1. Раннее Возрождение в Италии. Творчество Мазаччо («Чудо со статером», «Изгнание из рая»), Джотто («Бегство в Египет», «Взятие Христа под стражу»), Сандро Боттичелли («Весна», «Рождение Венеры»).

Ответ:

Раннее Возрождение

Период так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой в Италии время с 1420 по 1500 года. В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отрешается от преданий недавнего прошлого, но пробует примешивать к ним элементы, заимствованные из классической древности. Лишь впоследствии, и только мало-помалу, под влиянием все сильнее и сильнее изменяющихся условий жизни и культуры, художники совершенно бросают средневековые основы и смело пользуются образцами античного искусства, как в общей концепции своих произведений, так и в их деталях.

Тогда как искусство в Италии уже решительно шло по пути подражания классической древности, в других странах оно долго держалось традиций готического стиля.

Мазаччо  — знаменитый итальянский живописец, крупнейший мастер флорентийской школы, реформатор живописи эпохи кватроченто.

Наиболее ярким примером живописной трактовки капернаумского эпизода является фреска Мазаччо. На ней рассказ Матфея разложен на три сцены: центральная группа — это Иисус с учениками, среди которых выделяется упомянутый Матфеем Петр; его облик традиционен — это седовласый, креп­кого сложения старик, у него короткая округлая борода. Иисус представлен в тот момент, когда Он приказывает Петру пойти на берег моря (об этом говорит жест Его руки) и забросить удочку. Немецкий искусствовед Г. Шиллер считает, что жест Иисуса здесь иллюстрирует Его слова: «Итак сыны свободны». Это толкование не кажется убедительным. На левой части фрески мы видим, как Петр извлекает монету изо рта рыбы. В правой части фрески изображено то, как Петр передает монету сборщику подати.

Фреска Мазаччо вызывает много вопросов, и понимание всех ее аспектов возможно, по-видимому, лишь с привлечением исторического материала, воссоздающего обстоятельства того времени и события истории Флорентийской Республики.

Итак, где художник поместил место действия? Почему евангельская история проиллюстрирована им в трех эпизодах, трактованных не последовательно во времени, а одновременно? Почему сборщик подати на иудейский храм изобра­жен в римских одеждах? Трактовал ли Мазаччо эту евангельскую историю действительно как отрицание Христом необходимости уплаты подати служите­лями церкви? Попытаемся ответить на эти вопросы.

Год, когда Мазаччо, должно быть, писал эту фреску — 1425-й, — был для Флоренции очень трудным. Флорентийская Республика как раз тогда пережива­ла сокрушительные поражения от Филиппа Марии Висконти, герцога Милан­ского, ведшего — с переменным успехом — войну с Флоренцией с 1424 по 1435 год. Чтобы собрать в казну необходимые для обороны средства и опреде­ленным образом распределить бремя расходов, флорентийцы обсуждали новый закон о налогах, названный Catasto. Св. Антонин Флорентийский в «Summa Theologia» интерпретировал эту евангельскую историю — в противоположность вышеприведенному мнению — как указание Христа на то, что все, включая представителей духовенства, должны платить налог светской власти для поддер­жания ею безопасности. Была выдвинута гипотеза, согласно которой появление этого сюжета у Мазаччо как раз и отразило попытки обосновать сбор подати с духовенства (полемика на этот счет была столь острой, что некоторые из церковников были заключены в тюрьму за отказ от уплаты новых налогов). Потому на фреске дан намек на то, что место действия — Флорентийская Республика: изображена, как считает, в частности, Ф. Хартт, долина реки Арно (на которой стоит Флоренция) (Hartt F., р. 197). Выбор художником (а скорее, заказчиками) именно этого сюжета, а не Динария Кесаря, в котором непос­редственно говорится о налоге, уплачиваемом именно светской власти, объяс­няется, вероятно, тем, что здесь фигурирует Петр, основатель Церкви, с которой, собственно, и шел спор о необходимости такой уплаты. А изображе­ние сборщика подати, который по логике должен был быть иудеем, поскольку собирал эту подать на иудейский храм, в римской одежде — преднамеренная вольность Мазаччо, понадобившаяся ему для того, чтобы подчеркнуть, что у него речь идет о нуждах светской власти Флорентийской Республики.

Вершиной искусства Мазаччо являются фрески в капелле Бракаччи церкви Санта Мария дель Кармине, выполненные в 1427-1428 годах. Во фресках капеллы представлены эпизоды истории апостола Петра, а также два библейских сюжета -"Грехопадение" и"Изгнание из Рая". Начинаясь на высоте 1.96 метров над полом, фрески располагаются двумя ярусами на стенах капеллы и фланкирующих ее вход в столбах.

Одним из самых прославленных произведений Мазаччо в капелле Бракаччи является "Изгнание из Рая". На фоне скупо намеченного пейзажа четко вырисовываются фигуры выходящих из ворот рая Адама и Евы, над которыми парит ангел с мечом. Впервые в истории живописи Возрождения Мазаччо удалось убедительно выполнить нагое тело, придать ему естественные пропорции, твердо и устойчиво поставить на землю. По силе экспрессии эта фреска не имеет аналогий в искусстве своего времени.

Джотто - Бегство в Египет 1304-1306, Падуя, капелла Цель Арена Фреска. 200 * 185 см

На южной стене капеллы, под фресками, посвященными истории Анны и Иоакима, в проемах между окнами написаны пять сцен из детства Иисуса. К ним относится и сцена бегства Святого семейства в Египет. На фоне голого скалистого пейзажа изображена небольшая группа путников, она направляется туда, куда указывает парящий над ними ангел. Впереди идет Иосиф в охристо-желтом плаще, он разговаривает с мальчиком, ведущим под узцы осла, поэтому взгляд его обращен назад, в пространство картины. В центре композиции изображена исполненная достоинства Мария с младенцем, сидящая на осле. Тяжелые складки красного одеяния и некогда синего (ныне краски поблекли, стерлись) плаща, прямая посадка и высокий треугольный монолит скалы на заднем плане подчеркивают замкнутость центральной фигуры. В противовес статичности этой фигуры изображение осла, следующее античной традиции передачи движения ступающих коней, сообщает картине определенную динамику. Ее усиливает также живая жестикуляция трех юношей, сопровождающих Святое семейство. Их фигуры уравновешивают композицию слева. Драматизм сцены чувствуется в четком профиле озабоченного лица Марии, в бесплодном окружении, во всей ее фигуре, написанной жесткими линиями. Однако зеленеющие даже на склоне голой скалы оливковые деревья и фигура парящего ангела являются символами надежды.

Взятие Христа под стражу, или Поцелуй Иуды

Фрески капеллы дель Арена (Скровеньи) в Падуе Сцены из жизни Христа (1304-1306)

З а спокойно-торжественными предыдущими сценами Тайная вечеря и Омовение ног следует следует столпотворение Поцелуя Иуды. в которой Джотто достигает полной художественной проникновенности. Эта фреска - одна из самых известных и впечатляющих росписей капеллы дель Арена в Падуе - рассказывает о поединке добра и зла, благородства и низости.

На фоне синего неба среди плотно сомкнутой толпы, взметнувшихся копий и факелов Христос и обнимающий его Иуда изображены в профиль. Они смотрят друг другу в глаза, прекрасному лицу Спасителя противопоставлен низколобый, уродливый предатель-Иуда. Джотто достигает в этой драматической сцене неведомой до тех пор психологической глубины. Головы Христа и Иуды приближены друг к другу, и каждая выявляет человеческий характер. Лицо Иисуса остается удивительно спокойным, исполненным высокого благородства и нравственного величия, это единственная область покоя в самом центре эмоциональной бури. Лицо Иуды выглядит демоническим, исполненным низменного коварства. Это не индивидуальные портреты, но и не символы, это как бы образы самого человеческого рода, в контрасте добра и зла утверждающие его величие. Иуда предает своим поцелуем Христа, но Христос читает в душе Иуды и одним своим взглядом торжествует над ним. Это едва ли не первое и едва ли не лучшее в истории искусства изображение безмолвного поединка взглядов — труднейшее для живописца. Джотто любил и умел передавать молчаливые, многозначительные паузы, мгновения, когда поток внутренней жизни как бы останавливается, достигнув высшей кульминации.

Образы джоттовских героев занимают особое место в искусстве позднего дученто, они естественны, лишены патетики и наделены нравственным величием и цельностью чувств. Чувства персонажей, сдержанно выраженны в пластике жестов и взглядов в немом диалог Христа и Иуды на фоне одной лишь небесной синевы.

Все действующие лица в картинах Джотто делаются участниками одного драматического события, все они способствуют раскрытию единого замысла. Даже перекрещивающиеся копья стражников, в качестве фоновых деталей, обладают необыкновенной емкостью. Оружие стражников Джотто написал технике сухой фрески, к которой прибегали для прорисовки мелких деталей, потому многие детали вооружения стражников плохо различимы.

На фреске Поцелуй Иуды доминирует массивная фигура ученика-предателя, расширенная раздвинутым плащом, повторяющем жест объятия, складки на одежде и мантии священника драпируют тело, погружая его в тень - это один из наиболее впечатляющих примеров объективации пластической массы, достигнутых Джотто.

Весна Сандро Боттичелли

(ок. 1477-78) 203 х 314 см Галерея Уффици, Флоренция Эта знаменитая картина написана Боттичелли по заказу Лоренцо ди Пъерфранческо де Медичи, сделанному, вероятнее всего, вскоре после того, как Медичи приобрел виллу Кастелло. Точный смысл картины до сих пор остается предметом споров, хотя ее персонажи идентифицируются без особого труда. Справа Зефир (бог западного ветра) ловит нимфу Хлорис и превращает ее во Флору, богиню цветов и вестницу весны. Слева танцуют три Грации; Меркурий отгоняет облака своим волшебным жезлом. В центре композиции изображены Венера и Купидон. Все это может быть иллюстрацией отдельных положений философии неоплатонизма, которой увлекались Ло-ренцо и Боттичелли. Если исходить из этого, то картина показывает, что чувственная любовь (представленная эпизодом с участием Зефира) примирятся с любовью духовной (Грации) силой гуманистической мысли (ее воплощением выступает Венера). В этой работе чувствуется влияние античного искусства, хорошее знание классической скульптуры или зарисовок с нее, имевших большое распространение в эпоху Возрождения. Что касается техники, то, как писал А. Вентури, «здесь впервые резкая, определённая и изысканная линия подчинила себе форму. Сложный ритм Граций является первым в искусстве Боттичелли примером того острого чувства контура, которое всё будет возрастать в позднейшие годы». Мифологическая символика: Хлорис показана с падающими у нее изо рта цветами. Согласно мифу, Хлорис овладел Зефир и превратил ее во Флору. Цветы указывают именно на эту метаморфозу. Меркурий считался у неоплатоников хранителем тайных знаний. Здесь он отгоняет облака (обозначающие неведение от сада богини любви. Купидон в живописи эпохи Возрождения часто изображался с завязанными глазами, символизирующими слепоту любви. Три Грации здесь олицетворяют Красоту, Непорочность и Любовь.