7. Портрет в творчестве Тропинина
Первые работы художника относят к романтизму. Будучи в Санкт-Петербурге, он находился в среде горожан, мелких и средних помещиков, с которых позже и стал писать портреты, что привело его к реализму.
Автор, в отличие от романтических портретистов, старался подчеркнуть типичность героев. Но в то же время он симпатизировал им, что выливалось в изображении внутренней привлекательности. С этой же целью Тропинин пытался не показывать явную социальную принадлежность людей.
Такие работы художника, как «Кружевница»,
«Гитарист»
и др. относятся к «портрету-типу». Тропинин изображал конкретного человека, а через него старался показать все типичное для данного круга людей.
Художник копировал произведения фламандцев XVII века, Рафаэля, Д. Г. Левицкого, Г. И. Угрюмова, О. А. Кипренского и других. Такое самообразование имело большое значение. Тропинин впоследствии писал: «Я мало учился, хотя очень усердно занимался в Академии, но научился в Малороссии: я там без отдыха писал с натуры, писал со всего и со всех. Лучший учитель природа...».
В работах этого периода ощутимо влияние искусства XVIII века, в частности, сентиментализма Боровиковского. Полотна чувствительны, благообразны, написаны с чувством умиления. «В романтическую эпоху Тропинин сохраняет живописные приемы, роднящие его со стилистикой рококо и эстетическими представлениями сентиментальной эпохи, — отмечает Михаил Алленов. — Не имея гордости и полета, его искусство покоряет добродушием и естественно-бытовыми интонациями. Есть в этом нечто родственное „наивному стилю“ особняков позднего московского ампира. Становясь со временем свободнее и смелее, его живописный язык всегда сохраняет некую подкупающую застенчивость, боязнь аффектации как в индивидуальном почерке, так и в повадке изображаемых моделей. Лица на тропининских портретах долгое время сохраняют стереотипную рокайльную миловидность, напоминающую „головки“ Ротари». Но были и весьма удачные, самостоятельные вещи; среди них — написанный еще в 1818 году «Портрет А. В. Тропинина, сына художника» . Образ задумчивого простоволосого мальчика естественен и далек от стилевых условностей. Тонкая декоративная гамма, богатая градация корпусного и лессировочного письма сродни живописи XVIII столетия. Следует также особо отметить интересный, благородный портрет Н. М. Карамзина (1818, ГТГ).
В 1823 году под давлением общественного мнения Морков дал вольную Тропинину. В этом же году живописец получил от Академии художеств звание «назначенного» в академики, а осенью следующего, 1824 года не без труда и не без противодействия завистников он в 48 лет был избран академиком.
В качестве академической программы Тропинин исполнил портрет К. А. Либерехта, которого писал в Петербурге. К. А. Либерехт (1775—1837) — медальер и гравер на камнях — изображен в академическом мундире и с орденом св. Анны на шее. Это один из немногих портретов Тропинина, носящих официальный характер.
Тропинин не захотел остаться в Петербурге. В кругу петербургских художников, тяготевших ко двору и знати, он чувствовал себя чужим. Первым петербургским портретистом был в те годы преуспевающий угодник от искусства Варнек — давний недоброжелатель Тропинина. При сравнительной ограниченности заказов на портреты их интересы неизбежно столкнулись бы, и Тропинин, вероятно, предвидя это, решил поселиться в Москве, где в то время не было ни одного сколько-нибудь крупного художника.
Бывая в Москве по делам своего бывшего хозяина, Тропинин мог приглядеться к тамошней жизни. Может быть, он еще тогда завязал некоторые связи и мог надеяться, что не останется без заказов. Так и произошло.
В Москве художник нашел обстановку, вполне соответствующую его характеру и дарованию. Здесь он окончательно определился как портретист. Тропинин становится живописцем грибоедовской Москвы. Правда, он портретирует не только дворянство, но и купечество, а также просто состоятельных москвичей. Его отношение к обществу совсем не критическое. Ни в одном портрете он не разрешал себе иронического отношения к заказчику. В итоге Тропинин стал любимым портретистом московского дворянства.
Персонажи Тропинина дышат хлебосольством и приветливостью. Мужчин он обычно пишет в домашнем платье, нередко в халатах, подчеркивающих сугубую будничность момента, который должен остаться в вечности.
На 1820—1830 годы приходится период расцвета творчества мастера. Простота и естественность позы, уравновешенность и ясность композиции, камерность настроения типичны для работ этих лет. Тропинин пришел к своей концепции образа человека. Сложившийся новый тип изображения нашел свое отчетливое выражение в портретах П. А. Булакова (1823, ГТГ), К. Г. Равич (1823, ГТГ), А. С. Пушкина (1827, Всесоюзный музей А. С. Пушкина). «Портрет А. С. Пушкина является лучшим в данном ряду. Поэт изображен сидящим за столом, в позе спокойно беседующего человека, в домашней одежде, но эта „домашность“ лишена прозаичности. Так, складки халата задрапированы под римскую тогу. Лицо поэта овеяно сдержанной взволнованностью. Живопись мастера свежа и непосредственна, наполнена рефлексами. Тропинин поэтически воспринимает образ своей модели, непринужденность облика которой свидетельствует о духовной свободе». Художник хотел показать человека в частной жизни, вне официального контекста. Лица на его холстах освещены приветливой улыбкой, которой Тропинин «всегда украшал свои модели независимо от их положения, возраста и пола и которая, как своеобразная марка, безошибочно выдает имя художника. Часто Тропинин писал портреты на дому у своих моделей, не вырывая их из привычной среды и не перенося в чуждую расхолаживающую обстановку мастерской, стремясь не нарушать их привычное душевное состояние» .
Иногда в его работах ощутимы романтические тенденции, о чем свидетельствуют меланхоличность в настроенности героев и введение пейзажного фона. Таковы, например, портреты В. М. Яковлева (1820-е гг., ГТГ)
славянофила Ю. Ф. Самарина (1846, ГТГ), художника К. П. Брюллова (1836, ГТГ).
Будучи уже известным художником, Тропинин создал тип домашнего, интимного портрета с элементами жанровой живописи. Как правило, это поясное изображение человека за привычным занятием. Из подобных картин наиболее известна «Кружевница» 1823,. Фигура дана крупным планом и максимально приближена к зрителю. Фон нейтральный, аксессуары — немногочисленны. Однако, как замечает Алленов: «...в знаменитой кружевнице угадывается нечто от ремесленного аттестационного шедевра, который создается с намерением произвести добротную, законченную „вещь“, продемонстрировать владение секретами объемно-пластического, скульптурного рисунка и моделировки, особенно ценимыми в академической среде».
В портретах Тропинина, выполненных в 1830-х годах, ощущаются жизнеутверждающая ясность и характерность образов, свежесть и насыщенность колорита, свободная манера письма. Таковы портреты Н. А. Зубовой (1834, ГТГ), П. М. Васильева, любителя музыки (1836, ГРМ), Л. К. Маковской (1830, Саратовский художественный музей).
В 1840—1850-х годах портреты Тропинина становятся более объективными, более сложными по настроению (портрет брата декабриста А. Ф. Заикина. 1837, Картинная галерея, Владивосток; Портрет купца и предпринимателя П. Р. Бараша. 1854, ГИМ; Портрет астраханского купца-миллионера Александра Сапожникова. 1852, ГРМ; Портрет скульптора И. П. Витали. 1839, ГТГ). Меняется и живописный язык: художника теперь интересует тональное решение холста, холоднее становится цветовая гамма, построенная на изысканных лиловато-стальных, коричневато-лиловых тонах. К концу данного творческого периода относится «Автопортрет на фоне окна, с видом на Кремль» (1846, Саратовский художественный музей).
Кризис романтизма, ставший ощутимым в середине XIX века, отразился и на мировоззрении мастера. Теперь в произведениях все чаще преобладают внешняя привлекательность модели, обостренный интерес к аксессуарам, доходящий до натурализма, — такова работа «Девушка с горшком роз» (1850, Музей В. А. Тропинина, Москва).
Творчество Тропинина, высоко ценимое современниками, и в особенности москвичами, во многом определило реалистический характер московской школы живописи, сложившейся в середине XIX века и давшей ряд выдающихся мастеров направлению демократического реализма второй половины столетия.
«Тропинин подготовил почву для подлинного жанра, который и расцвел в следующем поколении московских художников.
У Тропинина, по-видимому, не было прямых учеников, но его влияние на московскую художественную жизнь было огромно. Он был главой московской художественной школы. Влияние его сказывалось прежде всего на направлении Московского училища живописи и ваяния. В отличие от Петербургской Академии, закосневшей в установках XVIII века, Московская художественная школа стала настоящим очагом реалистического искусства» .
Портрет помещика Эрве,
Портрет гравёра Н. И. Уткина,
Портрет скульптора И. П. Витали,
Портрет акварелиста П. Ф. Соколова,
Портрет актёра П. С. Мочалова,
Портрет драматурга А. В. Сухово-Кобылина
Портрет П. А. Булахова, 1823,
«Кружевница», 1823
Портрет К. Г. Равича, 1825,
Портрет А. С. Пушкина, 1827
Портрет А. И. Барышникова, 1829
Портрет В. А. Зубовой, 1834
Портрет К. П. Брюллова, 1836
«Старик крестьянин», 1825;
«Ямщик, опирающийся на кнутовище», 1820-е;
«Крестьянин, обстругивающий костыль», 1834;
«Странник», 1847
«Автопортрет на фоне Кремля» (1846, Музей В. А. Тропинина и московских художников его времени).
Стиль Барокко. Живопись Караваджо
Баро́кко (итал. barocco — «порочный», «распущенный», «склонный к излишествам», порт. perola barroca — «жемчужина неправильной формы» (дословно «жемчужина с пороком»); существуют и другие предположения о происхождении этого слова) — характеристика европейской культуры XVII—XVIII веков, центром которой была Италия. Стиль барокко появился в XVI—XVII веках в итальянских городах: Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции. Эпоху барокко принято считать началом триумфального шествия «западной цивилизации». Барокко противостояло классицизму и рационализму.
Караваджо Микеланджело (Caravaggio) (1573–1610). Собственно, полное имя Меризи да Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio). Итальянский живописец. Родился 28 сентября 1573 года. Учился в Милане (1584-1588); работал в Риме (до 1606), Неаполе (1607 и 1609-1610), на островах Мальта и Сицилия (1608-1609). Караваджо, не принадлежавший к определенной художественной школе, уже в ранних произведениях противопоставил индивидуальную выразительность модели, простые бытовые мотивы (“Маленький больной Вакх”
“Юноша с корзиной фруктов” - оба в галерее Боргезе, Рим)
идеализации образов и аллегорическому истолкованию сюжета, свойственным искусству маньеризма и академизма. Совершенно новую, интимно-психологическую интерпретацию получили у него традиционные религиозные темы (“Отдых на пути в Египет”, галерея Дориа-Памфили, Рим). Художник внес большой вклад в становление бытового жанра (“Гадалка”, Лувр, Париж и другие). Зрелые произведения художника Караваджо - это монументальные полотна, обладающие исключительной драматической силой (“Призвание апостола Матфея” и “Мученичество апостола Матфея”, 1599-1600, церковь Сан-Луиджи деи Франчези в Риме; “Положение во гроб”, 1602-1604, Пинакотека, Ватикан; “Смерть Марии”, около 1605-1606, Лувр, Париж).
Живописная манера Караваджо в этот период основана на мощных контрастах света и тени, выразительной простоте жестов, энергичной лепке объемов, насыщенности колорита - приемах, создающих эмоциональное напряжение, острую аффектацию чувств. Подчеркнутая “простонародность” типажей, утверждение идеалов демократизма поставили Караваджо в оппозицию по отношению к современному искусству, обрекли его в последние годы жизни на скитания по югу Италии. В поздних произведениях Караваджо обращается к теме одиночества человека во враждебном ему мире, его привлекает образ небольшого содружества людей, объединенных родственной близостью и душевным теплом (“Погребение Святой Лючии”, 1608, церковь Санта-Лучия, Сиракузы). Свет в его картинах становится мягким и подвижным, колорит тяготеет к тональному единству, манера письма приобретает характер свободной импровизационности. События биографии Караваджо поражают своим драматизмом. Караваджо обладал очень вспыльчивым, неуравновешенным и сложным характером. Начиная с 1600 года, времени наивысшего творческого подъема Караваджо, его имя стало постоянно появляться в протоколах римской полиции. Сначала Караваджо с друзьями совершал незначительные противоправные действия (угрозы, непристойные стихи, оскорбления), за которые привлекался к суду. Но в 1606 году художник в пылу ссоры во время игры в мяч совершил убийство и с тех пор был вынужден скрываться от полиции.
После убийства художник бежал из Рима в Неаполь. Там он продолжал работать над крупными заказами; его искусство оказало решающее влияние на развитие неаполитанской школы живописи. В 1608 Караваджо переехал на Мальту, где написал портрет магистра мальтийского ордена и сам вступил в орден. Но вскоре и оттуда Караваджо пришлось бежать на Сицилию из-за своего вспыльчивого характера. Прожив на Сицилии некоторое время, художник в 1609 возвратился в Неаполь, где подвергся нападению в портовой таверне и был изуродован. В это время Караваджо уже был болен малярией, от приступа которой и умер 18 июля 1610 года. Суровый реализм Караваджо не был понят его современниками, приверженцами «высокого искусства». Обращение к натуре, которую он сделал непосредственным объектом изображения в своих произведениях, и правдивость ее трактовки вызвали множество нападок на художника со стороны духовенства и официальных лиц. Тем не менее, в самой Италии нашлось много его последователей, получивших название караваджистов
Творческая манера Караваджо оказала непосредственное влияние на сложение течения караваджизма - самостоятельного направления в европейском искусстве 17 века. Для караваджизма характерны демократизм образной системы, повышенное чувство реальной предметности, материальности изображения, активная роль светотеневых контрастов в живописно-пластическом решении картины, монументализация жанрово-бытовых мотивов. В Италии, где тенденции караваджизма сохраняли свою актуальность до конца 17 века и особенно сказались в живописи Рима, Генуи и Неаполя, наиболее сильное и оригинальное истолкование наследие Караваджо получило в творчестве итальянского художника Орацио Джентилески и его дочери Артемизии.
Но еще значительнее было влияние творчества Караваджо за пределами Италии. Ни один крупный живописец того времени не прошел мимо увлечения караваджизмом, явившимся важным этапом на пути европейского реалистического искусства. Среди европейских мастеров караваджизма вне Италии наиболее значительно творчество утрехтских караваджистов в Голландии (Геррит ван Хонтхорст, Хендрик Тербрюгген и др.), а также Хусепе де Риберы в Испании и Адама Эльсхаймера в Германии. Через этап караваджизма прошли Питер Пауль Рубенс, Диего Веласкес, Рембрандт ван Рейн, Жорж де Латур. Воздействие отдельных приемов караваджизма ощутимо также в работах некоторых мастеров академизма (Гвидо Рени, Себастьяно Риччи в Италии и Вильям-Адольф Бугеро во Франции) и барокко (Карел Шкрет в Чехии и другие).