25. Историческое произведение Веласкеса «Сдача Бреда», поздние произведения - «Менины», «Пряхи».

В последние годы жизни Диего Веласкес написал две самые знаменитые свои картины. В картине “Менины” (“Фрейлины”, 1657, Прадо, Мадрид) частный эпизод придворного быта (на первом плане – инфанта Маргарита в окружении фрейлин и карликов, рядом – сам художник за исполнением портрета испанской королевской четы, отраженной в зеркале в глубине зала), изображенный в смелом пространственном развороте, предстает как один из моментов общего течения жизни во всей сложности ее взаимосвязанных и изменчивых проявлений. Пленительная красота и живописное многообразие реальности воплотились в серо-жемчужном колорите картины с нанесенными свободными ударами кисти голубыми, розовыми, темно-серыми, коричневатыми прозрачными мазками.

В ином, более мажорном колористическом ключе написаны “Пряхи” (1657, Прадо, Мадрид), сцена в королевской мастерской ковров с фигурами прях на первом плане и ярко освещенным солнечным светом помещением в глубине композиции, где придворные дамы осматривают готовый ковер, изображающий миф об Арахне - ткачихе, превзошедшей в своем мастерстве богиню Афину. Контрасты освещения, “двуслойное” пространственное построение композиции, своего рода золотая пыль, окутывающая фигуры прях, создают в картине особую атмосферу общего для всех персонажей чувства, объединяющую в себе все их движения, жесты, душевные импульсы.

27. Реалистическое искусство Франции 17 века Братья Ленен, Жорж де Латур (ла Тур).

Ленен Луи Французский живописец, мастер групповых портретов из жизни крестьян. Смена вкусов в раннем XVII веке, приведшая к заинтересованности в сюжетах из повседневной жизни, в каждой школе породила особые концепции. Творчество Луи Ленена и двух его братьев, Антуана и Матье, которые были родом из Лана в Нормандии, принципиально не похоже ни на чье другое. Луи Ленен чаще всего изображал семейные сцены вокруг скудно накрытого стола, незамысловатую крестьянскую жизнь, как правило, вне дома, на пути с поля домой.Луи Ленен трактовал свои сюжеты с торжественной монументальностью. Серьезные персонажи этих картин, представленные сидящими вокруг низких столов, так же сдержанны, как и само представленное здесь существование, умеренное и бережливое. В них нет ничего от развеселости буйных сцен, изображавшихся в Харлеме, ничего от итальянизирующего снобизма Утрехтской школы. В караульных комнатах не происходит сомнительных дел и экзотичных развлечений солдатни. Нет вообще ничего комичного или галантного, плутовского или покровительственного. Мало предметных деталей, которые позволили бы обнаружить в картине присутствие натюрморта; нет морализации, равно как и ничего аморального. Вся выразительность заключается в серьезности изображаемого, в собранности этого затененного пространства с приглушенным светом. Свет, падающий сбоку, усиливает убедительность моделировки фигур, которые пребывают в задумчивом ожидании, будто ждут, пока их напишут. Запечатлена трудовая жизнь в условиях, близких к бедности, и все же в ней явственно звучит то философское спокойствие, с каким переносится нужда и сдерживается расточительность. В других картинах Ленена сюжеты, взятые из Евангелий или мифологии, представлены со сходным сдержанным тактом и впечатляют такой же весомой портретностью. Может создаться убеждение, что это монументально ясное и простое состояние людей было в такой же степени запомнено или изобретено, в какой и наблюдаемо в жизни. Понятно, что того последовательно выдержанного равновесия и классически уравновешенного настроения, которое отличает лучшие картины братьев Ленен (а они все кажутся исполненными кистью Луи), было трудно не только достичь, но и сохранить. Существует много подражаний манере братьев Ленен — подражаний, которым всегда чего-то недоставало, чтобы стать столь же возвышенным и достичь той же выверенности всех элементов картины и самого ее строя. Взамен этого появлялась детская умильность или нарочитая наивность, создававшая совсем иное настроение. Характерно, что идея классической простоты в домашнем обиходе то и дело появляется во французской живописи, иногда в не менее содержательной трактовке, но чаще — с ощущением поверхностного равновесия, лишь внешне созвучного с тем идеалом человека, который преподал нам Луи Ленен.

В развитии реалистического направления живописи Франции первой половины 17 века важная роль принадлежала братьям Ленен (Le Nain) — Антуану (Le Nain Antoine, около 1588-1648), Луи (Le Nain Louis, около 1593-1648) и Матье (около 1607-1677) из города Лана в Пикардии. С конца 1620-х годов братья Ленен имели общую мастерскую в Париже, писали групповые портреты на медных досках («Семейный портрет», 1642, Музей Лувр, Париж), сцены из крестьянской жизни, в которых монументализировали обыденные явления, придавали фигурам торжественную значительность, наделяли образы крестьян высоким чувством собственного достоинства («Возвращение с сенокоса», 1641, «Кузница», «Трапеза крестьян», 1642, — все в Лувре, Париж; «Семейство молочницы», 1640-е годы, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Ясный эмоциональный строй картин братьев Ленен определяется чёткостью композиционного построения, лаконичностью форм, благородством серебристо-серой цветовой гаммы.

Жорж де Латур Французский живописец из Лотарингии. Испытал воздействие Караваджо и мастеров нидерландского караваджизма. С 1620 года Латур работал в Люневиле, с 1639 года он - "живописец короля". Ранние жанровые сцены Латура ("Шулер", Лувр, Париж), религиозные композиции зрелого периода ("Новорождённый" или "Рождество", Музей изящных искусств, Ренн; "Скорбящая святая Магдалина", Лувр, Париж; "Отречение апостола Петра", 1650, Музей изящных искусств, Нант) отмечены сдержанным колоритом, лирической созерцательностью, пластической обобщенностью форм, выдержанным в теплых, красновато-коричневых тонах, сиянием мягкого, рассеянного света, придающего духовность и тонкую эмоциональность бытовым мотивам. Искусство Латура после его смерти было совершенно забыто и открыто вновь лишь в начале ХХ века. Творчество мастеров реалистической живописи XVII века, вновь открытых в XX столетии, было предметом острой полемики, прежде чем обрело понимание со стороны критиков и признание широкой публики. Исключением не стал и Жорж де Латур. Подлинность его картин в Лувре ныне не подвергается сомнению, серьезные раздумья вызывает лишь картина "Шулер с бубновым тузом" полотно, которое выглядит неким исключением в творчестве этого большого мастера. Некая дисгармония впечатления возникает от бросающейся в глаза нарочитости поведения всех персонажей. Взгляды их искоса, с осторожной и недоверчивой хитростью, наверное, призваны разубедить нас в наивности игроков, предполагаемой каждым из них друг в друге. Следует признать, что мы еще недостаточно хорошо знаем творчество Латура и не можем выстроить его произведения в линию последовательного развития художника. Пять луврских картин Жоржа де Латура явно принадлежат пяти четко различающимся периодам его творчества, и по крайней мере, одна из них — картина "Святая Ирина, ухаживающая за святым Себастьяном" — отмечена лаконичной выразительностью, не оставляющей сомнений в возвышенной и глубокой человечности этого таланта. Геометрическое начало, тяготение к округлой продолговатости форм четко выявляются в наиболее разработанных и сложных картинах Латура — "Скорбящая святая Магдалина" ("Магдалина в пламени лучины") и особенно "Святой Иосиф-плотник". В этом ряду к более ранней, видимо, эволюции можно отнести "Поклонение пастухов" (из всех луврских работ она ближе всего к самой знаменитой и самой красивой картине Латура "Рождество" ("Новорожденный"), находящейся в художественном музее города Ренн. Возможно, в будущем мы лучше узнаем путь этого пока что загадочного художника и гуманная проникновенность его произведений станет нам еще ближе. Картина Жоржа де Латура "Шулер с бубновым т узом". Хитрые взгляды карточных игроков намекают на то, что никто из них не отличается честностью. Но лишь один шулер, не скрывая, придерживает за спиной две карты. Яркий свет, отбрасывающий глубокие тени, делает еще более теплыми краски одежд персонажей картины. Фон, погруженный в полную темноту, усиливает по контрасту светлые участки холста. Хотя картина относится к эпохе барокко, фигуры изображены с геометрической простотой - к примеру, овал лица сидящей женщины - что восходит к художникам раннего итальянского Возрождения, таким как Пьеро делла Франческа. Художники эпохи барокко, как правило, много путешествовали; в отличие от них Латур провел жизнь во французской провинции Лотарингии. У него часто встречаются композиции, освещенные пламенем свечи, в них он добивается магического эффекта сияния теплых красных и коричневых оттенков. Светоносность картин Жоржа де Латура напоминает работы Караваджо. Одна из картин Латура была принята в дар французским королем и так понравилась ему, что он убрал картины других художников из своих комнат.

28. Творчество Никола Пуссена - родоначальника классицизма в европейском искусстве /Венера и Марс», «Танкред и Эрминия», «Эсфирь перед Артаксерксом», «Аркадские пастухи», «Царство Флоры». Героический пейзаж Пуссена («Пейзаж с Полифемом», серия «Времена года») Автопортрет.

Пуссен Никола (Poussin Nicolas) (1594-1665), французский живописец и рисовальщик. Учился у К.Варена и других французских художников; с 1624 Пуссен жил в Риме (в 1640-1642 - в Париже), испытал влияние Карраччи, Доменикино, Рафаэля, Тициана, Микеланджело, изучал трактаты Леонардо да Винчи и Дюрера, зарисовывал и обмерял античные статуи, занимался анатомией и математикой. С 1620-х годов живописец Никола Пуссен создавал картины высокого гражданственного звучания, заложившие основы классицизма в европейской живописи (картина “Смерть Германика”, 1626-1627 годы, Институт искусства, Миннеаполис), поэтические композиции на литературные и мифологические темы, отмеченные возвышенным строем образов, эмоциональностью интенсивного, мягко сгармонизированного колорита (“Ринальдо и Армида”, 1625-1627, Государственный музей изобразительных искусств, Москва; “Танкред и Эрминия”, 1630-е годы, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург; “Парнас”, 1630-1635, Прадо, Мадрид). Господствующий в произведениях Никола Пуссена 1630-х годов ясный композиционный ритм воспринимается как отражение разумного начала, придающего величие благородным поступкам человека (“Аркадские пастухи”, около 1629-1630, собрание герцога Девонширского, Чатсуорт; “Нахождение Моисея”, 1638, Лувр, Париж). С 1650-х годов в т ворчестве Пуссена усиливается этико-философский пафос. Обращаясь к сюжетам античной истории, уподобляя библейских и евангельских персонажей героям классической древности, художник добивался полноты образного звучания, ясной гармонии целого (“Отдых на пути в Египет”, 1658, Эрмитаж, Санкт-Петербург; “Великодушие Сципиона”, 1653, ГМИИ, Москва). Развивая принципы идеального пейзажа, Никола Пуссен делает природу воплощением целесообразности и совершенства (“Пейзаж с Полифемом”, около 1649, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург; серия пейзажей “Времена года”, 1660-1664, “Аполлон и Дафна”, - все картины в музее Лувр, Париж). Вводя в пейзаж мифологические персонажи, олицетворяющие различные стихии,используя в них эпизоды библейских сказаний, Пуссен выражал идеи высшей необходимости или судьбы, как начала, регулирующего взаимоотношения человека и мироздания.

Царство Флоры Марс и Венера