Литература

Красовская В. Русский балетный театр начала ХХ века, ч. 1. Хореографы. Л., 1970 Красовская В. Русский балетный театр начала ХХ века, ч. 2. Танцовщики. Л., 1972 Карп П. О балете. М., 1974 Гаевский В. Дивертисмент. Судьбы классического балета. М., 1981 Красовская В. Западноевропейский балетный театр от истоков до середины 18 в. Л., 1983 Красовская В. Западноевропейский балетный театр. Эпоха Новерра. Л., 1983 Красовская В. Западноевропейский балетный театр. Предромантизм. Л., 1983 Красовская В. Западноевропейский балетный театр. Романтизм. Л., 1996 Солуэй Д. Рудольф Нуреев на сцене и в жизни. М., 2000

Содержание:

БАЛЕТ

Возникновение балетаИстоки танцаБалет в эпоху Возрождения, барокко и классицизмаБалет в эпоху ПросвещенияБалетный сентиментализмБалет эпохи романтизмаБалет во второй половине 19 в. (академизм, импрессионизм, модерн)МИРОВОЙ БАЛЕТ 20 ВЕКАФранцияВеликобританияСШАГерманияНидерландыШвецияДанияКанадаДругие страныРусский балетБалетные сезоны ДягилеваСоветский балетПостсоветский балетТЕХНИКА КЛАССИЧЕСКОГО ТАНЦАДля чего нужна выворотностьПозиции классического танцаЗаключениеЛитература

ИСТОРИЯ БАЛЕТА

Исторически балет появился еще в эпоху Возрождения, а родиной этого вида искусства считают Италию. Истоком балета стали танцевальные представления перед основной частью спектакля или театральной постановки. Такие сценки должны были настроить зрителя на определенный лад, создать интригу и настроение. Немного позднее балет перекочевал во Францию, где приобретает определенную торжественность и пышность постановок. Как правило, французский балет ставился при дворе монарха и являлся частью танцевальных вечеров, в которых участвовали придворные короля. В XVII веке балет становится передовым искусством. Французский король Луи даже создает специальную танцевальную школу, где обучают всем премудростям танца. Балетные черты начинают проявляться во многих спектаклях того времени. Мастера сцены, пытаясь уловить новые тенденции, сочетают балет с оперой или драматическими постановками.

В любом балетном представлении главный упор делается на музыкальное сопровождение. Именно музыка призвана была передать не только настроение героев, но и стать выразителем эмоций и чувств. И только спустя столетие балет превращается в особый вид искусства, который уже самостоятельно заявляет о себе. И связаны такие преобразования с именем Жана Жоржа Новера. Этот балетмейстер создал уникальные постановки, где на первом месте был балетный танец, пластика, мастерство актеров и музыка. Именно Новере сделал первые шаги в том, чтобы балет стал утонченным искусством. Для этого, балеринам было запрещено пользоваться масками и тяжелыми костюмами, которые ранее призваны были отражать характер героев. Балетмейстер считал, что характер героев, их чувства можно выразить при помощи движения, музыки и танца. Эти значительные преобразования были поддержаны и в эпоху романтизма. Французские балерины, вслед за Камарго, отрекаются от длинных юбок и каблуков. Им на смену приходит короткая, легкая пачка и пуанты, что способствует расширению танцевальных возможностей. Балерины начинают выполнять сложные движения, приподниматься на кончики пальцев и парить в воздухе.

Для того, чтобы балетные произведения сделать еще более драматичными, разнообразные композиторы стали сочинять музыку для определенных постановок, что вносило гармонию в музыку и танец. Со временем балет становится лидирующим театральным искусством. Режиссеры и балетмейстеры ставят на сцене классические произведения известных авторов, в которых главная идея воплощена в танце и движении.

В истории балета особое место занимает развитие русского сценического танца, ставшее классическим образцом всего балетного мастерства. Русский балет отличается особой грандиозностью и массовостью постановок.

Развитие балета происходило в самых разнообразных странах Европы, которые перенимали друг у друга новые тенденции и открытии.

Наибольшее развитие получил балет в XVII веке. В это время балетное искусство попадает во Францию, где под патронажем короля Луи XIV, проходят самые зрелищные танцевальные вечера и представления. Король и сам был не прочь потанцевать, поэтому при его дворе часто устраивались целые балетные спектакли. Неслучайно именно король Луи организовал Королевскую танцевальную академию, где не только придворные монарха могли постигать азы танцевального мастерства, но и готовились профессиональные танцоры. Таким образом, больше уделяется внимания технике танца.

Бальные танцы, устраивавшиеся при дворе монархов, превращаются в представления, где танец представлял собой четкую геометрическую фигуру. Навыки профессионалов балета заключались в том, чтобы каждый танцор смог выполнить сложные пируэты и па. Впервые четко обозначил основные правила балета преподаватель королевской танцевальной академии Пьер Бошан. Этот балетмейстер выделил ведущие движения актера, без которых просто не представлял балета. Пьер Бошан считал, что, если придерживаться всех критериев, то можно не только достичь совершенства в танце, но и мастерски исполнять свою балетную партию на сцене. В своих правилах балетмейстер королевской академии рассмотрел позиции ног и рук, которые стали ключевыми и именно на них базируется весь танец. С этого времени придворный танец превратился в балетный и стал показываться на большой сцене.

На французский классический балет оказало значительное воздействие итальянское танцевальное мастерство. То, что для французских танцоров было нерушимой традицией, отход от которой был непозволителен, для итальянских балетмейстеров главной в танце была виртуозность, определяющая мастерство танцора. В XVII – XVIII веках начинаются не только преобразовываться сам танец, но изменяются и костюмы актеров. Кроме того, если ранее на сцене блистали только танцоры-мужчины, то в эпоху Возрождения и Романтизма символами балета становятся женщины. Однако, зачастую, женский костюм был достаточно тяжелым и не позволял исполнительнице выполнять более сложные движения, поэтому считалось, что мужчины гораздо более ловкие танцоры. Но сложившиеся стереотипы ломает в один час балерина Мари Камарго. Она отказывается от длинных юбок, предельно укорачивая свою. А это дало свободу в движениях и способствовало виртуозности исполнения. Постепенно балетмейстеры улучшают и технику исполнения танца.

Многое в это привнес француз Жан Новер, который раскритиковал балетных танцоров, которые использовали маски и костюмы для того, чтобы выразить характер героя, при этом движения тела соответствовали только классическим представлениям о балете. Новер пропагандирует то, что балет должен выражать все особенности персонажа по средствам танца и музыки. Только тело, по мнению балетмейстера, настолько совершенно, что его язык способен понять каждый. В это время балет приобретает статус жанра драматического искусства и активно ставится на сценах разных стран мира.

В России балетное искусство, как и в других европейских странах, появляется в виде небольших межактовых сценок. Царь Михаил Федорович при своем дворе имеет даже личного танцора, который призван был не только веселить гостей царя, но и учить придворных танцевальном мастерству. Балетный танец, как таковой, начинает появляться только при правлении Петра I, который, беря пример с иностранцев, приказывает своим согражданам обучаться этикету и танцевальному мастерству. По приглашению российского императора приезжает известный французский хореограф и балетмейстер Жан Батист Ланде, который открывает первую танцевальную школу в Санкт-Петербурге. Изначально в этой школе обучаются только придворные Петра I для того, чтобы блистать мастерством балетного танца на балах и праздниках. Однако для того, чтобы в России балет стал театральным зрелищем, этого было недостаточно. И Ланде набирает в свою школу маленьких девочек и мальчиков, которых с самого детства учит всем премудростям балетного танца. Успех этой работы не заставил себя долго ждать. На удивление публики танцоры превосходно исполнили свои партии и поразили всех присутствующих. При правлении Петра I танцам обучались все молодые люди, учащиеся кадетского корпуса, которым было поручено выступать на музыкальных мероприятиях, проводимых при дворе, а также в публичных местах Санкт-Петербурга.

На процесс развития балета в России оказал влияние и французский танцор Мариус Петипа. Именно он привнес в это искусство виртуозность и техническую сложность, что позволило российскому императорскому балету стать одним из лучших в Европе. Петипа в своих постановках главную ставку делает на женские персонажи, специально для которых создаются сольные партии. Среди таких балетов можно назвать «Лебединое озеро» и «Спящую красавицу», где играли многие балерины.

Оригинальным балетное искусство в России стало в XIX веке, когда в Санкт-Петербург приезжает балетмейстер Дидло. Именно этот француз создает на сцене единство сольных партий отдельных танцоров и кордебалета, при этом кордебалет уже не выступает в качестве фона, а получает значимость на сцене. Кроме того, в это время большое значение придается женским партиям, где балерины могут продемонстрировать свое мастерство и легкость.

Но не только французы подняли русский балет на совершенно новый уровень. Российская школа воспитала и своих мастеров танца. Среди них можно упомянуть Дягилева, ставшего основателем труппы «Русский балет». Новые идеи в балет привносил и Михаил Фокин, считавший танцевальное искусство выразителем эмоций и чувств, где каждый жест, каждое движение играет особенную роль.

Такое стремительное развитие балетного искусства привело к тому, что многие композиторы начинают создавать музыкальные произведения специально для таких танцевальных постановок. Признанным мастером и виртуозным композитором является Петр Чайковский. Его музыка звучит на балетах «Лебединое озеро» и «Спящая красавиц», «Щелкунчик» и других. Танец вслед за музыкой превращается в симфонию, а балет становится монументальным искусством.

Российская балетная школа считается одной из самых сильных в мире. Балетное искусство, развиваясь, начинало приобретать своих почитателей, которые приходили в театр не только посмотреть на единый танец, а оценить игру отдельного актера или актрисы. В разное время на подмостках различных театров блистали мастера балета, ставшие известными во всем мире. Среди них можно назвать балерин, танцевавших в конце XIX – начале XX века.

Легендой балета считается Анна Павлова, которая блистала в таких спектаклях, как «Щелкунчик» или «Конек Горбунок». Анна Павлова была одаренной балериной, однако она не останавливалась на достигнутом, и постоянно совершенствовала свои навыки. Специально для Анны создавались миниатюрные роли, в которых она могла максимально себя проявить. Мировую известность Анне принесло участие в русском сезоне, устроенном Дягилевым в Париже.

Немаловажную роль сыграл Дягилев и в карьере Вацлава Нижинского. Меценат сделал этого танцовщика солистом своих Русских сезонов, которые с колоссальным успехом состоялись в Париже. Дальнейшая работа Вацлава Нижинского складывалась достаточно успешно, он много гастролировал не только по Европе, но и по всему миру. Основы балетного искусства, заложенные еще в Санкт-Петербурге, помогли Вацлаву получить мировую известность. С самого детства Нижинский был окружен красотой балета и еще в раннем возрасте испытывал свои силы в выступлениях на большой сцене Мариинского театра, где его выступления имели настоящий фурор. Поэтому, неслучайно, повзрослев и получив образование, Вацлав Нижинский стал профессионально работать в театре. Танцор сломал все стереотипы по поводу внешнего вида балетного исполнителя. Он был невысокого роста и достаточно крепкого телосложения, что было просто не приемлемо для балетного искусства, где почиталась свобода движения и виртуозность. Однако своим природным талантом и мастерством движения Вацлав покорил не только руководителей театра, но и публику. Кроме того, каждый образ, созданный Нижинским на сцене, за счет мимического выражения обладал колоссальной энергией. После внезапного увольнения из Мариинского театра, Вацлав продолжает работать на балетной сцене, танцевать в разнообразных постановках, а позднее в Лондоне даже организовывает свою балетную труппу. Однако жизнь Нижинского, полная триумфа и успеха, заканчивается довольно печально в психиатрической лечебнице.

Настоящим открытием Михаила Фокина стала балерина Тамара Красавина. Она появляется на сцене в то время, когда происходят существенные преобразования в балетном искусстве, когда ведущие балетмейстеры пытаются создать новые тенденции, когда происходит поиск новых актеров и балерин. Еще, будучи студенткой, Тамара Красавина начинает выступать в балетных спектаклях. Однако любители этого вида искусства видят в выступлениях Красавиной очень много недостатков. Исправить такое положение помог Михаил Фокин, который создал для Тамары отдельные партии в спектаклях, которые помогли наиболее полно открыть талант балерины. Тамара, как и многие танцоры этого периода, также принимает участие в «Русских сезонах», устроенных Дягилевым в Париже.

Особое место в истории русского балета занимает Михаил Фокин, который долгое время являлся ведущим балетмейстером и танцором. Его балетные представления оказали значительное воздействие на развитие этого вида театрального искусства. Он танцует не только в академических постановках, но и ставит свои балеты. Кроме того, Фокин считается новатором в балетном искусстве, который, проводя реформирование, заложил основы новых традиций. Именно Фокин создает балет, в каком нет сюжета, и в своих постановках соединяет несколько стилей. Фокин является художественным руководителем Русских сезонов, прошедших во Франции.

Значительной персоной в балетном искусстве является и Галина Уланова, не только блиставшая в разнообразных постановках, но и являющаяся талантливым преподавателем балетного мастерства. В ее танце мастерство движения и характера, образа и мысли.

Легендой балетного искусства XX века стала балерина Майя Плисецкая. После окончания хореографического колледжа Майя начала свою работу в Большом театре, в последствие стала его Примой. Плисецкая играет в самых разнообразных спектаклях. Однако балерина известна не только в России, но и далеко за ее границами. Плисецкая некоторое время была художественным директором балета в Риме, работала в Испании и других странах. О ней написаны книги, а ее автобиография рассказывает о сложностях жизни и работы балерины.

- Балетмейстеры

История российского балета прошла те же стадии развития, что и в других странах мира. Постепенно классические танцевальные традиции начинают пересматриваться и трансформироваться. Творческие взгляды хореографов обращаются все к новым тенденциям. Главным новатором русского балетного искусства стал французский балетмейстер Мариус Петипа. На основе классического танца балетмейстер вводит новые формы раскрытия характера. Балет становится уже не только танцем, мастерски исполненным, а настоящим театральным зрелищем, где есть свои чувства и эмоции, где можно выделить сюжет и переживания героев. Кроме того, Мариус Петипа создает совершенно уникальные постановки, в которых немаловажное значение отводится всей балетной группе, включая кордебалет. Соединить на сцене большое количество людей, синхронно танцующих и при этом еще играющих определенную роль, было большим достижением для российского театра конца XIX века.

Петипа главное место отводит женским ролям, предоставляя им право солировать во всем спектакле. Грациозность и удивительная воздушность балерин не оставляет публику равнодушной к балетному танцу. Каждое движение танцора выражает определенные эмоции. Однако Петипа большое место отводил не только танцевальному мастерству, но и пантомиме героев. Танцоры на сцене театра должны были играть, а не просто исполнять виртуозные па.

Продолжает традиции, заложенные Петипа и российский балетмейстер Михаил Фокин. Этот мастер сцены продолжает развивать балет как целостное искусство, где важно все: и движение тела, и поворот головы, и выражение лица, и эмоция. Балет представляет собой спектакль, над которым поработали хореографы, режиссеры и музыканты. Балет постепенно приравнивается к драматическому искусству. Он становился не только танцевальным искусством, это стало творчеством, в котором приветствовалась природная пластика и техническое мастерство исполнения партии. Хореографы постепенно пересматривали классические традиции и открывали для себя новые возможности реализации танцевальных задумок.

Новаторов в балетном искусстве можно считать и американку Айседору Дункан. Эта танцовщица на основе традиционного балетного мастерства, создала свой неповторимый стиль, где на первом месте была свобода выражения настроения и естественная легкость. Все реформаторы русского балета практически полностью отвергли все, что было накоплено за столетия балетной истории.

Продолжил реформировать балет и Дягилев, которые показал возможности русского балета всему миру. В период революции и последующие советские годы российский балет потерял свое первоначальное значение и превратился в инструмент агитации и продвижения революционных идей. На второй план отступают все преобразования в танце и достижения в хореографии. Главную роль занимала идея и сюжет, а не танец и чувства актера. Поэтому российские балетные постановки приобретают однообразность.

Однако с начала 50-х годов XX века начинается новый виток в развитии балетного искусства. В это время с гастролями за границу выезжает труппа Ленинградского театра, которая воспевает российских мастеров танца на весь мир.

Современность диктует свои условия и в балетном искусстве. После того, как развалился Советский союз, российский балет начал переживать не самые свои лучшие времена. Российский балетный танец, как и прежде, придерживался традиций, которые просто устарели и приотстали от прогрессивных хореографических тенденций других стран. По этой причине многие великие мастера балета уезжают из России в те страны, где они могли бы быть полезными. Таким образом, российский балет стал еще не примером для подражания в мире, а ему самому приходилось пользоваться иностранными наработками, чтобы усилить свою популярность.

В конце XX века начинается развитие современного танца, и классический балет перестает быть интересным. Русский балет этого времени активно пользуется идеями, приходящими с Запада. В балетное искусство начинают включать элементы джаза и свободного танца. На сцене российских театров появляются постановки зарубежных мастеров балета, которые вносят новые веяния в искусство танца. Пересматриваются также и классические постановки. Балеты «Спящая красавица», «Лебединое озеро», «Баядерка» модифицируются с учетом новых требований и ставятся на современный лад. В это время на сцене появляются новые танцоры. Среди них Владимир Малахов, Алексей Ратманский и балерина Нина Ананиашвили. Они являются основоположниками нового стиля в балете и выводят российское искусство на другой этап развития. Российские балетные танцоры завоевывают разнообразные международные призы и награды, которые символизируют подъем балетного искусства в стране.

Современный российский балет постоянно экспериментирует с жанрами и стилями. В этом значительная роль отводится Евгению Панфилову, который в своих постановках сочетает классический танец с фольклорными мотивами, а джазовый стиль с модерном. Этот балетмейстер создает совершенно уникальные балетные постановки с необычной хореографией, костюмами и освещением. Современный балет несет собой не только мастерство танца, где движение тела сочетается с музыкой. Важное место отводится умению грамотно сделать постановку, в которой все было бы гармонично.

Балериной своего времени можно считать Агриппину Ваганову. Ваганова стала своеобразным символом балета. Однако, чтобы достигнуть определенных высот Агриппине пришлось много работать над собой и сутки напролет заниматься хореографией. Она была прекрасно знакома с балетной жизнью, ведь сама, чтобы попасть на сцену, прошла все уровни формирования, как балерины.

Агриппина Ваганова с детского возраста стала заниматься в балетной школе, где изучала все премудрости разнообразной техники танца. Кроме того, Ваганова еще в юном возрасте не хотела мириться с однообразием репетиций и занятий, она старалась каждый урок сделать для себя неповторимым, и поэтому придумывала своеобразные вариации различных движений, которые соединяла в одно целое. Ваганова для того, чтобы в совершенстве овладеть техникой мастерства, должна была продумывать каждое движение, разбивать его на несколько составляющих. Сложной манерой своего исполнения Ваганова привлекла балетмейстеров Мариинского театра, которые и приняли ее в кордебалетную труппу. На протяжении многих лет, несмотря на совершенство исполнения, Агриппина Ваганова всегда оставалась в составе кордебалета, или на вторых ролях. За свою балетную карьеру она сыграла только несколько ведущих ролей, которые были прекрасно восприняты публикой. Однако мнения зрителей совершенно не учитывали балетмейстеры и художественные руководители театра. Для них Ваганова не являлась эталоном утонченной балерины, который сформировался в то время. Но Ваганова не сдается и продолжает долгие мучительные репетиции, создает свой уникальный стиль.

Балетный путь Агриппины был очень не простым, она так и не стала признанной великими мастерами того времени. Гораздо позднее, когда Агриппина Ваганова была отправлена на пенсию, она долго ищет, где ей можно применить свой талант. Ваганова окунается в преподавательскую работу сначала в частных школах, а затем в балетном училище. Ваганова и здесь не обращает внимания на трудности. Она упорна и настойчива в обучении и требует от своих подопечных того же.

Ваганова все, что усвоила за годы своих занятий, переносит на своих учениц. Она формирует свой своеобразный метод. Ваганова отходит от академических приемов балета и начинает применять новую хореографию. При этом в обучении девочек Ваганова пользуется тем аналитическим методом, который разработала в свои годы учебы для себя. Каждая ее ученица училась обдумывать то, что она делает на сцене. Только в этом случае, по мнению Ваганов, танец мог получиться целостным и красивым. Однако в основу любого танца Агриппина Яковлевна закладывала классические элементы, с которыми позднее можно было работать.

Отличал метод Вагановой от всех остальных преподавателей и индивидуальный подход к каждой ученице. Пользуясь одними и теми же приемами, Ваганова помогала становлению разных балерин. Однако школу Вагановой можно было рассмотреть сразу. Все балерины, которые обучались у нее, имели особую осанку и четкость движений, обладали воздушностью и грацией, гибкостью и гармоничностью. Позднее Ваганова начинает использовать в своих балетных постановках даже элементы акробатики. За время преподавания Вагановой в балетной школе она смогла дать сцене замечательных балерин, отличающихся своим мастерством и техничностью.

Для того, чтобы научится технично исполнять балетные движения, необходимо долго и усиленно заниматься. Ведь гибкость тела, ощущение полета, быстрые и четкие движения рук и ног танцора, всегда приковывают внимание публики. Технические особенности балетного мастерства разных стран отличаются друг от друга. Однако в основе разных стилей и направлений лежат основные положения, на базе которых и формируется единый танец. Главное в балетной технике знать и правильно выполнять основные шаги. Кроме того, при подготовке балерин хореографы всегда учитывают и гибкости тела танцовщицы, с помощью которого можно передать настроение танца. Для того, чтобы стать техничным балетным танцором, необходимо заниматься с самого детства, постепенно совершенствуя свое тело и приобретая новые навыки. В самом начале шлифуются отдельные движения танцора. Без правильной техники постановки ног, позиций тела, поворотов головы и многого другого невозможно достичь дальнейшего успеха в балете. При этом большое внимание уделяется укреплению ног. Поскольку от гибкости и силы нижней части тела зависит очень многое. Это будет необходимо, когда танцор станет работать в пуантах, или выполнять сложные движения ногами.

Существует несколько основных стилей балетного танца. Русский или Вагановский стиль основывается на обдуманности всех действий, когда техника балерины формируется не простым заучиванием движений, а их анализом. Итальянская техника представляет собой более пластичный танец, где главный упор делается на гибкости танцора, где важно все: от движения ног, до взмаха руки. А американская техника отмечается смешением стилей. Кроме того, многие балетные техники применяются и в других танцевальных направлениях.

Балетная техника складывается не только из мастерства танца, но и из умения владеть своим телом. Ведь для того, чтобы выполнять сложные движения в воздухе, взлетать и замирать, необходимы долгие годы тренировок. В балете немаловажное значение играет и умение работать с партнером. Только так можно достигнуть гармонии танца и музыки. Постижение балетной техники, которая лежит в основе разнообразных направлений, является для начинающего танцора продвижением к успеху.

Традиционным из всех балетных направлений и стилей считается классический балет. Классический балет основывается на своеобразной хореографии, которая закладывается в основу других танцев. Классический балет находит гармонию в движении танцора и музыкальном сопровождении. Классический балет основывается на пяти позициях ног. При этом для всех позиций характерно такое положение, когда ноги находятся в вывороченном состоянии. Важно так же и то, что вывернуть ноги необходимо от бедра, а не только стопы. Такая позиция позволяет выполнять даже самые сложные элементы и комбинировать их. Танцору, чтобы достигнуть совершенства в классической балетной технике, важно научится выполнять выворот ног, а для этого необходимо развивать гибкость тела. Выворот ног считается основным приемом классического балета. Такая позиция дает возможность легко двигаться боком. Танцор не отворачивается от зрительного зала, но в тоже время совершает танцевальные движения. Второй плюс выворота ног заключается в том, что при выполнении определенного па можно сохранять равновесие тела. Гибкость танцора и умение правильно совершать выворот ног не сковывают движения и позволяют грациозно и легко выполнять танцевальные элементы, поддерживая равновесие тела. А это делает танцора грациозным и изящным.

Классический балет использует не только выворот ног для создания неповторимого танца. Классической технике балета свойственен и широкий шаг в танце, определенная пластичность, грациозные прыжки и вращения, пластика движений рук и отличная координация. Классическая балетная школа в процессе изучения танцевальных движений делит все приемы на отдельные группы, обладающие своими характерными чертами. Важное место в классическом балете занимают вращения, приседания и особое положение тела балерины. На основе таких групп строятся и другие разнообразные элементы, которые позволяют сделать любой танец настоящим шедевром.

На смену традиционному классическому балету приходит неоклассический балет, который далеко не отдаляется от наработок предшествующего стиля, однако постоянно находится в поиске нового воплощения танца. Неоклассический балет использует туже терминологию и ту же технику, что и классический танец. Отличительной же особенностью неоклассического балета является то, что этот стиль в своих танцевальных постановках более стремительный и быстрый. У танцора просто не остается времени на то, чтобы продумать свой поворот или прыжок, в этом балетном стиле все движения должны быть заранее отточены.

Меняется и музыкальное сопровождение неоклассического балета. На смену размеренного темпа музыки приходит ритмичность. Все эти нововведения требуют от танцора высокого мастерства и техничности. Постановки танца в неоклассическом балете гораздо сложнее, они насыщены сложными элементами. Неоклассический стиль в балете, прежде всего, связан с именем Джорджа Баланчина, который в XX веке на основе классической техники создал абсолютно новое направление в балетном искусстве. Он в первую очередь делает ставку на мастерство танцора. При этом для Баланчина является не важным сюжет балетного произведения. Большие классические балетные спектакли заменяются маленькими бессюжетными постановками. И если классический балет базируется на сольных выступлениях, то в неоклассическом стиле постановки имеют массовый характер. Стиль Баланчина становится ведущим в XX веке. Он нарушает многие каноны классического балета, балетмейстер не стремиться наполнить свои произведения драматическими моментами, выразительными пантомимами. В неоклассическом балете на первом месте танец во всех его технических проявлениях. Неоклассический балет получил широкое распространение именно в Соединенных Штатах Америки, где можно было отойти от классических правил и создать совершенно уникальный танец.

XX век значительно повлиял на развитие балетного искусства. Классический стиль постепенно начинает обрастать новыми элементами танца, изменяется и образ каждого танцора. Классический танец становится превосходным базисом для развития абсолютно другого направления в балете. Стоит отметить, что современный танец или балет в стиле модерн начал развиваться в Соединенных Штатах Америки в начале XX века. Развитие современного танца становится для известных балетмейстеров возможностью показать свое мастерство. Ведь в это время русские балетные традиции, сложенные за долгий период времени, практически не пополняются новыми элементами и не учитывают современных тенденций танцевального искусства.

Реакцией на такой кризис стало создание балетного стиля модерн. Современное искусство танца должно было способствовать наиболее полному выражению чувств и идей автора в движениях танцоров. В соответствие с этим классические элементы балета пополняются новыми танцевальными позициями. В современном балете нет места уже классическим позициям ног и рук, а на смену традиционным пачкам у балерин приходят удлиненные одежды, которые делают образ утонченным. Современный балет отказывается от сложного выворота ног, от высоких прыжков и удлинений рук и ног. Многие танцоры начинают выступать босиком, а пуанты и пачки не являются основной одеждой балерины. Современный балет основывается не на сольных партиях отдельных танцоров, на парном выступлении. Кроме того, современный балетный танец, благодаря определенной свободе движения и танца, не стесненной многочисленными правилами, позволяет увлечься балетом уже в зрелом возрасте. Ведь танец в стиле модерн не требует отличной техники, в нем главное – природная пластика тела, позволяющая выполнять сложные движения. В последнее время современный балет получил широкое распространение. Различные элементы классического балета гармонично сочетаются с новыми танцевальными движениями, что дает свободу вариаций и комбинаций, а это придает танцу особую выразительность. Современный балет – это, прежде всего, танец эксперимента.

Эпоха Романтизма, отразившаяся на литературе и изобразительном искусстве, наложила свой отпечаток и на балет. Франция и балетное мастерство французов стояло у истоков традиционного романтического балета. В романтическом балете на сцене разворачивается действие, которое символизирует борьбу человека и сверхъестественных сил. В эпоху Романтизма главными персонажами балета становятся разнообразные духи и приведения, природные создания и мифологические существа. Развивается особая техника танца, символизирующая легкость и воздушность. Эпоха Романтизма выдвигает на передний план балетной сцены женские образы. И если ранее солистами балета являлись мужчины, то романтический балет это кардинально меняет. В соответствии с новыми образами изменяются и костюмы танцоров. Символичным для эпохи Романтизма становится белый цвет, который заключает в себе печаль и чистоту. А балерина, выполняющая танцевальные элементы является идеалом романтиков. Развивается особая техника балетного искусства, которая приобретает название пальцевой. Заключается она в том, что балерина встает на кончики пальцев, тем самым создает грациозность и ощущение полета.

Особое место в балете романтизма начинает занимать музыка. Музыка уже является не только сопровождением балетной постановки, которая создает ритм танца, но и может поведать о герое, придавать драматизм балету. Романтический балет превращается в единую композицию, где гармонирует танец, музыка и пантомима. Тем самым эпоха Романтизма делает балет симфоничным. Однако Романтизм создает не только фантастические сюжеты, порой в основу балетных постановок заложены героические сюжеты. Многие балерины начинают выходить за рамки существующих традиций и экспериментировать в танцевальных движениях. Отдельно можно выделить датскую школу романтического балета, которая противопоставляется направлению, развитому в других странах. В датском романтическом балете по-прежнему главную роль играют мужчины. Кроме того, романтический балет этой страны имеет не возвышенное начало, а достаточно приземленное. Главным же отличием является наличие фольклорных сюжетов и образов.

Романтический балет вносит в историю развития балета новые тенденции и правила, которые закрепляются и соблюдаются в дальнейшем.

Балерина во все времена считается символом настоящей женственности и красоты. Грациозность ее движений, утонченность фигуры и величественная осанка всегда были объектом восхищения у мужчин и зависти у женщин. Однако для того, чтобы достичь совершенной формы, современным балеринам приходится много работать над собой. Маленькие девочки, начинающие работу в балетной школе, усердно занимающиеся и придерживающиеся режима питания, с замиранием сердца готовятся к тому моменту, когда они смогут перейти в старший класс. Ведь выдержать сложные экзамены сможет не каждая из них. Эти проблемы связаны несколько с несовершенной техникой и мастерством юных балерин, сколько с изменениями их фигуры. Так уж совпало, что переход в старшие классы совпадает с переходным возрастом у девочек, что естественно сопровождается переменами во внешнем виде. Поэтому каждая девочка, претендующая на звание балерины, стремится максимально сбросить лишний вес всевозможными способами. И порой это не приводит ни к чему хорошему. Конечно, в балетной школе питание воспитанниц хорошо продумано и сбалансировано, в рацион входят продукты, которые не только поддержат форму в порядке, но и придадут силы. Поскольку для развивающегося детского организма и больших нагрузок, которые он испытывает, это очень важно. Но и в этом случае маленькие балерины стараются меньше есть, чтобы при контрольном взвешивании не высветились лишние граммы. Девочки, переходя в пятый класс балетной школы, считается, не должны весить более пятидесяти килограммов. Ведь именно на этом этапе обучения балерины оттачивают свое мастерство в парных танцах, а юным танцорам сложно поднять тяжелую балерину. Однако, несмотря на все трудности, которые приходится проходить юным танцовщицам, еще не известно, будут ли они блистать на сценах театров, или им будет отведена роль в кордебалете.

Однако, стоит отметить, что худоба балерин не всегда была в моде. К примеру, в эпоху Романтизма приветствовались балерины, обладающие тонкими, практически прозрачными, формами. Подчеркивалась их фигура и своеобразными нарядами. В переломный период для балетного искусства, на рубеже XIX и XX века, худоба для балерины считалась недопустимой. Танцовщицы должны были покорять публику своими округлыми формами. Кроме того, такие балерины, не стесняясь особенностей своего тела, стремились укоротить юбки. Позднее на внешность балерины вообще перестали обращать внимание. Ведь на подмостках театров стали выступать, как миниатюрные танцовщицы, так и достаточно крупные, которые никак не подходили под образ легких и изящных. Хрупкость балерины со временем вообще перестала играть роль, главное, чтобы женщина правильно и виртуозно исполняла свою партию. На смену маленьким и изящным балеринам приходят высокие и крупные, которые мастерски выполняют все элементы танца. На данный момент в балерине ценится ее мастерство танца, хотя это зависит и от строения тела танцовщицы.

Традиционным костюмом балерины является юбка особого кроя – пачка. С течением времени, когда развитие балета переходило из одной эпохи в другую, менялись и представления о балетных нарядах. Балетные юбки признаны были не только подчеркнуть фигуру танцовщицы, но и создать ей образ, и облегчить выступление. Женские юбки имели самые разнообразные формы и своеобразно украшались. В романтическую эпоху, когда балетные постановки стали использовать фантастические сюжеты, образ балерин, которые танцевали мифических созданий и духов, должен был быть соответствующим. Поэтому балерины надевали пачки, сшитые из фатина в форме колокола. Такие юбки были длиной в три четверти и, зачастую, имели лиф с длинными рукавами. Такой наряд балерины подчеркивал ее легкость и воздушность. Романтические балетные пачки стала использовать впервые балерина Мария Тальони.

Классические пачки бывают двух видов. Классические пачки шьют в форме колокола. При этом не используются обручи, а жесткость юбки создается за счет нескольких слоев ткани. Второй вид классической пачки представляет собой юбку из большого количества слоев материала, в которой для придания жесткости используется обручи. Такие пачки, чтобы не испортить их форму, рекомендуется перевозить в специальных круглых мешках. Таким образом, балетные пачки со временем значительно трансформировались. Изначально, балетные юбки придавали балерине легкость. Однако из-за b[ длины танцовщицы, порой, не могли выполнить сложные элементы. Поэтому постепенно пачки укорачивались, что давало свободу движения. По-разному шились такие балетные юбки. Сначала использовали много слоев ткани, а позднее такие пачки стали более свободными и легкими.

Настоящий переворот в балетной моде произвел Баланчин. Его танец в стиле модерн требовал наибольшей свободы и пластики. Поэтому хореограф начинает использовать мягкие юбки, которые бы не стесняли движений танцовщицы. Такие костюмы в то время не вписывались в классические представления о балете. В балете тоже существует своеобразная мода. Пачки балерин украшаются и перьями, и стразами, иногда можно встретить и цветные балетные пачки. Каждая эпоха по-своему видела наряд балерины. И в любой пачке танцовщица выглядела особенно.