Хрустальный дворец

Хрустальный дворец (англ. Crystal Palace Кристал Пэлас) в лондонском Гайд-парке был построен в 1850—1851 из железа и стекла к Всемирной выставке 1851 года. Выставочный зал площадью свыше 90 000 кв.м., протяжённостью 564 м и высотой до 33 м^[1], выстроенный под руководством Джозефа Пакстона, вмещал до 14 000 посетителей. По завершении выставки Дворец был разобран и перенесён на новое место, в лондонское предместье Сиднем-Хилл. 30 ноября 1936 Хрустальный Дворец был уничтожен пожаром и не восстанавливался.

Вдохновитель и организатор постройки, Джозеф Пакстон, возведённый за свои заслуги в рыцарство, был не профессиональным строителем, а садовником из Четсворта, имевшим практический опыт постройки крупных оранжерей. Инженерную часть проекта возглавил профессионал Уильям Кабитт, собственно проектирование — Чарльз Фокс. Наблюдательный совет выставки возглавлял Изамбар Брюнель. Идея Пакстона использовать модульные конструкции из железных и деревянных элементов позволила выстроить Дворец в срок менее одного года. Название «Хрустальный дворец» придумали не организаторы, а журналисты из «Панча», которые вначале критиковали, а затем поддержали проект.

Среди прочих инноваций здания были и первые платные туалеты для публики, ценой в один пенни. Всего за шесть месяцев работы выставки через них прошло 827.280 посетителей. Выставка в целом оказалась коммерческим успехом, принеся прибыль в 160 000 фунтов при стоимости постройки в 150 000. Впоследствии одноимённые хрустальные дворцы возводились для выставок в Нью-Йорке (1853), Мюнхене (1854), Порту (1865). Повсеместно строились гигантские стеклянные дебаркадеры железнодорожных вокзалов, несмотря на сложности в их эксплуатации^[2].

После закрытия выставки в октябре 1851 года организаторы были обязаны привести Гайд-парк в первоначальное состояние. Общество, в целом восхищённое дворцом и выставкой, не имело единого мнения по поводу судьбы дворца^[3]. Пакстон, защищая своё детище, предложил устроить в нём постоянный зимний сад и добился от парламента разрешения оставить дворец на месте до мая 1852 года; в апреле 1852 года консерваторы провели противоположное решение, приговорив дворец к разборке до основания. Конструкции дворца, как металлолом, были проданы «на корню» металлургическим заводам Fox & Henderson.

Предвидя такой исход, Пакстон основал «Компанию Хрустального Дворца» (The Crystal Palace Company), и сумел привлечь в неё полмиллиона фунтов частных капиталов^[4]. Для переноса дворца компания приобрела 389 акров (157 га) земли в Сиднем-Хилле. Из них 17 акров были перепроданы железнодорожной компании, построившей ветку пассажирского сообщения, огибавшую участок, и железнодорожную станцию Crystal Palace, действующую по сей день — по плану Пакстона станция должна была быть соединена с дворцом крытой остеклённой аркадой. Ещё 120 акров были проданы под жилое строительство, после чего новый парк приобрёл свои современные размеры — около 200 акров (81 га).

Компания потратила 70 000 фунтов на выкуп конструкций дворца у Fox & Henderson и приступила к постройке 5 августа 1852 года. Новое здание было расширено с трёх этажей до пяти, что удвоило его площадь. Залы нового дворца были выполнены в античных и средневековых стилях и украшены копиями статуй и витражей соответствующих эпох. На работах было занято свыше 7 000 рабочих; 12 из них погибли при обрушении кровли в августе 1853 года.

Парк, спроектированный Эдвардом Миллнером, включал двойной каскад прудов и «естественное» озеро с островами — всего 15 водоёмов. В фонтанах было задействовано до 12 000 струй высотой до 76 м, расходовавших до 7 миллионов галлонов воды на каждое представление^[5]. Напор обеспечивали две водонапорные башни по проекту Брюнеля (первые башни по проекту Пакстона рухнули под тяжестью воды до открытия парка). Эксплуатация фонтанов оказалась чрезмерно дорогой, они были вскоре заброшены — в 1894 году два пруда были засыпаны, на месте третьего в 1895 году выстроен футбольный стадион. Восстановление дворца и парка обошлось в 1 300 000 фунтов — на 800 000 дороже сметы.

Новый дворец открылся 10 июня 1854 года. Открытие было задержано на месяц требованиями консерваторов «устранить» половые органы с копий античных статуй; фиговые листья не устроили критиков, и статуи пришлось задрапировать^[5]. В первые 30 лет (1854—1884) первый в Лондоне тематический парк привлекал до 2 миллионов зрителей в год, здесь устраивались регулярные спортивные состязания, любительские и коммерческие выставки. В концертном зале вместимостью 4 000 человек с 1857 года проводились ежегодныеГенделевские фестивали; в парке, впервые в истории, были выставлены фигуры динозавров в натуральный рост. Цены на билеты, в зависимости от спроса на отдельные мероприятия, варьировали от 5 пенсов до 1 гинеи. Число посетителей, вероятно, было бы больше, если б не официальный запрет на устройство массовых гуляний по субботам — организаторы дворца еле сводили концы с концами, и долг в 800 000 фунтов висел на компании Хрустального Дворца вплоть до его гибели^[5].

30 декабря 1866 года^[6] во дворце произошёл первый серьёзный пожар — по иронии судьбы, за два дня до публичной лекции о противопожарной дисциплине. Были уничтожены исторические залы и оранжереи северного трансепта, погибли питомцы зверинца. Из-за финансовых сложностей трансепт не был восстановлен — на его месте появилась сплошная стеклянная стена, а в 1872 году утрату зверинца компенсировали устройством 120-метрового^[6] морского аквариума.

В начале XX века интерес публики к старому парку угас. Последним успешным событием стали торжества в честь коронации Георга V в июне 1911 года. Это не спасло компанию от банкротства, и суд постановил продать парк и дворец с молотка. За три недели до аукциона, 9 ноября 1911 года, мэр Кардиффа, лорд Плимутский, выкупил всё имущество компании за 230 000 фунтов. Лорд-мэр Лондона организовал публичную кампанию за национализацию парка, организовал публичную подписку и в 1913 году выкупил парк в государственную собственность^[6].

Во время Первой мировой войны в здании размещались учебные части и склады британского флота. Всего через школу Хрустального Дворца прошло до 125 000 военнослужащих^[7]. После войны в дряхлеющем здании дворца разместилась радиотехническая фирма Джона Бэрда — пионера механического телевидения, а на территории парка разместили мачты радиопередатчиков. Отсюда в 1927 году Бэрд провёл трансляцию телевизионного сигнала из Лондона в Глазго.

Хрустальный дворец в огне

Около 19.00 30 ноября 1936 года в центральном трансепте возник очаг огня. Двое служителей пытались самостоятельно сбить пламя, первый телефонный вызов в пожарную часть был зарегистрирован лишь в 19.59, первые расчёты появились на месте уже через 4 минуты, но было поздно^[7]. Несмотря на усилия 88 пожарных расчётов (438 человек), к утру здание полностью выгорело. Причина пожара не была точно установлена; обгорелые конструкции здания разобрали на металлолом.

Во время Второй мировой войны территория парка была поделена фирмой Бэрда — закрытым оборонным объектом, и военно-хозяйственными учреждениями. Брюнелевские водонапорные башни были снесены в 1940 и 1941. Одно из последних зданий времён Пакстона, Школа Искусств, сгорела 24 октября 1950 года. Все последующие проекты восстановления дворца или новых масштабных построек не были реализованы, подтверждая слова последнего управляющего, Генри Бакленда: «Другого не будет никогда» (англ. There will never be another)^[8]. В 1990 году в парке был открыт частный музей Хрустального Дворца.

Ар Нуво (Модерн,"Югендстиль","Либерти»,"Сецессион»)

"Ар Нуво" обозначают элегантный, многожанровый стиль, процветающий с начала 1880-х годов вплоть до первой мировой войны. Его рождение ознаменовало наступление века великих перемен в искусстве, когда в жизни уже прочно утвердился век машин, и полным ходом шла промышленная революция. Мир стремительно развивался, однако в области искусства эти изменения происходили гораздо медленнее. Художники и дизайнеры выступали против засилья "историзма", когда многочисленные стилевые заимствования из культур самых разных исторических эпох смешивались в битком набитых "викторианских" гостиных. Появление влиятельного среднего класса привело к росту спроса на изящные вещи. машинный век был способен насытить этот спрос товарами массового производства; однако тиражирование красоты привело к неразборчивости и безвкусице. В поисках новых решений нещадно эксплуатировались все без исключения исторические периоды, наблюдались бесконечные возвраты к старым стилям: классическому, готическому, ренессансу, барокко или стилю Людовика ХV.  Новый стиль возник почти одновременно во многих европейских странах и получил разные названия. Чаще всего употреблялись термины "модерн" (современный) и "Ар Нуво" ( в переводе с французского "l'art nouveau" буквально "новое искусство"). Во Франции также использовались термины "метро", "стиль Гимара" - по имени архитектора Гектора Гимара, автора уникального дизайна входов в парижский метрополитен. В Бельгии новый стиль называли также "стилем Орта", по имени архитектора Виктора Орта, чьи зрелые работы представляют собой яркую иллюстрацию классического варианты Ар нуво. Использовались также термины "стиль 1900 года", "стиль линий", "стиль волн", "студио" и даже такие насмешливые названия как "вермишель", "угорь" и др. В Германии этот был "Югендстиль", в Италии - "цветочный стиль" или "Либерти", от одноименного названия лондонского универмага Артура Либерти. В Австрии использовался термин "сецессион", по названию группы Sezession, созданной в 1897 году в Вене. Стилистической особенностью Ар Нуво стал отказ от прямых линий и углов в пользу более естественного плавного движения изогнутых линий. Стилевая оригинальность Ар нуво базировалась на орнаментальной волнистости линий природных форм растительного и животного мира. Линии Ар нуво часто напоминают танцующие, волнистые арабески, проникнутые органической энергией и жизненной силой растений. Фирменным знаком линии Ар нуво стала знаменитая вышивка Германа Обриста "Удар бича" на портьере 1895 г. Первоначально работа называлась "Альпийские фиалки", но когда какой-то критик сравнил бешеные движения стебля растения с "яростными изгибами обрушивающегося бича", родился термин "удар бича", который вскоре стал фирменным росчерком стиля Ар нуво.  Ар Нуво был не только новым стилем - он был новым мировоззрением, синтезировавшим все виды искусства и ценившим ремесленника и архитектора также высоко, как художника и скульптора. Источник идей для художников ар нуво была природа. Наиболее распространенной темой стали бутон (символ появления новой жизни) и экзотические растения с длинными стеблями и бледными цветками. предпочтение отдавалось лилиям, кувшинка, ирисам и орхидеям. В большой моде были образы женщин с неимоверно длинными, струящимися волосами. Прекрасно поддавались стилизации яркие и грациозные насекомые и птицы - стрекозы и бабочки, павлины и ласточки. Природная декоративность Ар нуво способствовала его применению в разных жанрах. В период наивысшей популярностью он использовался для украшения практически каждого мыслимого предмета потребления ручной работы и массового тиража, также фасадов зданий и оформления интерьеров многих магазинов, ресторанов и частных особняков.  Яркими примерам дизайна в стиле ар нуво являются интерьерные работы бельгийцев Виктора Орта и Генри Ван де Вельде, интерьеры и мебель фантастических домов испанца Антонио Гауди, оформление интерьеров в особняках архитектора Ф.О.Шехтеля; решетки парижского метро и мебель Гектора Гимара, интерьеры, решетки и мебель в Мюнхене Августа Энделя, Берхарда Панкока; витражи работы Луис Комфорта Тиффани; изделия из стекла и мебель Эжена Галле, мебель французких дизайнеров-мебельщиков Луи Мажореля, Виктора Пруве,Эжена Валлена, Жака Грубера и др.  На ином принципе строили поиск мастера "школы Глазго", возглавляемой Макинтошем и представители "Венского Сецессиона". Они создавали более сдержанную разновидность ар нуво.  Стилевое своеобразие, которое школа Глазго принесла в Ар нуво, характеризовалось чистой геометрией форм в сочетании с криволинейностью поверхностных декоративных элементов. Здания, интерьеры и мебель, созданные по проектам Чарльза Рени Макинтоша, во многом предвосхитили прямоугольную функциональность модернизма 20-х годов. Чистая геометричность стиля Глазго оказала решающее значение на развитие Ар нуво в Австрии и Германии. Вариант Ар нуво Венского Сецессиона, хотя все еще замешанный на декоративности стиля, уже был готов устремиться навстречу прощенным геометрическим линиям модернизма. Подобным образом Ар нуво в Германии, где он больше известен под названиме "югендстиль" (молодежный стиль), быстро сбрасывал с себя оковы 19 века и двигался к модернизму. Мастерами Венского Сецессиона были Отто Вагнер, Йозеф Мария Ольбрих, Йозеф Хофман. В Германии - это Петер Беренс, Отто Экман, Рихард Римершмид. Поздний модерн повсюду испытывал нарастающее давление рационалистических тенденций и возобновившегося тяготения к "непреходящим ценностям" упорядоченной формы. Книга Василия Кандинского "Касаясь духовности искусства" (1911) стала воистину программным документом раннего модернизма, призывавшего к разрыву с наследием прошлого, к разрыву с природой, к исключению из искусства всего натурального. Поздний модерн переходным этапом к новым стилевым направлениям начала 20 века - арт деко, функционализму, на основе которых, в свою очередь, выросла философия формообразования современного дизайна. 

Чарльз Ренни Макинтош

Чарльз Ренни Макинтош — шотландский архитектор, художник и дизайнер, родоначальник стиля модерн в Шотландии. Википедия

Родился:7 июня 1868 г., Глазго, Великобритания Умер:10 декабря 1928 г., Лондон, Великобритания Проекты:Школа искусств Глазго

Родился в Глазго, в 1877—1884 годах учится в колледже Alan Glen´s High Scool, а по окончании посещал вечерний курс в Школе искусств в Глазго. Затем учился у архитектора Джона Хатчинсона и с 1889 года работал художником-чертёжником в фирме «Джон Хонеман и Кеппи» в Глазго. В 1890 г. он получил специальную стипендию, которая позволила ему отправиться путешествовать по Франции и Италии для глубокого изучения архитектуры этих стран. В 1904 году становится совладельцем фирмы «Джон Хонеман и Кеппи». В 1900 году женился на Маргарет Макдональд, также выпускнице Школы искусств в Глазго, с которой он вместе работал. В 1893 г. Макинтош создал свой первый самостоятельный архитектурный проект — башню для здания «Глазго Геральд». Работы Макинтоша в целом принадлежат по своей стилистике к модерну. В среде английских художников встретил резкое осуждение работ, а в Европе быстро прославился. В своих архитектурных и дизайнерских проектах использовал метод «изнутри наружу» — и дом, и мебель, и внутренняя отделка проектировались как единая гармоничная система. Вещи Макинтоша всегда геометричны и функциональны, имеют стройные пропорции и не обременены излишним декором. Чарльз Ренни Макинтош стал новатором конструктивной линии модерна с характерной для неё прямолинейностью форм и их ясным построением. Его мастерство было основано на типично столярной геометрически прямолинейной конструкции с преобладанием вертикальных линий.

Макинтош разработал особый декоративный стиль, в котором геометрические элементы связываются качающимися, разлетающимися по сторонам линиями, который на рубеже XIX—XX столетий был типичен для европейского декоративного искусства. Его работы, представленные на Всемирной выставке в Турине и на выставке Венского сецессиона, принесли Макинтошу международное признание. Умение мастера связать свои идеи символизма с классическим архитектурным образованием вызывали такое восхищение современников, что художественные критики говорили о новом течении в искусстве — «макинтошизме».

• Главное архитектурное произведение — Новое здание Школы искусств в Глазго (1897—1909)

Хилл-Школа искусств Глазго (англ. Glasgow School of Art) — высшее художественное училище в Глазго.

Школа искусств Глазго была основана в 1845 году и первоначально носила название Государственная школа дизайна Глазго (Glasgow Gowernment School of Design). Нынешнее здание школы было построено в 1897—1909 годах по проекту выдающегося шотландского архитектора и художника-модерниста Чарльза Ренни Макинтоша. В настоящее время в Школе искусств Глазго обучаются живописи, графике, фотографии, скульптуре, истории искусств, киноискусству приблизительно 1.600 студентов на 10 различных факультетах.

• хаус (англ. Hill House) в Хеленсбурге (1903)

• Чайные комнаты (англ. Tea Rooms) в Глазго (1897—1911)

ДЕ СТЕЙЛ De Stijl

• Голландская группа «Де Стейл» («Стиль»), как и одноименный ей журнал, была основана в 1917 в Лейдене Тео ван Дусбургом для защиты и распространения системы неопластицизма, созданной Питом Мондрианом.

• Цель журнала, четко выраженная в манифесте в ноябре 1918, состояла в развитии нового эстетического сознания. Эстетика группы охватывала как изобразительное искусство, так и архитектуру. Исходя из основных принципов неопластицизма, она стремилась создать базу для искусства будущего, искусства не индивидуального. но универсального и тесно связанного с жизнью. В этом смысле, группа «Де Стейл» сыграла важную роль в развитии стиля XX в. в живописи, скульптуре, архитектуре, декоративном искусстве и типографики. Особенно велико было значение ван Дусбурга, исключительно энергичного, блестящего интерпрета- тора и пропагандиста идей Мондриана. Основные тексты Мондриана, печатавшиеся в журнале в 1917-1922, были написаны по-голландски, возможно поэтому, распространение эстетики неопластицизма и ее практическое применение были минимальны за пределами Голландии. Тем не менее, влияние группы особенно заметно в Германии, в кругу художников Баухауза, в частности, в творчестве архитектора Миса ван дер Роэ.

Группа "Стиль"("Де-Стейл")

Группа "Стиль" ("Де-Стейл") - это группа голландских художников и архитекторов во главе с Питом Мондрианом, образованная в 1917 году, активно участвовавшая в формировании нового архитектурного языка. Значительное влияние на ее творчество оказали абстрактные, кубические композиции авангардистского искусства. Группа увлекалась формальными элементами, плоскостями и геометрическими телами. Группа пропагандировала "неопластицизм", стиль созданный датским художником Питом Мондрианом, в котором он стремился установить универсальныепринципы дизайна, основанные на горизонтальных и вертикальных линиях и на трех основных цветах: черном, белом и сером. Мондриан считал, что существуют парные типы человеческой натуры, например, активный - пассивный, мужской - женский. Для ее выражения он и использовал горизонтальные и вертикальные линии. Используемые им цвета с его точки зрения также символизировали основы жизни. Группа оказала большое влияние на будущих идеологов функционализма. Группа называлась "Стиль" ("Де-Стейл") по одноименному журналу (1917-1928), основанному художником Питом Мондрианом (1872-1944), художником и архитектором Тео ван Дусбургом (1883-1931) и архитекторомПитером Аудом (1890-1963). Членом группы "Стиль" в 1918-1931 гг. был и датский архитектор Геррит Ритвельд (1888-1964). Простые вертикальные и горизонтальные линии и основные цвета его знаменитого проекта "Дом Шредера" (1924) в полной мере соответствует принципам группы "Стиль". Под влиянием группы "Стиль" архитектор Ф.Л. Райт создал в 1936 году свой знаменитый "Дом над водопадом" в Бэар-Ране (Пенсильвания), в которомпересечение прямоугольных объемов под прямым углом - один из приемов равновесия всей композиции.

Васи́лий Васи́льевич Канди́нский (4 (16) декабря 1866, Москва — 13 декабря 1944, Нёйи-сюр-Сен, Франция) — выдающийся русский живописец, график и теоретик изобразительного искусства, один из основоположников абстракционизма. Был одним из основателей группы «Синий всадник», преподавателем Баухауса.

Родился в Москве, получил основное музыкальное и художественное образование в Одессе, когда семья переехала туда в 1871 году. Родители предполагали для сына профессию юриста, Василий Васильевич блестяще окончил Юридический факультет Московского государственного университета. В 1896 знаменитый Дерптский университет в Тарту предлагает место профессора, но Кандинский отказывается. Так, по ряду причин в 30 лет он решил стать художником; это произошло под влиянием выставки импрессионистов в Москве в 1895 году и картины «Стога сена» Клода Моне. В 1896 году он переезжает в Мюнхен, где знакомится с немецкими экспрессионистами. После начала Первой мировой войны возвращается в Москву, но, не согласный с отношением к искусству в Советской России, в 1921 году вновь уезжает в Германию. После закрытия Баухауса нацистами переезжает с женой во Францию, в 1939 году получает французское гражданство.

Кандинский происходил из семьи нерчинских купцов, потомков каторжан. Его прабабушка была тунгусской княжной Гантимуровой, а отец был представителем древнего забайкальского (Кяхта) рода Кандинских, выводящих себя из фамилии князей мансийскогоКондинского княжества.

Василий Кандинский родился 16 декабря (4 декабря ст. ст.) 1866 г. в Москве, в семье коммерсанта Василия Сильвестровича Кандинского (1832—1926). В детские годы путешествовал с родителями по странам Европы и по России. В 1871 семья осела вОдессе, здесь будущий художник закончил гимназию, получает также художественное и музыкальное образование. В 1885-93 (с перерывом в 1889-91) учился на юридическом факультете Московского университета, где занимался на кафедре политической экономии и статистики под руководством профессора А. И. Чупрова, изучая экономику и право. В 1889 г. прервал учебу по состоянию здоровья, и с 28 мая (9 июня) по 3 (17 июля) совершил этнографическую экспедицию по северным уездам Вологодской губернии^[1].

В 1893 г. В.Кандинский окончил юридический факультет. В (1895—1896) трудился художественным директором типографии «Товарищества И. Н. Кушнерёваи К°», на Пименовской улице, в Москве.

Карьеру художника Кандинский выбрал сравнительно поздно — в возрасте 30 лет. В 1896 г. он обосновался в Мюнхене и затем оставался в Германии до1914 г. В Мюнхене знакомится с русскими художниками: А. Г. Явленским, М. В. Верёвкиной, В. Г. Бехтеевым, Д. Н. Кардовским, М. В. Добужинским,И. Я. Билибиным, К. С. Петровым-Водкиным, И. Э. Грабарем.

С 1897 г. обучался живописи в частной студии А. Ашбе.^[2]

В 1900 г. поступил в Мюнхенскую академию художеств, где обучался у Франца фон Штука. С 1901 г. Кандинский создал художественное объединение «Фаланга», организовал при нём школу, в которой сам же и преподавал.

С 1900 г. Кандинский много путешествует, посетив Северную Африку, Италию, Францию; наездами бывает в Одессе и Москве. Участвовал в выставках Московского товарищества художников.

«Амазонка». 1911.Азербайджанский музей искусств, Баку

В 1910 и 1912 г. также участвовал в выставках художественного объединения «Бубновый валет». В эти годы он вырабатывает новаторскую концепцию «ритмического» использования цвета в живописи.

В 1909 г. Кандинский организовал «Новое мюнхенское художественное объединение», в 1911 — альманах и группу «Синий всадник», членами которой стали известные художники-экспрессионисты, Франц Марк, Алексей Явленский, Марианна Верёвкина а также Пауль Клее. Тогда же у него прошла первая персональная выставка.

В 1914 г. художник вернулся в Москву. В последующие годы работал над реалистическими и полуабстрактными полотнами, в основном пейзажами.

После революции 1917 г. Кандинский активно занимался общественной работой.

В 1918 г. он участвовал в организации охраны памятников, создании Музея живописной культуры и Российской академии художественных наук, преподавал во ВХУТЕМАСе и издал автобиографическую книгу «Ступени» (М., 1918).

В 1918—1919 г. он был членом художественной коллегии Отдела ИЗО Наркомпроса, в 1919—1921 г. — председателем Всероссийской закупочной комиссии, учёным консультантом и заведующим репродукционной мастерской, почётным профессором Московского университета. Кандинский также был избран вице-президентом РАХН. Продолжал он и писать — в этот период, в частности, созданы декоративные композиции на стекле «Амазонка» (1918) и «Амазонка в горах» (1919).

В декабре 1921 г. Кандинский выехал для организации отделения РАХН в Берлин. Участвовал в Первой выставке русского искусства в Германии. В Россию он уже не вернулся.

В Берлине Василий Кандинский начал преподавать живопись и стал видным теоретиком школы «Баухауз». Вскоре Кандинский получил всемирное признание как один из лидеров абстрактного искусства.

В 1928 г. художник принял немецкое гражданство, но когда в 1933 г. к власти пришли нацисты, эмигрировал во Францию.

С 1933 по 1944 г. он жил в Париже, активно участвуя в интернациональном художественном процессе.

В 1939 году Василий Кандинский принял французское гражданство. Умер 13 декабря 1944 года в парижском пригороде Нёйи-сюр-Сен. Похоронен на Новом кладбище Нёйи, расположенном в коммунах Пюто и Нантер под Парижем.

После начала мировой войны они расстались в связи с отъездом Кандинского в Россию, но в 1915 году снова провели вместе три месяца в Стокгольме. К этому времени Габриэла стала уже настоящей художницей, хотя её манера отличалась от стиля Кандинского. В годы нацизма его работы были отнесены к категории «дегенеративного искусства» и нигде не выставлялись. Однако некоторые из них были сохранены Габриэлой, жившей постоянно в Мурнау-ам-Штаффельзее в доме, в котором они проживали с Василием. Она там же и скончалась в 1962 году.