2. Творчество Эль Греко, как проявление мистицизма, а так же как переходный период от итальянской традиции к национальному искусству.

Одним из крупнейших испанских живописцев бы художник родом с Крита Доминикос Теотокопулос, известный нам под прозвищем Эль Греко. За свою жизнь художник много путешествовал по Италии, это оказало на него большое влияние. Особенно важным было для него пребывание в Венеции, где он знакомится с творчеством Бассано и Тинторетто и, разумеется, с творчеством Тициана.

Его привлекало искусство Тинторетто, Тициана, Бассано богатством тонов и колорита, смелостью эффектов светотени. В его творчестве сильно видны отголоски венецианской школы. У Тинторетто он взял нервный ритм движений его фигур, смелые ракурсы. Все это было присуще ему в ранний период творчества.

«Искусство Греко, выросшее на основе отвлеченности восточной иконографии, звучности колорита византийских мозаик и венецианского маньеризма Тинторетто и Бассано, является блестящим заключительным аккордом европейского маньеризма первой половины XVI века. Но его искусство уже не было созвучно ни одному из течений современной ему Испании, ни романизму, ни зарождающемуся здесь реализму. Его индивидуальное понимание формы, капризная изломанность линий, отрицающая строгость рисунка, уже не соответствовали пониманию искусства романистами.» [каптерева]

По сюжету картины почти исключительно религиозные, это сцены из нового завета. Это как раз говорит о той ограниченности Испании в религиозном плане, ведь все мастера данного времени писали в основном на религиозные темы. В XV веках это условие диктовала церковь, а к XVII веку появилось больше свободы, но в связи с сильным влиянием прошлого, религиозные темы оставались очень распространенными.

Композиция всегда строго продумана, она строится на ритмическом соотношении зигзагообразных линий, выраженных в позах и жестах человека. В итоге получается геометрическая фигура. Композиции зрелого Эль Греко стали присущими стилю позднего барокко.

В творчестве Эль Греко одну из важных ролей сыграло влияние Италии и средневековья. Особенно в раннем его творчестве эти традиции особенно видны. Особенно в зрелый период его работы приобретают свою уникальность и индивидуальность. Они уже не вписываются в культуру Испании периода возрождения, но и не являются продолжением Итальянской живописи. Творчество Эль Греко становится переходным этапом и является основанием для дальнейшего развития испанской школы живописи.

2. Золотой век испанской культуры. Подъем испанской национальной школы живописи.

2.1. Живопись Сурбарана и Риберы. Проявление в ней народной традиции.

Художественные идеалы Испании XVII в. ярко воплотились в творчестве Франсиско Сурбарана, сыгравшего важную роль в развитии испанского реализма. Он родился в сельской местности, художественное образование получил в Севилье. Сурбаран писал сцены из монашеской жизни, мучеников, святых, но в рамках религиозных сюжетов он рассказывал о современной жизни Испании, передавал обыденные сцены в строгих размеренных композициях, В его картинах глубокий драматизм жизни скрывается за внешним спокойствием его героев. Персонажи Сурбарана наделены душевным благородством, способностью к сильным чувствам, но они внешне замкнуты, сдержанны. Все действующие лица обычно написаны с натуры и отличаются яркими портретными характеристиками. Выходец из крестьян, Сурбаран сохранил привязанность к земле, к вещам, которые включал в фигурные композиции. Он умел видеть в обыденном глубокий смысл и находил возвышенное в суровой простоте, порядке, ясности.

«Мощное ощущение реальной жизни, лаконизм художественного языка создают в произведениях Сурбарана впечатление торжественной серьезности, силы. Художник остро чувствовал красоту строгого рисунка, простых монументальных объемов, построенных большими плоскостями с помощью контрастов светотени. Однако ведущую роль в его произведениях играют цветовые пятна, средствами которых он передает объем и движение. Плотно положенные краски глубоки, звучны, насыщенны, богаты полутонами и смелыми контрастами, мазок широк и спокоен».

В 1629 г. Сурбаран закончил цикл картин из жизни св. Бонавентуры, избрав местом действия современный ему монастырь, верно передав монотонный патриархальный уклад жизни, степенность монахов. Самая значительная картина цикла — «Посещение св. Бонавентуры Фомой Аквинским». Вся обстановка кельи ученого-монаха—деревянная мебель, полки, книги — написана с предельной убедительностью и своей расстановкой рождает чувство размеренного ритма жизни. Красно-фиолетовые и синие цвета, объединенные с серебристо-коричневатыми, подчеркивают настроение умиротворенного покоя и важности происходящего. Свет, падающий из открытой двери, направляет взгляд на главных действующих лиц — Бонавентуру и Фому Аквинского. Их образы, как и сосредоточенные лица суровых монахов, портретны. Крупные фигуры размещены в узком пространстве параллельно плоскости картины, чем подчеркивается их монументальность.

Сурбаран пишет портреты теологов, писателей, докторов университета, облаченных в одежды из тяжелых тканей, на фоне пейзажа или архитектуры, освещая их потоками верхнего света. Портретируемые обычно представлены во весь рост, в спокойных позах. Страстные и лирические переживания оттеняются сдержанными выразительными жестами.

Особое отношение Сурбарана к обычным для нас предметам чувствуется в его натюрмортах, полных сурового лаконизма («Натюрморт с апельсинами и лимонами»). В Испании уже в начале XVII в. распространяется обычай писать предметы кухонного обихода. Наиболее характерное из того, что было создано в этом жанре, принадлежит Сурбарану. Строгий порядок, при котором ни один предмет не закрывает другого, ясная архитектурно-ритмическая композиция, наполненность формы создают чувство спокойствия и значительности. Каждый предмет точно характеризован, форма и фактура передаются с совершенством и наделены весомостью. В предметах выявлено то, что роднит их друг с другом,— соотношение форм, красок, линий, образующих стройное, исполненное согласия целое.

В конце жизни Сурбарана характер его искусства меняется. В образах появляются мягкость, теплота, нежность; в религиозной композиции «Отрочество Марии» он изображает скромную девочку, умелую рукодельницу — воплощение кротости и душевной чистоты. Вместе с тем во многих произведениях Сурбарана заметно выражение усталости, формы лишаются пластической силы. Нарастают мистические тенденции и идеализация.

Одним из представителей школы Валенсии был Хусепе Рибера (1591—1652), живописец и график. Он учился у Рибальты, был последователем Караваджо, большую часть жизни прожил в Неаполе. В творчестве Риберы преобладают религиозные темы с драматическими сюжетами, трактованные с жизненной конкретностью, с беспощадной правдивостью. Художник обращался также к мифологическим темам и к портретам, воплощая в своих героях яркие индивидуальные образы людей своей страны.

Рибера изображал суровых аскетов, отшельников, страстно приверженных своим идеалам, страдающих и гибнущих за них. Это люди сильных и искренних чувств. В отличие от Эль Греко, Рибера стремился к точности воспроизведения характерного, включающего множество подробностей. Его рисунок и моделировка отличаются тщательностью и вместе с тем обобщенностью. Контрасты света и тени, темпераментная лепка пастозным мазком придают пластическую силу и монументальность фигурам в его работах.

Живопись Риберы в ранний период творчество отличается некоторой жесткостью. С середины 1630-х гг. живописная манера становится легче, свободнее, воздушнее, богаче в оттенках. Исчезают тяжелые красноватые тени, характерные для ранних работ, свет пронизывает их, пространство наполняется воздухом. Художник переходит к колориту, в котором доминируют холодно-серебристые, а позже золотистые тона, добивается в пределах сдержанной гаммы большой цветовой насыщенности. Он обращается к лирическим темам, создает своеобразные жанровые портреты. Образы Риберы становятся более одухотворенными, его привлекают не драматические коллизии, а внутренние переживания героев — «Св. Онуфрий». Для их раскрытия он находит новые средства выражения.

В 1640-е гг. композиции Риберы становятся спокойными и уравновешенными. В «Св. Инесе» трогательная хрупкость и угловатость юности сочетаются с грацией, целомудрие — с внутренней силой. Лицо девушки, озаренное лучистым взглядом, написано широко и свободно. Рассеянный свет образует вокруг ее фигуры мерцающую воздушную среду, смягчает контуры, усиливает одухотворенность образа.

Рибера часто пишет портреты людей из народа, обращаясь к композиционным приемам парадного портрета. «Хромоножка» сочетает портрет и жанр. Уродец-нищий с безобразной внешностью не то взрослого, не то подростка полон независимости, дерзкой насмешливости.

В работах Сурбарана и Риберы очень четко прослеживается образ испанского народа, они часто изображают внутренний мир человека, делая акцент именно на эмоциональном составляющем. В их творчестве совсем не встречается работ, лишенных духовности. В них нет пафосности, они напротив очень сдержанные, замкнутые интимные, наполненные особой атмосферой, переживаниями. Судьба испанского народа, его переживания заняли основную тему творчества Сурбарана и Риберы.

2.2.

2.3. Живопись Веласкеса, как вершина развития Испанской живописи XVII века. Синтез барокко и реализма в его творчестве.

Испанская живопись достигает вершины в творчестве Диего де Сильва Веласкеса (1599 —1660),. В его работах можно увидеть народное начало, которое присутствует в творчестве Сурбарана и Риберы, черты мистицизма и восточных влияний, как в творчестве Эль Греко. Все эти черты сочетаются с 2.2. .. Веласкес - один из величайших реалистов европейского искусства. Через долгие годы придворной службы он пронес идеи гуманизма, верность демократической традиции испанской культуры, любовь к простым людям. Более непосредственно и смело, чем его предшественники, он обратился к реальной действительности, расширив тематику живописи, способствуя развитию в ней различных жанров. Испанский двор и аристократия оживают в его портретах со своей гордостью, грустью, напряженной жизнью страстей, печатью вырождения. В мифологических и жанровых картинах Веласкес показывает национально-самобытные образы испанского народа. Одно из достижений Веласкеса- в его умение глубоко анализировать внутренний мир человека, его психологию. Он не пытается приукрашать своих моделей, он представляет каждого из них в индивидуальной неповторимости. Своеобразие метода Веласкеса проявляется в стремлении раскрыть существенные завершенные черты характера и особенности душевного и умственного склада человека. «В ранний период творчества (1617—1621) он близок к караваджизму и обращается к распространенной в Испании жанровой живописи — «бодегонес», изображая сцены жизни простых людей в реальной обстановке бедных харчевен, в кухнях, среди скромной утвари и провизии. Уже в этих ранних работах обнаруживаются уверенность рисунка, монументальность форм, простота крупнофигурных композиций («Завтрак, «Водонос»)».3 В 1623 г. Веласкес переезжает в Мадрид; он получает место придворного живописца короля Филиппа IV. Начинается новый период исканий, дальнейшее углубление реализма. Знакомство с королевской коллекцией, включающей множество шедевров искусства, встречи с выдающимися людьми расширяют его художественный кругозор. Он освобождается от необходимости писать по заказам церкви, что ставит его в особое положение среди современников. В его картинах исчезает резкая светотень, художник переходит к более легкому серебристому колориту. В портретах короля и вельмож он исходит из традиции парадного портрета, сложившегося в испанской живописи 16 в., но внутренняя характеристика портретируемых становится многограннее. «В портрете Филиппа IV (1628, Мадрид, Прадо) безупречно точно передано его некрасивое холодное лицо с бесстрастным взглядом; стройная фигура удлиненных пропорций с широким разворотом плеч и небольшой головой дана в рост и занимает почти все полотно. Черный плащ обобщает и придает величественность строгому силуэту, выделяющемуся на сером фоне. Торжественность и застылость позы выражают невозмутимость духа, внутреннюю собранность и неприступность. Веласкес воплощает в образе короля распространенный в испанском обществе идеал достойной личности, исполненной самообладания и чувства чести. Портрет строг по колориту и построен на контрасте бескровного лица, белого воротника и темного костюма. Красная скатерть стола мягко вписывается в сдержанную гамму».4 Для формирования Веласкеса-живописца большое значение имела поездка в Италию. Знакомство с произведениями великих мастеров Возрождения побудило его к дальнейшим творческим исканиям. Он пишет большую картину на современную историческую тему — «Сдача Бреды», посвященную взятию голландской крепости испанскими войсками. Отказавшись от парадно-аллегорической трактовки батальной темы, Веласкес положил начало реализму в исторической живописи. Драматические события картины раскрываются через психологические характеристики главных действующих лиц. 1630-е и 1640-е гг.— время расцвета портретного искусства Веласкеса, создания серии портретов шутов и карликов испанского двора. В них ярко отразилось уважение художника к человеческому достоинству, внутреннему миру обездоленных. Правдиво передавая духовную и физическую неполноценность, Веласкес раскрывает в их образах человечность. «Во время второй поездки в Италию Веласкес написал портрет папы Иннокентия X (1650, Рим, галерея Дориа-Памфили) (илл. 182), один из лучших реалистических портретов в мировом искусстве по беспощадности и многогранности характеристики, по блеску живописного воплощения. Иннокентий исподлобья недоброжелательно смотрит на зрителя. Этот человек с тяжелым взглядом полон несокрушимой силы. Он властен, хитер, жесток, двоедушен, но вместе с тем умен, решителен, проницателен».5Портрет папы Иннокентия X открывает поздний этап творчества Веласкеса. В последнее десятилетие жизни Веласкес создает самые значительные по силе обобщения произведения: «Менины» и «Пряхи».