Раздел 1. Эпоха Арт-Деко

1.1 Ар-Деко

Описание. Ар-деко́, также арт-деко (фр. art déco, досл. «декоративное искусство», от названия парижской выставки 1925 года фр. Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (рус. Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств) — влиятельное течение в изобразительном и декоративном искусстве первой половины XX века, которое впервые появилось во Франции в 1920-х годах, а затем стало популярно в 1930—1940-е годы в международном масштабе, проявившееся в основном в архитектуре, моде, живописи, и переставшее быть актуальным в период после Второй мировой войны. Это эклектичный стиль, представляющий собой синтез модерна и неоклассицизма. Стиль ар-деко также имеет значительное влияние таких художественных направлений, как кубизм, конструктивизм и футуризм (ПРИЛОЖЕНИЕ №1).

Отличительные черты — строгая закономерность, смелые геометрические формы, этнические геометрические узоры, богатство цветов, щедрые орнаменты, роскошь, шик, дорогие, современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро). В США, Нидерландах, Франции и некоторых других странах ар-деко постепенно эволюционировал в сторону функционализма.

Исторические события 20-х годов XX века. От направлений модерн, символизм, футуризм, эстетизм, с начала 1900 – 1918 гг., вся жизнь перетекла в русло ар-декора, кубизма, конструктивизма, феминизма, функционализма. Начало XX века сложный многообразный период борьбы за свободы человека и нового нестандартного видения происходящих событий.

Сложные политические и исторические события конца 19 в. обусловили многообразие форм развития культуры. Основываясь на лучших традициях предшествующего периода, российская культура обрела новые тенденции, требовавшие осмысления нравственных и социальных проблем. Это потребовало поиска новых методов и художественных приемов.

К началу 20 в. Россия оставалась страной с низким уровнем грамотности (38-39%, по данным переписи 1913 г.). Степень грамотности была неравной в зависимости от регионов, мужчины были грамотней женщин, городские жители образованнее представителей крестьянства. Развитие начального образования началось по инициативе демократической части общества. Стали возникать школы нового типа - культурно-просветительские рабочие курсы, просветительские рабочие общества и народные дома [2, стр.17].

Растущая потребность в специалистах обусловила развитие высшего и технического образования, увеличилось количество высших учебных заведений - к 1912 г. действовало 16 университетов. Получило распространение частное образование (университет Шанявского, 1908-1918 гг.), было открыто 30 высших учебных заведений для женщин. По количеству издаваемой литературы Россия вышла на ведущее место в мире. В 1913 г. издавалось 874 газеты и 1263 журнала. Возникла сеть научных, специальных, коммерческих и образовательных библиотек. К 20-м годам подходит к концу «серебряный век» русской поэзии. Ее сменяет литература, которая одобряется к публикации уже сформировавшаяся Советской властью. Есенин, Ахматова, Цветаева, Маяковский – поэты РСФСР, в дальнейшем так же пострадавших за свои убеждения, за свои слова.

Во всем мире происходили изменения менявшие основы быта и труда людей. Революция 1905—1907 годов в России началась после «Кровавого воскресенья» расколола страну надвое. Россия присоединилась в союз Антанте в 1907 г., но это не спасло когда то сильнейшее государство от общеполитического, социального и нравственного падения. Положение усугублялось Гражданской войной 1917 – 1923 гг.. Страна переживала сильнейшие потрясения из-за внутреннего раскола. Ни о каком развитии на мировой арене не шло и речи. Но и в европейских странах было не спокойно. Войны за независимость Ирландии и Турции, «сухой закон» в США, волнения в Китае и Египте – все эти события будоражили сознание мирного населения. Пожалуй, единственным, наиболее стабильным положением обладала Франция. Там в моду входит джаз, чарльстон, прическа каре, покер на костях, маджонг. Франция становится колыбелью моды. Появляется понятие «Дом Моды».

Ар-деко в архитектуре. Художественный стиль оформления интерьера, изделий декоративного и прикладного искусства, ювелирных украшений, моделирования одежды, а также дизайна промышленной продукции и прикладной графики.

Получил распространение в 1918-1939 гг. во Франции, отчасти в других европейских странах и США. Толчком к стремительному развитию этого стиля послужила парижская выставка 1925 г., где показывались последние достижения в области архитектуры, проектирования интерьера, мебели, изделий из металла, стекла, керамики. Для этой выставки знаменитый французский архитектор Ле Корбюзье, один из основателей конструктивизма и функционализма, спроектировал и построил павильон «Эспри Нуво» (франц. «Esprit Nouveau» - «Новый дух»); знаменитый художник Р. Лалик - фонтан из цветного стекла со световыми эффектами и «стеклянный интерьер» павильона Севрской фарфоровой мануфактуры [4, стр, 40] (ПРИЛОЖЕНИЕ №2, рис.1,2.).

Если для архитектора Ле Корбюзье его произведение знаменовало отход от конструктивизма к идеям, позднее получившим название «неопластицизма», то для ювелира Р. Лалика - эволюцию от прихотливо изогнутых линий и флореалъных стилизаций Ар Нуво к более простым геометрическим формам. В целом стиль «Ар Деко» можно рассматривать как последнюю стадию развития искусства периода Модерна или как переходный стиль от Модерна к послевоенному функционализму, дизайну «интернационального стиля». В искусстве Ар Деко продолжаются излюбленные темы и мотивы Модерна - точнее стиля Ар Нуво, - извилистые линии, необычное сочетание дорогих и экзотических материалов, изображение фантастических существ, формы волны, раковины, драконов и павлинов, лебединых шей и томных бледных женщин с распущенными волосами. Во всем чувствуется какая-то усталость, пресыщенность, но кроме этого и устремленность к использованию геометрических форм: прямых углов и линий, окружностей и широких плоскостей чистого цвета. Именно эти качества отличают интерьеры, оформленные по проектам Ж. Деламара, архитек-турно-дизайнерские разработки Р. Малле-Стевенса, ювелирные изделия мастеров парижской фирмы Картье.

С искусством Модерна рубежа XIX-XX веков стиль Ар Деко объединяет и желание многих художников (исполняющих волю богатых заказчиков) создать иллюзию благополучия и «роскошной жизни» в трудные годы «потерянного поколения» между двумя мировыми войнами. Это был последний «шикарный стиль» европейских столиц, сознательно ориентированный в прошлое. Духовная растерянность и смешение эстетических критериев, будто предвещавших ужасы второй мировой войны и пустоту первых послевоенных лет, заслонялись сознательной, программной эклектикой ретростилей. В ход пошли элементы ампира, архаики, египетского и крито-микенского искусства, соединялись находки декораторов Русских Балетных Сезонов в Париже, живописцев-постимпрессионистов, экспрессионистов, сюрреалистов с формами восточного, японского, китайского и примитивного африканского искусства.

Открытие искусства Амарны, гробницы египетского фараона Тутанхамона (1922), оказывали на вкусы людей столь же сильное воздействие, как и обтекаемые формы новейших локомотивов и автомобилей. Интерьеры, оформленные в стиле Ар Деко, производят впечатление не композиции, а суммы отдельных компонентов, группировки «стильных вещей» - мебели, тканей, изделий из бронзы, стекла, керамики. Не случайно, многие из таких интерьеров назывались «павильон коллекционера», «ателье художника». Такие интерьеры создавались «с шиком» 1920-х годов, дорогих отелей и ресторанов и потому иногда их стиль называют «стилем Риц» (англ. Ritz Style). Показательно, что первая выставка художников-сюрреалистов состоялась в Париже в том же 1925 г. В декоративных росписях Ар Деко и вновь вошедших в моду витражах и мозаике изображались женские «извращенные фигуры» в экспрессионистски изломанных движениях, деформированные - с фантастически развитой «мужской» мускулатурой. Все это свидетельствовало о кризисе вкуса. В «эпоху потерянного поколения» особенно ценились дорогие экзотические материалы: слоновая кость, черное - эбеновое дерево, перламутр, бриллианты, шагреневая кожа, даже «шкурки ящериц» и кожа крокодила. Ар Деко оказал влияние на художников французского стекольного завода Баккара и английской керамической мастерской Даултон. К этому же стилю иногда причисляют наивного живописца Р. Дюфи. Наиболее известные художники французского Ар Деко: Ж. Де-Ламар, М. Дюфрен, Я. Котера, Р. Лалик, П. Легрен, П. Ириб, Л. Зак, А. Мартен, Ж. Пруве, П. Пуаре, Ж. Пюифорка, А. Рато, Ж.-Э. Рюль-манн, Л. Сю, Р. Эрте, П. Янак. Ар Деко называют «последним из художественных стилей», соединявшим несоединимое. Может быть как раз этим он и оказал значительное влияние на дальнейшее развитие многих видов искусства [1, стр.30] (ПРИЛОЖЕНИЕ№2, рис.3).

1.2. Ар-Деко в искусстве

Арт Деко не избежал влияния ещё одного важного явления в искусстве ХХ века — абстракционизма. Новации абстракционизма связывают в основном с заслугами Василия Кандинского, который жил и работал в Мюнхене с 1896 по 1914 год. Постепенно удаляя сюжет из своих картин, художник добился того, что они приобрели вид полной абстракции [8].

Это также творчество Казимира Малевича, который явился основателем супрематизма, упростивший изображение до наложения одного белого квадрата на другой. Конструктивизм как стиль оказал значительное влияние на искусство Запада. Конструктивизм базировался на убеждении, что искусство должно было служить социальным целям и что оно являлось отражением скорее личного, чем общественного опыта. Художники конструктивисты создавали работы, напоминавшие детали механизмов, составленные из геометрических форм и оказали влияние на графику Арт Деко.

Развивавшиеся в то время новации не могли не оказать влияние на сам стиль Арт Деко, который явился результатом смешения с ними. В художественном смысле также заметное влияние на Арт Деко оказал кубизм, особенно его способ расчленения предметов и анализа их геометрических составляющих. Кубистское видение предметов появляется в работах Пабло Пикассо и Жоржа Брака примерно в 1908-1909 годах. Глубокое влияние на Арт Деко оказала манера обращения кубистов с плоскостями и их техника использования цвета.

Талантливый живописец и скульптор, итальянский художник Амадео Модельяни оказал влияние на развитие Арт Деко. Он изображал живые, преимущественно женские формы, намеренно растягивая пропорции тела и черты лица, что явилось прообразом элегантной стилизации, свойственной Арт Деко.

Ставший на многие годы законодателем мод знаменитый парижский кутюрье Поль Пуаре сделал многое для пропаганды экзотического и красочного стиля Арт Деко, начало которому было положено «Русскими сезонами». Модели Поля Пуаре утверждали идеальный образ богатой и модно одетой современной женщины. В открывшемся в 1911 году всем известном отелье «Мартин», в котором работали совсем необученные молодые девушки, создававшие рисунки для тканей, мебели и обоев. Такой необычный метод дал рождение произведениям, полным свежести и живости восприятия, а недостаток технических знаний компенсировался хорошо обученными мастерами, переводившими сделанные девушками рисунки на ткани, лишь слегка подправляя их. Из ателье «Мартин» выходили обои, стенные панно, ткани, сплошь покрытые огромными яркими цветами. Так, цветы (особенно розы, георгины, маргаритки, цинии), очень декоративные и бесконечно далекие от природных (настоящих), становятся любимой темой складывающегося Арт Деко.

В живописи, среди картин межвоенного периода чистый стиль Арт Деко выделить очень трудно. Большинство художников использовали технику, заимствованную у кубистов. Живопись Арт Деко не входила в число авангардных художественных направлений, более того, не носила прикладной характер, призванный соответствовать основополагающим принципам декорирования.

Живопись родившейся в Польше Тамары де Лемпицки, в творчестве которой преобладают модные портреты и эротическая обнаженная женская натура, считается типичным представителем Арт Деко в живописи. Дать определение техники письма де Лемпицкой можно, применив в веку машин ее собственное утверждение о том, что художник «не должен забывать о точности. Картина должна быть чистой и аккуратной». (С. Стерноу. Арт Деко. Полеты художественной фантазии. Белфакс, 1997) [7].

По большому счету скульптуру Арт Деко можно разделить на две большие группы: на работы массового производства для внутреннего рынка и произведения «изящного искусства». Созданные художниками и скульпторами авангардного направления того периода, качественная скульптура и недорогая продукция массового потребления шли рука об руку — мрамор и бронза существовали рядом с пластиком и сувенирами из керамики. В области скульптуры стиль Арт Деко проявлял себя повсюду, от высокого искусства до китча [3, стр.55; 10].

1.3. Арт-деко в моде

Сравнительно короткий период между двумя мировыми войнами подарил миру удивительно декоративный и привлекательный стиль Ар Деко. Временем его появления можно смело назвать 1918 год – той осенью закончилась Первая мировая война, приведшая к огромным изменениям в парадигме этого мира.

Великие перемены в эти годы происходят и в судьбах женщин. Предшествовавшая мировой войне 1914 года мода Belle Epoque⁽¹⁾ была создана для клиенток с совсем иными запросами.

⁽¹⁾Belle Epoque (Прекрасная эпоха) -модный в начале Belle Epoce “S” силуэт обязан американской Gibson Girl. Персонажу из иллюстрированной книжки

То была прекрасная эпоха, когда дамы в большинстве своем не зарабатывали на службе. Они занимались семейными хлопотами и детским воспитанием, меняли по нескольку раз на дню длинные платья из удивительных иллюзорных тканей и только начали по приказу императора парижской моды Поля Пуаре и под влиянием врачей освобождаться от корсета. Носили пышные прически, объемные шляпы, роскошные шиншилловые манто, гаремные тюрбаны с эгретками цапли в подражание Баксту, с упоением танцевали модное тогда аргентинское танго, зачитывались поэмами Габриеле д’Аннунцио, романами Артура Шницлера и стихами Игоря Северянина, не пропускали ни одного представления балета Сергея Дягилева и были, впрочем, как и их мужья, уверены, что эта прекрасная эпоха будет длиться вечно.

Отрезвление реальностью произошло в первые месяцы войны, когда в одночасье множество женщин Европы потеряли на фронте своих отцов, мужей, братьев или сыновей. Столкнулись не только с военной нуждой, очередями и разрушениями, но и сами были вынуждены впервые найти себе работу.

Одетые в траур женщины в тылу поступили на фабрики и заводы, стали незаменимыми сестрами милосердия в госпиталях, кондукторами в трамваях, телефонистками и телеграфистками, словом, начали ту трудовую деятельность, без которой изменения в моде 1920х годов были бы невозможны и непонятны.

Но вот, как только страны Антанты отпраздновали победу над Германией и Австро-Венгрией, жители Европы стали возвращаться к мирной жизни и дамы сняли платья и фартуки сестер милосердия, мир уже более никогда не вернулся к вычурным и длинным платьям Belle Epoque.

Эйфорическое ощущение победы охватило общество и, слившись со звуками привнесенного войной из США новомодного джаза, оно потребовало срочных перемен и в модном женском силуэте. В первую очередь, период 1920х годов знаменит новой концепцией женского тела – не «бельфамистой», то есть пышногрудой фигуры femme fatale, а стройной, спортивно-подтянутой и узкобедрой фигурки Garconne, названной так по имени нашумевшего в те годы романа французского писателя Виктора Маргерита (ПРИЛОЖЕНИЕ №3, рис.1).

Итак, не слишком избалованная скудной пищей военного времени женщина нового десятилетия старалась во многом быть похожей на мужчину – водить автомобиль и аэроплан, работать с утра до вечера, курить в обществе, заниматься спортом, купаться и загорать на смешанных пляжах, пить шампанское и лихо танцевать чарльстон или фокстрот.

С легкой руки Голливуда, чьи немые фильмы во многом способствовали распространению моды Ар Деко во всем мире, в моду вошел новый тип беззаботной, надушенной духами «Babani» девушки с короткой стрижкой и ярким макияжем в стиле «вамп», мечтавшей о романах с миллионерами, роллс-ройсах, шампанском и полуночных танцах. Эти юные создания получил прозвище «флэппер» (от английского слова «хлопушка») (ПРИЛОЖЕНИЕ №8, рис.1).

Для подобного образа жизни требовались новые, отражающие запросы той бурной эпохи платья, вовсе не похожие на вышедшие из моды силуэты прошлых лет (ПРИЛОЖЕНИЕ №4, рис. 1,2).

Следует отметить не только социальные и культурные, но и геополитические причины изменения женской моды в ту пору. Во время Первой мировой войны одна за другой пали крупнейшие Европейские империи – Российская, Германская, Австро-Венгерская и Оттоманская. На карте мира появилось много новых государств, о существовании которых в Западной Европе ранее не ведали. Так из праха возродилась Польша, на карте образовались Литва, Латвия, Эстония, Чехословакия, Венгрия и Румыния, а на обломках Австро -Венгерской монархии родилось королевство Югославии.

Рождение этих новых государств мотивировалось в первую очередь их культурной уникальностью и неповторимостью. А значит, в связи с этим, возник интерес к их национальному искусству, фольклору, орнаменту и опосредовано, костюму.

Мода, а ее столицей после Первой мировой войны вновь стал блистательный и трудолюбивый Париж, моментально взяла на вооружение орнаментальную часть восточно-европейского фольклора, особенно вышивок. Ведь по время недавней войны множество ткацких фабрик, ранее вырабатывавших великолепные шелковые ткани на нужды модной индустрии, были вынуждены, волею судеб, переквалифицироваться на нужные армии ткани для обмундирования, и первые послевоенные сезоны в моде нового направления ощущалась очевидная нехватка роскошных материалов.

Так в моду вошла ручная вышивка, неотделимая от концепции стиля Ар Деко в 1918 – 1929 годы, то есть до периода экономического кризиса осени 1929 года, повлекшего за собой Великую депрессию и рождение совсем другой, более скромной, но в чем-то более элегантной и женственной моды.

Среди вышивок на платьях тех лет особенно были заметны славянские и русские мотивы, чья популярность поддерживалась небывалым притоком русских беженцев в страны Европы из пылавшей Гражданской войной послереволюционной России. Лишенные средств к существованию, семьи беженцев были вынуждены не только продавать семейные ценности, чудом вывезенные с собой, что породило небывалый интерес к русскому прикладному искусству, но и искать любую оплачиваемую работу.

На всех путях изгнания новых эмигрантов, женщины часто быстрее и лучше адаптировались в городах. Многие из них занялись шитьем, вышиванием и, позднее, моделированием платьев.

Стали отрываться модные ателье и салоны в городах, ставших временным приютам русских беженцев – в Константинополе и Харбине, Берлине и Праге, Белграде и, конечно, в Париже.

Интерес к творчеству в области моды русских эмигрантов первой волны был вызван не только новизной и экзотикой, но и высоким качеством шитья и особенно вышивкой круглым венецианским или граненым богемским бисером, тонким стеклярусом и желатиновыми пайетками, в технике работы с которыми у русских дам не было конкурентов в ту пору. Вышитые вручную платья стоили немалых денег, что было очень созвучно периоду экономического подъема тех лет.

В Париже 1920х годов появляются и другие известные русские дома моды, такие как «Ирфе», принадлежавший князю и княгине Юсуповым, «Итеб», принадлежавший баронессе Бетти Гойнинген-Гюне, в замужестве баронессе Врангель, «Поль Каре», принадлежавший княгине Лобановой-Ростовской, «Тао» – детище княгинь Трубецкой и Оболенской, и некоторые другие [4, стр. 29].

Около 20 больших и малых домов и ателье мод было создано в 1920х годах в Париже русскими эмигрантками, и некоторые их уникальные, чудом сохранившиеся изделия мы показываем на этой выставке. Кроме всевозможных декоративных вышитых моделей в «русском стиле» с двуглавыми орлами, куполами церквей и народными орнаментами, обилие русских домов моды ввело в обиход меховые отделки в «боярском» стиле. В те годы воротники и манжеты так называемых «оперных манто» и самих дневных и вечерних платьев часто отделывались мехом. Главные изменения силуэта в тот период коснулись длины платьев, которая постепенно с 1918 года до 1925 год поднималась все выше и выше, пока не достигла шокировавшей тогда многих ретроградов поколенной длинны, и продержалась на том же уровне приблизительно три сезона, для того, чтобы вновь опуститься длинными хвостами и неровным подолом в сезоне 1928/29.

Другие изменения коснулись линии талии, которая в 1920 годы не подчеркивала ее узость и естественное положение, а окончательно упала низко на бедра, что, впрочем, предсказывал в своих творениях Поль Пуаре еще в 1912-13 годах. Новое положение талии, перекликающееся с покроем детских платьев конца XIX столетия – то есть эпохи детства модниц «ревущих 1920х», позволило совершенно выпрямить силуэт женских платьев, сделав их почти геометрически прямоугольными, что вторило стилю архитектуры, живописи, убранству интерьера и орнаментам периода Ар Деко.

Сам термин «Ар Деко» пришел в моду лишь в 1925 году, когда в Париже открылась прекрасная международная выставка «Des Arts Decoratifs», на которой в отдельных павильонах были представлены новые аспекты достижений человеческого гения послевоенной поры – в том числе, и в области моды. Много павильонов имели строго выдержанные геометрические формы пирамиды, призмы или конуса, там самым задавая тон всему визуальному пространству той творческой эпохи.

Интерес к пирамидам был вовсе не случаен: в 1923 году английский археолог Картер открыл ранее неизвестную гробницу забытого египетского фараона Тутанхамона, умершего в юности и похороненного под гробницей своей матери. Обилие золотых украшений египетского стиля, мебель и предметы быта, найденные там, стали мировой сенсацией и вызвали волну так называемой «египтомании», сильно повлиявшей и на модные тенденции – появление «египетских платьев», шляп, серебряных каирских шалей, оригинальной обуви и украшений, моды на псевдоегипетские прически и грим, характерные позы манекенщиц на модных фотографиях тех лет.

Период 1920х годов славится феноменальным ростом количества и качества парижских домов моды. Число богатой интернациональной клиентуры, особенно американской, желавшей одеваться тогда в туалеты с грифами больших домов Haute Couture было велико. Самыми известными домами моды этого времени были легендарная «Jeanne Lanvin» прославившаяся своими «румынскими» вышитыми платьями с кораллами и бисером, прекрасный «Jean Patou», мастер спортивной линии в трикотаже и удивительных вечерних платьях, несравненный дом «Callot seurs», прославившийся экзотическими вышитыми платьями в восточном стиле, строгая и стильная «Chanel», создательница маленького черного платья, элегантный «Lucien Lelong», женившийся на русской княжне Натали Палей, несравненный автор кроя по косой «Madeleine Vionnet», чей вклад в моду Ар Деко трудно переоценить и несколько других, увы, сейчас уже почти совсем забытых.

В особом ряду в эту пору стоят художники и модельеры, авторы редких по актуальности своих идей моделей. Среди них надо отметить талантливую Наталью Гончарову, создававшую апплицированные модели для парижского дома «Мырбор» и многоцветную и неожиданную в своих «симультанных» творениях украинку Соню Делоне, а также фантастические модели, созданные русским парижанином Эрте (Романом Тыртовым), чьи обложки много лет подряд украшали журнал «Harper’s Bazaar» .

Все вышеперечисленные творения парижских дизайнеров не могли не вызвать волну копиизма за океаном. Так, в США в 1920е годы появляется множество небольших ателье мод, которые усердно копируют эти глубоко декольтированные, смелые и эфемерные муслиновые бисерные платья, созданные для дансингов и ночных клубов бесшабашной эпохи «Великого Гетсби», когда женщин было значительно больше, чем мужчин, в связи с большими военными потерями.

Особую статью в модах Ар Деко представляют неповторимые аксессуары той эпохи. Это элегантные бисерные сумочки и клатчи, оригинальные, часто напоминающие солдатские каски, шляпки и огромные страусовые цветные веера, бакелитовые пудреницы и блестящие мундштуки, стразовые броши и миниатюрные лорнеты. Особняком стоит, конечно же, нарядная обувь, которая отличается изящной ручной работой, вышивкой, каблуками, украшенными стразами и «Т-образными» перепонками, созданными для того, чтобы в ритме новых танцев дамы не становились бы слишком быстро Золушками.

Уникальная коллекция первоклассной обуви тех лет предоставлена для нашей выставки Московским музеем обуви под руководством Назима (фамилия), скрупулезно собравшего не только эти прекрасные образцы из разных стран и мастерских, но и предоставившего к ним уникальные модели платьев Haute Couture того же времени.

Большинство вечерних сумочек тех лет было выполнено в технике бисерной или стеклярусной вышивки, как и вечерние платья. Многие из них имеют этикетки, рассказывающие о странах их производства – Чехословакии, Бельгии, Германии или Франции. Их рисунки с особым изяществом передают орнаменты в стиле Ар Деко, с характерными для них стилизованными изображениями цветов, геометрических форм и симметричных узоров.

Счастливый и орнаментальный период царствования стиля Ар Деко в моде продлился только десять лет, но дал удивительные и прекрасные плоды, которые навсегда останутся в непревзойденным примером творческой энергии, стиля и трудолюбия дизайнеров, так сильно повлиявших на развитие мировой моды на много десятилетий вперед.