41. Творчество м.А. Врубеля.

Михаи́лАлекса́ндровичВру́бель — выдающийся русский художник рубежа XIX—XX веков, мастер универсальных возможностей, прославивший своё имя практически во всех видах и жанрах изобразительного искусства: живописи, графике, декоративной скульптуре, театральном искусстве. Он был известен как автор живописных полотен, декоративных панно, фресок, книжных иллюстраций. Был женат на известной певице Н.И. Забеле, портреты которой неоднократно писа́л. Среди русских живописцев, создавших произведения на темы сказок и былин, Врубелю (1856 - 1910) принадлежит особое место. Художник сумел проникнуть в самый строй поэтического вымысла, ему удалось придать особый философский смысл образам народной фантазии.

Годы болезни (1902—1910)

В начале 1902 года у художника появились признаки психического, или как говорили в то время, душевного расстройства.11 марта знаменитый психиатр Владимир Бехтерев поставил диагноз, сказав, что болезнь неизлечима. Иногда он был в столь буйном состоянии, что его с трудом могли удержать четверо санитаров. Болезнь обострялась. При он этом продолжал работать над картинами «Азраил» и «Видение пророка Иезекииля» , «После концерта» , графическим автопортретом .

В ноябре 1905 года Врубель был удостоен звания академика. В декабре у него резко ухудшается зрение. Последняя картина, которую он смог написать — портрет поэта В. Я. Брюсова. В конце февраля 1906 года художник полностью потерял зрение. В 1906 году Михаила Врубеля перевезли в клинику доктора Бари на Васильевском острове, где он провёл последние годы жизни. Произведениями Врубеля восхищался Пабло Пикассо.

1 апреля 1910 года в клинике доктора Бари Врубель скончался.

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ МАНЕРА М.А. ВРУБЕЛЯ

Среди русских живописцев, создавших произведения на темы сказок и былин, Врубелю (1856 - 1910) принадлежит особое место. Художник сумел проникнуть в самый строй поэтического вымысла, ему удалось придать особый философский смысл образам народной фантазии.

Вглядываясь в волшебных героев врубелевских картин, кажется, что они соединили в себе все многообразие сказочных образов - от смутных мифологических символов до опоэтизированных народной фантазией персонажей фольклора. Художник исполняет картины и рисунки, посвященные великим созданиям мировой творческой мысли. Это «Гамлет» Шекспира, «Фауст» Гёте, «Пророк» Пушкина, «Демон» Лермонтова.

Врубель мучился над вечными вопросами: может ли красота быть злой, а зло - прекрасным.

Он вошел в историю искусства как художник редчайшей задушевности. Если он сталкивался с проявлениями зла и уродства, то сквозь его негодование гражданина нередко проглядывала ирония. Он чувствовал свое моральное превосходство над злом.

В картинах Врубеля, связанных с народным эпосом - «Богатырь», «Царевна-Лебедь», «Пан», «Морская царевна», «К ночи», - примечательно глубокое философское осмысление сказочных образов. Художнику удалось удивительно тонко и мудро воплотить одну из особенностей, лежащих в основе народной поэзии,- мифологическое обожествление сил природы, их неразрывную и органическую связь с реальным миром.

Вечно ищущий, стремящийся отойти от привычных канонов, Врубель даже в своих официальных работах смущал смелым, порой дерзким решением, необычной тематикой.

Слава Врубеля, его значение сейчас уже не вызывают сомнения ни у кого, но они были подвержены резким переменам. Споры и полемический задор относительно художественной ценности его творений сохранялись долгие годы после смерти художника.

Замечательный живописец, поэт краски и линии Врубель вырабатывает свой язык, свой стиль, свое понимание цвета. Он стремится собрать воедино стихию цветовых гармоний. В лучших из своих декоративных холстов он избегает той плоскостности, которая была свойственна декоративистам эпохи модерна. И как лучшие колористы всех времен и народов, Врубель умел отсветами бережно распределять свои красочные богатства на холсте. Примером этому может послужить «Демон поверженный», в котором вполне определенно выявлен тот принцип стиля модерн, который можно охарактеризовать как орнаментальность..

Врубелевские произведения всегда озарены чем-то необычайным - даже тогда, когда художник не выбирает своим предметом заведомо возвышенные мотивы и ситуации. Картина «К ночи» (1900) может служить в этом отношении прекрасным примером. Из этой сцены он извлекает нечто таинственное, почти мистическое. Горят прекрасные цветы чертополоха. Они зажигают ночной пейзаж причудливыми отблесками. Врубель одушевляет природу, он наделяет волей цветы, сообщая им способность чувствовать, воздействовать на людей своей завораживающей магией.

Вообще, цветы были излюбленным объектом художника: он пристально вглядывался в сложную конструкцию цветка, создавая свои карандашные этюды. Цветы часто фигурируют в картинах мастера. Иногда это «цветы зла», иногда образы неподвластной человеку стихии, как, например, в картине «Сирень» (1900).

Врубель предпочитал начинать с частностей, с деталей, так как особенно любил детали, любил погружаться в узоры микромиров. Это уже было его личное, собственное, но техника расчленения на планы, обрисовки планов, построения углами исходила от системы.

В свою очередь, от уроков Чистякова берет начало у Врубеля и подчинение цвета рисунку, зависимость цвета опять-таки от планов формы. У Врубеля чувство самоценной красоты цвета, «самоцветности», было в высочайшей степени развито, тем не менее, он постоянно носился с идеей создания эквивалента многоцветности в монохромной гамме - от темного к светлому. Цвета стихийного, вырвавшегося из-под власти формы, у Врубеля не было никогда. И это не удивительно, ведь никто другой из русских художников не сказал о себе таких слов как Врубель: «Форма - это все», «Красота - вот наша религия», «и знаешь, что стоит во главе этой красоты - форма, которая создана природой вовек».

Страстный культ формы, стремление ее «обнять» соединялось у Врубеля со страстью к орнаменту, узору, но его узор был ничем иным, как проекцией на плоскость рельефа, все тех же «планов»; в этом принципиальное отличие врубелевской орнаментальности от типической орнаментальности модерна.

Итак, артистизм и техника, «тонкая работа» без мазни, без приблизительности, своего рода классичность - вот качества, которые вырабатывал у своих учеников Чистяков, и умела ценить старая Академия: они развились у Врубеля в академические годы и остались в фундаменте его творчества. Он был, прежде всего, Мастер, посвященный в таинства высокого ремесла.

Врубель сразу же предстал перед широкой публикой автором панно на сказочно-фантастические темы. На Всероссийской промышленной выставке в Нижнем Новгороде (1896), где экспонировались «Микула Селянинович» и «Принцесса Греза» Врубеля, была устроена вторая всероссийская выставка русского искусства всех обществ и направлений.

Cсказочные образы Врубеля имеют истоки не только в национальном фольклоре, переложенном в музыке поэзии русскими композиторами и писателями. Более заметно, что Врубель черпал эти мотивы из мировой художественной культуры. Опосредованно они приходили и из творчества великих европейских современников художника - писателей, музыкантов. А через их искусство интересы Врубеля вели его к эпосу или античности, снова к высоко им ценимой творчески понятой классике, помогавшей великому художнику решать проблему «человек и природа».

Билет № 42 «Мир искусства» — значительное явление в русской художественной жизни конца XIX — начала XX века, сыгравшее большую роль в разви­тии не только изобразительного искусства в России, но и театра, музыки, архитектуры, прикладных искусств.

Колыбелью «Мира искусства» был кружок петербургской интеллиген­ции, возникший в 1890-х годах. В ее число входили художники А. Н. Бе-нуа, К. А. Сомов, Л. С. Бакст. К концу этого десятилетия «Мир искусства» оформился как идейно-художественное объединение. В нем участвовал В. А. Серов, поддержавший его своим авторитетом. Ядро молодой группи­ровки пополнили Е. Е. Лансере и М. В. Добужинский. Большую органи­зационную роль сыграл преданный интересам искусства С. П. Дягилев. С 1899 по 1904 год деятели «Мира искусства» издавали литературно-худо­жественный журнал. Однако он не был единым в своей направленности. Его художественный отдел, возглавляемый выдающимися мастерами изо­бразительного искусства, резко отличался от литературно-философского, носившего символистски-религиозный характер.

Своей основной целью мирискусники считали обновление русского ис­кусства, повышение его художественной культуры, мастерства, широкое приобщение к традициям зарубежного и отечественного наследия.^ Они много и плодотворно работали не только как художники, но и как истори­ки искусства, критики, популяризаторы классического и современного ис­кусства.

Особенно большую роль в русской художественной жизни «Мир искус­ства» сыграл в первый период своего существования, продолжавшийся около десяти лет. Мирискусники устраивали обширные выставки отечест­венного и зарубежного искусства, были инициаторами многих художест­венных начинаний. Они объявили себя тогда противниками как рутинного академизма, так и мелкого бытовизма поздних передвижников.

В своей творческой практике мирискусники исходили из конкретных жизненных наблюдений, изображая современные им природу и человека, и из историко-художественных материалов, обращаясь к излюбленным ими ретроспективным сюжетам, но при этом они стремились передавать мир в преображенном виде, в декоративно-приподнятых формах и одной из главных своих задач считали поиски синтетического искусства «большого стиля».

В ранние годы жизни объединения мирискусники отдали дань инди­видуализму, которым была проникнута европейская культура тех лет, и теории «искусство для искусства». Позже, в предреволюционное десяти­летие они во многом пересмотрели свои эстетические позиции, признав индивидуализм губительным для искусства. В этот период их основным идейным противником стал модернизм.

В двух видах искусства художники «Мира искусства» достигли осо­бенно значительных успехов: в театрально-декорационном, воплотившем их мечту о гармонии искусств, об их синтезе, и в графике.

Графика привлекала мирискусников как один из массовых видов ис­кусства, им импонировали также ее камерные формы, распространенные в те годы во многих видах искусства. Кроме того, графика требовала к себе особого внимания, так как была значительно менее развита, чем живопись. Наконец развитию графики способствовали и достижения в отечественной полиграфии.

Своеобразием станковой графики «Мира искусства» стали пейзажи старого Петербурга и его пригородов, красоту которых художники воспе­вали, а также портрет, который в их творчестве занял в сущности равное место с живописным. Большой вклад в графику начала XX века внесла А. П. Остроумова-Лебедева; в ее творчестве гравюра на дереве утвер­ждается как самостоятельный вид искусства. Своеобразным было роман­тическое творчество В. Д. Фалилеева, развившего искусство гравюры на линолеуме. Самым значительным явлением в области офорта были работы В. А. Серова. Они отличались простотой, строгостью формы и великолеп­ным мастерством рисунка. Серов продвинул вперед и развитие литогра­фии, создав ряд замечательных портретов в этой технике, отличавшихся выразительностью при удивительной экономии художественных средств.

Огромных успехов мастера «Мира искусства» достигли в области книжной иллюстрации, подняв на высокий уровень художественную куль­туру книги. Особенно значительна в этом отношении роль А. Н. Бенуа, Е. Е. Лансере, М. В. Добужинского. Плодотворно работал в книжной гра­фике И. Я. Билибин, Д. Н. Кардовский, Г. И. Нарбут, Д. И. Митрохин, С. В. Чехонин и другие.

Лучшие достижения искусства графики начала века, и в первую оче­редь «Мира искусства», содержали предпосылки для широкого развития советской графики.