1. Искусство и культура раннесредневекового Запада (архитектура и скульптура храмов 2 – 4 вв.).

Средневековое искусство возникло и существовало на почве феодализма. Утверждение феодализма сопровождалось распространением культурных завоеваний. Культура проникла в широкие слои общества, в искусстве сильнее ощущались, народные представления.. Искусство средних веков в Западной Европе обращалось ко всему обществу, к народу. Церковь стремилась быть «всеобщей». Религии средневековья освящали феодальный строй с его сословной иерархией, оправдывали страдания народа. Средневековье создало иное понимание человека и меры его ценности, чем античность. В христианстве возникло учение о существовании двух миров — высшего божественного и низшего мира земной реальности, являющегося лишь его отражением. Образ человека в искусстве утратил разумную ясность и внутреннее равновесие, но духовный мир обогатился, в нем было открыто многообразие чувств и переживаний. Человек в сознании людей перестал быть центром мироздания. Взгляд на мир отразился в грандиозных храмах с сотнями статуй и множеством росписей. Художники создавали произведения для церкви. Светское искусство существовало, но не оно определяло характер художественной культуры этой эпохи. Само мышление людей средневековья было религиозным. Рыцарская любовь создает куртуазный рыцарский роман, рыцарскую лирику трубадуров..... Высшие достижения средневековья воплотились в монументальной архитектуре. Она выражала не только религиозно-фантастические стороны сознания, но и олицетворяла творческую волю человека, могущество труда большого коллектива.

2. Дороманская культура 4 – 10вв. Западной Европы.

Нашествия варваров на Римскую империю и их последующее расселение на территории Западной и Восточной частей империи получили в исторической литературе наименование эпохи “Великого переселения народов”. 451 г – победа армии Западной Римской империи над гуннами. На протяжении VI - VII веков стали выкристаллизовываться некоторые объединения, давшие начало позднейшим государствам. Все варварские королевства были христианскими. Короли новых государств считали византийского императора верховным владыкой, а свои королевства воспринимали как части единой христианской империи, но это не мешало им вести между собой ожесточённые войны. Переселение варварских племён не сопровождалось тотальным уничтожением местного населения. На территориях Западной Римской империи основная масса населения, состоявшая из потомков романизированного коренного населения и переселенцев из римской Италии, осталась на своих местах. Благодаря тому, что многие элементы феодализма появились ещё в эпоху Рима, процесс становления новых порядков, как социальных, так и экономических, в этих областях шёл быстрее, чем на территориях, никогда не входивших в состав Римской империи. Значительным своеобразием отличался процесс феодализации в Византийской империи, на территорию которой переселилось много славян, но центральная власть там сохранялась. Велика роль церкви и монастырей в сохранении культурной традиции античности. В эпоху зарождения европейских государств уровень образованности и грамотности резко упал. Только в монастырях можно было встретить грамотных и образованных людей, которые сохраняли и переписывали книги и рукописи.

3. Культура и искусство Византии (330 – 867гг. н.э.)

Византийское искусство - один из важнейших очагов средневековой художественной культуры Европы и Ближнего Востока; искусство народов, объединенных в период с конца 4 до середины 15 века. Начальный рубеж истории византийского искусства — окончательное разделение в 395 г. Римской империи на Восточную и Западную — условен. 4—5 века представляют собой предвизантийский период, когда в различных областях Восточной Римской империи зарождалась средневековая художественная культура Византии. Конечным рубежом истории византийского искусства явился 1453 год, когда турками-османами был взят Константинополь и, Византия прекратила свое существование. Своеобразие. Известную роль в окончательном расшатывании устоев античного рабовладельческого общества и постепенным вызреванием феодальных общественных отношений сыграли нашествия варварских племен. В отличие от Западной, Восточная не подверглась разрушениям. В ней сохранились античные города, высокоразвитые ремесла, прочные торговые связи.. Византийское искусство в период раннего средневековья прочно занимало ведущее место в художественной жизни Европы и Ближнего Востока; византийские зодчие и художники были носителями высоких традиций и развитого творческого опыта. Средневековый византийский художник вводил в образы своего искусства представление об отвлеченном, не познаваемом разумом, а доступном только слепой вере божественном начале.

Церковь в Византии служила светской власти. Император считался наместником бога на земле и опирался на церковную иерархию. Храм был основным типом общественного здания, выполнявшим важную идейно-воспитательную роль.. Скульптура не развивалась, так как православная церковь считала статую идолом. Она представлена в основном рельефом, смыкается с декоративно-прикладным искусством. Живопись, занявшая в изобразительном искусстве Византии главное место, находилась под строгой церковно-государственной опекой. Она развивалась по трем основным руслам: церковная мозаика и фреска, иконопись, книжная миниатюра.. Византийский художник потерял возможность работать с натуры, исходить непосредственно из наблюдений жизни. Объемная форма, пластика, реальное пространство не являются главными средствами художественной выразительности. Изображения в византийском искусстве, как правило, плоскостные.. Церковное искусство играло роль образца для всех других школ. В художественной культуре Византии большое место занимало светское искусство. Создавались крепостные сооружения, дворцы, жилые здания; важную роль, особенно в ранний период, играла светская скульптура.

4. Византийская культура и искусство (867 – 1453гг.)

Всю тысячелетнюю историю Византии можно условно разделить на три периода:

1.сер.IV- пер. пол.VII вв. - разложение рабовладельческого строя, становления средневекового общества. 2.сер.VII- нач.XIII вв. - появление и развитие феодализма в Византии.

3.XII-сер.XV вв. - период, характеризующийся дальнейшим развитием феодализма и началом его разложения. В IV-V вв. в искусстве Византии были еще сильны позднеантичные традиции. В позднеантичном художественном творчестве намечается трагический конфликт духа и плоти.. Основной эстетической задачей византийского искусства отныне становится стремление художника воплотить в художественном образе трансцендентную идею. В VI-VII вв. византийские художники сумели не только впитать эти многообразные влияния, но и, преодолев их, создать свой собственный стиль в искусстве. С этого времени Константинополь превращается в прославленный художественный центр средневекового мира. Расцвет византийского искусства раннего периода связан с укреплением могущества империи при Юстиниане. Непревзойденным шедевром византийского творчества стал построенный в VI в. храм св. Софии. Впервые в нем была воплощена идея грандиозного центрического храма, увенчанного куполом. Другой шедевр византийской архитектуры - церковь св. Виталия в Равенне В живописи VI-VII вв. кристаллизуется специфически византийский образ, очищенный от инородных влияний. В основе его лежит опыт мастеров Востока и Запада, пришедших независимо друг от друга к созданию нового искусства, соответствующего спиритуалистическим идеалам средневекового общества. В прикладном искусстве Византии в меньшей мере, чем в архитектуре и живописи, определилась ведущая линия развития византийского искусства, отражающая становление средневекового миросозерцания. Музыка занимала особое место в византийской цивилизации. Своеобразное сочетание авторитарности и демократизма не могло не сказаться и на характере музыкальной культуры, которая представляла сложное и многоликое явление духовной жизни эпохи. В V-VII вв. происходило становление христианской литургии, развивались новые жанры вокального искусства. Прежде всего, к ним следует отнести то, что византийская культура была открыта другим культурным влияниям получаемым извне. Но постепенно уже в ранний период они синтезировались главной , ведущей греко-римской культурой. Культура ранней Византии была городской культурой. Крупные города империи, и в первую очередь Константинополь, были не только центрами ремесла и торговли, но и очагами высочайшей культуры и образованности, где сохранялось богатое наследие античности. Борьба светской и церковной культур особенно характерна для первого периода истории Византии. В истории Византийской культуры первые века существования Византии были временем острой идеологической борьбы, столкновения противоречивых тенденций, сложных идейных коллизий, но и временем плодотворных исканий, интенсивного духовного творчества, позитивного развития науки и искусства. Это были века, когда в муках борьбы старого с новым рождалась культура будущего средневекового общества. Во втором этапе развития Византийской культуры выделяют время, время правления императоров Македонской династии и время царствования. Определяющей чертой духовной жизни империи к середине VII столетия стало безраздельное господство христианского мировоззрения. Глубокую религиозность стимулировали теперь не столько догматические споры, сколько наступление ислама, которое вели арабы, вдохновляясь "священной войной" и борьбой с язычниками - славянами и проболгарами. Еще более возросла роль церкви. Поиски оригинальных философских и богословских решений предпринимались уже во второй половине VII в., хотя наиболее выдающиеся труды в этой сфере были созданы в следующем столетии. Значительный шаг вперед в развитии богословской науки, в разработке новых идей, касающихся проблем соотношения духа и материи, выражения мысли и ее восприятия, отношения бога и человека, был сделан во время ожесточенных споров между иконоборцами и иконопочитателями. Но в целом вплоть до середины IX в. философы и богословы оставались в кругу традиционных идей позднеантичного христианства. Впервые за всю историю Византии начиная с IV в. оформился и стал постепенно расширяться с XII в. цикл народно-язычной литературы. На второй период приходится также и расцвет византийской эстетики. Развитие эстетической мысли в VIII-IX вв. было стимулировано борьбой вокруг культовых изображений. Иконопочитателям пришлось подытожить главные христианские концепции образа и на их основе разработать терию соотношения образа и архетипа, прежде всего применительно к изобразительному искусству. В целом эстетическая мысль в Византии в VIII-XII вв. достигла, пожалуй, высшей точки своего развития, оказывая сильной влияние на художественную практику ряда других стран Европы и Азии. Кризисные явления переходной эпохи в византийской культуре были особенно затяжными в сфере изобразительного искусства VII-IX вв., на судьбах которого сильнее, чем в других отраслях, сказалось иконоборчество. Развитие наиболее массовых, религиозных видов изобразительного искусства (иконописи и фресковой живописи) возобновилось лишь после 843 г., т.е. после победы иконопочитания. Достигает в тот период нового расцвета искусство цветного мозаичного изображения. В IX-XI вв. реставрировались и старые памятники. Возобновлялись мозаики и в храме св. Софии. Появились новые сюжеты, в которых находила отражение идея союза церкви с государством. В IX-X вв. существенно обогатился и усложнился декор рукописей, богаче и разнообразней стали книжные миниатюры и орнамент. Однако подлинно новый период в развитии книжной миниатюры приходится на XI-XII вв., когда переживала расцвет константинопольская школа мастеров в этой области искусства. В VII-VIII вв. в храмовом строительстве Византии и стран византийского культурного круга господствовала та же крестово-купольная композиция, которая возникла в VI в. и характеризовалась слабо выраженным внешним декоративным оформлением. Помимо изменений в декоративном оформлении зданий, менялись и архитектурные формы, сама композиция строений. Увеличивалось значение вертикальных линий и членений фасада, что изменило и силуэт храма. Строители все чаще прибегали к использованию узорной кирпичной кладки. В VIII-XII вв. оформилось специальное музыкально-поэтическое церковное искусство. Благодаря его высоким художественным достоинствам, ослабело влияние на церковную музыку музыки фольклорной. Наиболее популярными жанрами церковной музыки стали канон (музыкально- поэтическая композиция во время церковной службы) и тропарь (едва ли не основная ячейка византийской гимнографии). Как итог ко второму периоду я хотел бы сказать, что Византия в это время достигла наивысшего могущества и наивысшей точки развития культуры. В общественном развитии и в эволюции культуры Византии очевидны противоречивые тенденции, обусловленные ее срединным положением между Востоком и Западом. Третий же период (XII-XIV вв.) можно кратко охарактеризовать, как наивысшую точку развития феодализма и развал Византийской империи. Ввиду недостатка материала по данному периоду скажу лишь, что, несмотря на то, что Византия просуществовала на 1000 лет дольше Великой Римской империи, она была завоевана в XIV в. турками-сельджуками. Но, несмотря на это, Византия внесла огромный вклад в развитие мировой культуры. Ее основные принципы и направления культуры перешли к соседним государствам. Практически все время средневековая Европа развивалась на основе достижений византийской культуры. Византию можно назвать "вторым Римом", т.к. ее вклад в развитие Европы и всего мира ничем не уступает Римской империи.

5. Романская культура 11 – 12вв.

Термин «романский стиль» применяется к искусству 11 —12 вв. Романский период — время возникновения общеевропейского монументального стиля средневековой архитектуры, скульптуры и живописи в эпоху наивысшего развития феодализма. Романское искусство Западной Европы было преимущественно религиозным, так же как и мировоззрение феодального общества. Католическая церковь обладала исключительным идеологическим и экономическим могуществом. В условиях феодальной раздробленности Европы она была единственной силой, объединяющей народы. Стремление к повышенной одухотворенности отличает образы романского искусства так же, как и византийского, но их содержание и форма выражения различны. В западноевропейском искусстве с религиозностью совмещалось непосредственное деятельное отношение к жизни. Средневековый человек в Западной Европе чувствовал в себе переизбыток сил, жил во взаимоотношениях с себе подобными, в непрерывном действии. Романская архитектура поражает мощью, скульптура — мятущимся духом. В романском искусстве Западной Европы возник этический и эстетический идеал, противоположный античному искусству. Создавалось романское искусство в основном в монастырях. Однако традиция народного творчества проникала и в церковное искусство. Светская культура в романскую эпоху не исчезла. Героический эпос («Песнь о Роланде», ок. 1100 г.), поэзия трубадуров, рыцарский роман, бытовой жанр, фаблио, фарсы, полные насмешливости поговорки, басни достигли в то время расцвета. Ведущим видом романского искусства была архитектура. В каждой стране романский стиль складывался под воздействием и сильным влиянием местных традиций — античных, сирийских, византийских, арабских. Строители ограничивались простыми и массивными формами из камня, которые впечатляют своей мощью, внутренней силой, сочетающейся с внешним спокойствием. Средоточием жизни в раннем средневековье были замки, церкви и монастыри. Укрепленный замок — жилище феодала и одновременно крепость, защищавшая его владения,— ярко выражал характер грозной эпохи феодальных войн. Храм романского стиля чаще всего развивает унаследованную от римлян древнехристианскую базиликальную форму. В плане — это латинский крест. Планировка и формы романского храма отвечали потребностям культа. Храм вмещал массу людей, различных по социальному положению: мирян и духовенство, простых людей и знать. Он был рассчитан и на многочисленных паломников. Паломничество к местам, где хранились мощи и реликвии святых, было характерно для эпохи. Для романских храмов характерны подземные сводчатые помещения — крипты. Расположенные под алтарем, они использовались для хранения реликвий и для погребения. Внутреннее пространство в романском соборе играет большую роль, чем в римской и позднеримской архитектуре. Оно имеет характер замкнутого объема и окружено со всех сторон инертной каменной массой. В романской архитектуре применяются традиционные римские формы: полуциркульные арки, столбы, колонны. Пропорции и формы капителей разнообразны, декор их не имеет аналогий в истории архитектуры. В ранний период капители, по форме близкие к усеченной пирамиде, обычно покрывались орнаментом со стилизованными мотивами растений и фантастических животных. В эпоху зрелости стиля часто применялась скульптурная капитель с изображением фигур святых. Наружный вид романского собора суров, прост и ясен. Он воздействует материальностью, весомостью, конструктивной логикой и членениями объемов, предельно четко передает внутреннюю структуру здания.

6. Романский стиль во Франции.

В архитектуре Центральной и Западной Франции встречаются наибольшее разнообразие в решении конструктивных проблем, богатство форм. В ней ярко выражены черты храма романского стиля. Примером его служит церковь Нотр-Дам ла Гранд в Пуатье. Это зальный невысокий малоосвещенный храм, с простым планом, с маловыступающим трансептом, со слабо развитым хором, обрамленным лишь тремя капеллами. Почти равные по высоте, три нефа перекрыты полуцилиндрическими сводами и общей двускатной крышей. Тяжеловесность форм подчеркнута приземистой трехъярусной башней над средокрестием. Нижний ярус западного фасада расчленен порталом и двумя полуциркульными арками, уходящими в толщу стены. Движение вверх, выраженное небольшими островерхими башнями и ступенчатым фронтоном, останавливается горизонтальными фризами со скульптурами святых. Богатая орнаментальная резьба, стелется по поверхности стены, смягчая суровость сооружения. В грандиозных храмах Бургундии сделаны первые шаги к изменению конструкции сводчатых перекрытий в типе базиликального храма с высоким и широким средним нефом, со множеством алтарей, поперечных и боковых кораблей, обширным хором с обходом и развитым, радиально расположенным венцом капелл. Высокий, с трехъярусным членением стен центральный неф был перекрыт коробовым сводом не с полуциркульной аркой, как в большинстве романских церквей, а с легкими стрельчатыми очертаниями. Классический образец такого сложного типа — грандиозная главная пятинефная монастырская церковь аббатства Клюни (1088—1107), разрушенная в начале 19 в. Служившая центром деятельности могущественного клюнийского ордена 11—12 вв., она стала образцом для многих храмовых построек Европы. Ей близки храмы Бургундии: в Пара ле Маниаль (нач. 12 в.), Везеле (первая треть 12 в.) и Отене (первая треть 12 в.). Для них характерно наличие широкого зального помещения, расположенного перед нефами, применение высоких башен. Бургундские храмы отличаются совершенством форм, четкостью расчлененных объемов, размеренностью ритма, завершенностью частей, их подчиненностью целому. Монастырские романские церкви обычно невелики по размерам, своды невысоки, трансепты небольшие. Для южных областей Франции характерны связь с античной позднеримской ордерной архитектурой, преобладали простые по формам и пропорциям зальные храмы, отличавшиеся богатством скульптурного декора на фасадах, иногда напоминавших римские триумфальные арки.

7. Итальянская романика.

В итальянской архитектуре не было стилистического единства. Это в значительной мере обусловлено раздробленностью Италии и тяготением ее отдельных областей к культуре Византии или романской — тех стран, с которыми их связывало длительное экономическое и культурное общение. Местная позднеантичная и раннехристианская традиции, воздействие искусства средневекового Запада и Востока определили своеобразие романской архитектуры передовых школ Средней Италии — городов Тосканы и Ломбардии, в 11—12 вв. освободившихся от феодальной зависимости и начавших обширное строительство городских соборов. Ломбардская архитектура сыграла важную роль в разработке сводчатой конструкции и скелета здания. В архитектуре Тосканы античная традиция проявилась в законченности и гармоничной ясности форм, в праздничности облика величественного ансамбля в Пизе. В него входят пятинефный Пизанский собор (1063— 1118), баптистерий (крещальня, 1153 г.— 14 в.), наклонная колокольня — кампанила (начата в 1174 г., достраивалась в 13—14 вв.) и кладбище Кампо-Санто. Каждое здание выступает свободно, выделяясь простыми замкнутыми объемами куба и цилиндра и сверкающей белизной мрамора на покрытой зеленой травой площади у берега Тирренского моря. В разбивке масс достигнута соразмерность. Изящные беломраморные романские аркады с римско-коринфскими и композитными капителями членят фасад и наружные стены всех сооружений на ярусы, облегчая их массивность и подчеркивая конструкцию. Большой по размерам собор производит впечатление легкости, которое усилено инкрустациями цветного мрамора темно-красного и темно-зеленого цвета (подобный декор был характерен для Флоренции, где получил распространение так называемый «инкрустационный стиль»). Эллиптический купол над средокрестием завершил его ясный и гармонический образ, в котором как бы воплотились свободолюбивые идеалы городского коммунального строя, рано возникшего в Италии.

8. Романская эпоха в Германии.

Особое место в строительстве больших соборов Германии занимали в 12 в. могущественные имперские города на Рейне (Шпейер, Майнц, Вормс). Воздвигнутые здесь соборы отличаются грандиозностью массивных четких кубических объемов, обилием тяжелых башен, более динамичными силуэтами. В Вормском соборе (1171 —1234), построенном из желто-серого песчаника, членения объемов менее разработаны, чем во французских храмах, что создает ощущение монолитности форм. Не используется и такой прием, как постепенное нарастание объемов, плавных линейных ритмов. Приземистые башни средокрестия и четыре как бы врезающиеся в небо высокие круглые башни с конусообразными каменными шатрами по углам храма на западной и восточной сторонах придают ему характер суровой крепости. Повсюду доминируют гладкие поверхности непроницаемых стен с узкими окнами, лишь скупо оживленные фризом в виде арочек вдоль карниза. Слабо выступающие лизены (лопатки — вертикальные плоские и узкие выступы на стене) соединяют в верхней части арочный фриз, цоколь и галереи. В Вормском соборе давление сводов на стены облегчено. Центральный неф перекрыт крестовым сводом и приведен в соответствие с крестовыми сводами боковых нефов. С этой целью применена так называемая «связанная система», при которой на каждый пролет центрального нефа приходится два пролета боковых. Грани наружных форм ясно выражают внутреннюю объемно-пространственную структуру здания.

9. Тип романской базилики и её декор (скульптурное убранство, росписи).

Начало романской эпохи ознаменовалось бурным строительством. По всей Западной Европе росло множество новых соборов — ведь именно церковная архитектура играла ведущую роль в Средние века. Романские соборы отличались друг от друга не только различиями национальных архитектурных школ, которые уже начали складываться в это время, но и своим назначением. Средневековая архитектура в этом смысле очень логична — здесь функция всегда диктует форму. Это значит, например, что в большинстве монастырей не было смысла возводить большие соборы, в то время как так называемые паломнические церкви должны были вмещать огромное количество молящихся. Несмотря на некоторые национальные различия основа у романских соборов всегда одна — все эти постройки относятся к базиликальному типу. Базилика — это вытянутое в плане сооружение, внутреннее пространство которого обычно разделяется столбами-колоннами на три части — нефа. Базилика возникла в Древнем Риме, но первоначально не являлась культовым сооружением, а несла чисто светскую функцию. Но уже раннесредневековые храмы, возведенные в Риме, имеют базиликальную форму. Центральный неф всегда шире боковых. В больших соборах может быть и пять нефов. Каждый неф завершается полукруглой апсидой .В апсиде располагаются алтарь или капеллы. Базилика, как и любой христианский храм, всегда ориентирована на восток. Романская базилика имеет форму латинского креста — крест получается за счет поперечного нефа — трансепта. Место пересечения нефов — средокрестие. Средокрестие венчается башней. Вход в храм всегда располагается с западной стороны, он обозначается двумя башнями — этот комплекс называется вестверком. Внешнего декора в этих постройках немного, основное внимание уделялось украшению внутреннего пространства. Однако неизменными элементами являются скульптурные порталы и аркатурные пояса (состоящие из украшающих стены маленьких арочек) — этот элемент встречается и в древнерусской архитектуре, родственной романской. Основной характерной чертой внутреннего пространства собора являются мощные стены и небольшие окна — это обусловлено способом перекрытия нефов. Первоначально неф перекрывался с помощью деревянных балочных конструкций. Проблему освещения решал ряд окон в верхней части стен главного нефа, возвышавшейся над боковыми. Но деревянные конструкции были ненадежными из-за часто возникающих пожаров. Тогда на смену балочному перекрытию приходит цилиндрический свод. Цилиндрический свод также родом из древнеримской архитектуры. Цилиндрические своды, перекрывающие главный неф базилики, требовали усиления и без того мощных стен с помощью специальных опор — контрфорсов. Обычный цилиндрический свод в разрезе является полуциркульной аркой — при такой форме боковой распор очень велик, арка как бы пытается раскрыться, распрямиться, поэтому на верхнюю часть стены ложится большая нагрузка. Если в верхнем ярусе центрального нефа появляются окна, то они очень небольшого размера, что существенно затрудняет освещение церкви.

10. Замки романской эпохи и убранство жилого интерьера.

. О мебельном искусстве становится возможно писать только начиная с века девятого. Впрочем, по сравнению с римской мебелью это был скорее шаг назад. Основные черты данного стиля - прочные, тяжёлые, статичные формы, гарантирующие надёжность и грубую практичность. Зримым символом могущества владельца замка был донжон - центральная башня замка, возвышавшаяся над толстыми крепостными стенами. Другие строения, возводившиеся в замке, были многокомнатными, хотя по-прежнему сохранялась центральная зала с очагом, главное жилое помещение, служившее "гостиной" и столовой. Спальни в замках начали устраивать раздельные, но отдельными спальнями пользовались только хозяева замка и самые почетные гости. Кровати в спальнях устраивались очень широкими, и хозяева часто спали на них вместе с гостями. Пол - чаще всего земляной, только во дворце бо-гатого феодала, епископа или короля можно было встретить вымощенный каменными плитами пол. И только очень богатый человек мог позволить себе не просто выстлать камнем пол, а выложить на нем орнамент цветным камнем. От земляного и каменного пола, от глинобитных или булыжных стен домов и замков постоянно тянуло сыростью и холодом. Чтобы как-то спастись от этого, пол устилали слоем соломы, которую время от времени выметали вместе со скопившимся мусором. В домах высшей знати каменные стены было принято закрывать коврами, привезенными из стран Востока. Ковер являлся признаком неслыханной роскоши, и был доступен далеко не всем феодалам. В эпоху Высокого Средневековья в Западной Европе развилось искусство изготовления гобеленов- тканых ковров с изысканными изображениями на самые разные темы.Уборных и канализации в доме не было. Во дворе делали выгребную яму или строили отхожее место. Кухонные помои хозяйка выплескивала из окна прямо на улицу. Пожалуй, главной чертой средневекового дома (хижины ли, дворца, или монастыря) была невозможность уединения. Отделялась только жилая часть от подсобных помещений и кухни. Мебель играла в это время грубо "прикладную" роль. Самой универсальной и практичной мебелью средневековья был сундук. Он мог одновременно служить и кроватью, и скамьёй, и дорожным чемоданом. Форма сундуков берёт начало с античных саркофагов и постепенно становится всё разнообразнее. Наиболее тщательно изготавливалась мебель для сиденья, Чем выше был стул и его спинка, тем более знатным был владелец. В целом мебель была неудобной и тяжеловесной, что объясняется в основном точёными ножками и прямыми спинками. В средние века большое значение приобретают кровати, представляющие собой рамы на точёных ножках, окружённые низкой решёткой.В раннем романовском стиле господствовала настенная живопись, то в конце 11 - начале 12 вв., когда своды и стены обрели более сложную конфигурацию, ведущим видом храмового декора стали монументальные рельефы, украшавшие порталы, а часто и всю фасадную стену, а в интерьере сосредоточенные на капителях.

11. Костюм романской эпохи.

Одежда средневековой Европы Романского периода (IX — XII вв.), как и ткани, изготовлялась обычно в поместье феодала для него самого и его семьи. Только и XI веке с развитием городов появляются цехи, изготовляющие одежду. В раннем средневековье одежду шили из льняных и шерстяных тканей. Шелк являлся предметом роскоши и бил доступен только богатым феодалам, покупавшим его у Византийских купцов. Костюмы для высшего сословия шили из тканей преимущественно ярким тонов: синего, зеленого, пурпурного, а костюмы для простонародья - из тканей более темных расцветов; серого, коричневого. Одежду желтого цвета обычно не носили, так кик этот цвет считался цветом измены и ненависти. белый цвет символизировал чистоту, веру; черный - скорбь, верность; голубой - нежность. Одежду целиком красного цвета - цвета крови - начиная со средневековья носили палачи. Ткани были безузорными, одежда украшалась меховой опушкой или вышитой узорной каймой. Декоративность костюма достигалась сочетанием контрастных цветов. Классовое различие в одеждах средневековой Европы проявлялось главным образом в качестве ткани и драгоценности отделки, а не в форме костюма, так как покрой всех одежд был еще очень прост и примитивен. В раннем средневековье преобладают накладные одежды. Обертывались вокруг тела только плаши. Тело старалась закрыть как можно плотнее - в этом сказывалось влияние церкви. Женщины носили только глухие, закрытые платья, скрывавшие ноги; мужчины - одежды и длинные, и более короткие, открывавшие ноги. На формирование типа средневековой одежды влияли также климатические условия. Мужская одежда средневековой Европы состояла из двух туник, надетых друг на друга.. Возрастные отличия в костюме были во все времена и эпохи. Обычно пожилые люди избегали слишком коротких, слишком узких и слишком ярких одежд

12. Церковный декор романской эпохи (церковная утварь, облачение священнослужителей).

13. Готическая культура (13 – 14вв.).

Готика — более зрелый стиль искусства средневековья, чем романский. Он поражает единством и целостностью художественных проявлений во всех видах искусства. Религиозное по форме готическое искусство более чутко, чем романское, к жизни, природе и человеку. Оно включило в свой круг всю сумму средневековых знаний, сложных и противоречивых представлений и переживаний.

Повышенная одухотворенность готического искусства, нарастающий интерес к человеческим чувствам, к остроиндивидуальному, к красоте реального мира подготовили расцвет искусства Возрождения.

Готическое искусство — искусство цветущих торговых и ремесленных городов-коммун, добившихся ценою напряженной борьбы известной независимости внутри феодального мира.

Религия оставалась по-прежнему основной формой миросозерцания, и церковь продолжала оказывать свое влияние на искусство. С образованием городских и церковных школ влияние монастырей на массы стало ослабевать

В придворной рыцарской среде 12—14 вв. возникло светское, глубоко личное отношение к миру. Наряду с эпосом и рыцарским романом расцвела любовная лирика трубадуров — провансальская поэзия, знамение нового времени.. Развивалась городская литература, склонная к ярким картинам обыденной жизни. В музыке на смену унисону (одноголосью) пришло многоголосье Возникали комические театральные жанры: на площадях представлялись фарсы, высмеивавшие духовенство, в храмах устраивались «нечестивые мессы», шутовские процессии.

В разных странах готический стиль имеет своеобразные черты.. Во Франции — на родине готики — произведения этого стиля характеризуются ясностью пропорций, чувством меры, четкостью, изяществом форм, В Англии они отличаются тяжеловесностью, перегруженностью композиционных линий, сложностью и богатством архитектурного декора. В Германии готика получила более отвлеченный, мистический, но страстный по выражению характер. В Испании готические формы обогатились элементами мусульманского искусства, привнесенного арабами. В Италию, где расцвет городов к концу 13 в. создал благоприятную почву для возникновения культуры Проторенессанса, проникли лишь отдельные, преимущественно декоративные элементы готики, не противоречащие принципам романской архитектуры. Но в 14 в. готика распространилась в Италии повсеместно. Пламенеющая готика достигла своего высшего завершения в Миланском соборе (конец 14—15 вв., достроен в нач. 19 в.). Готический собор, по сравнению с романским,— новая ступень в развитии базиликального типа постройки, в которой все элементы стали подчиняться единообразной системе. Главное отличие готического собора — устойчивая каркасная система, в которой конструктивную роль выполняют крестово-реберные стрельчатые своды, прорезанные сетью выступающих ребер-нервюр (выложенных из камня), внутренние (колонны, столбы) и внешние (контрфорсы) опоры. Главный неф делился теперь на ряд прямоугольных в плане отрезков. Каждый из них перекрывался перекрещивавшимися стрельчатыми арками. Форма стрельчатой арки уменьшала распор свода. Все это дало возможность перекрывать широкие пролеты и различные по форме отрезки пространства, а также поднять свод на головокружительную высоту. Храм наполнился светом. Стена, освобожденная от опорных функций, прорезывалась большими стрельчатыми окнами, нишами, галереями, порталами, облегчавшими ее массу и связывавшими интерьер храма с окружающим пространством. Характерная особенность готической архитектуры — арка стрельчатой формы, определяющая во многом внутренний и внешний облик готических зданий. Сильное впечатление производит готический собор внутри. Его интерьер — просторный, светлый, рассчитанный на многолюдную толпу,— сразу раскрывается перед зрителем и захватывает стремительным движением на восток, так как главный вход находится теперь на западной короткой стороне. Значительно изменился и внешний вид собора, ибо внутренняя структура здания проецируется на внешнюю; внутренние членения продольной части здания угадываются в его фасаде. Внутреннее пространство как бы перетекает во внешнее. Образ храма утратил суровую замкнутость, и храм как бы обращен к площади.

14. Готическая эпоха во Франции.

Классическое выражение готический стиль получил во Франции — родине готических соборов. В 12—14 вв. Первые памятники французской готики возникли в провинции Иль-де-Франс (церковь Сен-Дени аббата Сугерия), центре королевских владений. Величайшее сооружение ранней готики — собор Парижской богоматери (Нотр-Дам де Пари, заложен в 1163 г.; достраивался до середины 13 в.; венец капелл — в начале 14 в., ил. 81, 82), отличающийся, несмотря на многочисленные достройки, целостностью внешнего вида. Каждый готический собор имел свое индивидуальное лицо, нес отпечаток искреннего вдохновения строителей-каменщиков. Во второй половине 13—14 вв. еще продолжают достраивать начатые соборы, но типичным становится строительство небольших капелл по заказу гильдий или частных лиц. Чудесное создание развитой французской готики — двухэтажная королевская Святая капелла (Сент-Шапель, 1243—1248), выстроенная на острове Сите в Париже при Людовике IX. Она отличается безукоризненным изяществом общей композиции и совершенством всех пропорций, устойчивостью и пластичностью внешнего облика. В ее верхней церкви стены полностью заменены высокими (15 м) окнами, заполняющими простенки между тонкими опорами сводов. Изумительный эффект в этом хрупком здании создают многоцветные пурпурово-алые витражи, сияющие чистыми звучными красками. Западный фасад украшен прорезывающей его во всю ширину розой, исполненной в 15 в. К выдающимся памятникам 13 в. относится аббатство Мон Сен-Мишель.

15. Специфические черты английской готики.

Готика Англии возникла очень рано, в конце XII века, и просуществовала до XVI века. Она имеет одно важное отличие от континентальной. Слабое развитие городов привело к тому, что готический собор и вообще всё строительство периода готики оказалось связанным не с городом, а по-прежнему с монастырями. Английский собор возникал не в гуще городской застройки, а в свободном пространстве лугов и полей. В конструкции собора полностью проявлены специфические черты английской готической архитектуры: отсутствие обхода и венца капелл, некоторая «распластанность» здания по горизонтали, растянутость в ширину, чему способствует множество пристроек, малый разрыв в высоте центрального и боковых нефов, вообще не очень большая высота сводов, широкие, сильно выступающие трансепты, иногда даже два вместо общепринятого одного. Как специфически английскую черту можно назвать огромную башню на средокрестье — доминанту собора. Фасады английских готических храмов обильно украшены декором. Интерьеры значительно более дифференцированы, дробны, чем французские. Наиболее чистый образец ранней английской готики — собор в Солсбери (1220—1270), воспетый позже в пейзажах Констебла. По формам декора в английской готике различают следующие стили: ранний («ланцетовидный»), «украшенный» и «перпендикулярный». Кентерберийский собор (XII—XV вв.) — главный готический собор Англии, резиденция архиепископа Кентерберийского, национальная святыня — демонстрирует развитие английской готики от ранней (восточная часть храма, величественная в своей простоте) к поздней (западная часть, значительно более вычурная). Над всеми разновременными объектами возвышается огромная башня средокрестья. Готическая скульптура Англии имеет чисто декоративный характер и совершенно подчинена архитектуре. В период «украшенного» и «перпендикулярного» стилей в соборе так много скульптурного декора, что, по справедливому замечанию исследователей, создается впечатление «вибрации архитектурных форм». Статуи поставлены тесно одна к другой и заполняют фасад, как в соборе в Уэлсе (западный фасад). Развивается также мемориальная пластика. Монументальная готическая живопись Англии развита очень слабо. Из живописи наиболее интересна не монументальная, а, по давней английской традиции, книжная миниатюра, особенно школы кентерберийская и винчестерская. Как и во французской, в английской миниатюре много элементов подлинной реальной жизни (например, светские хроники и богослужебные книги восточно-английской школы XIV в., из которых самая знаменитая — Псалтырь королевы Марии, 1320).

16. Немецкая готика и её особенности.

Становление германской готики пришлось на сложный период в жизни страны.. С 30-х годов XIII века начался закат немецкого рыцарства, а с ним и феодальной рыцарской культуры. в Германии готика получила более отвлечённый, мистический , но страстный по силе выражения характер. Немцы утверждают, что только в их зодчестве полностью выявлена сущность готического стиля и использованы все его возможности: только в их готике порыв действительно неудержим, действительно подымает к небу всю массу здания, создает и во внешнем его облике и под его сводами впечатление чего-то необъятного и непостижимого. Недаром немецкие зодчие заменили французскую розу стрельчатым окном над главным входом и нарушили боковые горизонтали контрфорсами. Во французской же готике, пусть очень тройной и гармоничной, полностью не исчезнувшая горизонтальность членений и общий размеренный ритм сдерживают порыв, вводят его в какие-то рамки разума, логики, и это - в ущерб той стихии, которая присуща готическому зодчеству. Планы соборов просты, большей частью в них отсутствует обходной хор и венец капелл. Во внешнем облике здания присущая готике устремлённость вверх получает предельное выражение. Часто встречается тип однобашенного собора, напоминающего гигантский кристалл, шпиль которого гордо врезается в небо. Наружные формы строги, свободны от резного или скульптурного декора. В северо-восточной Германии, бедной пригодным для строительства природным камнем, возникла особая кирпичная готика. Так как кирпич более хрупок, чем камень, он практически исключает обработку в процессе строительства. Поэтому кирпичная кладка предопределила известное упрощение архитектурных форм. Здесть готика сохранила кубическую чёткость объёмов, любовь к гладким плоскостям, иногда несколько тяжеловесная, но подчас и очень внушительнаяВ кирпичном здании на первый план выступала плоскость стены, архитектурные членения приобретали характер рисунка не её поверхности. Для кирпичной готики характерны, с одной стороны, отсутствие скульптурных украшений, которые невозможно выполнить из кирпича, и, с другой стороны, богатство орнаментальных деталей кладки и структуризация плоскостей за счёт чередования красного либо глазурованного кирпича и известковой побелки стен. Наиболее известными образцами северогерманской готики являются Собор цистерцианского монастыря в Бад-Доберане, Ратуша и церковь Св. Николая в Штральзунде, Церковь Святой Марии в Любеке и Монастырь Ленин в Клостер-Ленине. Собор цистерцианского монастыря построен цистерцианцами, а им канон запрещал возведение высоких башен. Мастера нашли выход — собор тянется ввысь весь целиком. Любекская Мариенкирхе, построенная в 1250—1350 гг., сыграла огромную роль в развитии местной архитектуры. В Германии в эпоху готики возросло значение светской архитектуры, частной, дворцовой и общественной, развитая политическая жизнь и растущее самосозние горожан получили отражение в строительстве монументальных ратуш.

17. Итальянская готика.

В Италию готика пришла намного позже, только к 15в. И не получила такого же сильного развития как во Франции и Германии. Скульптура играла огромную роль в создании образа готического собора. Готическая скульптура — неотъемлемая часть ансамбля собора, она — часть архитектурной формы, поскольку вместе с архитектурными элементами выражает движение здания ввысь, его тектонический смысл. В скульптуре Италии 13-14 вв. влияние готики стало одной из составляющих Проторенессанса, что проявилось в проповеднических кафедрах Н. и Дж. Пизано, скульптуре фасадов (Дж. Пизано, Сиенский собор), в скульптуре Арнольфо ди Камбио. Более активные влияния готической экспрессии характерны для рельефов Л. Маитани (фасад собора в Орвьето, 1310—1330). Дальнейшая эмансипация скульптуры от архитектуры в период поздней готики проявилась в сложении ансамблей, где главную роль играет статуя: «Колодец Моисея» К. Слютера в Шанмоле, ок. 1400). Достигается предельная конкретность в деталях внешности («готический натурализм») при сохранении общей условности фигур. Особое место в европейской художественной культуре XIII-XIV веков занимает Италия. Уже в конце XIII века в Италии в результате слабости феодальных сил и, наоборот, раннего расцвета городов создались условия для возникновения культуры Проторенессанса, предваряющего собственно Ренессанс. Палаццо Дожей в Венеции — памятник итальянской готической архитектуры XIV — XV веков. Основное строительство было осуществлено в 1309—1424 гг. Пример поздней итальянской готики - огромный, расчитанный на 40 000 человек Миланский собор, самый большой готический храм Европы. На левом берегу Большого канала возвышается самый знаменитый дворец Венеции — готическое палаццо Ка’д’Оро, который пользуется репутацией самого красивого на Большом канале (слово “ка” означает casa, то есть просто дом; Ка’д’Оро — “Золотой дом”). Палаццо Ка’д’Оро считается образцом венецианской готики. Более того, Золотой дом считается самым элегантным из дворцов, построенных в венецианском стиле. Золотым домом его стали называть из-за того, что при первоначальной отделке дом был выложен сусальным золотом и раскрашен ультрамарином и киноварью (самыми дорогими красками того времени); плывущий мимо должен был не верить своим глазам, считая, что перед ним мираж. Для престижа нанята была та же бригада, что работала во Дворце дожей. На первом этаже располагается стрельчатая арочная галерея, на двух верхних этажах две изящные ажурные лоджии. Правая сторона предстает более компактной с меньшим количеством пустот, но не менее элегантной. Вверху здание венчают легкие кружева. Ранее на этом месте стоял дворец в византийском стиле Палаццо Зено, полученный Марино Контарини с приданным жены. Старый дворец был снесен, однако его фрагменты были сохранены в фасаде Ка’д’Оро.

18. Гражданская архитектура готики.

Готическая архитектура Франции не ограничивается церквами, замками и жилыми домами, охватывая также городские ратуши, городские колокольни, больницы, школы разного уровня и все прочие общественные постройки, необходимые для жизни средневекового человека. Дом Эшевенов в Бурже (1491) воспроизводит и группировку помещений вокруг двора, и общую систему декора дома Жака Кёр в том же городе. Он был, при этом, удобен и как место собрания городских властей. Комплекс Двора правосудия в Руане (1499–1509) включал в себя купеческую биржу, судебную палату, зал собраний и городскую тюрьму, – все сгруппированное вокруг центрального внутреннего двора. Великолепный зал собраний шириной 17 м и длиной 41 м был перекрыт цилиндрическим сводом, собранным из деревянных конструкций. Городская колокольня служила обычно символом независимости города. На нее навешивали несколько колоколов, среди которых был и сигнальный колокол, а в 14 в. на ней начали устанавливать часы. В Мулене сохранилась такого рода башня, на которой часы вызваниваются механическими фигурами. Большинство средневековых больниц построены в готическую эпоху. Их основателями были и церковь и феодальные сеньоры, однако управление госпиталем обычно передавалось в руки церкви. У тогдашних больниц были более широкие функции, чем у современных, так как в них, наряду с лечением больных, давали приют и пищу паломникам, старикам, бездомным и нуждающимся. Их планировка, конструктивная система и декор заимствовались в равной мере у церковной архитектуры и у архитектуры жилого дома. Первые «лазареттос», или лепрозории для больных проказой, были и первыми больницами в узком смысле слова. В таких лазаретах прокаженные обитали в отдельных домиках, а те, кто за ними присматривал, – в обособленной постройке. Около 1270 во Франции насчитывалось до 800 лазаретов, но к 15 в. нужда в них сократилась настолько, что средства, выделявшиеся на их содержание, были направлены на другие цели. Госпиталь Маладреди дю Тортуар позволяет составить представление о типе этого учреждения. На прямоугольном участке расположены три постройки: двухэтажный корпус для пациентов, капелла и двухэтажное здание персонала, где размещалась и кухня. На каждом из двух этажей больничного корпуса был один длинный зал, освещенный восемью окнами с кружевным переплетением. Камины обогревали зал и обеспечивали его вентиляцию, а передвижные деревянные ширмы между постелями позволяли отделять больных друг от друга. Здания университетов во Франции представляли собой простые постройки с весьма скупым декором или вовсе без украшений, хотя только в Париже к 1360 насчитывалось около 60 коллежей. Даже Медицинская школа 15 в., самая ранняя из сохранившихся построек Парижского университета, напоминает трапезную бедного монастыря.

Среди прочих строений Франции готической эпохи можно найти крытые залы рынков, залы гильдий, капеллы, приходские церкви и мосты. Их конструктивные решения и декор ничем существенным не отличаются от уже описанных типов построек.

19. Древнерусская жилая архитектура.

Простая деревенская изба, русского крестьянина, Памятник архитектуры. На Севере, русское деревянное зодчество сохранилось в наиболее чистом виде, не слишком замутненное позднейшими влияниями. Объем некоторых изб измеряется внушительной цифрой – в две тысячи кубометров. Стоит такая изба, обратившись “лицом” к проезжей дороги, к реке или озеру, поблескивает на солнце высоко поднятыми над землей окнами. В деревнях средней России сараи, конюшни, хлева и другие приусадебные постройки обычно стоят поодаль от жилья, на открытом хозяйственном дворе. На севере по другому: все очень цельно и компактно, все собрано под одной крышей, и можно по долгу, не выходя из дому, выполнять все хозяйственные работы. На севере бытует несколько типов крестьянских изб. Самый распространенный – это брус. Брус – самый распространенный тип крестьянской избы, в которой все помещения спланированы одно за другим на одной оси, в форме вытянутого прямоугольника .И называется она так по сходству с брусом – бревном, обтесанным, или как говорят, окантованным, с двух, трех или четырех сторон. Обширные сени разделяют такую избу на две равные части. Меньшая часть – жилая, выходит на главный фасад, а большую часть занимает крытый хозяйственный двор, уходящий за задворки. Другой тип северной избы носит название “глаголь” и имеет форму буквы “Г”. Здесь хозяйственные помещения расположенные под прямым углом к жилым. И наконец, “кошель” распространенный в Южной Карелии и примыкающих к ней районах. Все жилые и хозяйственно – бытовые помещения в таком доме сгруппированы и объединены в единый квадратный в плане сруб. Его огромный массив перекрыт общей двускатной крышей, причем вершина ее проходит не над серединой всего здания, как это бывает обычно, а по оси жилой части дома. Поэтому скаты дома получаются разными: один – короткий и крутой, а другой пологий и длинный. Дом вправду становится похож на кошель. Просторные сени с внутренней “белой” лестницей делят дом на две равные части. По обеим сторонам двери в “избы”. Первый этаж теплее, поэтому в нем жили зимой, а на втором, холодном, - летом. Почти в каждой избе есть “чистая”, парадная горница и светелка на верху. Прямо против входной двери – проход в двухэтажную хозяйственную половину, занимавшую, как правило, не меньше двух третей дома. Весь ее первый этаж занимают, скотный двор, конюшни и “черная” лестница. Наверху просторная “поветь”, или сарай, где хранятся телеги, сани, соха, борона, рогатины, рыбачьи снасти, лодки и весь инвентарь крестьянина, охотника и рыбака. Здесь же и корм для скота. В непогоду и холодные месяцы на повети теребили лен, веяли и мололи на ручном жернове зерно, долбили лодки, сети – одним словом выполняли, чуть ли не все домашние работы (приложение 3). Со двора на поветь ведет наклонный помост – “взвоз”, сложенный из длинных, крепких бревен. По нему въезжали на второй этаж двора на запряженных лошадях. Иногда делали два взвоза и сквозной проезд: с одной стороны въедешь с другой выедешь. Такие взвозы можно увидеть только на Севере, и они придают здешним избам особенный, своеобразный и характерный облик. Единственным видом древнего деревянного гражданского сооружения Сибири, о котором имеются сведения, является воеводский дом.

20. Церковное зодчество на Руси.(киевская и владимиро-суздальская школы).

Владимиро-Суздальская архитектура (XII—XIII вв.) Церковь Покрова на Нерли (Покров на Нерли, XII век) — храм во Владимирской области России, выдающийся памятник владимиро-суздальской школы, считается одним из самых совершенных храмов России. В период феодальной раздробленности роль Киева как политического центра начинает ослабевать, в феодальных центрах появляются значительные архитектурные школы. В XII—XIII веках важным культурным центром становится Владимиро-Суздальское княжество. Продолжая византийские и киевские традиции, архитектурный стиль видоизменяется, приобретает собственные, индивидуальные черты. Во время правления Андрея Боголюбского владимиро-суздальская архитектура достигла наибольшего расцвета. В столице княжества Владимире разворачивается активное строительство, город застраивается монументальными сооружениями. До настоящего времени сохранились такие памятники архитектуры Владимира как Успенский собор и Золотые врата. Одним из наиболее выдающихся памятников зодчества владимиро-суздальской школы является церковь Покрова на Нерли, построенная в середине XII века. От храма XII века без существенных искажений до нашего времени сохранился основной объём — небольшой, слегка вытянутый по продольной оси четверик и глава. Храм крестовокупольного типа, четырёхстолпный, трёхапсидный, одноглавый, с аркатурно-колончатыми поясами и перспективными порталами. В составе объекта «Белокаменные памятники Владимира и Суздаля» церковь входит в список всемирного наследия ЮНЕСКО. Светская архитектура Владимиро-Суздальской земли мало сохранилась. До двадцатого столетия, только Золотые Ворота Владимира, несмотря на большие восстановительные работы XVIII века, могли быть расценены как подлинный памятник предмонгольского периода. В 1940-ых годах, археолог Николай Воронин обнаружил хорошо сохранившиеся остатки дворца Андрея Боголюбского в Боголюбово (1158—1165).

21. Церковное зодчество на Руси (новгородская и московская школы).

Новгородско-Псковская архитектура (конец XII—XVI вв.)

Церковь Спаса Преображения на Ильине улице — один из выдающихся памятников Новгорода времен феодальной раздробленности.

Формирование новгородской архитектурой школы относят к середине XI века, времени строительства Софийского собора в Новгороде. Уже в данном памятнике заметны отличительные черты новгородской архитектуры — монументальность, простота, отсутствие излишней декоративности.

Храмы Новгорода эпохи феодальной раздробленности уже не поражают огромными размерами, однако в них сохраняются основные черты данной архитектурной школы. Они отличаются простотой и некоторой тяжеловесностью форм. В конце XII века были построены такие храмы как церковь Петра и Павла на Синичьей горе (1185), церковь Уверения Фомы на Мячине (1195) (на ее фудаменте в 1463 году построена новая церковь с тем же именем). Выдающимся памятником, завершившим развитие школы в XII веке, стала церковь Спаса на Нередице (1198). Построена за один сезон при новгородском князе Ярославе Владимировиче. Храм одноглавый, кубического типа, четырёхстолпный, трёхапсидный. Фресковые росписи занимали всю поверхность стен и представляли собой один из уникальных и наиболее значительных живописных ансамблей России.

Расцвет новгородского зодчества относят ко второй половине XIV века, в эпоху максимального могущества Новгородской республики. Вершиной и эталоном архитектуры данного периода является церковь Фёдора Стратилата на Ручью в Новгороде. Здание церкви — это четырёхстолпная одноглавая постройка кубического типа. На фасаде, особенно на барабане и апсидах, немало декоративных элементов. Некоторые ниши фасада ранее были украшены фресками. Также стоит отметить церковь Спаса Преображения на Ильине улице, знаменитую тем, что в ней одной сохранились фрески кисти Феофана Грека.

Псковская архитектура очень близка к новгородской, тем не менее в зданиях Пскова появилось немало специфических черт. Одним из лучших храмов Пскова периода расцвета стала церковь Сергия с Залужья (1582—1588). Также известны церковь Николы со Усохи (1371), Василия на Горке (1413), Успенья на Пароменье со звонницей (1521), Кузьмы и Демьяна с Примостья (1463).

Зданий светской архитектуры Новгородской и Псковской земель известно немного, среди них наиболее монументальным зданием являются Поганкины палаты в Пскове, построенные в 1671—1679 годы торговыми людьми Поганкиными. Здание является своеобразным дворцом-крепостью, его стены, высотой в два метра, сложены из камней.

Архитектура Московского княжества (XIV—XVI вв.)

Превращение Москвы в сильный политический центр привело к стремительному развитию архитектуры на территории города и княжества. Архитектурные традиции Владимиро-Суздальского княжества успешно перенимались московскими зодчими, к концу XVI века уже можно говорить о собственной московской архитектурной школе.

Успенский собор на Городке в Звенигороде — один из полностью сохранившихся белокаменных московских храмов данного периода. Это небольшой крестово-купольный четырехстолпный храм, увенчанный одним куполом. С восточной стороны храм имеет три алтарные апсиды, западный, южный и северный фасады храма имеют традиционное деление на три вертикальных прясла, завершенных закомарами. Изящество пропорций и красота богатого декоративного убранства выделяют храм из числа других соборов того же времени[1].

Подъем московской архитектуры принято связывать с политическими и экономическими успехами княжества в конце XV века, во времена правления Ивана III. В 1475—1479 годах итальянским архитектором Аристотелем Фиораванти был построен Московский Успенский собор. Храм шестистолпный, пятиглавый, пятиапсидный. Построен из белого камня в сочетании с кирпичом. В росписи принимал участие известный иконописец Дионисий. В 1484—1490 годах псковскими зодчими был построен Благовещенский собор. В 1505—1509 годах под руководством итальянского архитектора Алевиза Нового был построен близкий к Успенскому Архангельский собор. В это же время получает развитие гражданское строительство, в Кремле строится ряд зданий — палат, самой известной из которых является Грановитая палата (1487—1496).

В 1485 году началось строительство новых кремлевских стен и башен, оно закончилось уже при правлении Василия III в 1516 году. К этой эпохе относят также активное строительство других крепостных сооружений — укрепленных монастырей, крепостей, кремлей. Были построены кремли в Туле (1514), Коломне (1525), Зарайске (1531), Можайске (1541), в Серпухове (1556) и т. д.

22. Древнерусская живопись (фрески, иконостас, его композиция, мастера древнерусской живописи).

Этого нельзя сказать про «расписание» церквей; здесь по-прежнему иностранцы-греки работали вместе со своими русскими учениками. В 1343 году греческие мастера «подписали» соборную церковь Успения Богородицы в Москве. Феофан Грек расписал церковь св. Архистратига Михаила в 1399 году, а в 1405 году церковь Благовещения на княжеском дворе вместе с русскими мастерами Прохором, старцем из Городца, да чернцом Андреем Рублевым. В Новгороде в качестве церковных живописцев также фигурировали греки — Исаия Гречин (в 1338 году), упомянутый уже Феофан и др. Но достаточно было и своих собственных мастеров. Так, в 1334 году монастырскую церковь св. Спаса в Москве расписывали выученики греков — Гайтан Семен и Иван с учениками своими и «дружиной». Живописцем был митрополит Петр, который, по преданию, написал две иконы, хранящиеся ныне в Успенском соборе, св. Стефан Пермский, преп. Дионисий Глушицкий и др. Но самым знаменитым живописцем из русских людей был Андрей Рублев, участвовавший, как сказано, в расписании Благовещенского собора в Москве. Вместе с иконником Даниилом он расписал соборный храм Богородицы во Владимире; ему приписывается также образ св. Троицы в Сергиевской лавре. Андрей Рублев был страстно преданный своему делу человек, находивший в нем величайшее наслаждение, считавший его богоугодным и душеспасительным. Он чрезвычайно прославился у своих современников и создал целую школу подражателей. Из памятников церковной фресковой живописи удельной эпохи заслуживают особого внимания фрески новгородской Спасо-Преображенской церкви на Торговой стороне — произведение вышеупомянутого Феофана Грека, изображение двух святых русских князей на хорах в церкви св. Феодора Стратилата в Новгороде (XIV век), три лика святых в одеждах русских воинов с копьем, щитом, латами и шлемом, находящиеся в Спасо-Преображенской церкви в Ковалеве близ Новгорода, фрески Успенского собора во Владимире, писанные Андреем Рублевым, и фрески Успенского собора в Звенигороде. В произведениях иконописцев удельной эпохи, как и в произведениях предшествующей эпохи, царит условность, однообразие приемов и выражения, мало личного, индивидуального творчества. Общий характер иконописания тот же самый, что и в предшествующую эпоху.

Особым видом живописи были иллюстрации в так называемых «лицевых» рукописях и миниатюра, т. е. рисунки заглавных букв и заставок. Здесь проявлялось больше свободного творчества, было меньше условности. Из лицевых рукописей замечателен Кенигсбергский, или Радзивилловский, список летописи, в котором чуть ли не каждая страница имеет иллюстрации, хотя и не особенно искусно сделанные, но при всем том чрезвычайно интересные. Из миниатюр замечательны миниатюры «Сказания о святых Борисе и Глебе». Здесь в иллюстрациях — все житие Бориса и Глеба с изображениями Владимира, Святополка Окаянного, Бориса и Глеба, Изяслава в доспехах и одеждах, великокняжеских палат, шатра, воинов-всадников, насадов (лодок), погребения Глеба в лесу между двумя колодами, перенесения мощей св. Бориса в санях летом. В тесной связи с рисунками находится орнамент миниатюр, который отличается разнообразием и богатством колорита, гармонией тонов. Орнамент представляет повторение или развитие византийских, болгарских и сербских образцов с примесью, однако, и национальных русских мотивов, особенно в новгородских миниатюрах, где видим мотивы, близкие к народным узорам и вышивкам на полотенцах, прошивках, рубахах и т. д.

Фреска

Фреска(итал. freesco - свежий, сырой) - техника живописи красками (на известковой воде) по свежей, сырой штукатурке, которая при высыхании образует тончайшую прозрачную пленку карбоната кальция, закрепляющую краски и делающую фреску долговечной.

Фресковая живопись в искусстве стенописи применялась в различные эпохи в Египте, Греции, Италии, Византии. Наибольшего развития и совершенства достигла в Италии в эпоху Возрождения. В России образцы древнерусской фресковой живописи относятся к XI-XVII вв. Два памятника фресковой живописи - росписи б. Святогорского монастыря близ Пскова и б. Ферапонтова монастыря около г. Кириллова, выполненные выдающимися русскими мастерами, являются примерами классического периода древнерусской фрески.

Фресковую роспись наносят на специальную штукатурку, которую выполняют по кирпичным, каменным поверхностям при соблюдении следующих условий:

кирпичные поверхности не должны выделять солей, кладка выполнена обычно на известковых растворах.

бетонные поверхности из обычных портландцементов без специальной их подготовки непригодны для использования под фресковую роспись из-за известковых солей, выделяемых во время твердения из цементных растворов. Непригодны и поверхности из шлакобетона, содержащие сернистые соединения.

Поверхности из природного камня - неплотного известняка, туфа и песчаника - лучшие основания для фрески, но и они перед оштукатуриванием должны быть обработаны бучардой для более прочного сцепления со штукатуркой.

Иконоста́с (ср.-греч. εἰκονοστάσιον) — алтарная перегородка, более или менее сплошная, от северной до южной стены храма, состоящая из одного или нескольких рядов упорядоченно размещённых икон, отделяющая алтарную часть православного храма от остального помещения.

Древнерусский иконостас представлял собой целостное стройное единство. Первые большие иконостасы с фигурами в рост человека относятся к началу XV в., и с той поры ни один храм не обходился без подобного величественного сооружения. Его буквальное значение — моление святых, обращенное к восседающему на троне Христу — вседержителю (деисусный чин — ряд). Но поскольку существовали еще и местный ряд с иконами на различные темы, и праздничный — со сценами из жизни Христа и Марии, и пророческий (образы апостолов, пророков), то иконостас приобретал значение своеобразной церковной энциклопедии. В то же время иконостас — замечательное художественное создание древнерусской культуры. Его значение в развитии древнерусской иконы трудно переоценить. Многие иконы нельзя объяснить и понять вне того сочетания, в котором они находились в иконостасе.

Композиция

В своей реконструкции иконостаса владимирского Успенского собора М. А. Ильин считает, что этот иконостас был расчленен пилястрами алтарных столпов и боковых пилонов, отделяющих нефы собора от его галерей 1. Свое мнение он не аргументирует, а между тем этот факт обладает своей собственной исторической ценностью. Было бы очень важным выяснить те причины, по которым высокий иконостас на первых порах своего существования оказался расчлененным столпами 2, а также рассмотреть в связи с этим некоторые особенности его архитектурной композиции. Речь идет не только об архитектонике иконостаса, но и о самой связи конструкции иконостаса с архитектурой храма и, наконец, об организации пространства интерьера. За этими, казалось бы, чисто формальными явлениями стоят сложные переплетения идейных и идеологических факторов, сливающиеся в то органическое целое средневековой жизни, которое определяло интенсивность творческой мысли художников, их отношение к традициям и их способность интерпретировать. Совершенно ясно, что здесь мы имеем дело не с только с проблемой археологической, сколько с вопросами идеологии и творчества. Важнейшей особенностью средневековой интеллектуальной жизни является исключительная устойчивость традиций, которые, как это ни парадоксально, своей прочностью обязаны возможности интерпретаций, допускаемых средневековым образом мыслей. О прочности традиций в византийском и древнерусском художественном творчестве говорилось уже немало, но вопрос об интерпретациях поднимался еще только в очень неопределенной форме 3. Это тем более странно, что для всех очевидна роль интерпретации в средние века. Ведь весь ход средневековой мысли и художественного творчества регламентировался непоколебимым убеждением: священное писание и творения отцов церкви'не могут быть изменены или улучшены, но они могут быть лишь интерпретированы.

Активный процесс восприятия произведения уже есть интерпретация его. Сама эта интерпретация обусловлена двумя условиями: во-первых, качеством художественного образа, его глубиной, неоднозначностью, а во-вторых, художественной культурой зрителя. Важно отметить, что византийская доктрина иконопочитания отводила особую роль способности зрителя интерпретировать образ. Так, считалось, что сама по себе икона (изображение) не имеет святости, но приобретает таковую только благодаря зрителю. Сам же зритель через образ, посредством его восприятия, восходит умом к первообразному и оказывается перед ним 4. В этом положении достаточно ясно видна роль способности зрителя к активному восприятию и роль самого образа. Но чтобы образ выполнял свою функцию, совершенно необходимо, чтобы он был аутентичным оригиналу, т. е. написан на основании словесного портрета или более древних изображений 5. Эта особенность образа распространялась не только на изображения, но и на почти все формы средневекового мышления, творчества и быта. Поскольку для средневековой Византии весь видимый и невидимый мир представлялся сплошной иерархией образов, куда входил сам бог, ангелы, люди, изображения, символы и т. д., мы считаем вполне возможным обратиться к этим особенностям восточнохристианского сознания и при анализе вопроса иконостаса. Оговоримся, однако, что интерпретация не могла быть вольной фантазией на сакральную тему, но каждый раз оказывалась в рамках понятий, стоящих над ней. При интерпретации иконографических схем отдельные черты, а таких было большинство, удерживались и лишь немногие изменялись, но при этом менялось и художественное и смысловое содержание образа. Радикальные интерпретации были очень редкими и соответствовали важным историческим - этапам. При составлении иконографической схемы росписи храма художник приобретал несколько большую свободу, чем в процессе работы над отдельной композицией, но и здесь он не отступал от краеугольных камней системы росписи храма, закрепленной в традиции, даже когда эта система уже явно разлагалась.

Если с этой точки зрения взглянуть на историю алтарной преграды и иконостаса, то, очевидно, в принципе можно выяснить, какие черты в системе иконостаса были более или менее постоянными, каноническими, а какие являлись результатом тех или иных интерпретаций. Нужно также учитывать, что новый вариант приобретал в конечном счете устойчивость и нередко, а пожалуй, даже чаще всего, сам становился каноном. Для нас особенно интересны именно такие случаи, потому что за ними стоят не случайные колебания, но генеральная линия развития.

Исторические модели развития иконостаса и алтарной преграды, предложенные до сих пор наукой, строились без учета отмеченной особенности средневекового искусства. Так, принято считать, что развитие это имело своей исходной точкой триморфг, а конечной - высокий иконостас древнерусских храмов, но эта схема игнорирует то обстоятельство, что в действительности не было единой линии эволюции.

Накопленные наукой данные позволяют выделить несколько, основных типов схем темплонов алтарной преграды. Причем есть основания считать, что ими отнюдь не исчерпывается все многообразие живописного декора и росписи алтарных, преград. В их основе, безусловно, лежали символика и догматика самого алтаря, которая, по мнению специалистов, сложилась уже к началу VIII века 6. Казалось бы, архитектура; алтарных преград в таком случае должна быть довольно единой, но в действительности мы встречаем здесь широкое разнообразие 7, то же самое можно сказать и в отношении их иконографических схем 8. Объяснение, очевидно, следует искать в том, что, хотя догматика и символика алтаря были общими для всех стран, связанных одной религией, их интерпретации существенно отличались друг от друга даже в условиях одной страны

ШЕДЕВРЫ ДРЕВНЕРУССКОЙ ЖИВОПИСИ

Древнерусское искусство - одно из самых замечательных явлений народного творчества. Созданные древнерусскими художниками произведения по праву получили в наше время мировую известность.

Древнерусская живопись привлекает яркостью красок, удивительной выразительностью образа, ясностью композиций. Тонкий вкус и понимание цвета, глубина, сдержанность и благородство в выражении чувств, терпение и любовное отношение к творческому труду были свойственны древнерусским художникам. Русские мастера овладели техникой живописи и приемами, шедшими из глубины веков, из Византии, откуда с введением христианской веры пришел к нам культ святых и способы их изображения. В условиях феодализма, стесненные церковными правилами, древнерусские художники сумели тем не менее создать шедевры в области живописи, архитектуры и скульптуры. Первый расцвет древнерусского искусства падает на XI-XII века - эпоху Киевского государства. Утонченность и совершенство, с которыми выполнены наиболее ранние из дошедших до нас памятников древней живописи (мозаики и росписи Софийского собора в Киеве, собора Михайловского монастыря, иконы, предметы ювелирного искусства), говорят о существовании в то время крупных художников.

Первоначальный период нашей живописи очень сложен, образы в иконах лишены того примитивного характера, который свойствен начинающему искусству.

В Киеве создается своя иконописная школа с художником Алимпием во главе. Киев - столица большого государства - привлекает к себе художников из других стран. Сюда привозятся предметы искусства. Так, согласно летописям, из Византии в начале XII века в Вышгород, под Киевом, привезена была икона Владимирской богоматери, написанная в Константинополе в конце XI - начале XII века. После разделения Киевского государства на отдельные княжества в русских городах образуется много местных школ живописи, получающих свой ясно выраженный, глубоко народный характер: новгородская, псковская, ростовская, тверская, позднее - московская. После нашествия татар, в трудные и тяжелые годы их долгого владычества русский народ медленно собирается с силами. В живописи сохраняются строгость и монументальность образа. В XIII веке произведения получают чрезвычайно суровое содержание.

С середины XIV века появляется большое количество художников, работающих самостоятельно на местах, иногда в отдаленных углах Древней Руси (северная иконопись). Это время, когда русская икона получила свой подлинно национальный народный стиль. Одной из ведущих школ живописи была новгородская.

Новгородская живопись отличается особой декоративностью и силой цвета, лаконизмом, простотой, крайней выразительностью силуэта, мужественным и суровым характером образа. Красочная гамма строилась в основном на ярких, контрастных цветах: красная киноварь, празелень (зеленая), желтая, охра всех оттенков, черное и белое, золото.

Московская живопись получила свое развитие в XIV - начале XV века. В эту пору работает целая плеяда выдающихся мастеров: Андрей Рублев, Феофан Грек (византиец по происхождению), Прохор с Городца, Даниил Черный и другие. Для произведений живописи, созданных Феофаном Греком, характерен глубокий психологизм, часто драматичность образа (фрески церкви Спаса на Ильине в Новгороде). Андрей Рублев расписывал соборы в Московском Кремле и в городе Владимире. Он сумел вложить в них столь большое содержание и философскую глубину, выполнить их с таким мастерством, что стал считаться лучшим художником на Руси.

Московская живопись в значительной мере пошла по стопам гениального мастера Андрея Рублева. Ему подражали, на его произведениях учились. Отличительными чертами московской живописи XV века стали: мягкость и задушевность образа, исключительная выразительность силуэта, певучесть линий, совершенство ритмического построения, более сложная и тонкая, чем ранее, красочная гамма. Во второй половине XV столетия Москва, объединившая многие княжества, становится мощным государством. Московский царь Иван III именует себя "великим государем всея Руси". Московская живопись получает ведущую роль, и другие школы постепенно сливаются с нею, но в Москве в течение долгих лет очень ценят "новгородские иконы", "суздальские письма", "псковских мастеров" и стараются приобрести эти произведения. Русская икона в эту эпоху (конец XV века) отличается особой красотой. Живопись сияет тонкими оттенками яркого и нежного цвета. Изображение становится более светским, нарядным и изящным.

В живописи появляется повествовательность; художники окружают основное изображение в иконе клеймами, или маленькими картинами с изображением жизни святого, или "жития", в котором реальное оказывается смешанным с "чудесами".

Это время жизни известного художника второй половины XV - начала XVI века - Дионисия. В Москве в эту пору - грандиозное строительство. Большие, вновь отстроенные соборы пышно украшаются живописью. Так же как Андрей Рублев, Дионисий расписывал соборы в Московском Кремле, но работал совместно со своими сыновьями Владимиром и Феодосием. В конце XVI - начале XVII века работают художники "строгановцы" (купцы Строгановы - меценаты того времени, заказывавшие им иконы), стремившиеся к предельной миниатюрности и тщательной отделке произведений, большие мастера цвета, создававшие произведения тонкие и изысканные по колориту. Для XVII века характерно, с одной стороны, безудержное стремление к реализму, изучению природы, к передаче жизни, с другой стороны - требование сохранения строгих правил и писание по старой, еще византийской традиции. Сохраняя в основном иконописные особенности письма, русские художники XVII века стали изображать огромное количество подробностей, взятых из жизни, их окружающей: таковы в их картинах детали архитектуры, виды городов и храмов, изображения холмистых гор, долин, рек, озер, цветов, всевозможных зверей и т. д. Тела людей стали писать объемнее, лица светлее и реальнее. Ведущими художниками в XVII веке были Симон Ушаков, Иосиф Владимиров, Никита Павловец - так называемые "царские изографы". Они сильно способствовали введению в изобразительное искусство реалистических приемов.

В конце XVII века собственно завершается история древнерусской живописи. В XVIII веке ее сменяет реалистическая картина.

Переход к реалистическим формам в русском искусстве совершался постепенно. Древнерусская живопись, перерождаясь, изживает самое себя. Теряя свои особенности, она уступает место новому, реалистическому искусству.

Техника икон своеобразна. Это так называемая "живопись по дереву". Иконописцы сами изготавливали доски для своих произведений, вырезая их преимущественно из липового и соснового дерева. Краски они растирали на сыром яичном желтке, прибавляя меду для их сохранения. Перед употреблением доску по нескольку лет выдерживали, пока она совершенно не высыхала. Доски для больших икон соединялись шпонками, свободно вогнанными в пазы на обороте, движущимися при расширении или сужении досок при переходе от одной влажности к другой. На доски наклеивался холст" на который накладывался толстый слой левкаса-алебастра или гипса с клеем. Он выглаживался до почти зеркальной поверхности, а затем накладывались краски, сначала - все темные цвета, потом все светлее и светлее, до белого. Масляные краски, известные в Европе в XVI веке, не употреблялись русскими иконописцами, на полотне стали писать не раньше конца XVII века.

Древняя живопись дошла до нас под записями, нанесенными на нее за многие века ее существования. Когда живопись темнела, ее "поновляли", часто все переписывая заново. В реставрационных мастерских, существующих в Москве и в других городах Советского Союза, опытные реставраторы снимают слои позднейших записей и укрепляют древнюю живопись. Без такого "раскрытия" древнерусская икона предстала бы перед нами темной и грязной, часто совершенно искаженной. В течение долгих лет, вплоть до конца XIX - начала XX века любители живописи не имели понятия об исключительной красоте, а подчас и яркости цвета древних икон. Только теперь, когда реставрационное дело в Советском Союзе получило большое развитие, мы можем получить правильное представление об исключительной художественной ценности древнерусской живописи.

23. Искусство и культура Древней Америки.

Одна из характерных особенностей древнего искусства Америки — существование огромного количества различных культур, каждая из которых обладала своим неповторимым стилем. Только на территории Мексики их установлено около 11 тыс.

Обычно из древних культур народов Америки выделяют три наиболее интересные и значительные — ацтеков (Мексика), майя (Южная Мексика, Гватемала и Гондурас) и инков (Перу, Боливия, Эквадор и северная часть Чили).

Культура ацтеков развивалась на территории современной Мексики на протяжении почти четырех столетий, начиная с XII в. вплоть до 1521 г., когда испанские конкистадоры (завоеватели) разрушили столицу ацтеков Теночтитлан.

Большинство каменных зданий ацтеков дошло до нас сильно измененными. Это прежде всего четырехгранные пирамиды, которые служили основанием для храма или дворца. Ацтеки верили, что через каждые полустолетия начинается новый период в развитии мира, и в соответствии с этим каждый раз обновляли свои храмы и дворцы. Ранее построенный храм вместе с пирамидой покрывали рядами каменной кладки, так что он оказывался внутри новой пирамиды, на вершине которой строили еще один храм. В одной из таких пирамид (в Тенаюке) обнаружили восемь последовательно замурованных храмов.

Иногда дворцы и даже храмы на вершине пирамид строили из дерева, но они не сохранились — их сожгли испанские завоеватели. До нас дошли лишь каменные сооружения.

Столица ацтеков располагалась на острове. Их пирамиды, дворцы и храмы, наклонные стены которых лишены каких бы то ни было украшений, напоминают мощные укрепления, величественные в своей суровой простоте.

Той же строгостью и некоторым схематизмом поражает скульптура ацтеков. Они создавали грандиозные культовые статуи, иногда очень отдаленно напоминающие человеческую фигуру и целиком составленные из разнообразных символических изображений: кукурузных початков, клыков и когтей животных, человеческих черепов и т. д. Таковы, например, статуи богини земли и плодородия Коатликуэ, бога весны и т. д.

Более жизненны произведения, не связанные непосредственно с требованиями религии. Они производят огромное впечатление своими простыми, почти примитивными формами.

Немногие сохранившиеся образцы живописи ацтеков малоинтересны. Зато до нас дошли созданные ацтекскими мастерами яркие декоративные рисунки из перьев. Эти мозаики, наклеенные па плотную ткань, поразили испанцев, равно как и тончайшее ювелирное искусство, по отзывам самих завоевателей, намного превосходившее европейское.

Одну из наиболее развитых и богатых культур Центральной Америки создали народы майя. Начало их истории уходит в далекое прошлое. Уже ко II—III вв. н. а. племена майя основали небольшие города-государства, во главе которых стояли правители, жрецы и аристократия.

Как и ацтеки, майя возводили свои здания на каменных основаниях. Их постройки можно разделить на два типа — храмы на вершине пирамид и обширные дворцы на высоких каменных стилобатах (основания), которые группировались вокруг открытого двора. Обычно майя сооружали одноэтажные здания на уступах естественного или искусственного холма, отчего их постройки казались многоэтажными.

Архитектура майя гораздо живописнее и богаче украшениями, чем у ацтеков. В ней постоянно встречаются колонны, часто в виде туловища пернатой змеи, фасады и стены зданий пышно украшены геометрическим орнаментом, рельефами и масками божеств. Лучшие здания майя производят впечатление каменного кружева — настолько мастерски скрыт под сплошным декоративным узором массив стен.

Среди наиболее интересных памятников архитектуры майя можно назвать Храм Солнца в Паленке, а также Храм ягуаров и Храм воинов в Чичен-Ице.

Скульптура майя, развивавшаяся на протяжении нескольких столетий, также достигла высокого совершенства. В соответствии со своим очень сложным календарем майя каждые 20 лет воздвигали каменные стелы с рельефами. На лицевой стороне стелы изображалась фигура божества или правителя. Остальные три стороны покрывались иероглифическими надписями.

Наивысшего расцвета скульптура майя достигла в VIII—IX вв. н. а. В это время появились сложные рельефы с многофигурными композициями. Изображение заполняло всю поверхность стелы, не оставляя свободных мест. Такова стела Пьедрас Неграс, воздвигнутая в 795 г.

Высокого расцвета достигла скульптура, связанная с архитектурой. Здания украшались рельефами в виде орнаментов, а нередко и почти круглой скульптурой.

Лучшие образцы живописи майя — фрески храма в Бонампаке, случайно открытые в 1946 г. Все три помещения этого храма сплошь покрыты росписями, изображающими приготовления к битве, саму битву и церемонии победного праздника. Мастера майя пользовались чистыми, почти не смешанными красками, графически четкой линией.

Крупнейшее государство Южной Америки — империя инков — просуществовало сравнительно недолго. Это рабовладельческое государство возникло в начале XV в. Развитие его культуры было прервано вторжением отряда испанских завоевателей под предводительством Ф. Писарро, которые в 1532 г. захватили и разгромили все государство.

Наиболее известными памятниками инков были Храм Солнца и Врата Солнца, с барельефом, изображающим солнце, и с письменами, до сих пор не расшифрованными учеными.

Архитектура инкского периода отличается суровой простотой и отсутствием каких бы то ни было украшений. Храмы, жилища, крепости сложены из огромных каменных глыб, очень точно пригнанных друг к другу, но не скрепленных никаким раствором. До нас дошли руины монолитных зданий столицы инков Куско, имевших мощные каменные стены и сравнительно тесные внутренние помещения. Большинство зданий инков было лишено окон и освещалось лишь через двери. По описаниям путешественников, эти здания снаружи были некогда украшены широкими поясами толстых золотых пластин.

Использование драгоценных металлов вообще характерно для искусства инков. Так, Храм Солнца в Куско имел несколько святилищ, украшенных символическими изображениями солнца, луны, радуги и звезд, выполненными из золота, серебра и драгоценных камней.

В отличие от народов Центральной Америки инки сооружали огромные пирамиды (до 40 м высотой), но не для храмов, а для захоронений.

Каменная скульптура почти не получила распространения у инков. Их здания полностью лишены рельефов. Единственным видом их скульптуры — и одновременно живописи — были глиняные фигурные сосуды, как правило расписанные яркими красками.

Наиболее интересные росписи встречаются на ранних сосудах. Мы видим здесь сцены битв, охоты, рыболовства, мифологические сюжеты с фантастическими чудовищами. В более позднее время росписи почти исчезают, но зато сосуды превращаются в настоящую скульптуру. Чаще всего сосуды делали в виде человеческой головы. Это подлинные портреты, в которых очень точно переданы индивидуальные черты стариков, детей, воинов. Еще позже появляются сосуды в виде животных, плодов и растений.

27. Искусство и культура мусульманского Востока.

Арабо-мусульманская культура не создала пластических искусств - живописи и скульптуры в европейском или античном понимании искусства. Ведь ислам отрицательно относился к изображению любого живого существа в живописи и скульптуре, поэтому они были представлены орнаментальными, абстрактными мотивами. Иными словами, эквивалентами пластических искусств в арабо-мусульманской культуре были художественная каллиграфия и миниатюрная живопись. Искусство каллиграфии в мире ислама считалось самым благородным искусством, а каллиграфы имели свои «академии» и пользовались большим почетом.

Необходимо отметить, что абстрактность мусульманского искусства далека от современного абстракционизма. Современные художники находят в абстракции ответ на иррациональные подсознательные импульсы; для мусульманского же художника абстрактная живопись непосредственно отражает единство в многообразии. Мусульманское искусство состоит в воспроизведении предметов в соответствии с их природой, а она насыщена красотой, поскольку происходит от бога: не остается ничего другого, как выявить и выразить эту красоту. В исламской концепции искусство в широком смысле является средством облагораживания материала. Для мусульманского искусства (ковроткачество, архитектура, живопись, каллиграфия) характерны повторение выразительных геометрических мотивов, неожиданная смена ритма и диагональная симметрия. Исламский строй ума включает в себя острое ощущение хрупкости мира, емкость мысли и действия, чувства ритма.

Другим типичным примером арабо-мусульманской культуры являются арабеска, специфический мусульманский орнамент, в котором логика связана с живой целостностью ритма. Элементы мусульманского Декоративного искусства заимствованы из исторического прошлого, общего для народов Азии, Ближнего Востока и Северной Европы. Ислам ассимилирует эти архаические элементы, сводя их к наиболее абстрактному и чистому определению, в известной степени нивелирует их и таким образом лишает всякого магического характера. Как результат такого синтеза арабеска имеет аналогии в арабской риторике и поэзии, отличающихся ритмическим течением мысли, наполненным строго связанными параллелями и инверсиями. Для мусульман арабеска - не только возможность создания искусства без картин, но и средство рассеивания картины или того, что ей соответствует в мысли. В арабеске воспроизведение индивидуальной формы невозможно вследствие бесконечности полотна.

Каллиграфия, наиболее благородное визуальное искусство ислама, имеет функцию, аналогичную функциям икон в христианском искусстве, так как представляет видимое тело божественного Слова. Арабские слова в священных письменах соотносятся с арабесками, прежде всего с растительным орнаментом, связанным с азиатским символом древа мира, листья которого отвечают словам святой книги.

В арабо-мусульманском мире каллиграфия широко использовалась в архитектуре и как средство передачи текста, и просто для украшения. Архитекторы порой покрывали целые стены дворцов и мечетей затейливой арабской вязью, стилизованными мотивами из растительного мира и геометрическими узорами. Знаменита и сама архитектура, шедеврами которой являются Тадж-Махал, голубая мечеть в Стамбуле, в основе которой лежит христианский храм, голубые купола самаркандских и исфаганских мечетей, дворец Альгаморы в Гранаде, дворцы и мечети Кордовы. Нужно вспомнить и узорные изразцы мусульманской архитектуры, орнаменты которых впоследствии принесли известность персидским коврам.

Многие примеры исламского искусства можно увидеть в западном полушарии благодаря конкистадорам. В мексиканском городе Пуэбло стены старинных католических церквей покрыты изразцовой мозаикой с растительным орнаментом. Оказывается, что взаимно соперничающие культуры и религии взаимно обогащают друг друга.

Своеобразие присуще- и мусульманскому пониманию морали и права, ибо считается, что следование исламской морали и законам шариата с верой в Аллаха дает возможность высшего нравственного совершенствования личности.

Наряду с принципом этического абсолютизма ислам утверждает принцип морального догматизма, требуя тем самым от приверженцев религии безусловного выполнения коранических моральных норм как данных богом и поэтому не подлежащих разумному обоснованию, независимо от социальных последствий такого поведения. Это значит, что человек должен вести себя строго определенным образом, не потому, что разумно и целесообразно, а в силу того, что так предписано аллахом. Последовательное внедрение принципов исламской морали в сознание индивида, требование неукоснительного следования им ведет к утверждению среди адептов ислама слепой, некритической приверженности нормам этой морали, воинственной нетерпимости к инакомыслию и инакомыслящим. Такой религиозный фанатизм в истории неоднократно оборачивался массовым физическим уничтожением идейных противников под флагом «борьбы с неверными», так как, подчеркивает известный французский востоковед А. Массэ, «распространение ислама с оружием в руках являлось религиозным долгом», а война «считалась справедливой, если она была предпринята с целью обратить людей в истинную веру. Такой способ обращения в истинную веру не раз приводил к пролитию безвинной крови «неверных», да и правоверных тоже.

В убеждении мусульман вся организация халифата - его власть и законы - происходят от аллаха, что выражает специфическую оппозицию исламского мышления: противопоставлено божественное человеческому или «небесное» противопоставлено «земному», но вместе с тем не было оппозиции между религиозным и светским. Так как социальная жизнь людей, в том числе и их мораль, подчинена божественному закону, то нельзя говорить о существовании светских законов, противостоящих религиозным законам, светской власти, находящейся в оппозиции религиозной власти. Ведь существовала единая мусульманская власть, источником которой является бог, т.е. перед нами картина весьма специфической теократии. Таким образом, цивилизация ислама организована вокруг весьма простых исходных концепций - религиозных догматов и законов, вытекающих из Корана и сунны - традиции, которую оставил после себя пророк. Мухаммед. В целом можно сказать, что ислам - это образ жизни.

Вклад арабо-мусульманской культуры в сокровищницу мировой культуры весьма значителен. О достижениях арабской науки в мировом масштабе уже говорилось выше. Существующее свыше тысячи лет, от Испании до Индии, искусство ислама играет в искусстве мира важную роль, особенно произведения художественного ремесла и ткани. Запад использовал его в качестве образца, перенимая мотивы из мусульманской Испании; в архитектуре Сицилии и Венеции, в тканях из Лукки и Флоренции видно сильное влияние искусства ислама. В XVII в. на Западе возникла мода на культуру и украшения мусульманского Востока. Поэзия поэтов-жизнелюбцев средневековья - Низами, Хафиза, Джами, Омара Хайяма, Руми и многих других - вдохновляла европейских и американских поэтов на создание шедевров мировой поэзии. Действенность арабо-мусульманской культуры проявляется в наше время в феномене сильного противостояния мира ислама вестер-низации, идущей из круга западных культур.

24. Искусство и культура Индии.

Арабо-мусульманская культура не создала пластических искусств - живописи и скульптуры в европейском или античном понимании искусства. Ведь ислам отрицательно относился к изображению любого живого существа в живописи и скульптуре, поэтому они были представлены орнаментальными, абстрактными мотивами. Иными словами, эквивалентами пластических искусств в арабо-мусульманской культуре были художественная каллиграфия и миниатюрная живопись. Искусство каллиграфии в мире ислама считалось самым благородным искусством, а каллиграфы имели свои «академии» и пользовались большим почетом.

Необходимо отметить, что абстрактность мусульманского искусства далека от современного абстракционизма. Современные художники находят в абстракции ответ на иррациональные подсознательные импульсы; для мусульманского же художника абстрактная живопись непосредственно отражает единство в многообразии. Мусульманское искусство состоит в воспроизведении предметов в соответствии с их природой, а она насыщена красотой, поскольку происходит от бога: не остается ничего другого, как выявить и выразить эту красоту. В исламской концепции искусство в широком смысле является средством облагораживания материала. Для мусульманского искусства (ковроткачество, архитектура, живопись, каллиграфия) характерны повторение выразительных геометрических мотивов, неожиданная смена ритма и диагональная симметрия. Исламский строй ума включает в себя острое ощущение хрупкости мира, емкость мысли и действия, чувства ритма.

Другим типичным примером арабо-мусульманской культуры являются арабеска, специфический мусульманский орнамент, в котором логика связана с живой целостностью ритма. Элементы мусульманского Декоративного искусства заимствованы из исторического прошлого, общего для народов Азии, Ближнего Востока и Северной Европы. Ислам ассимилирует эти архаические элементы, сводя их к наиболее абстрактному и чистому определению, в известной степени нивелирует их и таким образом лишает всякого магического характера. Как результат такого синтеза арабеска имеет аналогии в арабской риторике и поэзии, отличающихся ритмическим течением мысли, наполненным строго связанными параллелями и инверсиями. Для мусульман арабеска - не только возможность создания искусства без картин, но и средство рассеивания картины или того, что ей соответствует в мысли. В арабеске воспроизведение индивидуальной формы невозможно вследствие бесконечности полотна.

Каллиграфия, наиболее благородное визуальное искусство ислама, имеет функцию, аналогичную функциям икон в христианском искусстве, так как представляет видимое тело божественного Слова. Арабские слова в священных письменах соотносятся с арабесками, прежде всего с растительным орнаментом, связанным с азиатским символом древа мира, листья которого отвечают словам святой книги.

В арабо-мусульманском мире каллиграфия широко использовалась в архитектуре и как средство передачи текста, и просто для украшения. Архитекторы порой покрывали целые стены дворцов и мечетей затейливой арабской вязью, стилизованными мотивами из растительного мира и геометрическими узорами. Знаменита и сама архитектура, шедеврами которой являются Тадж-Махал, голубая мечеть в Стамбуле, в основе которой лежит христианский храм, голубые купола самаркандских и исфаганских мечетей, дворец Альгаморы в Гранаде, дворцы и мечети Кордовы. Нужно вспомнить и узорные изразцы мусульманской архитектуры, орнаменты которых впоследствии принесли известность персидским коврам.

Многие примеры исламского искусства можно увидеть в западном полушарии благодаря конкистадорам. В мексиканском городе Пуэбло стены старинных католических церквей покрыты изразцовой мозаикой с растительным орнаментом. Оказывается, что взаимно соперничающие культуры и религии взаимно обогащают друг друга.

Своеобразие присуще- и мусульманскому пониманию морали и права, ибо считается, что следование исламской морали и законам шариата с верой в Аллаха дает возможность высшего нравственного совершенствования личности.

Наряду с принципом этического абсолютизма ислам утверждает принцип морального догматизма, требуя тем самым от приверженцев религии безусловного выполнения коранических моральных норм как данных богом и поэтому не подлежащих разумному обоснованию, независимо от социальных последствий такого поведения. Это значит, что человек должен вести себя строго определенным образом, не потому, что разумно и целесообразно, а в силу того, что так предписано аллахом. Последовательное внедрение принципов исламской морали в сознание индивида, требование неукоснительного следования им ведет к утверждению среди адептов ислама слепой, некритической приверженности нормам этой морали, воинственной нетерпимости к инакомыслию и инакомыслящим. Такой религиозный фанатизм в истории неоднократно оборачивался массовым физическим уничтожением идейных противников под флагом «борьбы с неверными», так как, подчеркивает известный французский востоковед А. Массэ, «распространение ислама с оружием в руках являлось религиозным долгом», а война «считалась справедливой, если она была предпринята с целью обратить людей в истинную веру. Такой способ обращения в истинную веру не раз приводил к пролитию безвинной крови «неверных», да и правоверных тоже.

В убеждении мусульман вся организация халифата - его власть и законы - происходят от аллаха, что выражает специфическую оппозицию исламского мышления: противопоставлено божественное человеческому или «небесное» противопоставлено «земному», но вместе с тем не было оппозиции между религиозным и светским. Так как социальная жизнь людей, в том числе и их мораль, подчинена божественному закону, то нельзя говорить о существовании светских законов, противостоящих религиозным законам, светской власти, находящейся в оппозиции религиозной власти. Ведь существовала единая мусульманская власть, источником которой является бог, т.е. перед нами картина весьма специфической теократии. Таким образом, цивилизация ислама организована вокруг весьма простых исходных концепций - религиозных догматов и законов, вытекающих из Корана и сунны - традиции, которую оставил после себя пророк. Мухаммед. В целом можно сказать, что ислам - это образ жизни.

Вклад арабо-мусульманской культуры в сокровищницу мировой культуры весьма значителен. О достижениях арабской науки в мировом масштабе уже говорилось выше. Существующее свыше тысячи лет, от Испании до Индии, искусство ислама играет в искусстве мира важную роль, особенно произведения художественного ремесла и ткани. Запад использовал его в качестве образца, перенимая мотивы из мусульманской Испании; в архитектуре Сицилии и Венеции, в тканях из Лукки и Флоренции видно сильное влияние искусства ислама. В XVII в. на Западе возникла мода на культуру и украшения мусульманского Востока. Поэзия поэтов-жизнелюбцев средневековья - Низами, Хафиза, Джами, Омара Хайяма, Руми и многих других - вдохновляла европейских и американских поэтов на создание шедевров мировой поэзии. Действенность арабо-мусульманской культуры проявляется в наше время в феномене сильного противостояния мира ислама вестер-низации, идущей из круга западных культур.

25. Искусство и культура Китая.

ЖИВОПИСЬ

Живопись в Китае как вид искусства издревле пользуется большим уважением. Со времён средневековья дошли стихи, прославляющие живопись, трактаты о творческих путях живописцев, описание отдельных картин и своеобразные сводные истории живописи, сообщающие сведения о многочисленных художниках различных эпох.

Сложное образное мировосприятие, постоянное общение к образом природы для передачи своих чувств зародилось в Китае ещё в глубокой древности. Китайская живопись двусмысленна. Китайская живопись неразрывно связана с поэзией. Порой художники дополняли свою картину строками из стихов. Надо сказать, что китайские художники порой были и замечательными поэтами. Один великий китайский критик Чжан Янь-юань подчеркнул неразрывность поэзии с живописью и сказал: " Когда они не могут выразить свою мысль живописью, они писали иероглифы, когда они не могли выразить свою мысль через письменность, они писали картины». Тысячелетиями исчисляется развитие пейзажного жанра в Китае, известного как одно из величайших достижений мирового искусства.

ПОЭЗИЯ

В китайской поэзии существовали два периода.

• Тан

• Сун.

Тан - был основан китайской императорской династией. Основан Ли Юанем. Господство Тан было подорвано крестьянской войной и борьбой между различными группировками господствующего класса.

Сун - императорская династия в Китае. Пала от монгольских завоеваний. Это полное трагическими событиями время ярко отразилось в китайской поэзии. Многие стихи писались в то время на музыку и благодаря этому быстро приобретали популярность в виде песен. Подъем поэтической мысли, который охватил Китай в восьмом и девятом веках, в десятом веке пошёл на спад. Не было уже крупных имен и талантов, на сцену вышли поэты - эпигоны, которых увлекала пустая игра красивых слов и звуков.

АРХИТЕКТУРА

История развития китайского зодчества неразрывно связана с развитием всех видов искусства Китая и особенно живописи. И архитектура и живопись этой эпохи являлись как бы различными формами выражения общих идей и представлений о мире, сложившихся ещё в глубокой древности. Китайские зодчий был таким же поэтом и мыслителем, отличался тем же возвышенным и обострённым чувством природы, что и живописец- пейзажист. О том, какие архитектурные замыслы сложились ещё в глубокой древности, свидетельствует Великая китайская стена. Это великое произведение человеческих рук, строившееся с IV - III веков до н.э., является одним из самых величественных памятником мирового зодчества. Выстроенная по северной границе Китая для защиты страны от кочевников и прикрытия полей от песков пустыни, стена первоначально простиралась на 750 км, затем, после многовековых достроек она превысила 3000 км. Китайские зодчие строили стену лишь только по самым крутым хребтам. Поэтому в некоторых местах стена описывает настолько резкие повороты, что стены почти соприкасаются. Стена имеет в ширину от 5 до 8 метров, а в высоту от 5 до 10 метров. По поверхности стены идут зубцы и дорога, по которой солдаты могли передвигаться. По всему периметру проставлены башенки, через каждые 100 - 150 метров, для светового оповещения о приближении врага. Стена сначала была собрана из утрамбованного леса и камыша, затем её облицевали серым кирпичом.

СКУЛЬПТУРА

В Китае и в древности и в средние века скульптура считалась не видом искусства, а всего лишь ремеслом. И если о живописи эпохи феодализма было написано в средние века множество книг, то о скульптуре Китая человечество смогло узнать только тогда, когда в XIX - XX веках постепенно были обнаружены сохранившиеся памятники, которые дали богатый материал для исследования. Люди изваяли из камня целые повести и легенды, мифологические и религиозные притчи о жизни Будды и его учеников. Уже в V - начале VI века рядом с огромными и тяжеловесными фигурами Будды появляются стройные и изящные, вычерченные смелой рукой опытного китайского мастера графические рельефы. Чужие образы постепенно становятся своими, чужие легенды рассказываются на китайский лад.

ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО

Связное с бытом, со все растущими потребностями городского населения, художественное ремесло в изобразительном искусстве Китая появилась не только одним из самых массовых и популярных, но и одним из самых активных видов. Весь мир использует китайские вазы, чашки и другие предметы домашнего обихода. Китайская керамика используется и для облицовки скульптурных работ. Производству фарфора в Китае способствовали богатые залежи необходимых для него материалов: фарфорового камня(естественного соединения полевого шпата и кварца) и местной глины - каолина. Соединение этих двух составных частей даёт необходимую пластичность и сплавляемость. Особенного разнообразия и благородства фарфор достигает XI - XIII веках. Китайская керамика имеет также как и поэзия и живопись точку перелома в своём развитии. Мебель вышивки и ткани этого времени - все предметы художественного ремесла стоят на высоком уровне искусства. Узоры этих тканей создавались по образцам известных художников.

26. Искусство и культура Японии.

Культурные особенности японцев

Традиционной японской отличительная черта в искусстве всех мастей является сумиэ. Это стремление передать дух в движении.

Примерно в III веке н.э. под влиянием переселенцев из Кореи и Китая японцы освоили выращивание риса и искусство ирригации. В Японии были неизвестны пшеница и аналогичные сельскохозяйственные культуры. Рисовое поле промывается водой и удобряется остатками собранного риса. А вот море стало для японцев основным источником животной пищи.

Традиции, обычаи, этикет

Для японского общества характерно явно выраженное ощущение принадлежности к определённой социальной группе, что также выражается в особых отношениях внутри группы. В Японии существуют определенные правила жестикуляции, и чем сдержаннее человек, тем больше уважения он вызывает.

Наиболее загадочным и имеющим глубокий философский и эстетический смысл является ритуал «Тя-но ю» - чайный церемониал. Это строго регламентированное искусство приготовления и питья чайного напитка в присутствии гостей.

ИКЕБАНА — традиционное японское искусство аранжировки цветов. Дословно икебана — это «цветы, которые живут».

Исторические периоды развития культуры Древней Японии

• Дзёмон

• Яёй

• Ямато

• Кофун

Архитектура

В Японии, где исстари ощущался недостаток пригодной для жизни земли, люди научились использовать пространство с максимальной экономностью. В отличие от других стран Востока японская архитектура прошлого лишена тяги к грандиозности, проста и графична по своим линиям. Для традиционной японской архитектуры характерны сооружения из дерева с массивными крышами и слабыми стенами.

Скульптура

История скульптуры в Японии связана с появлением в стране буддизма. В 8 в. с укрупнением храмов, расширением их интерьеров изменился и облик буддийской пластики, умножилось количество статуй. В качестве материалов употребляются бронза, лак, дерево и глина. Вырабатывается более конкретное и индивидуализированное понимание пластического образа. Зарождается скульптурный портрет.

Изобразительное искусство и каллиграфия.

Японская живопись— один из наиболее древних и изысканных из японских видов искусств, характеризуется широким разнообразием жанров и стилей. Для японской живописи, как и для литературы, характерно отведение ведущего места природе и изображение её в качестве носительницы божественного начала.

Направления:

С X века - ямато-э, картины представляют собой горизонтальные свитки, которыми иллюстрировали литературные произведения.

XIV век - суми-э (монохромная акварель)

XVII век -  укиё-э — гравюры на дереве, изображавшие гейш, популярных актёров театра кабуки и пейзажи.

В Японии каллиграфия считается одним из видов искусств и носит название сёдо ( «путь письма»). Наравне с рисованием каллиграфия преподаётся в школах.

Литература

Первые письменные памятники японской культуры содержат многочисленные мифы, легенды и сказания, переплетающиеся с историческими преданиями и описаниями реальных лиц и событий, а также другие интересные и ценные сведения. Обожествление творческого акта породило миф о творцах японской земли – супруги Идзанаги и Идзанами, о происхождении от богини солнца Аматирасу, наиболее уважаемого божества.

Долгое время японская литература испытывала влияние Китая, литературные произведения также создавались на китайском языке. Древнейшие из известных письменных памятников книги «Кудзики», «Кодзики» и «Нихонги».

Японский народный эпос лишен того героизма, который мы знаем по русской и европейской традиции. Примитивные легенды о происхождении вещей – чуть ли не самые красочные в японской мифологии. Борьба культурных героев с фантастическими существами изобилует жестокостью.