34. Искусство хх века. Фовизм – Матисс.
Фовизм (от фр. fauve — дикий) — направление во французской живописи конца XIX — начала XX века. Название закрепилось за группой художников, чьи полотна были представлены на осеннем салоне 1905 года. Картины оставляли у зрителя ощущение энергии и страсти, и французский критик Луи Восель назвал этих живописцев дикими зверями (фр. les fauves). Это было реакцией современников на поразившую их экзальтацию цвета, «дикую» выразительность красок. Так случайное высказывание закрепилось как название всего течения. Сами же художники никогда не признавали над собой данного эпитета.
Лидерами направления можно назвать Анри Матисса и Андре Дерена. Также к числу сторонников этого направления можно причислить таких творцов как Альбер Марке, Шарль Камуан, Луи Вальта, Кеес ван Донген, Жорж Брак и других.
К отличительным чертам фовистов принадлежит динамичность мазка, стихийность, стремление к эмоциональной силе. Силу художественного выражения создавал яркий колорит, чистота и резкость, контрастность цветов, интенсивно открытые локальные цвета, сопоставление контрастных хроматических плоскостей. Дополняет образ острота ритма. Для фовизма характерно резкое обобщение пространства, объема и всего рисунка, сведение формы к простым очертаниям при отказе от светотеневой моделировки и линейной перспективы.
Группа заявила о себе на парижских выставках 1905—1907 гг., однако вскоре объединение распалось, и творческие пути участников разошлись.
Анри Матисс (1869-1954)
В 1904 году Матисс создаёт картину «Роскошь, покой и сладострастие», где проявилась техника точечных раздельных мазков. Но точкой отсчёта фовизма принято считать «Женщину в зеленой шляпе», представленную публике в 1905 году. Фурор, вызванный этой работой, носил во многом скандальный характер, и новое направление не сразу было принято простыми зрителями. Многие картины Матисса той поры представляют собой цепь экспериментов, когда цвет на полотнах становиться всё более чистым и экспрессивным, рисунок упрощается, а объём пространства обращается в плоскость.
35. Искусство хх века. Поп-арт.
Поп-а́рт (англ. pop-art, сокращение от popular art, этимологию также связывают с англ. рор — отрывистый удар, хлопок) — направление в изобразительном искусстве 1950—1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующее образы продуктов потребления. Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст: изменяются масштаб и материал; обнажается приём или технический метод; выявляются информационные помехи и др.
Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже — Питер Блек, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Хамилтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956). Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой.
движение попарта было очень разнообразным. Тяжелой пастозности Дайна противостоял колоризм «хардэдж» Индианы и чистые и гладкие композиции Вессельмана; а механическому перенесению фотографий на холст Уорхолакропотливая техника Лихтенштейна. В целом блестящее изображение мотивов, заимствованных из повседневной жизни, отличает это искусство от маньеризма предшествующих поколений. Прямо или косвенно используя образы из повседневной жизни, художники попарта использовали техники коллажа и ассамбляжа, появившиеся еще у кубистов и позже у сюрреалистов. В 1961 на ретроспективной выставке «Искусство ассамбляжа» в ньюйоркском Музее современного искусства были представлены различные возможности и перспективы этих техник.
По содержанию попарт напоминает искусство 1920-1940-х, а по технике, в частности по увеличению обычных предметов до гигантских размеров, - абстрактную живопись (Лихтенштейн отдал ей должное в иронической серии , 1965). Рисунок настолько четок, что художники могли отказаться от абстракции в пользу ясного, понятного изображения, лишенного назидательности. Произведения скульпторов Джорджа Сегала, Роберта Уоттса, Реда Грумса, Ричарда Артшвагера можно прямо или косвенно отнести к попарту. На западном побережье, где наследие коммерческой вульгарности было еще больше, развивалась калифорнийская школа попарта, использующая мотивы местной мифологии. В ЛосАнджелесе ее основными представителями стали Билли Ол Бенгстон, Мэл Рамос, Эдвард Руша, Джо Гуд. В Европе, особенно во Франции и в Италии, развивались параллельные течения, однако не следует связывать с попартом Новый реализм, как его определил Пьер Рестани. С годами жизненность попарта усилилась. Попарту многим обязаны недавно возникшее в СанФранциско течение фанкарта, а также концептуальное искусство.