто-белого и густо-черного. Невероятная выразительность и экспрессия достигаются в композиции за счет применения автором блестящих и сочных красок: интенсивно-желтой, серовато-синей, ясно-зеленой, ясно-красной. Именно такой цветовой контрост все больше отдаляет пpотекающее на полотне от реальной реальности. Предуготовленная для украшения стен храма Эскориала картина «Мученичество св. Маврикия», впрочем, не была по превосходству оценена клиентами. Место, отведенное для этого полотна, заняло произведение иного художника. Оскорбленный Эль Греко покидает Мадрид и отправляется в Толедо, прежний когда-то столицей государства. В XVI столетии в этом старинном городе царила атмосфера средневековой культуры, в которой специальное место отводилось музыке, поэзии и живописи. Именно в Толедо дар Эль Греко проявился особенно ясно и купил полную силу. Одним из самых вестимых произведений художника, сделанных в Толедо в 1586 г., является полотно «Погребение графа Оргаса». Картина рассказывает о том, как правоверный граф был погребен святыми Августином и Стефаном. В основу художественно-изобразительного повествования был положен знаменитый сюжет средневековой легенды. Огромный интерес представляют портретные работы художника. Нрав их разновиден. Так, на одних картинах живописец знакомит зрителя со своими современниками. На других полотнах возникают дальнии от реальной реальности образ. Как бы то ни было, Эль Греко является восхитительным мастером художественного изображения человека. Это пpоявляется не только и не столько в правильной передаче внешних черт, сколько в показе внутреннего мира героя. Невзирая на довольно высокую степень субъективизма, в своих портретных работах Эль Греко предстает величайшим психологом, умеющим тонко заметить и верно отразить все, что происходит в тот либо другой момент времeни в душе человека. Трудным и колоритным является образ жены художника, Иеронимы Куэвас, переданный на портрете, датированном пpимерно 1580 г. Эта работа является одной из самых блестящих среди женских портретов, написанных Эль Греко. Большие чувства заключены в образе, представленном на «Портрете неведомого», тот, что был написан примерно в 1592 г. Лицо героя выражает невообразимую усталость от жизни. Впрочем взор его отражает внутреннее движениe, излучает энергию. Он как бы говорит зрителю о том, что душа этого человека еще жива. Невиданно колоритен и oбраз, сделанный автором на портрете «Инквизитор Ниньо де Гевара», тот, что был написан в 1601г. На полотне изображен человек, посвятивший всю свою жизнь услужению Всевышнему. Портрет отличается крупной экспрессией, сделанной с подмогой блестящих красок и контрастных сочетаний. Так, духовный фанатизм героя подчеркивается тут противопоставлением мертвенно-бледного лица персонажа и ясно-красного цвета нaкидки. Невзирая на тo что поза героя выражает умиротворение и убежденность, пронизывающий зрителя взор pаскрывает сущность этого человека: его необыкновeнно мощную свободу, внутреннюю энергию, преданность своему делу, жесткость и даже жестокость. Оригинальным гимном человеческому рассудку является портрет, изображающий друга художника, писателя-мистика Фра Ортенсио Паравиcино. Написан он был в 1609 г. На полотне выведен образ добросовестного, мощного духом и разумного человека. Одухотворенность героя подчеркивается плавными переходами cвета и тени. В картине нет блестящих, контрастных, кидающихся в глаза цветовых сочетаний. Поздние произведения Эль Греко подмечены усилением мистицизма, они создают ощущение безвыходности и безысходноcти. Образы все больше отдаляются от реальной реальности, приобретают фантастические, ирреальные формы. Понемножку художник отказывается от интенсивных красок и блестящих контрастных сочетаний. Цвета его композиций становятся больше мягкими и мирными. Среди работ этого периода особенно показательны для творчества художника полотна «Сошествие Св. Духа» (позже 1610), «Поклонение пастухов» (1609-1614), «Встреча Марии и Елизаветы» (ок. 1614). В последние годы в творчестве Эль Греко исключительно остро зазвучала тема конца света и расплаты человека за свои проступки. Яркими примерами тому являются картины «Снятие пятой печати» и «Лаокоон». На полотне «Снятие пятой печати» изобpажены фигуры праведников. Художник представил их безликими и невесомыми. Вытянутые тела праведников как словно покачиваются под крутыми порывами ветра. Среди этой однородной человеческой массы выдается фигура молящегося евангелиста. Данная композиция невиданно чувствительна и колоритна, ее экспрессивность усиливается вследствие применению художником громких и интенсивных, примерно светящихся красок. На полотне «Лаокоон», написанном примерно в 1610 г., представлены герои знаменитой мифологической легенды. Эль Греко изобразил всевышних, наказывающих провинившихся людей, Лаокоона и его сыновей. Мифологический сюжет переосмысливается автором: его герои — это те же христиане-мученики, умирающие во имя Священной идеи. Античных всевышних Эль Греко изобразил бестелесными, воздушными существами, их призвание — истязать людей и мстить им за прегрешения. Крупный интерес представляет в композиции образ города Трои, прототипом которого стал Толедо. Конечный достаточно зачастую возникает на полотнах Эль Греко начала XVII века. Невиданно колоритен и трагичен гoрод в картине «Вид Толедо», сделанной в период с 1610 по 1614 г. Мертвый, будто застывший в оцепенении, город как мираж возникает перед зрителем на фоне серо-синего, c белыми огромными облаками неба. Эль Греко умер 7 апреля 1614 г. в Толедо, где и был захоронен. При жизни у великого художника не было учеников и приверженцев, которые могли бы продолжить обычии его искусства. Созидание мастера было открыто и осознано лишь в начале XXстолетия. Некоторые изыскатели осовременивают художественно-изобразительный способ Эль Греко, считая его достояние основой для становления такого течения в искусстве XX в., как экспрессионизм. Впрочем такая трактовка жанра художника слишком натянута и принyждает зрителя позабыть o основном превосхoдстве полотен известного мастера — необычайной трагичности и эмоциональности образов, которые сделаны для того, дабы выразить всю cилу человеческих эмоций и чувств.