17. Европейское искусство XX века

Изобразительное искусство XX века характеризуется качественным разрывом с предшествующим историческим опытом художественного творчества, стремлением утвердить новые нетрадиционные начала в искусстве и обновлением художественных форм. В этот период в искусстве возникло множество новых художественных течений: модерн, экспрессионизм, фовизм, кубизм, футуризм, абстракционизм, дадаизм, сюрреализм, поп-арт, оп-арт, боди-арт и многие другие. В совокупности все эти художественные течения в искусстве составляют направление «модернизм», в широком смысле понимаемое как «другое искусство», главной целью которого является создание оригинальных произведений, основанных на внутренней свободе и особом видении мира художником и несущих новые выразительные средства изобразительного языка.

Приведём примеры образцов и определения различных художественных течений этого периода:

Модерн (от фр. moderne — современный), ар-нуво во Франции, югендстиль в Германии, стиль либерти в Италии - художественное направление в искусстве, наиболее популярное во второй половине XIX - начале XX века. Его отличительными особенностями можно назвать отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (наиболее ярко это проявилось в архитектуре), расцвет прикладного искусства с преобладающим орнаментальным растительным мотивом.

Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека.

Яркие представителя модерна – Альфонс Муха, Поль Серюзье, Эдмон-Франсуа Аман-Жан.

Модерн в живописи. Альфонс Муха. Мод Адамс как Жанна д’Арк. Афиша 1909 г.

Экспрессионизм в живописи. Э. Мунк. Крик. 1893 г.

Экспрессионизм (от лат. expressio, «выражение») — направление европейского искусства, получившее развитие в 1905-1920-х годах, характеризующееся тенденцией к выражению эмоциональной характеристики образов (обычно человека или группы людей) или эмоционального состояния самого художника.

Яркие представители экспрессионизма – Эдвард Мунк, Эгон Шиле, Ф. Марк.

Фовизм в живописи. А. Матисс. Мадам Матисс. 1905 г.

Фовизм (от фр. fauve — дикий) - направление французского изобразительного искусства рубежа XIX-XX веков.

Название закрепилось за группой художников, представивших свои полотна на парижской выставке Salon D'Automne 1905-го года. Современников поразила экзальтация цвета, «дикая» выразительность красок на картинах фовистов.

Для фовизма характерно резкое обобщение пространства, объема и всего рисунка, сведение формы к простым очертаниям без светотеневой моделировки и линейной перспективы, стремление к эмоциональной силе, яркий колорит, чистота и резкость, контрастность цветов, интенсивно открытые локальные цвета, сопоставление контрастных хроматических плоскостей.

Яркими представителями фовизма можно назвать Анри Матисса и Андре Дерена.

Кубизм в живописи. Ф. Леже. Женщина с кошкой. 1921 г.

Кубизм (от фр. cubisme) - направление в изобразительном искусстве, прежде всего в живописи, зародившееся в начале XX века. Для кубизма характерно использование подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические составляющие.

В живописи выделяют три фазы кубизма, отражающие разные эстетические концепции: сезанновский (1907—1909-е гг.), аналитический (1909—1912-е гг.) и синтетический (1913—1914-е гг.) кубизм. В России кубизм соединился с элементами итальянского футуризма - кубофутуризм.

Яркими представителями кубизма можно назвать Пабло Пикассо, Жоржа Брака, Фернана Леже.

Футуризм в живописи. У.Боччони. Улица входит в дом. 1911 г.

Футуризм (от лат. futurum — будущее) — модернистское направление в искусстве 1910-х-начала 1920-х годов, совмещающее некоторые черты фовизма и кубизма. Для футуризма характерно стремление к эмоциональному выражению динамики современного мира, скорости и энергии. В энергичных композициях футуристов фигуры дробятся на фрагменты и пересекаются острыми углами, преобладают мелькающие формы, зигзаги, спирали, конусы, движение передаётся путём наложения последовательных фаз на одно изображение.

Яркие представители футуризма – Умберто Боччони, Карло Карра, Джино Северини, Луиджи Руссоло.

Абстракционизм в живописи. К. Малевич. Супрематизм. 1916 г.

Абстракционизм (от лат. abstractio — удаление, отвлечение) — направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре.

Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, для создания у зрителя разнообразных ассоциаций.

Яркие представители абстрактного искусства - Василий Кандинский, Казимир Малевич, Пит Мондриан.

Дадаизм в скульптуре. Отто Фрейндлих. Композиция.

Дадаизм — модернистское направление в искусстве, главной идеей которого стало последовательное разрушение какой бы то ни было эстетики.

Основными принципами дадаистов можно назвать бессмысленность, иррациональность, отрицание признанных канонов и правил в искусстве, цинизм, разочарованность и бессистемность.

Распространённой художественной формой дадаистов стал коллаж - композиции из кусочков разнообразных материалов, наклеенных на плоскую основу. Считается, что дадаизм явился предшественником сюрреализма, во многом определившим его идеологию и методы.

Представители дадаизма – Ханс Арп, Отто Фрейндлих, Хуго Баль, Георг Гросс, Филипп Супо.

Сюрреализм в живописи. С. Дали. Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната за секунду до пробуждения. 1944 г.

Сюрреализм (от фр. surréalisme — сверхреализм) — направление в искусстве, зародившееся в начале 1920-х годов во Франции.

Для сюрреализма характерно использование аллюзий и парадоксальных сочетаний форм, абсурдность, изменчивость образов. Сюрреализм в живописи развивался в двух направлениях: одно направление отличается введением бессознательного начала с преобладанием свободно текущих образов и произвольных форм, переходящих в абстракцию; другое направление основывалось на иллюзорной точности воспроизведения ирреального образа, возникающего в подсознании.

Яркие представители сюрреализма – Сальвадор Дали, Макс Эрнст.

Поп-арт. Ричард Хамилтон. Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? 1956 г.

Поп-арт (сокращение от англ. popular art – популярное искусство) — направление в изобразительном искусстве 1950—1960-х годов, использующее образы продуктов массового потребления.

Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой.

Представители поп-арта – Ричард Хамилтон, Питер Блек, Джо Тилсон, Ричард Смит.

Оп-арт. В. Вазарели. 1943 г.

Оп-арт (сокращение от англ. optical art — оптическое искусство) — художественное течение второй половины XX века, использующее различные оптические иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. Оптическая иллюзия изначально присутствует в нашем зрительном восприятии: изображение существует не только на холсте, но в действительности и в глазах, и в мозге зрителя.

Представители оп-арта – Виктор Вазарели, Бриджит Райли, Хесус-Рафаэль Сото.

Боди-арт М. Абрамович. Performing body.

Боди-арт (от англ. body art — искусство тела) — направление искусства, где главным объектом творчества становится тело человека и манипуляции с ним, а художественными средствами - позы, жесты, мимика, нанесённые на тело знаки, украшения.

Боди-арт – широкое понятие, объединяющее такие направления, как роспись по телу (бодипейнтинг, нэйл-арт, менди), татуирование, пирсинг, шрамирование, различные бодимодификации.

К боди-арту обращались в своих перфомансах Деннис Оппенгейм, Вито Аккончи, Марина Абрамович и многие другие художники.

Рассмотрим подробнее творчество двух великих художников ХХ века, в чьих произведениях можно проследить эволюцию многих модернистских направлений искусства – Пабло Пикассо и Сальвадора Дали.

Пабло Руис Пикассо (годы жизни 1881—1973) - испанский художник, скульптор, график, керамист и дизайнер, оказавший огромное влияние на развитие изобразительного искусства в XX веке.

Первым учителем Пабло Пикассо был его отец, учитель рисования Хосе Руис Бласко, затем Пабло получает академическое художественное образование в школе изящных искусств Ла-Лонха и в Королевской Академии изобразительных искусств Сан-Фернандо в Мадриде.

Пикассо можно назвать одним из самых плодотворных художников, согласно оценке Музея современного искусства (Нью-Йорк) Пикассо за свою долгую жизнь создал около 20 тысяч работ в живописи и графике и более тысячи скульптурных работ.

П. Пикассо. Женщина с пучком волос. 1903 г.

В творчестве Пабло Пикассо выделяют несколько значимых периодов. В начале 1900-х годов, после поездки в Париж и знакомства с творчеством импрессионистов, Пикассо начал писать работы в стиле, впоследствии названном «голубым периодом» из-за преобладания в палитре мастера холодных оттенков. Для работ художника этого времени характерны темы старости и смерти, образы нищеты, меланхолии и печали.

В характерной для этого периода картине «Женщина с пучком волос» Пикассо изобразил женщину на нейтральном фоне, гнетущую атмосферу бедности создаёт голубой цвет, преобладающий в колорите картины. Тёмные глаза женщины безжизненны, взгляд устремлён за горизонт и выражает безразличие человека из маргинальных слоёв, смягчённое некоторой поэтичностью образа.

П. Пикассо Девочка на шаре. 1905 г.

В 1904 году Пикассо приезжает в Париж, где в творчестве художника начинается «розовый период», в палитре художника в это время преобладали розово-золотистые и розово-серые оттенки, а персонажами картин стали странствующие комедианты и бродячие артисты.

Одна из известнейших картин Пикассо - «Девочка на шаре», произведение переходного от «голубого» к «розовому» периоду. Картина наполнена внутренним драматизмом и построена на сопоставлении контрастов: унылый фон контрастирует с весёлым ремеслом артистов, покачивающееся движение балансирующей на шаре девочки контрастирует с равновесием сидящего застывшего атлета, шар и куб, стоящие на земле, также представляют собой противоположности. В колорите картины преобладают пастельные голубоватые и розовые оттенки, среди которых выделяется яркое пятно красного цветка в волосах девочки.

В 1907-м году в творчестве Пикассо происходит качественное изменение - от экспериментов с цветом и передачи настроения художник обращается к анализу формы - сознательная деформация натуры, интерпретация живописной системы Сезанна и увлечение африканской скульптурой дали начало новому жанру. Вместе с Жоржем Браком Пикассо становится родоначальником кубизма — художественного направления, отвергавшего реалистические традиции искусства. Период кубизма в творчестве Пикассо продлился до 1914-го года, хотя и позднее в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приёмы.

В картинах кубистического периода Пикассо трансформирует формы в геометрические блоки, увеличивает и ломает объёмы, рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, перспектива исчезает, в палитре преобладает монохромность. В этот период Пикассо работал преимущественно в жанре натюрморта, составленного из атрибутов, присущих образу жизни художественной богемы того времени - музыкальных инструментов, трубок и коробок из-под табака, нот, бутылок с вином.

П. Пикассо Авиньонские девицы. 1907 г.

«Авиньонские девицы» — первая картина кубистического периода Пикассо. По одной из версий, сюжет картины навеян борделем в барселонском квартале Калле д’Авиньон. На полотне изображено пять обнажённых женщин, написанных в разной манере, две правые фигуры с лицами, напоминающими африканские маски, отмечают начало нового течения искусства - кубизма. В колорите картины прослеживается влияние «розовых» и «голубых» периодов творчества Пикассо - женщины написаны в розово-охристых тонах на холодном фоне.

В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо, период сюрреализма. В произведениях этого периода Пикассо царит атмосфера конвульсий и истерии, ирреальности и галлюцинаций, что частично объясняется влиянием поэтов-сюрреалистов того времени, с которыми был дружен художник. На протяжении нескольких лет в своих картинах Пикассо запечатлел множество монстроподобных разорванных на части существ, воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы. Женщины остаются главными объектами его работ, вдохновляющими художника на откровенную чувственность. Музой этого периода творчества Пикассо становится Мария-Тереза Вальтер, служившая ему моделью для живописных и скульптурных работ. Серия чувственно-эротичных портретов спящей Марии-Терезы, как богини секса и желания, была выполнена художником втайне от жены, Ольги Хохловой, во время пребывания художника с подругой в замке Буажелу под Парижем.

П. Пикассо Обнажённая, зелёные листья и бюст. 1932 г.

«Обнажённая, зелёные листья и бюст» — одна из знаменитой серии сюрреалистических картин 1932 года, на которой Пабло Пикассо изобразил свою новую возлюбленную Марию-Терезу Вальтер в облике мифической Дафны. На картине спящая Мария-Тереза изображена рядом с бюстом, для которого она также послужила моделью. Пикассо написал эту картину всего за один день, но тем не менее, произведение это вошло в число самых дорогих произведений искусства из числа проданных когда-либо с всемирно известного аукциона Кристис (картину приобрёл неизвестный коллекционер более чем за 10 миллионов долларов).

П. Пикассо. Герника. 1937 г.

В мае 1937 г. по заказу правительства Испанской Республики для испанского павильона на Всемирной выставке в Париже Пабло Пикассо написал одну из своих самых известных работ – «Гернику». Полотно было написано художником под впечатлением от трагедии бакского города Герники, на который во время Гражданской войны в Испании 26 апреля 1937 г. легион люфтваффе совершил ночной налёт, при бомбардировке города была уничтожена его значительная часть и пострадало несколько сотен человек.

Огромное полотно «Герники» (его размеры 349×776 см) Пикассо наполнил сценами смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности; монохромная чёрно-белая палитра картины отражает безжизненный и бесчеловечный характер войны. Современники неоднозначно приняли «Гернику», многие критики того времени отказывали картине в художественности, называя полотно «пропагандистским документом» и худшим творением Пикассо. В реальности язык картины сложен и аллегоричен, наполнен символическими образами. Сам Пабло Пикассо никогда не отвечал на вопросы о том, что именно он изобразил, поэтому образы его полотен интерпретируются многозначно. К примеру, голова быка в левом верхнем углу картины считается олицетворением фашизма и всего мирового зла, стигматы на руках мёртвого расчленённого солдата на первом плане полотна интерпретируются как отражение христианской идеи вынужденного страдания.

Пабло Пикассо знаменит и своими скульптурными работами, хотя впервые широкой публике художник представил свои скульптуры лишь в 1960-м году, а первая полная выставка скульптурных работ Пикассо пришлась на 1966-й год, когда художнику уже исполнилось 85 лет.

П. Пикассо. Голова женщины. 1909 г.

В большинстве своих кубистических скульптурных работ Пикассо отрицал классические принципы реалистического построения, находя новые принципы взаимодействия частей в произведении. Так же новаторски Пикассо подходил и к выбору материала, используя зачастую совершенно нетрадиционные вещи – в основе его скульптур могли лежать различные бытовые предметы, такие как детские игрушки, посуда, ящики.

К примеру, в основе скульптуры «Бабуин с малышом» Пикассо лежит обычный кувшин, его ручки образуют плечи бабуина, основная его округлая часть – туловище обезьяны, а головой бабуина стала старая детская игрушечная машинка.

Сам художник относился к таким скульптурам как к тренировке-игре, находя художественные образы в повседневных окружающих бытовых предметах. «Мне кажется странным, что мы вообще пришли к идее делать скульптуры из мрамора, — делился Пикассо.— Я понимаю, как можно увидеть образ в корне дерева, в трещине на стене, в треснувшем камне или гальке... Но мрамор?»…

П. Пикассо. Голова. 1958 г.

П. Пикассо. «Бабуин с малышом», 1951

В наследии Пикассо осталось и более трёх тысяч керамических работ – различных расписных ваз в древнегреческом стиле, тарелок. Керамика Пикассо, как и его графика, передаёт ощущение спонтанности в неповторимом стиле художника. Нарочито грубый, схожий с эскизным характер рисунков — это особенность почерка Пикассо. Рисунки Пикассо отличаются лаконичностью линий и деталей, символичностью образа.

П. Пикассо. Голубь мира. 1949 г.

Перу Пикассо принадлежит и совершенный в своей лаконичности и выразительности рисунок знаменитого символа мира – голубя с оливковой веточкой в клюве. Существует более десятка авторских различных вариантов этого рисунка – голубь на куче оружия, в хороводе из рук, с женским лицом и др. Академия изящных искусств Филадельфии присудила „Голубке“ Пикассо памятную медаль, Филадельфийский музей искусства удостоил эту литографию Пикассо почётной мемориальной медали Пеннела», а 1962-м году Пикассо стал лауреатом и Международной Ленинской премии «За укрепление мира между народами».

Другие известные произведения П. Пикассо:

«Семейство комедиантов», «Скрипка и гитара», «Три женщины», «Сидящий Арлекин», «Обнажённая на пляже», «Распятие», «Пьеро и Арлекин в профиль», «Портрет Ольги Хохловой», «Портрет Паломы Пикассо».

Сальвадор Дали в 1972 г.

Сальвадор Дали, полное имя Сальвадор Доменек Фелип Жасинт Дали и Доменек (годы жизни 1904-1989) - испанский живописец, график, скульптор, режиссёр, писатель, одна из самых одиозных и эксцентричных фигур XX века. За всю долгую творческую жизнь Дали стал причиной многих изменений в искусстве, создавая резонанс в тех его областях, где начинал свою деятельность.

Академическое образование Сальвадор Дали получил в Академии Сан-Фернандо, закончить которую художнику не удалось по причине конфликтов с преподавателями, поведение художника всегда отличалось крайней эксцентричностью, граничащей с высокомерием и пренебрежительностью к окружающим.

После отчисления из Академии Сальвадор Дали едет в Париж, где знакомится с Пабло Пикассо, под чьим влиянием в его творчестве начинается кубистический период. Позднее Дали примыкает к группе сюрреалистов, организованной Андре Бретоном, и обретает собственный неповторимый сюрреалистический стиль. «Сюрреализм — это Я!» — фраза, брошенная Дали в 1936 году после ссоры и исключения из группы сюрреалистов, сегодня уже не кажется слишком самонадеянной. Как непревзойдённый фокусник, Дали в своих картинах жонглирует образами, творя причудливые и часто шокирующие их сочетания, наложения и переплетения.

В 1937 году после поездки в Италию и под впечатлением от итальянского искусства Ренессанса картины Дали, по прежнему наполненные сюрреалистическими фантазиями, приобретают черты академизма.

Сальвадор Дали. Постоянство памяти. 1931 г.

Сальвадор Дали – автор многих незабываемых образов. В картине «Постоянство памяти» (известной также под названием «Мягкие часы») размягчённые, свисающие и стекающие часы создают очень точный сюрреалистичный образ, отрицающий естественный, закономерный порядок вещей. Этот образ распространяется и в область бессознательного, оживляя универсальное человеческое переживание времени и памяти.

Сальвадор Дали. Мягкая конструкция с варёными бобами (предчувствие гражданской войны). 1936 г.

Под впечатлением от политических событий в Испании в 1936-м году Дали пишет картину «Мягкая конструкция с варёными бобами» (известна также под названием «Предчувствие гражданской войны»). Как и в написанном Дали в том же году «Осеннем каннибализме», как и в «Гернике» Пикассо, в этой картине — ужас испанца, понимающего, что происходит с его страной и куда она движется.

Всю центральную часть полотна занимает странная сюрреалистичная конструкция из человеческих рук и ног, своими общими контурами напоминающая очертание Испании. Жуткая конструкция словно нависает над традиционным для Дали низким горизонтом. Сочетание уродливых в своей неестественности человеческих форм с рассыпанными по земле варёными бобами создаёт абсурдное, болезненно-фантастическое впечатление. Резкие контрасты в живописном решении также подчёркивают общее тревожное и гнетущее настроение работы.

Сальвадор Дали. Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната за секунду до пробуждения. 1944 г.

Одной из самых известных сюрреалистичных картин-сновидений Дали, наполненной множеством фрейдистских образов, можно назвать «Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната за секунду до пробуждения». Целью картины стало изображение открытого Фрейдом долгого связного сна, вызванного мгновенным воздействием, от которого и происходит пробуждение.

Покой спящей женщины на картине нарушается жужжанием пчелы, что вызывает яркое сновидение, где реальные пчела и гранат бледнеют перед порождёнными ими образами — огромным плодом граната, вырывающейся из него рыбой и двумя свирепыми рычащими тиграми, которых рыба извергает изо рта. Более традиционные фрейдистские образы — винтовка со штыком и фантастический слон на ногах-ходулях, несущий на спине обелиск — довершают это одномоментное сновидение.

Образы-галлюцинации в картинах Дали делятся на два основных типа: самостоятельный образ, который изменяется в соответствии с таинственными законами зрительного восприятия, как в «Большом параноике», и группы из двух или более непохожих друг на друга объектов, в которых художник выявляет неожиданное сходство.

В одной из своих наиболее известных «оптических» картин – «Лебеди, отражающиеся в слонах», Дали комбинирует оба типа в виртуозном иллюзионистическом спектакле. Лебеди и три засохших дерева, отражаясь в воде, принимают облик слонов, и наоборот, если повернуть картину вверх ногами, слоны превращаются в лебедей. Корчащиеся формы деревьев и облаков контрастируют с мягкими, скользящими контурами лебедей и слонов и создают неуютную сюрреалистическую атмосферу. Сам художник описывал свою работу над картинами, основанными на оптических иллюзиях, как попытку заставить ненормальное выглядеть нормальным, а нормальное — ненормальным.

Сальвадор Дали.

Лебеди, отражающиеся в слонах. 1937 г.

Значительное место в творчестве Сальвадора Дали занимает полотна с религиозной тематикой. Дали в поисках Бога в окружающем мире и в себе, представляя Христа центром первозданной Вселенной, пишет библейские сюжеты по-своему, привнося в картины немалую долю мистики.

Известнейшей работой Дали на библейскую тему можно назвать картину «Тайная вечеря». На полотне представлены одномоментно несколько библейских сцен - хождение Христа по воде, распятие, моление перед предательством Иуды, сцены эти художник изобразил в удивительном сочетании и переплетении друг с другом. Как и другие религиозные картины Дали («Распятие или Гиперкубическое тело», «Гвадалупская Богоматерь», «Вселенский собор» и др.), «Тайная вечеря» вызвала у критиков чрезвычайно разнообразные реакции: некоторые из них отвергали картину как трюк и банальность, в то время как другие считали, что художнику удалось на новой основе воссоздать традиционный молитвенный образ.

В «Тайной вечере»» Иисус и двенадцать его учеников помещены в модернистский интерьер со стеклянными стенами, апостолы со склонёнными головами стоят на коленях вокруг большого каменного стола, их осязаемые фигуры контрастируют с прозрачностью тела Христа. Две половины хлеба и полстакана вина представляют священную трапезу; призрачная лодка, как бы вплывающая в тело Иисуса олицетворяет чудо хождения по воде; фигура вверху картины с распростёртыми руками символизирует распятие Христа либо же ассоциируется со Святым духом.

При создании «Тайной вечери» Дали опирался на принципы построения произведений эпохи Высокого Возрождения, и, в особенности, на творчество Леонардо да Винчи, на его знаменитую одноимённую фреску для монастыря Санта Мария делле Грацие.

Сальвадор Дали.

Тайная вечеря. 1955 г.

Знаменит Сальвадор Дали и своими «предметными» работами. Картина «Лицо Мэй Уэст, использованное в качестве сюрреалистической комнаты» — одна из таких «предметных» работ-забав художника, которые он создавал время от времени. Изображённая на этой картине комната и детали интерьера образуют лицо известной американской актрисы Мэй Уэст: софа нарисована в форме губ, шторы, обрамляющие вход в комнату, превращаются в волосы актрисы, глазами становятся картины на дальней стене, а нос образует камин. По замыслу этой картины в театре-музее Дали в городе Фигерас создана под руководством самого художника одноимённая комната-иллюзия.

К известным «далианским» предметам относят и скульптурную работу «Венера Милосская с ящиками», знаменитейшую из выдумок гениального художника. Существует несколько авторских вариантов этой работы. Открытые ящики этой скульптуры символизируют неумышленное обыскивание и вызывают яркие образы потаённой женственности и неразгаданной тайны женской души.

Сальвадор Дали. Венера Милосская с ящиками. 1936 г.

Сальвадор Дали. Лицо Мэй Уэст, использованное в качестве сюрреалистической комнаты. 1934-1935 гг.

Сальвадор Дали. Пьета. 1982 г.

В 1982-м году после смерти жены художник переживает глубокую депрессию, сами его картины упрощаются, и на них долгое время преобладает мотив скорби (вариации на тему «Пьета»).

В последние годы жизни у Дали развивается болезнь Паркинсона, мешающая ему рисовать, его самые последние работы представляют собой простые закорючки, в которых угадываются тела персонажей — последние попытки самовыражения несчастного больного человека. Скончался Сальвадор Дали 23 января 1989 г. от сердечного приступа. По его завещанию тело художника замуровано в полу в одной из комнат музея Дали в Фигерасе так, чтобы по его могиле могли ходить посетители музея.

Другие известные произведения С. Дали:

«Автопортрет с рафаэлевской шеей», «кубистический автопортрет», «Великий Мастурбатор», «Осенний каннибализм», «Метаморфозы Нарцисса», «Невольничий рынок с явлением незримого бюста Вольтера», «Мадонна Порт-Льигата», «Незримые лев, конь и спящая женщина», «Христос святого Хуана де ла Крус», «Содомское удовлетворение невинной девы», «Живой натюрморт», «Загадка Гитлера».