1. тапы развития белорусской музыкальной культуры с X по XIX вв. Музыкальная культура Беларуси – одна из самых интересных и важных сторон в истории нашей культуры. Она специфическая, своеобразная и особенная.

Этапы развития белорусской музыкальной культуры с X по XIX вв

Музыкальная культура Беларуси – одна из самых интересных и важных сторон в истории нашей культуры.

Белорусская культура развивалась на территории государства, имеющего уникальное географическое и политическое положение:

перекресток «Запад-Восток», центр Европы;

вхождение в состав Киевской Руси (до XIII века), Великого Княжества Литовского (XIII – XVI вв), Речи Посполитой (XVI – XVIII вв), Российской Империи (конец XVIII – нач. XX вв).

Развитие белорусской музыки происходило в трех направлениях:

- народное музыкальное творчество;

- церковная музыка, развивающаяся в лоне различных христианских конфессий (православной, католической, протестантской, униацкой);

- светская музыка, являющаяся частью европейской музыкальной культуры.

Народная музыка (музыкальный фольклор) - это вокальное, инструментальное и вокально-инструментальное народно-коллективное творчество народа, бытует как правило в устной форме и передается благодаря исполнительским традициям. Истоки народной музыки, как и других искусств, уходят в доисторическое прошлое. Музыкальные традиции разных общественных формаций исключительно устойчивы, живучи. В каждую историческую эпоху сосуществуют большие или малые древние и трансформированные произведения, а также заново создаваемые на их основе.

В совокупности они образуют традиционный музыкальный фольклор. Его основу составляет музыка крестьянства, которая длительное время сохраняет черты относительной самостоятельности и в целом отличается от музыки, связанной с более молодыми, письменными традициями. Основные виды музыкального народного творчества - песни, эпические сказания, танцевальные мелодии, плясовые припевки (русские частушки), инструментальные пьесы и наигрыши. Каждое произведение музыкального фольклора представлено целой системой стилистически и семантически родственных вариантов, характеризующих изменения народной музыки в процессе ее исполнения.

Жанровое богатство народной музыки - результат разнообразия ее жизненных функций. Музыка сопровождала всю трудовую и семейную жизнь крестьянина: календарные праздники годового земледельческого круга (колядки, веснянки, масленичные, купальные песни), полевые работы (покосные, жатвенные песни), рождение, свадьбу (колыбельные и свадебные песни), смерть (похоронные плачи - причитания). У скотоводческих народов песни были связаны с приручением коня, загоном скота.

 

Церковная музыка, музыка, звучащая во время церковного (христианского) богослужения. Разновидность религиозной (духовной) музыки, с древнейших времён известной у всех народов мира; последняя включает и произведения, исполняемые вне церкви - в быту, в концертах. Эмоциональное воздействие музыкального искусства использовалось церковью для привлечения людей в храмы, для насаждения религиозных идей и представлений. В каждой церкви - православной, католической, протестантской и др. - сложились свои принципы музыкального оформления богослужения; существенные различия обнаруживает иЦерковная музыка различных местных ветвей одной и той же церкви (например, русской, болгарской, сербской, грузинской, греческой и др. православных церквей).   Католическая Церковная музыка основывается нагригорианском хорале. Все католические песнопения исполняются на латинском языке (лишь в 60-х гг. 20 в. было допущено пение в церкви и на родных языках); они многоголосны и поются а капелла или в сопровождении органа, оркестра. Важнейшие формы католической Церковная музыка - месса, реквием, мотет, псалмы, магнификат, тедеум,стабат матер.   Основная форма лютеранской Церковная музыка -протестантский хорал, который поётся и церковным хором, и самими верующими на родном языке в сопровождении органа и др. музыкальных инструментов. Наиболее распространены формы лютеранской Церковная музыка: «Страсти»,духовная оратория, церковная кантата, мотет, псалм, духовная песня.   Главный вид древнерусской Церковная музыка - знаменный распев (см. также Глас, Осмогласие, Строчное пение,Демественное пение, Крюки). Пение вначале было одноголосным, с 16 в. становится многоголосным (см. Партесное пение). Песнопения исполняются на церковнославянском языке без инструментального сопровождения во время обедни (литургии), всенощной, венчания, молебна, панихиды и др. Праздничная литургия иногда завершается духовным концертом.   В течение длительного времени Церковная музыка у многих народов была единственным видом профессиональной музыки; она развивалась, испытывая постоянное влияние народной музыки, а впоследствии и светской. Так, уже в 15-16 вв. во многих католических духовных сочинениях Я. Обрехта, Г. Дюфаи, Жоскена Депре и др. композиторов использовались напевы бытовых народных песен. В жанрах Церковная музыка были созданы величайшие творения - «Страсти по Матфею» и месса си минор И. С. Баха, реквием Моцарта, «Торжественная месса» Бетховена и др.

2. Музыкальная культура западно-европейского средневековья развивалась приблизительно с IX в. до XIV в. на фоне напряженных исторических перемен.  Этот период характеризуется постепенным разложением феодального строя, крестовыми походами, соперничеством церкви с властью королей и феодалов, Столетней войной Англии и Франции, восстанием французских крестьян («Жакерия»), борьбой чешского народа против немецкого засилья, феодальной эксплуатации и католической церкви (гуситское революционное движение).

Основа музыкального быта этого времени — искусство странствующих артистов, которые были универсальными мастерами: умели сочинять песни, веселые и поучительные сценки, владели цирковыми навыками, играли на всевозможных инструментах — на лютне, средневековой арфе, волынке, на смычковых (ре-бек, фидель) и ударных инструментах, на колесной лире и на маленьком переносном органе-портативе. Во Франции такого мастера называли жонглером и менестрелем, в странах немецкого языка — шпильманом, гауклером, в Испании — хогларом, в Сербии — играном, в Чехии — герецом, на Руси — скоморохом, на Украине — пыворизом и т. д.

Они были обязательными участниками всех крупных событий, будь то календарный праздник, свадьба, торжественный въезд в город его покровителя-суверена, ярмарка, ликование по случаю военной победы, пиршество, коронация и т. д. В зависимости от обычаев и характера церемонии горожанам предлагались различные зрелища, сопровождавшиеся пением и игрой на инструментах: танец и пантомима, театрализованные истории и легенды, танцы на канате, акробатика, трюки с дрессированными животными. Но на первом месте здесь, безусловно, была музыка.

Среди документов той эпохи можно найти такой, например, свод правил и наставлений для менестреля: «Умей сочинять и рифмовать... бить в барабан... звучно играть на органистру-ме; сумей подбросить яблочки и поймать их на два ножа, умей играть на цитоле и на мандоле, прыгать сквозь четыре обруча. А еще умей играть на арфе и настраивать жигу, также умей с блеском владеть голосом; весело играй на псалтерионе». Но вскоре многие в среде жонглеров и шпильманов сосредоточили свои творческие усилия на какой-нибудь одной группе навыков. Так происходило разделение средневековых менестрелей на различные профессиональные «цехи».

С IX в. начинают записывать музыку специальными нотными знаками на пергаменте (см. Нотная запись). Большинство из ранних нотных записей — одноголосные церковные песнопения, исполнявшиеся хором в унисон или солистами. Это так называемый григорианский хорал (по имени папы римского Григория I, которому легенда приписывает утверждение этого певческого жанра). Вскоре появляются записи образцов светского музыкального искусства. Это песни трубадуров — талантливых провансальских поэтов XI— XIV вв. и их собратьев в северной Франции — труверов, в Германии — миннезингеров. Музыку к своим стихотворениям некоторые из них сочиняли сами, а многим помогали служившие им менестрели. Они воспевали прекрасную даму, рассказывали о словесных состязаниях рыцарей, желавших как можно изящнее воздать хвалу своей госпоже.

К IX—X вв. относятся и первые записи полифонических произведений. Прекрасные двухголосные пьесы — органумы с узорчатой парящей мелодией верхнего голоса создали мастера из южнофранцузского монастыря Сен-Марсьяль (конец XI— 1-я половина XII в.). Такое двухголосие было заимствовано у певцов-импровизаторов, умевших дополнить строгий напев собственными виртуозными импровизациями. Позднее выдвинулись парижские мастера из собора Нотр-Дам (XII—XIII вв.), а также авторы так называемой рукописи Монпелье — большого сборника трехголосных пьес — мотетов (XIII в.). Отныне мотет стал распространенным музыкальным жанром на протяжении нескольких столетий. Для того чтобы написать мотет, композитор брал известный напев (церковный или светский) и присочинял к нему по правилам того времени еще один, два или три голоса.

По сходному принципу сочинялась и музыка для церковного ритуала, например многоголосная месса. На этой полифонической основе и на песнях трубадуров и труверов складывалось и творчество композиторов последнего периода средневековья. Они оставили образцы полифонических песен различных жанров и форм: рондо, баллады, виреле, мадригалы. Этот период получил в истории название «Арс нова» («Новое искусство»), так как изысканная светская поэзия отныне положена на музыку нового склада, пронизанную особой живостью, богатством звуковых красок. В балладах, виреле и мадригалах голоса витиевато переплетаются, а ритмика становится все более изощренной, изобилующей неожиданностями и резкими контрастами.

Выдающимся мастером итальянского «Нового искусства» был Франческо Ландино (1325--1397) по прозвищу «Слепой Фран-ческо». Он ослеп в раннем детстве, что не помешало ему стать органистом-виртуозом, знаменитым своими импровизациями. Ландино создал множество лирических песен в характерных итальянских жанрах того времени: полифонические баллады и мадригалы. Слава его была легендарной, в 1364 г. он был торжественно увенчан лавровым венком.

Французское «Новое искусство» возглавил композитор и поэт Гильом де Машо (ок. 1300—1377), которого современники называли «земным богом гармонии», «изысканнейшим мэтром», «цветом всех мелодий». Де Машо — основоположник целой школы многоголосной песни, его искусство способствовало расцвету светской вокальной и инструментальной музыки во Франции. Баллада в его творчестве стала образцом утонченной лирики, такие произведения исполнялись чаще всего одним певцом с многоголосным инструментальным сопровождением, причем выбор инструментального состава по обычаю того времени предоставлялся самим исполнителям. Так, де Машо писал об одной из своих баллад: «Можно исполнить ее на органе, на волынке и всяких других инструментах, все подойдет ей.,.» Впоследствии один из средневековых музыкальных теоретиков писал: «Этот Гильом был выдающимся в науке музыки и множество лучшего в се искусстве сочинил». Творчество де Машо, Ландино и их современников открыло путь следующему этапу — музыке эпохи Возрождения.

3.

Музыка Барокко

Эпоха Барокко. Музыка в период 1600 - 1750 гг.   Слово "барокко" пришло из португальского языка и означает "жемчужина неправильной формы", с итальянского языка это слово переводится как странный, причудливый. Какими бы ни были корни этого слова, именно эпоха барокко считается началом распространения западноевропейской цивилизации. Эпоха Барокко отвергает естественность, считая её невежеством и дикостью. В то время женщина должна была быть нестественно бледной, с вычурной прической, в тугом корсете и с огромной юбкой, а мужчина - в парике, без усов и бороды, напудрен и надушен.  В эпоху Барокко произошел взрыв новых стилей и технологий в музыке. Дальнейшее ослабление политического контроля католической церкви в Европе, которое началось в эпоху Возрождения, позволило процветать светской музыке. Вокальная музыка, которая преобладала в эпоху Ренессанса, постепенно вытеснялась инструментальной музыкой. Понимание, что музыкальные инструменты должны объединяться неким стандартным образом, привело к возникновению первых оркестров. Один из самых важных типов инструментальной музыки, который появился в эпоху Барокко был концерт. Изначально концерт появился в церковной музыке в конце эпохи Возрождения и, вероятно, это слово имело значение "контрастировать" или "бороться", но в эпоху Барокко он утвердил свои позиции и стал самым важным типом инструментальной музыки. Двумя из самых великих композиторов концертов того времени были Корелли и Вивальди, их творчесво пришлось на конец эпохи Барокко и они установили и упрочили концерт как способ продемонстрировать всё мастерство солиста.  В начале эпохи  Барокко, приблизительно в 1600 году, в Италии композиторами Кавальери и Монтеверди были написаны первые оперы,  сразу получившие признание и вошедшие в моду. Основой для первых опер были сюжеты древнегреческой и римской мифологии. Будучи драматической художественной формой, опера поощряла композиторов воплощать новые способы иллюстрировать эмоции и чувства в музыке, фактически, воздействие на эмоции слушателя стало главной целью в произведениях этого периода. Опера распространилась во Франции и Англии благодаря великим работам композиторов Рамо, Генделя и Перселла. В Англии была также развита оратория, которая отличается от оперы отсутствием сценического действия, оратории часто основаны на религиозных текстах и историях. "Мессия" Генделя - показательный пример оратории. В Германии опера не завоевала такой популярности, как в других странах, немецкие композиторы продолжали писать музыку для церкви. Иоганн Себастьян Бах, величайший гений в истории музыки, жил и творил в эпоху Барокко. Его подход к музыке открыл безграничные возможности создания произведений. Основным инструментом той эпохи был клавесин - предшественник фортепиано. Многие важные формы классической музыки берут свои истоки в эпохе Барокко - концерт, соната, опера. Барокко была эпохой, когда идеи о том, какой должна быть музыка, обрели свою форму, эти музыкальные формы не потеряли актуальности и на сегодняшний день. Великие работы эпохи Барокко: Гендель "Музыка на воде" Бах "Бранденбургские концерты и Кантаты" Вивальди "Четыре Сезона" Пёрселл "Дидона и Эней" Монтеверди "Орфей»

Инструментальные жанры

Концерт; Кончерто гроссо; Фуга; Сюита (Аллеманда;Куранта;Сарабанда; Жига; Гавот; Менуэт;

• Соната (Камерная соната Sonata da camera; Церковная соната Sonata da chiesa; Трио-соната; Классическая соната)

• Увертюра (Французская увертюра (фр. Ouverture); Итальянская увертюра (итал. Sinfonia))

• Партита

• Канцона

• Симфония

• Фантазия

• Ричеркар

• Токката

• Прелюдия

• Чакона

• Пассакалия

• Хоральная прелюдия

Творчество БАХА

Бах написал более 1000 музыкальных произведений. Сегодня каждому из известных произведений присвоен номер BWV (сокр. от Bach Werke Verzeichnis — каталог работ Баха). Бах писал музыку для разных инструментов, как духовную, так и светскую. Некоторые произведения Баха являются обработками произведений других композиторов, а некоторые — переработанными версиями своих произведений.

Органное творчество

Органная музыка в Германии ко времени Баха уже обладала давними традициями, сложившимися благодаря предшественникам Баха — Пахельбелю, Бёму, Букстехуде и другим композиторам, каждый из которых по-своему влиял на него. Со многими из них Бах был знаком лично.

В течение жизни Бах был больше всего известен как первоклассный органист, преподаватель и сочинитель органной музыки. Он работал как в традиционных для того времени «свободных» жанрах, таких как прелюдия, фантазия, токката, пассакалья, так и в более строгих формах — хоральной прелюдии и фуги. В своих произведениях для органа Бах умело соединял черты разных музыкальных стилей, с которыми он знакомился в течение жизни. На композитора оказала влияние как музыка северонемецких композиторов (Георг Бём, с которым Бах встретился в Люнебурге, и Дитрих Букстехуде в Любеке), так и музыка южных композиторов: Бах переписывал себе произведения многих французских и итальянскихкомпозиторов, чтобы понять их музыкальный язык; позже он даже переложил несколько скрипичных концертов Вивальди для органа. В течение наиболее плодотворного для органной музыки периода (1708—1714) Иоганн Себастьян не только написал много пар прелюдий, токкат и фуг, но и сочинил неоконченную Органную книжечку — сборник из 46 коротких хоральных прелюдий, в котором демонстрировались различные техники и подходы к сочинению произведений на хоральные темы. После отъезда из Веймара Бах стал меньше писать для органа; тем не менее, после Веймара были написаны многие известные произведения (6 трио-сонат, сборник «Clavier-Übung» и 18 Лейпцигских хоралов). Всю жизнь Бах не только сочинял музыку для органа, но и занимался консультированием при постройке инструментов, проверкой и настройкой новых органов.

Прочее клавирное творчество

Бах также написал ряд произведений для клавесина, многие из которых можно было исполнять и на клавикорде. Многие из этих творений представляют собой энциклопедические сборники, демонстрирующие различные приёмы и методы сочинения полифонических произведений. Большинство клавирных произведений Баха, изданных при его жизни, содержались в сборниках под названием «Clavier-Übung» («клавирные упражнения»).

«Хорошо темперированный клавир» в двух томах, написанных в 1722 и 1744 годах, — сборник, в каждом томе которого содержится по 24 прелюдии и фуги, по одной на каждую употребительную тональность. Этот цикл имел очень важное значение в связи с переходом на системы настройки инструментов, позволяющие одинаково легко исполнять музыку в любой тональности — прежде всего, к современному равномерно темперированному строю.

Двухголосных и 15 трёхголосных инвенций — небольшие произведения, расположенные в порядке увеличения количества знаков в тональности. Предназначались (и используются по сей день) для обучения игре на клавишных инструментах.

Три сборника сюит: Английские сюиты, Французские сюиты и Партиты для клавира. Каждый цикл содержал по 6 сюит, построенных по стандартной схеме (аллеманда, куранта,сарабанда, жига и необязательная часть между последними двумя). В английских сюитах аллеманде предшествует прелюдия, а между сарабандой и жигой присутствует ровно одна часть; во французских сюитах количество необязательных частей увеличивается, а прелюдии отсутствуют. В партитах стандартная схема расширяется: кроме изысканных вступительных частей, присутствуют дополнительные, причём не только между сарабандой и жигой.

Гольдберг-вариации (около 1741) — мелодия с 30 вариациями. Цикл имеет довольно сложное и необычное строение. Вариации строятся скорее на тональном плане темы, чем на самой мелодии.

Разнообразные пьесы вроде «Увертюры во французском стиле», BWV 831, «Хроматической фантазии и фуги», BWV 903, или «Итальянского концерта», BWV 971.

Оркестровая и камерная музыка

Бах писал музыку как для отдельных инструментов, так и для ансамблей. Его произведения для инструментов соло — 6 сонат и партит для скрипки соло, BWV 1001—1006, 6 сюит длявиолончели, BWV 1007—1012, и партиту для флейты соло, BWV 1013, — многие считают одними из самых глубоких творений композитора. Кроме того, Бах сочинил несколько произведений для лютни соло. Писал он также трио-сонаты, сонаты для солирующих флейты и виолы да гамба, сопровождаемых лишь генерал-басом, а также большое количествоканонов и ричеркаров, в основном без указания инструментов для исполнения. Наиболее значимые примеры таких произведений — циклы «Искусство фуги» и «Музыкальное приношение».

Бах написал множество произведений для оркестра и солирующих с ним инструментов. Одни из самых известных — «Бранденбургские концерты». Они были так названы, потому что Бах, послав их маркграфу Христиану Людвигу Бранденбург-Шведтскому в 1721 году, думал получить работу при его дворе; эта попытка оказалась безуспешной. Эти шесть концертов написаны в жанре кончерто гроссо. Другие дошедшие до нас оркестровые шедевры Баха включают два скрипичных концерта (BWV 1041 и 1042), концерт для 2 скрипок ре минор BWV 1043, так называемый «тройной» ля-минорный концерт (для флейты, скрипки, клавесина, струнных и непрерывного (цифрованного) баса) BWV 1044 и концерты для клавиров и камерного оркестра: семь для одного клавира (BWV 1052—1058), три — для двух (BWV 1060—1062), два — для трёх (BWV 1063 и 1064) и один — ля минорный BWV 1065 — для четырёх клавесинов. В наше время эти концерты с оркестром часто исполняются на фортепиано, поэтому их можно назвать фортепианными концертами Баха, но не стоит забывать, что во времена Баха фортепиано не было. Кроме концертов, Бах сочинил 4 оркестровые сюиты (BWV 1066—1069), некоторые отдельные части из которых в наше время в особенности широко популярны и имеют популярные переложения, а именно: так называемая «шутка Баха» — последняя часть, badinerie второй сюиты и вторая часть третьей сюиты — ария.