22. Испанская живопись первой половины и середины 17 века Творчество Хосе Риберы и Франсиско Сурбарана

Испанская живопись Конец 16 — первая половина 17 века — период блестящего расцвета испанской культуры, ознаменованный деятельностью Тирсо де Молина, Лопе де Вега, Сервантеса, автора бессмертного «Дон-Кихота» — подлинной энциклопедии народной жизни Испании 17 века. По пути реализма шло изобразительное искусство, и прежде всего живопись. Привязанность к правде, к национально-бытовому колориту сочеталась в произведениях живописи со страстными поисками прекрасного и возвышенного. В Испании подъем искусства наступает позднее, чем в передовых для того времени странах Европы — Италии и Нидерландах. Он пришелся на время ослабления экономической и политической жизни страны и утверждения в ней реакционной формы абсолютизма. Однако к началу 17 столетия освободительные идеи предшествующих веков еще не угасли, а победа реакции не была полной. Католическая религия, игравшая большую роль в жизни Испании, оказывала сильное влияние на изобразительное искусство, на его тематику. В нем преобладали религиозные сюжеты, которые, однако, истолковывались художниками лишь в аспекте реальной жизни. Самый смелый полет поэтической фантазии претворялся в образах, подсмотренных в повседневной жизни. Испанские художники, такие как Эль Греко, Хусепе Рибера, Франсиско Сурбаран, Диего Веласкес сумели передать такие черты национального характера, как сознание собственного достоинства, гордость, чувство чести, связанное с личными заслугами. Человек показывается большей частью в благородном, строгом и величавом аспекте. Своеобразие испанской культуры 17 века определялось соотношением классовых сил в обществе, которое состояло из могущественной аристократии, с одной стороны, и широких масс народа, крестьянства и плебейских элементов — с другой. Буржуазия, экономически слабая, мало сплоченная, не имела веса в общественной жизни страны и почти не участвовала в создании ее культуры. Это обусловило распространение в испанской культуре реакционно-сословных, дворянских и религиозных представлений, подавляющих личность, и вместе с тем — мощное выражение народного начала во всех областях культуры. Личность в Испании оказалась более связанной с окружающим ее обществом, которое было еще патриархально монолитным, не знало крайних форм индивидуализма, нередко проявлявшихся в эпоху Возрождения в Италии. Только в Испании могло существовать искусство, «от которого пахло землей», и наряду с этим изысканно утонченное, болезненно хрупкое искусство для «посвященных». Испанская интеллигенция не оставалась чуждой передовым идеям эпохи. В политических трактатах появлялись мысли о суверенитете народа; возник интерес к естественным и точным наукам, делались открытия в астрономии, физике, математике, географии. Ни в одном европейском театре того времени нельзя найти такого острого выражения социального протеста, как в «испанских драмах чести». Специфические черты испанского искусства 17 века, его демократизм и утонченный интеллектуализм, многочисленность локальных местных и творческих направлений можно понять, исходя из особенностей исторического развития Испании. На протяжении столетий (8—15 века), проходивших под знаком национально-освободительной борьбы (реконкисты) испанского народа с завоевателями-маврами, в Испании сложились формы государственности, общественные отношения и ярко выраженные черты национального характера. Реконкиста сформировала народную основу культуры, так как ее движущей силой были народные массы города, крестьянство, рано освободившееся от крепостной зависимости и осознавшее свои гражданские нрава. В искусстве средневековой Испании чувствовались веяния народного творчества с его свежестью восприятия жизни.

Х осе Риберы Одним из первых представителей реалистической школы Валенсии был живописец, график, рисовальщик и гравер Хусепе де Рибера (Jose de Ribera) (около 1591—1652), по прозвищу Spagnoletto — маленький испанец. Рибера учился у испанского художника-реалиста Рибальты, был последователем Караваджо. Посетив Рим и Парму, Рибера поселился и большую часть жизни прожил в Неаполе, однако остался глубоко национальным художником. В творчестве Риберы преобладали религиозные темы, трактованные с жизненной достоверностью, бытовой конкретностью и драматизмом. Испанский художник в своих картинах обращался также к мифологическим сюжетам, писал портреты, воплощая в них, как и в религиозных композициях, индивидуальные национально-самобытные характеры испанцев из народа. Рибера изображал суровых аскетов, сильных, мужественных людей, отшельников с благородными лицами и пламенными взглядами. Это люди сильных и искренних чувств, страстно борющиеся за свои идеалы, стоически выносящие страдания. Обычно их фигуры или полуфигуры изображены на переднем плане и заполняют почти всю плоскость картины. В отличие от Эль Греко Рибера стремился к точности воспроизведения характерного, включая множество подробностей и характеризуя особенности формы. Его рисунок и моделировка тщательны, но обобщенная энергичная лепка объемов большими массами света и тени определяет впечатление монументальности. В однофигурных композициях, типичных для него, Рибера шел от этюдов с натуры: изображал рыбаков, уличных бродяг, носильщиков, с увлечением писал их выразительные характерные загорелые лица с грубой обветренной и обожженной солнцем кожей, следами жизненных невзгод. Темпераментная лепка плотным пастозным мазком придает пластическую силу суровым фигурам его героев в рубищах и нищенских лохмотьях. Картина Хусепе Риберы «Отшельник святой Павел». Святой Павел Отшельник был первым христианским святым, который вел одинокий и созерцательный аскетичный образ жизни. На картине Риберы он изображен стариком, истощенным суровой жизнью в египетской пустыне. Однако в нем по-прежнему горит религиозный пыл тогда, когда он размышляет над черепом, символом бренности человеческого бытия. Резкий, почти театральный свет озаряет дряблое тело, морщинистый лоб и выразительные руки, придавая картине поразительно реалистичный характер. Искусство Риберы взывает к испанскому спиритуализму XVII века, который выражен здесь и драматической трактовке светотени (кьяроскуро), ведущей свое происхождение от итальянского художника Караваджо. В 1616 году Рибера обосновался в Неаполе; его стиль заложил основу великой традиции неаполитанской живописи, в которой особенно подчеркнуто то, что один критик назвал «поэзией отталкивающего».

К ранним работам Риберы относится картина «Святой Иероним, внимающий звуку небесной трубы» (1626, Санкт-Петербург, Эрмитаж). Правдиво переданы смятение перед лицом смерти, страх, искажающий черты отшельника. Яркий луч света, как бы внезапно врывающийся в мрак кельи, обостряет драматизм сцены и ощущение неожиданности события; вместе с тем он концентрирует внимание на фигуре старца, его судорожных движениях. Однако душевное волнение охарактеризовано внешне — преувеличенной экспрессией мимики и жеста, общим бурным движением, которое захватывает предметы переднего плана. Резкая светотень придает тяжеловесность красочным тонам. С середины 1630-х годов живописная манера Риберы стала легче, свободнее, воздушнее, краски богаче в оттенках. Исчезли непроницаемые красноватые тени, глухой темный фон, характерные для ранних работ, свет пронизывал их, пространство наполнилось воздухом. Художник перешел к колориту, в котором доминировали холодновато-серебристые, а позже золотистые тона, добивался в пределах сдержанной гаммы большей цветовой насыщенности, передавал изменчивость цвета под воздействием света. Он обращался к лирическим темам, создавал своеобразные жанровые портреты. Образы его героев стали более одухотворенными, его привлекали не внешние драматические коллизии, а внутренние переживания («Святой Онуфрий», 1637, Санкт-Петербург, Эрмитаж), природные сильные стороны натуры. В 1640-е годы композиции Риберы становятся спокойными и уравновешенными. В картине «Святая Инесса» (1641, Дрезден, Картинная галерея) трогательная хрупкость и угловатость юности сочетаются с грацией, целомудрие — с внутренней силой. Лицо девушки-мученицы, озаренное лучистым взглядом, написано широко и свободно. Рассеянный свет образует вокруг ее фигуры мерцающую воздушную среду, смягчает контуры, усиливая одухотворенность образа. Рибера писал эту картину разнообразными по длине и направлению мазками густых красок, тончайшими переливчатыми оттенками цвета выделяя яркие блики. Рибера часто изображал людей из народа, используя композиционные приемы парадного портрета. В картине «Хромоножка» (1642, Париж, Лувр) живописец Хусепе Рибера сочетает элементы парадного портрета и жанра. Подросток-нищий с безобразной внешностью, облаченный в бедную одежду, исполнен независимости и даже дерзкой насмешливости. Его причудливый силуэт высится над просторами пейзажа, неуклюжая фигура, данная мощной живописной массой, четко читается на фоне неба благодаря низкой линии горизонта. Напоенный воздухом и полуденным золотистым светом пейзаж помогает художнику передать реалистический замысел.

Франсиско Сурбарана Художественные идеалы Испании 17 века по-другому воплотились в творчестве Франсиско де Сурбарана (Francisco de Zurbaran) (1598—1664), сыгравшего важную роль в развитии испанского реализма. Он родился в сельской местности, художественное образование получил в Севилье. Сурбаран писал сцены из монашеской жизни, мучеников, святых, но в рамках религиозных сюжетов убедительно рассказывал о современной жизни Испании, передавал обыденные сцены в строгих размеренных ритмах и композициях, в монументальных формах. Персонажи Сурбарана наделены душевным благородством, способностью к сильным чувствам. Они исполнены благочестия, но их религиозность не исступленная, как у Эль Греко, глубокий драматизм скрыт за внешней сдержанностью. Действующие лица обычно написаны с натуры и часто отличаются портретностью. Выходец из крестьян, Сурбаран сохранил привязанность к земле, к вещам; их изображения он включал в фигурные композиции, которые, однако, не получали у него жанровой окраски, потому что художник видел в обыденном значительное и находил возвышенное в суровой простоте, порядке, ясности. Мощное ощущение реальной жизни, лаконизм художественного языка и пластическая сила живописи создают в произведениях Сурбарана впечатление торжественной серьезности. Художник остро чувствовал красоту строгого рисунка, простых четких монументальных объемов, построенных большими плоскостями с помощью контрастов светотени. Ведущую роль в его произведениях играют цветовые пятна, их средствами он передает объем и движение. Плотно положенные краски глубоки, звучны, насыщенны, богаты полутонами и смелыми контрастами, мазок широк и спокоен. Сурбаран любил голубые, розово-красные, зеленые, оранжевые, лиловые, градации серо-черных, серо-коричневых тонов.

Святой Франциск Ассизский Святая Касильда Видение Алонсо Родригеса