Билет1 Значение формата и размера холста в создании живописного этюда Немаловажное значение для успешной работы художника имеет размер этюда. Поэтому очень важно с учетом своих сил и возможностей выбирать для этюдов тот размер холста, который наиболее легок и удобен для работы в сравнительно короткие сроки и в то же время дает возможность добиться законченности произведения. Обычно Рерих пользовался картоном, имеющим размер 35,5х45,8 см; для этюдов-набросков он применял картон еще меньшего формата.

Живопись: виды и жанры Живопись подразделяют на монументальную, декоративную, театрально-декорационную, миниатюрную и станковую.

  Монументальная живопись – особый вид живописных произведений большого масштаба, украшающих стены и потолки архитектурных сооружений. Она раскрывает содержание крупных социальных явлений, оказавших положительное влияние на развитие общества, прославляет их и увековечивает, содействуя воспитанию людей в духе патриотизма, прогресса и гуманности. Возвышенность содержания  монументальной живописи, значительные размеры ее произведений, связь с архитектурой требуют больших цветовых масс, строгой простоты и лаконизма композиции, ясности контуров и обобщенности пластической формы.

Декоративная живопись применяется для украшения зда­ний, интерьера в виде красочных панно, которые реалистическим изображением создают иллюзию прорыва стены, зрительного уве­личения размеров помещения или, напротив, нарочито уплощен­ными формами утверждают плоскостность стены и замкнутость пространства. Узоры, венки, гирлянды и прочие виды декора, украшающие произведения монументальной живописи и скульпту­ры, связывают воедино все элементы интерьера, подчеркивая их красоту, согласованность с архитектурой.

Декоративной живописью украшают и вещи: ларцы, шкатулки, поставцы, подносы, сундуки и пр. Ее темы и формы подчинены на­значению вещей, о чем подробно рассказано в следующей главе.

Театрально-декорационная живопись (декорации, эскизы костюмов, грима, бутафории) помогает глубже раскрыть содержание спектакля. Особые театральные условия восприятия декорации требуют учета множества точек зрения публики, их большой удаленности, воздействия искусственного освещения и цветных подсветов. Декорация дает представление о месте и време­ни действия, активизирует у зрителя восприятие того, что происхо­дит на сцене. Театральный художник стремится в эскизах костю­мов и грима остро выразить индивидуальный характер персонажей, их социальное положение, стиль эпохи и многое другое.

Миниатюрная живопись получила большое развитие в средние века, до изобретения книгопечатания. Рукописные книги украшались тончайшими заставками, концовками, детально прора­ботанными иллюстрациями-миниатюрами. Живописной техникой миниатюры русские художники первой половины XIX века искусно пользовались при создании небольших (главным образом акварель­ных) портретов. Чистые глубокие цвета акварели, их изысканные сочетания, ювелирная тонкость письма отличают эти портреты, полные изящества и благородства.

Станковая живопись, выполняемая на станке - мольбер­те, в качестве материальной основы использует дерево, картон, бумагу, но чаще всего холст, натянутый на подрамник. Станковая картина, являясь самостоятельным произведением, может изобра­жать решительно все: фактическое и вымышленное художником; неодушевленные предметы и людей; современность и историю - словом, жизнь во всех ее проявлениях. В отличие от графики станковая живопись обладает богатством цвета, который помога­ет эмоционально, психологически многогранно и тонко передать красоту окружающего мира.

Живопись подразделяется на масляную, темперную, фресковую, восковую, мозаичную, витражную, акварельную, гуашевую, па­стельную. Названия эти получились от связующего вещества или от способа применения материально-технических средств.

Масляная живопись выполняется краской, стертой на растительных маслах. Густая краска при добавлении к ней масла или специальных разбавителей и лаков разжижается. Масляной крас­кой можно работать на холсте, дереве, картоне, бумаге, металле.

Темперная живопись выполняется краской, приготовлен­ной на яичном желтке или на казеине. Темперная краска раство­ряется водой и наносится пастозно или жидко на стену, холст, бу­магу, дерево. Темперой на Руси создавались настенные росписи, иконы и узоры на бытовых предметах. В наше время темперу используют в живописи и графике, в декоративно-прикладном искусстве и художественно-оформительском деле.

Фресковая живопись украшает интерьеры в виде монумен­тально-декоративных композиций, нанесенных по сырой штука­турке водяными красками. Фреска имеет приятную матовую по­верхность и долговечна в условиях закрытого помещения.

Восковая живопись (энкаустика) применялась еще худож­никами Древнего Египта, о чем свидетельствуют знаменитые «фаюмские портреты» (I век н.э.). Связующим веществом в энкау­стике служит отбеленный воск. Восковые краски наносятся в горя­чем состоянии на дощечку или холст подогретым металлическим инструментом.

Мозаичная живопись, или мозаика, собирается из отдель­ных кусочков смальты или цветных камней и закрепляется на осо­бом цементном грунте. Прозрачная смальта, вставленная в грунт под разными углами, отражает или преломляет свет, вызывая вспыхивание и мерцание цвета. Мозаичные панно можно встре­тить в театральных и музейных интерьерах, в метро и т. д.

Витражная живопись - произведения декоративного ис­кусства, предназначенные для украшения оконных проемов в каком-либо архитектурном сооружении. Витраж составляется из кусков цветного стекла, скрепленных прочным металлическим каркасом. Световой поток, пробивая цветную поверхность витража, рисует на полу и стенах интерьера декоративно эффектные, многоцветные узоры.

В современной живописи существуют следующие жанры: портрет, исторический, мифологический, батальный, бытовой, пейзаж, натюрморт, анималистический жанр.

Билет 2 требования к учебному заданию по живописи натюрморта масляными красками

Последовательность в работе над рисунком натюрморта.

Процесс рисования – сложный комплекс мыслительной и практической деятельности. Зрительное восприятие натуры, как правило, является целостным. При выполнении рисунка натюрморта количество этапов определяется сложностью натюрмортной постановки, однако основными этапами принято считать:

1 композиционное размещение изображения всей группы и отдельных предметов на плоски листа.

2. конструктивное решение формы предметов с учетом их пространственного положения.

3. светотеневое решение большой формы и установление основных тональных отношений.

4 детальная проработка фона тоном.

5.обобщающий этап работы нал завершением рисунка.

Товарищество передвижных художественных выставок – объединение художников России конца 19 века. В ноябре 1863 года четырнадцать выпускников императорской Академии художеств отправили в Совет Академию просьбу, в которой просили заменить традиционное конкурсное задание, предоставив молодым художникам свободу в выборе темы. Полученный от Совета отказ обернулся так называемым «бунтом четырнадцати». Выпускники, оставив Академию, создали «Санкт-Петербургскую артель художников». В 1870 году это объединение было переименовано в «Товарищество художественных выставок». Членами ТПХВ в разные периоды были Н.Н. Ге, И.Н. Крамской, Г.Г. Мясоедов, В.Г. Перов, В.А. Серов, В.Д, Поленов, И.Е. Репин, А.К. Саврасов, В.И. Суриков, И.И. Шишкин и многие другие. Этим художникам удалось создать новое, «живое» искусство, противостоящее безжизненной живописи Академии Художеств. ТПХВ стало символом искусства живописи девятнадцатого века.

Устав новой организации был утвержден в 1870 году. В основе главных идей художников-передвижников были постулаты философского романтизма. Их цель – создание нового искусства, освобожденного от сухих безжизненных рамок. Мир должен был увидеть сам себя через призму истории. В целом передвижники ориентировались на современность, создавая большое количество жанрово-бытовых сюжетов. Искусство должно быть связано с реальностью напрямую, согласно принципам передвижников, поэтому основными стилями их работ оставались реализм и импрессионизм. Творчество художников, состоявших в ТПХВ, отличалось обостренным психологизмом и выраженной социальной составляющей.

Принципы движения передвижников основывались не только на достижениях российского искусства, но и на опыте мировой живописи. Известно, что члены этого товарищества регулярно изучали произведения других художников, выезжая за границу. Они работали в различных жанрах: исторический, пейзажный, портретный. Но каждое произведение, независимо от выбранного жанра, обращалось к современности, отличалось социологической и психологической остротой. Первая выставка состоялась в  1871 году, а расцвет движения пришелся на 80-е годы 19 века.

1917 год стал годом перемен и для художников-передвижников.

Билет 3 Методика выполнения натюрморта в технике масляной живописи Расстояние, на каком должна располагаться натура - до 1,5 метра. С расстояния 4 метра гроздь винограда представляется единым пятном, и нужно подойти ближе, чтобы разглядеть отдельные детали формы, светотень и цвета. Максимальное расстояние: 2 метра. Как правило, рекомендуется смотреть на натуру под углом 45 градусов.

Когда все готово: предметы расставлены, краски на палитре, чистый холст

Возникает вопрос, наметить ли рисунок карандашом или сразу начать писать.

Они всегда начинали картину с рисунка.

Другие уделяют больше внимания светотени.

Существуют два разных подхода. Одних художников называют «колористами»: в их живописи мало теней, они используют прямое или рассеянное освещение, высвечивающее предмет как сочетание световых пятен. Что касается, направление мазков, необходимо запомнить два правила:

1.Направление мазков должно отвечать «форме» изображаемого объекта.

2.В неясных случаях лучше писать диагональными мазками.

«Мир искусства» — творческое объединение художников, существовавшее с конца 1890-х гг. до 1924 (с перерывами). В основное ядро объединения входили А. Н. Бенуа, Л. С. Бакст, К. А. Сомов, М. В. Добужинский, Е. Е. Лансере, И. Я. Билибин. К «Миру искусства» примыкали К. А. Коровин, А. Я. Головин, Б. М. Кустодиев, Н. К. Рерих, С. Ю. Судейкин, Б. И. Анисфельд и др.

Программа «Мира искусства» была противоречивой. Противопоставляя свою деятельность передвижникам и Академии художеств, «Мир искусства» был сторонником «чистого искусства». Вместе с тем художники объединения не порывали с реализмом, многие из них откликнулись на Революцию 1905, а в 1910-х гг. «Мир искусства» противостоял декадентству и формализму. В творчестве художников «Мира искусства» была сильна ретроспективная тенденция, увлечение культурой 17-18 вв.

Наиболее сильные стороны деятельности «Мира искусства» — книжная графика и театральная декорация.

Бидет 4 роль рисунка и композиции в живописи Под словом рисунок мы подразумеваем ясное, выразительное и лаконичное выражение основной формы. В живописи на первый план выходит передача на бумагу цвета и пространства, а рисунок уходит на второй план. Рисунок как станковое произведение изобразительного искусства или как вспомогательное средство построения изображения является линейно-графическим выражением объемной формы предмета. Живопись базируется на закономерностях цветового построения реалистической формы. Обучение живописной грамоте - это путь изучения способов, приемов и средств построения на плоскости живописной формы, ее пропорций, конструктивных, объемных, материальных и пространственных качеств.

Микеланджело видел в рисунке применительно и к живописи, и к скульптуре, и к архитектуре «источник и корень всякой науки».

«Не цвета делают фигуры прекрасными, а хороший рисунок», - говорил Тициан. Достигнув глубокой старости, он не пропускал ни одного дня, изображая что-нибудь углем или мелом.

«Не умеющий рисовать, не будет писать как следует», - учил П.П. Чистяков.

Что значит «хорошая правильная композиция»? В практическом понимании это означает экономное, удобное, наиболее целесообразное, грамотное и последовательное решение определенной задачи.

Особенности живописи художников импрессионистов В живописи импрессионизм — это движущийся, эфемерный и ускользающий мир, поэтому основной акцент делается на это уходящее мгновение, на настоящее. Стиль импрессионизма предпочитает свет, прикосновение, цветную вибрацию. В эпоху Возрождения живописцы венецианской школы пытались передать живую реальность, используя яркие краски и промежуточные тона. Их опытами воспользовались испанцы, наиболее отчётливо это выражено у таких художников как Эль Греко, Веласкес и Гойя, чьё творчество впоследствии оказало серьёзное влияние на Мане и Ренуара.

Билет 5 Основные характеристики цвета

У каждого цвета есть три основных свойства: цветовой тон, насыщенность и светлота.

Важно знать о таких характеристиках цвета, как светлотный и цветовой контрасты.

Интересно узнать, что натренированный глаз при ярком дневном освещении различает до 180 цветовых тонов и до 10 ступеней (градаций) насыщенности. Вообще, развитый человеческий глаз способен различать около 360 оттенков цвета.

Насыщенность цвета представляет собой отличие хроматического цвета от равного с ним по светлоте серого цвета.

Если в какой-либо цвет добавить серую краску, цвет станет меркнуть, изменится его насыщенность.

Изменение насыщенности теплых и холодных цветов.

Любые цвета и оттенки, независимо от цветового тона, можно сравнить по светлоте, то есть определить, какой из них темнее, а какой светлее. Можно изменить светлоту цвета, добавив в него белила или воду, тогда красный станет розовым, синий – голубым, зеленый – салатовым и т. д.

Светлота – качество, присущее как хроматическим, так и ахроматическим цветам. Светлоту не следует путать с белизной (как качеством цвета предмета).

Ахроматические цвета, то есть серые, белые и черные, характеризуются только светлотой. Различия по светлоте заключаются в том, что одни цвета темнее, а другие светлее.

Любой хроматический цвет может быть сопоставлен по светлоте с ахроматическим цветом.

Высказывания Леонардо да Винчи о живописи

Живопись — это поэзия, которую видят, а поэзия — это живопись, которую слышат.

Живопись - это немая поэзия, а поэзия - это слепая живопись.

Живопись спорит и соревнуется с природой.

Живописец, смотри, чтобы алчность к заработку не преодолела в тебе чести искусства, ибо заработок чести куда значительнее, чем честь богатства.

Живописец, бессмысленно срисовывающий, руководствуясь практикой и суждением глаза, подобен зеркалу, которое отражает все противопоставленные ему предметы, не обладая знанием их.

Живописец не должен пытаться быть универсальным, так как он много теряет в достоинстве от того, что одну вещь делает хорошо, а другую плохо...

Билет 6 Холодные и теплые цвета в живописи Всем нам знакомы ассоциации, возникающие при упоминании тех или иных цветовых групп. Красные, желтые и оранжевые цвета - это солнечный свет и огонь, а синие и зеленые - снег и лед, море, небо и лунный свет.

Но тепловая теория цвета вовсе не так однозначна! И в теплой, и в холодной половине цветового круга существуют свои градации тепла и холода. Прохладные среди теплых и теплые среди холодных.

Возьмем, к примеру, красные цвета. В цветовом круге из 9 сегментов на рисунке внизу есть и горячий, и прохладный красный. Горячий - это кадмии красный, так как он ближе к теплому оранжевому. По сравнению с ним кармин считается условно прохладным, потому что он ближе к холодном фиолетовому цвету. А теперь обратимся к желтым оттенкам. Кадмий желтый светлый - теплый цвет, он тяготеет к теплому оранжевому. A вот лимонно-желтый считается условно прохладным, так как на цветовом круге он расположен рядом с холодным зеленым.

Вторичные цвета тоже делятся на теплые и холодные. Зеленый считается холодным, так как получается в результате смешивания прохладного желтого и холодного синего. А вот оранжевый - теплый, он представляет собой смесь теплого красного и теплого желтого.

Высказывания Чистякова о живописи "Вы меня спрашиваете, какими красками писать... Разложите на своей палитре все цвета, которые у вас есть, и, глядя на натуру, начинайте сооб.ражать, и даже пробовать на палитре, соединяя те краски, которые вам подскажет натура...... Когда найдёте состав красок подходящий, на них и пишите. Их будет три или четыре....  И когда составите цвет, по вашему мнению точный, не кладите на холст, а поверьте ещё раз с натурой и добавьте что увидите недостаёт ему. Затем кладите на холст. Вот этот добавочный цвет и будет настоящим. Ума не прилагайте и скорее практику и соображение. На натуру и последний взгляд.

Вот это и есть всё- вся техника! Как будете брать умом, птица улетит и дадите промах...."

(из кн. "Чистяков и его ученики" 1955 г.

Билет 7 последовательность ведения работы над этюдом масляными красками

1 Немаловажное значение для успешной работы художника имеет размер этюда. Поэтому очень важно с учетом своих сил и возможностей выбирать для этюдов тот размер холста, который наиболее легок и удобен для работы в сравнительно короткие сроки и в то же время дает возможность добиться законченности произведения.

2 Расстояние, на каком должна располагаться натура - до 1,5 метра. Как правило, рекомендуется смотреть на натуру под углом 45 градусов.

Способ работы «по сырому» вполне пригоден для небольших этюдов Состоит он в том, что, пользуясь медленным высыханием красок, положенных на холст стараются закончить всю работу до полного просыхания красок.

3 Начинают работу с нанесения легкого рисунка на заготовленный холст или картон. Часто рисуют на холсте углем, затем уголь обивают тряпочкой и еще раз прорабатывают рисунок небольшой кистью жидко разведенной одной краской, например умброй натуральной.

4 По заготовленному рисунку рекомендуют начинать прописку, по возможности не густо, с самых темных мест, так как белая поверхность холста в начале работы условно принимается как бы за максимально светлые места. Постепенно переходя к полутонам, можно найти правильный тон и самого светлого места. 5 Работать вначале надо обязательно большой кистью, переходя от одного участка к другому. Когда весь холст будет закрыт большими мазками, тогда яснее станут цветовые отношения и можно будет вносить в работу коррективы, поправки и изменения, переходя к несколько меньшим по размеру кистям.

Высказывания Д. Рейнольдса о живописи «…Среди живописцев и писателей о живописи бытует одно всеми принятое и постоянно внушаемое положение. Подражайте природе - вот неизменное правило; но я не знаю никого, кто объяснил бы, каким образом надо понимать это правило, вследствие чего каждый понимает его в наиболее очевидном смысле…»

«… Первая ступень обучения в живописи, подобно грамматике в литературе, это общая подготовка к любому виду искусства, который ученик для себя потом изберет…»

«…имитация рельефности форм еще не есть подражание природе, а явление чисто механическое, не требующее усилий разума. Натуральность изображений, достигнутая таким путем, рассматривалась Рейнольдсом как «достоинство низшего сорта».

Одной из отличительных черт живописи Рейнольдс считал твердый определенный контур, с помощью которого следовало избавить натуру от дефекта и достичь совершенства изображения. Колорит создает первое впечатление от картины, поэтому важно было овладеть искусством его создания. Основополагающим принципом создания колорита Рейнольдс считал «простоту» - широту единообразных и чистых красок. Он обозначил два пути: первый заключался в сведение цвета почти до одной светотени, а второй - в передаче интенсивности красок, их ясности и определенности. Но в обоих случаях основным принципом оставалась простота. В своей системе обучения Рейнольдс обращал особое внимание на цельность восприятия, умение соединять композицию, колорит, светотень, рисунок и образ (идею).