6. Изобразительное искусство хх века

В изобразительном искусстве – в живописи и скульптуре - проявились все те главные тенденции, которые характерны для художественной культуры в целом. Ярко и активно заявляют о себе новые стили и направления, объединяемые такими понятиями как модернизм и авангардизм. Однако они не вытесняют полностью традиции классического искусства, которые господствовали в эпоху Нового времени. В художественном пространстве одновременно сосуществуют и переплетаются различные художественные течения.

В начале века традиции прошлого проявились в развитии таких художественных течений как национальная романтика и неоклассика. Для стиля национальной романтики свойственно обращение к героическим и лирическим образам национального эпоса и народных сказок (например, работы литовца М.К.Чюрлениса). Неоклассике присуще стремление к идеальности и обращение к античным сюжетам (М.Дени, Ф.Штук). Наряду с живописью, отмеченные течения воплотились и в скульптуре (А.Майоль и А.Бурдель). Реалистические традиции XIX века продолжал «живописный» реализм. Среди его представителей - венгерская школа Надьбаньи, американские художники Дж.У. Беллоуз, Дж. Сарджент и др. В рамках этого стиля прослеживается новая концепция портретного творчества: образ человека раскрывается художниками через одну, ключевую, черту характера портретируемого, которая подчеркивается позой или манерой изображения. Другим реалистическим течением стал так называемый социальный реализм. Главным героем произведений становится народ. При этом основополагающие ценности – Свобода и Труд – воспеваются через аллегорические и символические композиции. В этом ключе написаны сцены труда француза М.Люса, норвежца Э.Мунка, бытовые композиции Р.Г. Штерля в Германии. В начале ХХ века актуальной была революционная тема. Художники запечатлевают на полотнах забастовки, уличные бои, крестьянские бунты, расправы с восставшим народом.

Наряду с развитием старых традиций, для начала ХХ века характерен экспериментальный поиск новых форм художественного отражения действительности, который начался еще во второй половине XIX века. Новые течения и стили рубежа веков принято объединять понятием модернизм. К ранним формам модернизма примыкали импрессионизм, постимпрессионизм, символизм, примитивизм, стиль «модерн». Однако в начале ХХ века многим художникам казалось, что даже модернистские поиски не отражают в полной мере особенностей переживаемой эпохи. Появились течения, в которых в более радикальной форме отрицались каноны традиционного искусства. Эти радикальные, и отличные друг от друга, течения принято объединять понятием авангардизм, авангардное искусство. Среди них: фовизм, экспрессионизм, кубизм, абстракционизм, футуризм, конструктивизм, иррационализм, дадаизм, метафизическая живопись, сюрреализм.

Первая волна этих течений в живописи началась в 1905 году. Во Франции образовалась группа живописцев, получивших наименование фовистов («диких»). Главным представителем фовизма стал А. Матисс. Суть фовизма выразилась в принципе – «творчество без правил». Красочный слой наносился на холст, словно бы произвольно, либо закрашенным одним цветом крупным пятном, либо хаотичными разноцветными густыми мазками. При этом в общем колорите картины могли быть вопиющие тона, взятые художником, что называется, «в лоб». В Германии, в Дрездене, возникло общество «Мост» (Э. Хеккель Э.Л. Кирхнер и др.), за членами которого закрепилось название экспрессионистов. В творчестве живописцев группы «Мост» (1905 - 1913) драматизм чувств выражен в многоцветной пейзажной живописи, более плоской и графичной манере письма резкими суровыми красками, угловатыми ломаными линиями, контрастами черных и белых пятен.

Основоположником кубизма (от cube - куб) выступил испанец П.Пикассо. В первой фазе кубизма – так называемой «сезанновской» (1907-1909 гг.), Пикассо подвергает геометризированной деформации тела изображаемых моделей («Авиньонские девицы», «Три женщины»). Вторая фаза развития кубизма получает название «аналитической» (1910–1912). В ней картина превращается в дробный узор мелких геометрических элементов, сквозь который проглядывает изобразительный мотив - например, лицо человека. Для третьей фазы кубизма – «синтетической» (1913-1914) характерны живописные композиции, образованные плоскими фрагментами каких-либо предметов. Фактически эта было изобретение техники коллажа. В этой манере творят А.Дерен, Р.Дюфи, Ж.Брак, Х.Грис, Р.Делоне.

В русле подобных художественных исканий находился абстракционизм. Он сводил творчество художника к созданию беспредметных пластических, цветовых, ритмических композиций. Абстракционизм понимался как конечная, высшая форма искусства, «очистившего» себя от изобразительности. Считается, что первую абстрактную композицию исполнил в 1910 году один из основателей мюнхенского объединения «Синий всадник», русский художник В.В. Кандинский. До конечной точки рационально-геометрические идеи абстракционизма довёл К.Малевич в картине «Черный квадрат».

Футуризм возник как умонастроение художников, мечтавших о невиданном искусстве будущего. В 1909 году в газете «Фигаро» было опубликован «Манифест футуризма» поэтa Ф.Маринетти. Художники-футуристы отвергали традиционную культуру во всех ее проявлениях и воспевали наступающую эпоху техники, высоких скоростей и новизны жизни. Для их живописи характерны композиции с раздробленными на фрагменты фигурами и пересекающими их острыми углами. Один из основных принципов футуристической картины - симультапность   (одновременность), то есть объединение в одной композиции разных моментов движения. Это направление проявилось в творчестве итальянских художников у Дж.Балла, К.Кара и Дж.Северини, в скульптуре у У.Боччони.

Иррационализм наиболее рельефно выразился в дадаизме (от фр.dada - деревянная лошадка). Художники этого направления, существовавшего с 1916 по 1922 гг., воспринимали мир как сплошное безумие, и соответствующим образом откликались на него. Лидер этого направления француз М.Дюшан (с 1915 года работал в США) первым выдвинул программу «антиискусства». В соответствии с ней создание собственно художественных произведений заменялось экспонированием случайно выбранных предметов, так называемых ready made (от англ. ready-made - готовый предмет). Например, это могло быть колесо велосипеда на подставке или даже перевернутый писсуар. В русле иррационализма в Италии формируется так называемая метафизическая живопись. Метафизическая живопись представляет мир, который состоит из загадочного сочетания реальных предметов, фигур, архитектурных фрагментов и ирреальных объектов. Потусторонний смысл этих сочетаний для человека остается тайной. Символом этой живописи становятся изображения манекенов в картинах главы движения Дж.Кирико.

Сюрреализм наиболее ярко воплотился в творчестве бельгийца Р. Магрита и испанца С.Дали. Художники этого направления воспринимали современный мир как комплекс алогизмов, парадоксов и социального безумия. Борьба темных сил личности и социума представлялась художникам в фантасмагорическом обличии. Сам С.Дали назвал свой творческий метод «критически-параноическим».

Модернистские и авангардистские поиски ориентировались на элитарные слои общества. Они вступали в противоречие с массовым эстетическим вкусом, который отвергал подобные формалистические творения. Поэтому некоторые художники в рамках новых форм стали частично возвращаться к традиционному искусству. Отправной точкой в переоценке ценностей явилась первая мировая война. Она показала истинную ценность человеческой жизни, личности и культуры, созданной и хранимой человечеством. Появились произведения, в которых художники отразили мировую войну как величайшее бедствие. Наполненные антивоенным пафосом, они несли в себе также глубочайший гуманистический смысл.

В конце 1920-х – начале 1930-х гг. создаются творческие организации, объединившие художников по идейным убеждениям. В Германии это был «Союз революционных художников», а во Франции - Ассоциация революционных писателей и художников. Многие художники концентрируются вокруг левой партийной прессы. Своим лозунгом они провозгласили защиту культуры и гуманизма, борьбу против шовинизма и войны. В этот же период в европейских странах происходит возрождение реализма. Начало этому процессу положили П.Пикассо и А.Дерен. Вслед за ними на этот путь встает значительное число художников «парижской школы». Французскими живописцами было сделано программное заявление, сформулированное писателем и художником Ж. Кокто. В нем звучал призыв осуществить «возврат к порядку». Под этим лозунгом большое число художников обращаются к реалистическому изображению жизни. В Германии – это Г.Гросс и О.Дикс, в Италии - К.Карра, Дж. Де Кирико.

Вторая мировая война и ее итоги существенно повлияли на процесс дальнейшего развития западноевропейского искусства. Во второй половине ХХ века заметно возросло стремление художников творить в реалистической манере, поднимать социально значимые проблемы и решать их в духе гуманизма. Наиболее ярко реалистические мотивы воплотились в неореализме, который появился в итальянской живописи и графике сер. 1940- 50-х. Он получил название по одноименному направлению в итальянском кино, литературе и театре. Художники - неореалисты (Р.Гуттузо и др.) стремились к правдивому отображению жизни во всей остроте ее противоречий.

Модернизм и авангардизм в послевоенный период претерпели существенные изменения в своем общественном положении. Если раньше художники этих направлений выражали главным образом свои бунтарские настроения, критику существующего буржуазного мира, то после второй мировой войны многие из них органически «вписались» в буржуазную культуру и быт и превратились в официально признанное искусство с высокой рыночной стоимостью работ.

С началом второй мировой войны в США эмигрировали многие звёзды европейского авангарда, например, П.Мондриан, М.Эрнст, А. Бретон, С.Дали. Там родились новые направления авангардизма. Одним из таких направлений стал абстрактный экспрессионизм (нью-йоркская школа). Наиболее полно его метод выражен в творчестве Джексона Поллока. Художник отказался от подрамников и, расстилая холст на полу, беспорядочно набрызгивал на него краску из тюбиков или банок. Такую технику называли дриппинг, что в переводе с английского значит «капающий». Дриппинг стал одним из методов «живописи действия» (или «живописи жеста»). Один из характерных признаков абстрактного экспрессионизма - крупный масштаб работ (некоторые холсты более 5 метров в длину), необычная форма полотен (например, превращение картин в многоугольники, покрытыми цветными полосами).

В Европе черты абстрактного экспрессионизма проявились в форме «ташизма» преимущественно во Франции. Термин ташизм (от франц. tache – «пятно») был введён в оборот в 1954 году одним из художественных критиков. Сами художники - представители этого движения называли его «лирическая абстракция». Время расцвета ташизма - 1950 - 1955. Главным его идеологом был критик Ш. Эстьен. Темпераментная живопись ташистов - это резкие мазки и брызги ярких красок, зачастую на сером сумеречном фоне. Красочные разводы на полотнах напоминают текст чужого алфавита, который непонятен, но всё же хранит некую информацию. Эта черта ташизма предвосхитила будущее появление концептуального искусства.

В 60-х годах, как один из вариантов абстракционизма развивается оп-арт (от англ. optical art – «оптическое искусство»). Живопись оп-арта — композиции из однородных по форме разноцветных линий и пятен, располагаемых в определённом порядке. Обыгрывая цветовые контрасты, соседство выпуклых и вогнутых форм, сплетая замысловатый узор на основе различимых невооружённым взглядом штрихов и точек, оп-художник создаёт изображение на холсте подвижным прожектором, линзами, зеркалами. В результате зритель оказывается погружённым в иллюзорную красочную среду. Первая выставка художников этого направления прошла в Загребе в 1961 г. Декоративная живопись оптического искусства вызвала интерес к нему в художественной промышленности, дизайне, высокой моде. Новации оп-арта применяются и в современной архитектуре.

Если в 50-х гг. абстрактное искусство стало привилегированным направлением, стремящимся к абсолютному господству в художественной жизни, то к 70-м гг. оно теряет свои позиции и вытесняется различными направлениями, которые обращают внимание на предмет и изображение.

Своеобразной реакцией на засилье отвлеченных течений, с их полным отрывом от реальности, стало возникновение поп-арта (от англ. popular art - популярное, общедоступное искусство). Значение этого термина также можно раскрыть как искусство, производящее шокирующий эффект (от англ. pop - отрывистый удар, хлопок, шлепок). Основными истоками поп-арта стали комиксы с их серийностью, упрощённым рисунком, а также броская коммерческая реклама. В экспозициях поп-арта мог быть выставлен любой предмет: мусорное ведро, недоеденный бутерброд, чучело курицы. Самым известным произведением и, своего рода визитной карточкой этого направления, стала консервная банка с томатным супом американца Энди Уорхолла. Так, Уорхолл «тиражировал» изображение бутылки кока-колы, лицо киноактрисы Мэрилин Монро на огромных щитах: изображение повторялось несчётное количество раз.

Подобно поп-арту, «новый реализм» - это обращение к миру конкретных предметов, в противовес абстрактному искусству. Объединение «Новые реалисты» было основано в 1960 г. в Париже критиком Пьером Рестани. Парижским художникам была чужда «серийность» произведений поп-арта. Они отстаивали неповторимость и художественную выразительность привычных вещей, представляя их в полном отрыве от их назначения, естественной среды, а то и в деформированном виде. Таковы ассамбляжи (композиции из случайно собранных предметов) Армана Фернандеса; коллажи из разорванных афиш Жана де Вьегле; автомобили Сезарада, сплющенные прессом в компактные блоки. В начале 60-х они овладели вниманием публики, но после 1963 г. активность группы пошла на убыль, и в 70-х она распалась.

Характерным проявлением изобразительного искусства ХХ в., «века скоростей», стало кинетическое искусство (от греч.«кинетикос» «приводящий в движение»). Оно возникло в 20-х гг. в прямой связи с творчеством футуристов и конструктивистов. «Отцами» кинетизма обычно считают Шума Габо и Ласло Мохой-Надя. В 30-х гг. американский скульптор Александр Колдер ввёл в обиход мобили - лёгкие подвесные конструкции, приходящие в движение при малейшем колебании воздуха. Начиная с 1953 г., создавались кинетические композиции с элементами хепенинга, которые меняют форму и саморазрушаются на глазах у публики. Ставились «люминодинамические спектакли».

К 1970-м гг. наблюдается разочарование многих художников в идеалах и ценностях модернизма и авангардизма, которые уводят художника к элитарному искусству, далекому от окружающего мира. Возникают художественные стили на основе философии постмодернизма. В рамках постмодернизма художники обращаются к традиционным художественным формам и культуре прошлого, порой эклектически соединяя их с новыми веяниями. Возникли такие разновидности постмодернизма как гиперреализм, концептуализм, хэппенинг, флюксус, перформанс, боди-арт и видеоарт.

В начале 70-х в Западной Европе и США повышенное внимание стало уделяться «предметности» изображения. На первый план выдвинулось направление гиперреализма (во многом на основе поп-арта). Представители гиперреализма (Чак Кроуз, Дон Эдди в США и др.) применяют в основном технические приемы, сводящие до минимума следы личного почерка художника. Гиперреалисты писали акриловыми красками, благодаря которым поверхность картин приобретала глянец фотоснимка. Работая над композициями, они откровенно пользовались диапроекциями на холсты. Написанные краской картины выглядят точь-в-точь как фотографии большого формата, поэтому вначале, возникшее в США на рубеже 60-70-х, течение называлось фотореализмом.

Концептуализм (от лат. conceptus – «мысль», «представление») возник в середине 60-х одновременно в Англии и США и очень скоро сделался ведущим направлением современного искусства. Концептуализм - искусство интеллектуальное, во многом ироничное. По представлениям концептуалистов, от художника не требуется вечных творений, главное - передать ощущение настоящего времени. Концептуальным объектом может стать пляж, улица, инженерное сооружение, известный памятник. Произведение рождается в тот момент, когда идея автора соединяется с мыслями зрителя по этому поводу. Акцент переносится с произведения на его восприятие. При этом изменяются отношения художника и зрителя, они превращаются в соавторов - конечно, в том случае, если зритель примет «условия игры». К тому же это был своего рода протест против коммерциализации искусства, ведь его произведение невозможно, да и не имеет смысла, покупать или продавать. Одним из ведущих художников этого направления стал Джозеф Кошут. В рамках концептуализма зародился хэппенинг (англ. happenning – «происходящее»). Это абсурдное действие, разыгрываемое художниками на публике без определённого сценария. Исход такой акции должно решить участие вовлекаемых в неё случайных прохожих. Примером может служить ситуация, когда человек бьет по струнам рояля живой курицей; студенты облизывают капот автомобиля; девица лежит в ванне с фруктовым соком и т.п. Основные признаки хэппенинга присутствовали уже в представлении Д.Кейджа (1952), полноценную форму он приобрел к 1959 г. у А.Капроу в Нью-Йорке. В 60-х хэппенингом занимались Д.Дайн, Р.Лихтенштейн, Р.Раушенберг в США, И.Кляйн во Франции, И.Бойс в Германии. Сходная практика создания парадоксальных ситуаций в Европе получила название флюксус (лат. fluxus – «поток»).

В 70-х в культуре концептуализма хэппенинг преобразился в перформанс (англ. performance – «выступление», «представление»). В отличие от стихийных импровизаций шестидесятников, «живые картины» перформанса режиссировались и приобретали символический подтекст. Художественная практика, в которой материалом служит тело человека, получила название боди-арт (англ. body art – «искусство тела»). У истоков боди-арта стоял Ив Кляйн, выставлявший в 50-х свои «антропы» - холсты с отпечатками тел раскрашенных им натурщиков. Особую популярность боди-арт приобрёл в перформансах 70-х. Мастера боди-арта демонстрировали зрителям различные возможности тела - дыхание, рост волос, его реакцию на температуру, механические воздействия и т.п. Начиная с 60-х, Нам Чжун Пак и другие художники стали пионерами так называемого видео-арта. Это практика манипуляций с изображением на экране путём создания искусственных помех.

Заканчивая обзор художественных течений изобразительного искусства ХХ века, следует подчеркнуть, что художественный процесс этой эпохи окончательно не осмыслен, а разнообразие направлений - характерная черта искусства ХХ века.