Пафос грандиозности в живописи п.П. Рубенса

Питер Пауэл Рубенс (1577—1640) принадлежит к числу выдаю­щихся художников мира. Один из биографов так писал о значении его творчества:

«История искусства не знает ни единого примера столь уни­версального таланта, такого мощного влияния, такого непре­рекаемого, абсолютного авторитета, такого творческого три­умфа»

При упоминании имени Рубенса приходят на память пышные фламандские красавицы с золотистыми во­лосами, сцены охоты и битв, вакханалии, великолепные пейзажи с клубящимися облаками, стремительно низвергающимися водопада­ми, могучими тенистыми деревьями, безбрежными далями лугов и полей...

В каждом своем произведении Рубенс умел не только передавать сходство с натурой, но и наделять полотно жизненной силой, энергией, доставлять радость глазу. Он умел наполнять интенсивной, бьющей через край жизнью все, чего касалась его кисть. Не случайно художник Эжен Делакруа называл его «Гомером живописи», а Карл Брюллов находил в его картинах «роскошный пир для очей».

Рубенса часто называют крупнейшим мастером торжествующего барокко. Это верно, так как в своем творчестве он унаследовал и развил многие традиции этого художественного стиля. Ощущение бесконечности мира, неукротимого всеобщего движения, столкновение стихийных сил и накал человеческих страстей — вот что характерно для многих полотен художника. Многофигурные композиции, представленные в сложных диагональных ракурсах, изобилуют мельчайшими подробностями и деталями.

Картины Рубенса отличают свободная пластика форм, сильные цветовые эффекты, тончайшая игра красочных оттенков. Все они буквально светятся сочными, яркими красками. Для него было характерно письмо длинными волнистыми мазками. Так, вьющуюся прядь волос он мог написать одним движением кисти.

Вот почему грузные тела в его композициях воспринимаются легкими, исполненными изящества и грации.

Полотна Рубенса, отвечавшие вкусам монархов и королей, великолепно вписывались в пышное убранство прославленных дворцов Лондона, Парижа. Но его картины — это не барочные декорации парадных залов, дворцов и музеев. Это подлинные шедевры, в которых органично сочетаются лучшие традиции итальянских и голландских мастеров, ощущается собственный почерк талантливого мастера.

Рубенса часто называют счастливым и блистательным художником. В 23 года он получил от гильдии Святого Луки звание художника и в 1600 г. отправился совершенствовать свое мастерство в Италию.

Посмотрите на его замечательный «Автопортрет с Изабеллой Брант», и вы поймете, насколько талантлив был этот начинающий художник. Красивое лицо Рубенса спокойно и преисполнено чувства собственного достоинства. Модный, щегольской костюм с широким кружевным воротником, шляпа с высокой тульей и металлической брошкой, кожаные туфли с изящными подвязками подчеркивают его аристократичность и тонкий художественный вкус. Он сидит с молодой женой в беседке, увитой зеленью и цветущей жимолостью. С видом ласкового покровительства он слегка склонился к жене, его рука опирается на шпагу. Выразительные глаза обращены прямо к зрителю, их бесконечно добрый взгляд полон тихого и безмятежного счастья. Две склоненные друг к другу фигуры, красноречивый жест соединенных рук символизируют внутреннее согласие и любовь.

Да, это был период покоя, труда и тихого счастья в жизни художника. В 1609 г. Рубенс был назначен придворным живописцем, а это, в свою очередь, поднимало его престиж в обществе и открывало путь к свободному творчеству. В заказах не было недостатка, число поклонников его таланта постоянно росло. Его заказчиками были французская королева Мария Медичи, принцесса Нидерландов Изабелла, генуэзские купцы.

Не имея возможности быстро выполнять многочисленные заказы, Рубенс создал огромную мастерскую, куда стекались лучшие молодые художники Фландрии, среди которых были знаменитые Антонис Ван Дейк (1599—1641), Якоб Йорданс (1593—1678)

Рубенс обладал колоссальной работоспособностью. В шесть часов после утренней мессы он шел в мастерскую к рабочему столу или мольберту, делая десятки эскизов и рисунков на бумаге или картоне. Затем он обходил учеников, специализировавшихся на каких-то элементах картины, прописывал уже готовые композиции, едва касаясь кистью отдельных частей полотна. Им создано около полутора тысяч самостоятельных произведений и еще столько же в сотворчестве с учениками. Невероятная цифра для человека, прожившего всего 63 года. Не случайно художник Делакруа сказал: «Рубенс - бог!»

Рубенс никогда не замыкался в рамках какого-то одного жанра живописи. Он писал многочисленные картины-аллегории, посвященные важнейшим проблемам современной жизни, обращался к древним античным мифам, наполняя их содержание глубоким символическим смыслом. В аллегорической картине «Союз Земли и Воды» он прославляет союз двух природных стихий, без которых невозможна жизнь человека. Землю олицетворяет мать богов Кибелла, воду — бог морей Нептун. На границе своих владений они заключают союз, который освящает крылатая богиня Виктория, возлагающая золотую корону на голову Кибеллы. Из-под скалы навстречу зрителю выплывает трубящий приветствие тритон. Очаровательные путти веселятся и играют в потоках льющейся воды.

Эта картина заключала в себе глубокий смысл, связанный с надеждой Рубенса на скорейшее процветание родины. После разделения Нидерландов на Северные и Южные Фландрия потеряла выход к морю и, следовательно, лишилась выгодных торговых морских путей. Союз двух природных стихий — Земли и Воды — это надежда на установление мира, мечта художника о союзе Фландрии с морем.

Античная мифология всегда вдохновляла Рубенса, в ней он находил радость жизни, единение человека с природой, яркие мужественные образы. Пирующие боги и силены, вакханки и нимфы, сатиры и пастушки, живущие в мире страстей и желаний, становятся главным объектом изображения. В «вакханалиях жизни» Рубенс передает свое восхищение человеческой красотой, умеющей и в мире стихийных чувств сохранить свою глубокую чистоту и праздничное мироощущение.

Один из влиятельных покровителей художника однажды заметил: «У Рубенса было столько талантов, что его умение рисовать следует отнести к самому последнему». Да, Рубенс был не только художником, он был блестяще образованным человеком. Разносторонний ученый, знаток и коллекционер древностей, дипломат, ведший переговоры с монархами Испании и Англии, полиглот, знавший семь языков, переписывавшийся с выдающимися людьми Европы, архитектор, издавший двухтомную книгу «Дворцы Генуи» и построивший свой великолепный дом с парком в Антверпене, он снискал себе заслуженную славу при жизни. В 1630 г. после удачной дипломатической миссии английский король Карл I пожаловал художника в рыцари, подарил ему свою шпагу, шнур с королевской шляпы и кольцо, усыпанное бриллиантами...

В 1640 году художник умер.

Творчество Рембрандта как пример психологического

реализма в живописи XVII в.

Правда стала сутью творчества величайшего голландского художника Рембрандта Харменса ван Рейна (1606—1669). Он оставил потомкам огромное художественное наследие: около восьмисот картин и портретов, трехсот офортов и двух тысяч рисунков. Каждое из его произведений — свидетельство высочайшего мастерства и художественной правды. Трагичен был жизненный и творческий путь этого замечательного художника: от блистательной карьеры, всеобщего признания, богатства, счастливой семейной жизни к полному забвению, одиночеству и нищете.

Своеобразие художественной манеры Рембрандта во многом определило искусство светотени, в котором, пожалуй, ему не было равных. Светотень стала той естественной поэтической атмосферой, в которой «неизменно обитал гений Рембрандта».

Рембрандт всегда выделял с помощью света главные смысловые акценты в картине. Свет пульсирует на лицах, руках, одеждах его героев, приводит в движение все действие, растворяется во мгле и вновь неожиданно ярко сияет и вспыхивает. Контрасты света и тени усиливают динамику происходящего, осязаемо подчеркивают цвет, форму, объемы и фактуру предметов.

В ранних картинах Рембрандта можно наблюдать множество едва заметных переходов от темного к светлому, градации золотисто-коричневого, красного и оливкового цветов. В поздних произведениях часто возникает эффект горящих и тлеющих тонов. Сверкающее золото парчовых мантий, переходы от темно-вишневого к ярким оттенкам красных раскаленных углей, словно вобравших в себя лучи света, а затем к угасающим тонам оранжевого — та­кова красочная палитра художника.

Бесконечно разнообразна тематика произведений Рембрандта. В каждом из них — попытка передать духовную эволюцию человека, трагический путь познания жизни. Значительное место в его творчестве занимают картины на мифологические и библейские темы. Что особенно привлекало в них художника? Прежде всего возмож­ность откликнуться на вечные проблемы бытия, показать их тесней­шую связь с современной ему действительностью. Мифологические и библейские сюжеты давали неисчерпаемый материал для размышле­ний о нравственных и эстетических идеалах. Краткая притча или ле­генда Ветхого и Нового Заветов обретают в его произведениях жизненную достоверность, убедительность и силу. Каждый раз он предлагает зрителям собственное прочтение известного сюжета, интерпретируя его как сцену из жизни обыкновенных людей с их земными переживаниями.

В историю мировой живописи Рембрандт вошел и как блестящий мастер автопортрета. Из года в год, иногда изо дня в день он изображал себя то веселым или грустным, то рассерженным или равнодушным. В ста созданных им автопортретах — история его жизни, биография души, исповедь художника.

В ранних произведениях он внимательно, глазами постороннего, рассматривает себя в зеркале, подмечая малейшие внешние перемены, останавливая мгновения собственной жизни. Поначалу он много экспериментирует, меняя выражения лица, позы, движения, используя различный формат, эффектные композиции, контрасты светотени. Мы видим то простодушного паренька с мельницы, то светского кавалера и озорного гуляку, властелина в восточном сказочном наряде. В знаменитом «Автопортрете с Саскией на коленях» он весело поднимает бокал за здравие всех смотрящих на него зрителей. Он богат, счастлив и независим.

С годами утихает безудержное веселье молодости. Теперь мы все чаще видим его за работой: с палитрой или за гравировальным столиком. На нем нет дорогих украшений и богатых парчовых одежд, он одет в рабочий халат, на голове платок или повязка. Его мысли и чувства выстраданы и глубоко пережиты, проницательные глаза обращены к зрителям, они смотрят нам в душу... Теперь он не рассматривает, а изучает себя. Интроспекция (самонаблюдение) становится главной в его творчестве. На последнем автопортрете — беззубое старческое лицо, перекошенное гримасой смеха. Обращаясь к нам, он словно говорит: «Посмотрите, вот что сделала со мной жизнь...»

Рембрандт мастерски передает едва уловимые, тонкие и сложные психологические состояния человеческой души. Его герои незримо движутся, мыслят и чувствуют прямо у нас на глазах, но в то же время остаются наедине с собой. Их размышления — о вечном, о смысле жизни и неотвратимости смерти. С портретов Рембрандта на нас смотрят самодовольные бюргеры, высокомерные чиновники, чопорные дамы, лицемерные проповедники. А рядом с ними — полные достоинства и внутреннего благородства поэты и писатели, вдохновенные люди искусства, талантливые ученые.

«Портрет Яна Сикса» считается одним из лучших творений художника. Друг Рембрандта, поэт, меценат и крупный промышленник, уже одет и медленно натягивает перчатку. О чем думает он в этот последний миг перед расставанием? О долгой и верной дружбе? О том, как и почему стали расходиться их жизненные пути? В лице Сикса — сострадание, искренняя и горькая печаль. Он словно на минуту возникает из сумрака комнаты. На его элегантный светло-серый камзол с блестящими пуговицами накинут ярко-красный плащ с золотым шитьем. Черная широкополая шляпа и темный зеленоватый фон оттеняют выразительность умного лица. Свет пульсирует на его лице, руках, одежде, он трепещет в воздухе, приводя в движение все, что находится вокруг. Он словно растворяется в осязаемой мгле и вдруг неожиданно вспыхивает, усиливая динамику портрета.

В более поздние годы Рембрандт все чаще пишет старческие лица. В их печальных и необыкновенно выразительных взглядах он читает длинную, полную лишений и тревог уже прожитую жизнь. Мудрость опыта, спокойное отношение к приближающейся смерти особенно интересуют художника. Старость - это не крушение жизни, а ее достойное и логичное завершение.

В «Портрете старушки» запечатлена старая женщина наедине со своими чувствами и мыслями. Мы ничего не знаем о ней, нет в картине никаких внешних деталей, рассказывающих о ее прошлой жизни. Скупо изображен ее скромный наряд — ничто не должно отвлекать зрителей от изображения ее лица под красным бархатным капюшоном. Именно лицо становится духовным средоточием картины. Боковой свет не смягчает глубоких морщин, напротив, подчеркивает дряблость старческих щек. Она погружена в молчаливое раздумье, внутрь себя, поза спокойна и свободна. Нет ничего, что бы могло нарушить ее задумчивость, мерное течение жизни, длящееся бесконечно долго.

Наше знакомство с творчеством Рембрандта будет неполным, если мы не скажем об огромном графическом наследии худож­ника. Известно, что Рембрандт много работал в технике офорта. Он покрывал металлическую доску слоем лака и тонкой иглой наносил на него рисунок. После этого погружал пластину в кислоту, протравливающую металл в процарапанных местах. Углубленные линии позволяли затем перенести рисунок на бумагу.

Расцвет гомофонно-гармонического стиля в

опере барокко («Орфей» К. Монтеверди)

К. Монтеверди (1567 – 1643) - первый композитор барокко, создатель светских мадригалов, духовных сочинений и нескольких оригинальных опер (к сожалению, из этого наследия композито­ра до нас дошло очень немногое). Он продол­жил дело, начатое композиторами до него, но в собственном творчестве пошел гораздо дальше своих предшествен­ников.

К.Монтеверди считал, что музыка должна не столько развлекать слушателя, сколько передавать богатство внутреннего мира человека, заставлять его думать, переживать, искать ответы на сложные жизненные вопросы. В оперной музыке он создал взволнованный стиль, передающий драматизм и напряженность действия, глубину страстных человеческих чувств и переживаний. Подвижная, измен­чивая мелодия его опер может растрогать и взволновать до глубины души, повергнуть в смятение, заставить ужаснуться или вызвать восторг. Исследователи его творчества отмечали существующую связь мелодий Монтеверди с барочной архитектурой и живописью.

Мелодические лабиринты Монтеверди своими линиями то изломанными и извилистыми, то как будто закрученными в узелки или выписывающими зигзаги, — напоминают вычурные узоры архитектурных фасадов XVII века, где лепестки цветов, гирлянды винограда и обнаженные амуры сплетены в пышном барочном орнаменте.

Лучшие оперы К. Монтеверди — «Орфей» (1607), «Ариадна»(1608), «Коронация Поппеи» (1642), созданные на мифологические и исторические темы, — отличаются богатством, занимательностью сюжета. В судьбах героев происходят неожиданные события и перемены, а потому музыка изобилует контрастными, резкими переходами, полными суровой драматической силы и нежного лиризма. Звучание разнообразных музыкальных инструментов живописно оттеняет психологическое состояние каждого из действующих лиц, выявляет их моральные качества. Оркестровая музыка не только сопровождает певческий голос, гибко следуя за поэтическим словом, она сама становится полноправным участником событий

В 1637 г. в Венеции по инициативе Монтеверди был открыт первый в мире публичный оперный театр, через несколько лет подобные театры открываются в Лондоне, Гамбурге, Париже, Праге и Вене. Оперное искусство повсеместно завоевывает сердца слушателей. Творчество К. Монтеверди оказало огромное влияние на оперные произведения других композиторов.

Традиции К.Монтеверди нашли отражение в творчестве и в исполнительской манере выдающихся мастеров барочного концерта, прежде всего Антонио Вивальди (1678—1741) — автора 465 (!) концертов и 40 опер, блестящего скрипача-виртуоза, поражавшего публику полной неожиданностей и контрастов манерой исполнения. В основе созданного им «большого концерта» лежало противопоставление одного или группы солирующих музыкальных инструментов всему оркестру.

В историю музыкальной культуры А. Вивальди вошел и как вы­дающийся композитор программной музыки, воссоздающей реаль­ные звуковые картины из жизни природы. В своем наиболее извест­ном сочинении «Времена года» (1725) он сумел мастерски передать весеннее радостное обновление природы и жаркий летний зной, ее пышное осеннее увядание и зимнюю стужу.

Высший расцвет свободной полифонии

(И.С. Бах)

Творчество Иоганна Себастьяна Баха (1685—1750) явилось завершающим этапом му­зыкальной культуры барокко. В его произведениях удивительным образом сочетались все лучшие достижения предшествующих эпох: искусство полифонии немецких органистов, гомофонный стиль итальянской оперы и французской танцевальной музыки. Они унас­ледовали традиции инструментальной музыки и на­родно-песенного творчества.

Известный русский композитор и музыкальный критик А. Н. Серов писал:

«Если в области музыки есть что-либо, к чему надобно подхо­дить... с любовью в сердце, со страхом и верою, так это именно творения великого Баха».

Поразительно разнообразно творческое наследие Баха! В ис­торию мировой музыкальной культуры он вошел как непревзой­денный мастер духовной органной музыки. Глубина философ­ских обобщений, отражение сложного и противоречивого земно­го бытия и божественного мира совершенной гармонии отличают его органные мессы, хоралы, оратории, кантаты и пассивны («страс­ти»).

Еще в XVII в. возникла традиция вокально-хорового исполне­ния «страстей» — драматизированных торжественных рассказов о страданиях и мученической смерти Иисуса Христа. Одним из ве­личайших творений Баха стали «Страсти по Матфею» (1729) — грандиозное органное произведение из 78 номеров, исполнявшееся в течение четырех часов. По замыслу автора, в нем участвовали два четырехголосных хора с солистами и оркестр из 34 музыкантов. Нелегко было организовать исполнение этого монументального произведения при жизни композитора.

Сюжет евангельской легенды Бах наполнил новым гуманистиче­ским содержанием, углубил его философское звучание. Музыка «Страстей» вызывала самые различные эмоции у слушателей: от строгой возвышенной скорби до искреннего переживания, раздумья и просветленного торжества жизни. Сдержанная, скорбная мелодия голоса сопровождалась рыданиями скрипки, а партии хоров переда­вали крики разъяренной толпы, требующей казни Христа.

Строгим ревнителям церкви музыка не понравилась, она пока­залась им слишком оперной и далекой от религиозной догматики. Лишь в 1829 г., спустя сто лет после ее создания, двадцатилетний немецкий композитор Ф. Мендельсон (1809—1847) осуществит ее исполнение в Лейпциге.

Барочный характер музыки нашел воплощение в полифоническом искусстве Баха, вершиной которого являлись фуги (лат. — многоголосные произведения, в осно­ве которых лежит одна музыкальная тема, звучащая последовательно в разных голосах. Происхождение этого слова не случайно: звучащие голоса действи­тельно как будто «догоняют» друг друга и приходят к согласию лишь в конце. Обойдя все голоса, мелодия начинает дробиться на мелкие части, ее звучание становится более напряженным, неустойчивым.

Сборник фуг и прелюдий «Хорошо темперированный клавир» — непревзойденный образец полифонической клавир­ной музыки, учебник и настольная книга для исполнителей. Бетхо­вен называл его своей «музыкальной Библией», для Шумана она была «лучшей грамматикой». Среди 48 фуг нет и двух похожих, каждую отличает поразительное многообразие мелодий и настро­ений. Связанные между собой, они являются вполне самостоятель­ными произведениями. Бах часто любил импровизировать за клаве­сином на темы популярных песен, сочиняя изящные и легкие сюиты, состоящие из немецких (аллеманда), французских (куран­та), испанских (сарабанда) и английских (жига) танцев. Фран­цузские и Английские сюиты стали подлинным украшением кон­цертных программ.

Не менее популярной была светская вокально-инструмен­тальная музыка Баха. Около 30 кантат (вокально-инструмен­тальных произведений для солистов хора и оркестра) принадле­жит великому композитору. Каждая из них проникнута веселыми и жизнерадостными интонациями, в каждой чувствуется остроумие и тонкий юмор автора. В «Крестьянской кантате» (1742) звучат народно-песенные мелодии, передающие стихию народной жизни. Она представляет собой живые зарисовки крестьянского праздни­ка, любовного свидания на лоне природы. «Кофейная кантата» (1732) — это остроумная жанровая сценка, в которой ворчливый отец запрещает дочери пить кофе — модный в то время напиток. Но изобретательная и находчивая дочь ловко обходит все его за­преты.

В конце жизни Бах потерял зрение. Последние свои сочинения он диктовал своим ученикам.