Добавил:
Upload Опубликованный материал нарушает ваши авторские права? Сообщите нам.
Вуз: Предмет: Файл:
билеты+история+кино+2.docx
Скачиваний:
17
Добавлен:
27.09.2019
Размер:
109.1 Кб
Скачать

БИЛЕТ 1. Кинематограф оттепели. (общая характеристика)

В 1956 году наступает период «оттепели», начало которого ознаменовало разоблачение культа личности Сталина на ХХ съезде КПСС. Веяние этой «оттепели» принесло в среду молодёжи западную литературу и музыку, зарубежный авторский кинематограф, итальянский неореализм и французскую «новую волну». В 1953 году было принято решение об увеличении производства фильмов. В 1954 году, кинопродукция достигла 45 фильмов в год, а в 1955 году их стало уже 66. Кроме быстрого количественного роста фильмов — а значит, и возможностей — существенную роль в становлении кино этого периода сыграло то обстоятельство, что незадолго до этого в институт пришло военное поколение. Оно-то и создало феномен «школы ВГИК». Люди ещё молодые, но уже воевавшие, обладавшие опытом жизни и осознанным стремлением выплеснуть его в искусстве, пришли в поэзию, литературу, театр и кино. Именно им предстояло на рубеже 1950—1960 годов обновить темы и средства выразительности, круг жизненных наблюдений искусства и представление о герое. В 1956 году дебютировала целая плеяда молодых режиссёров, сценаристов, операторов, актёров. Всего за два года (1955—1956) молодые режиссёры сделали около 50 фильмов.

60-е годы. Это было время оттепели, время романтических надежд и ожиданий. И фильмы были такие же: в чем-то наивные, но очень добрые и чистые! Непосредственная Тося Кислицина из фильма «Девчата» , наивный и очень добрый Шурик из «Операция Ы и другие приключения Шурика», безумно смешная «троица» Трус, Бывалый и Балбес из того же фильма, сталевар Саша из «Весна на Заречной улице» стали чуть ли не членами каждой советской семьи. Ведь фильмы пересматривались не раз и не два. Вся страна с замиранием сердца следила за приключениями неуловимых, переживала гибель честного таможенника Верещагина, сочувствовала Резиденту, восхищалась Журавушкой.

На мой взгляд, самый главный показатель того, что советские фильмы стали классикой — это то, что их вот уже 50 лет с удовольствием смотрят и стар и млад.

Десятилетие шестидесятых годов, пожалуй, самое продуктивное, в плане разнообразия советского кино. Полное соответствие количества и качества.Почти каждый год выходят шедевры, которые зрители с удовольствием смотрят и сейчас. В этот период в кино пришло много молодых авторов – выпускников ВГИКа. Актеры, режиссеры, операторы, художники поучили возможность активно работать. Подход к воплощению жизни на экране в корне изменился и усложнился. Фильмом, положившим начало новому периоду советского кино, стало «Возвращение Василия Бортникова» (1953 г., реж. Пудовкин). Кинематограф устремился к изображению реальной жизни и реальных характеров.

Кино 60-х хотело сказать своему зрителю всего несколько принципиальных вещей:

- все люди братья,

- все люди не твари дрожащие, а право имеют, какими бы маленькими они не были,

- любовь стоит того, чтобы жить. На экраны страны выходят один за другим потрясающие своей добротой, лиризмом, радостью жизни фильмы, такие как:

Сережа – (1960)Георгия Данелия и Виктора Таланкина

Друг мой, Колька (19600 – Александр Митта и Алексей Салтыков

Евдокия (1961) Татьяна Лиознова

Иваново детство (1962) Андрей тарковский

Живет такой парень (1964) Василий Шукшин

Я шагаю по Москве (1964) георгий Данелия

Добро пожаловать или Посторонним вход воспрещен (1964) Элем Климов

Гамлет (1964) Григорий Козинцев

Война и мир (1967) Сергей Бондарчук

Доживем до понедельника (1968) Станислав Ростоцкий и мн. мн. другие

Трилогия И. Хейфица «Большая семья», «Дело Румянцева» и «Дорогой мой человек» были сделаны на современном материале и затрагивали нравственные категории: честность, трусость, благородство, верность. Героями все чаще становились молодые люди, которым свойственна верность романтическим идеалам и тяга к демократическому преобразованию общества.

Постепенно и комедии становились лиричнее, смех – непосредственнее. Три комедии: «Верные друзья» (1954 г.), «Солдат Иван Бровкин» и «Девчата» пользовались всенародным успехом. В художественные фильмы вплеталась и изрядная доля сатиры. Эльдар Рязанов в своих фильмах тяготел к социальному гротеску и едкой сатире. Фильмы «Карнавальная ночь» (1956 г.) и «Берегись автомобиля» (1966 г.) вошли в золотой фонд отечественного кино. Равно как и комедии Леонида Гайдая, такие, например как, Кавказская пленница (1967), или Бриллиантовая рука (1968). Гайдаевский юмор непревзойден в нашем кинематографе и доныне.

Лучшие фильмы этого периода пользуются заслуженным успехом у советских и зарубежных зрителей. Многие из них удостоены Ленинских премий и высших призов на Всесоюзных и Международных кинофестивалях, а фильм "Война и мир" - премии "Оскар" Американской академии киноискусства и наук.

В этот период многие режиссеры в основу киносценариев вкладывают свои собственные замыслы. Поиски оригинальных сюжетов идут в разных направлениях. Внимание одних мастеров кино привлекает приём "внутреннего монолога", позволяющий отобразить действительность через субъективное её восприятие героем фильма, другие продолжают развивать эпические и драматические формы киноповествования. Фильм "Мне двадцать лет" (1965, реж. М. Хуциев) лишён того, что называют драматической интригой. Фильм "Никто не хотел умирать" (1966, реж. В. Жалакявичус) построен на детективной фабуле, в фильме "Девять дней одного года" (1962) реж. М. Ромм прибегает к фрагментарному построению сюжета, а в кинороманах "Люди и звери" (1962, реж. Герасимов) и "Наш современник" (1968, реж. Райзман) последовательность событий тщательно и подробно мотивирована.

БИЛЕТ 2. МАРЛЕН ХУЦИЕВ

Марлен Мартынович Хуциев родился 4 октября 1925 года в Тбилиси (Грузия). После школы он поступал в Академию художеств, но не прошел по конкурсу, и в 1944 году начал работать на Тбилисской киностудии помощником художника комбинированных съемок. В 1945 году Марлен поступил на режиссерский факультет ВГИКа (мастерская И.Савченко). Его однокурсниками были А.Алов, В.Наумов, Ю.Озеров, Ф.Миронер и другие. Окончив институт в 1950 году, Хуциев дебютировал как режиссер. Его первый фильм – дипломная работа – «Градостроители». В последующие годы он работал на разных киностудиях – был ассистентом по дубляжу на Центральной киностудии им.Горького, вторым режиссером у Б.Барнета. В 1955-1958 годах Марлен Мартынович работал режиссером на Одесской киностудии, а затем стал ассистентом режиссера на киностудии им.Горького. С 1965 года Хуциев – режиссер киностудии «Мосфильм». Первой режиссерской работой, которая принесла Хуциеву известность и признание зрителей и критики, стал фильм «Весна на Заречной улице» (1956), снятый им совместно с Ф.Миронером. За ним последовала правдивая картина о послевоенной жизни «Два Федора» (1959), где дебютировал В.Шукшин. Шедеврами не только Хуциева, но и всего советского кинематографа 1960-х годов стали его ленты: «Мне двадцать лет» (1962, это цензурный вариант фильма «Застава Ильича», который в первоначальной редакции вышел на экраны в 1988 году), «Июльский дождь» (1967). Затем были фильмы – «Был месяц май» (1970), «Алый парус Парижа» (1971), «Послесловие» (1983), «Бесконечность» (1991) и «Невечерняя» (2006). Также Хуциев как режиссер, вместе с Э.Климовым и Г.Лавровым, заканчивал фильм «И все-таки я верю», который не успел завершить М.Ромм. Кроме режиссуры Хуциев часто выступал как автор или соавтор сценариев, в том числе и многих своих фильмов. Кроме того, он поставил спектакль «Случай в Виши» в театре «Современник» (1967, возобновлен в 1986), а также пьесу «Визит к больному палаты №16», написанную им совместно с сыном. Работал Хуциев и как актер, снявшись в нескольких фильмах.

Свою творческую карьеру Марлен Мартынович успешно совмещал с педагогической деятельностью. С 1978 года он преподает во ВГИКе. Многие его ученики сегодня активно работают в кино и на телевидении. В 1978-2009 годах Хуциев руководил мастерской режиссуры игрового кино во ВГИКе, а в 1987-2009 годах возглавил одноименную кафедру. Профессор Хуциев также является президентом Гильдии кинорежиссеров России, президентом Международного правозащитного кинофестиваля «Сталкер», действительным членом Российской Академии гуманитарных наук, почетным членом Российской академии художеств и т.д. Он неоднократно избирался секретарем Союза кинематографистов СССР. Марлен Хуциев – Народный артист СССР, лауреат Государственной премии СССР и РФ, лауреат премий «Золотой Овен», «Триумф» и «Ника», обладатель приза города Санкт-Петербурга «Живая легенда отечественного кино», премии мэрии Москвы за уникальный вклад в развитие культуры, Национальной премии в области документального кино и телевидения «Лавровая ветвь». Он награжден орденами «За заслуги перед Отечеством» IV, III и II степеней, «Знак Почета» и другими орденами и медалями. В настоящее время один из крупнейших советских режиссеров и высокий мастер своей профессии Марлен Мартынович Хуциев живет и работает в Москве.

БИЛЕТ 3. Андрей Тарковский

Андрей Арсеньевич Тарковский (1932-86) - российский кинорежиссер, народный артистАртист (французское artiste, от латинского ars — искусство) — то же, что актер. В широком смысле — человек, занимающийся творчеством в области какого-либо искусства. В переносном смысле — человек, достигший мастерства в своем деле. России (1980). Сын поэтаПоэт — писатель, автор стихотворных, поэтических произведений. Арсения Александровича Тарковского. Фильмы: «Каток и скрипка» (1960), «Иваново детство» (1962, «Золотой лев» Международного кинофестиваля в Венеции), «Андрей Рублев» (1966, выпущен в 1972), «Солярис» (1972, специальный приз Международного кинофестиваля в Канне), «Зеркало» (1975), «Сталкер» (1979), «Ностальгия» (1983, Италия, специальный приз за творчество Международного кинофестиваля в Канне), «Жертвоприношение» (1986, Швеция, Гран-при Международного кинофестиваля в Канне).

В основе фильмов Андрея Тарковского остро и напряженно поставленная альтернатива добра и злаДобро и зло — наиболее общие понятия морального сознания, категории этики, характеризующие положительные и отрицательные нравственные ценности., веры и неверия в человека, философский спор, всегда разрешающийся в пользу гуманистической и оптимистической истины. С 1982 года жил за рубежом. Ленинская премия в 1990 году, посмертно.

Школьный аттестат Андрея Тарковского, хранящийся в архиве ВГИК, не обнаруживает следов прилежания или увлечения ни по одной из дисциплин — говорит, скорее об отсутствии интереса к естественным наукам и о сносных знаниях в гуманитарных. Андрей Тарковский учился в Московском институте востоковедения, получив сотрясение мозга на занятиях по физкультуре, оставил занятия. Год работал в геологических партиях. В 1960 окончил режиссерский факультет ВГИКаВГИК Всероссийский государственный институт кинематографии имени Сергея Аполлинариевича Герасимова — в Москве, основан в 1919 году, является высшим учебным заведением, готовящим творческих работников кино, а также специалистов в области кинематографической отрасли. В составе института 8 факультетов: актерский, операторский, режиссерский, сценарно-киноведческий, художественный, анимации и мультимедиа, экономический, дополнительного профессионального образования. (мастерская Михаила Ильича Ромма) и защитил диплом короткометражным фильмом «Каток и скрипка» (1960, главный приз фестиваля студенческих фильмов в Нью-Йорке, США, 1961). С 1961 — режиссерРежиссер (от латинского rego — управляю) — постановщик спектаклей, фильмов, эстрадных и цирковых программ. На основе собственного творческого замысла (истолкования произведения) создает новую сценическую реальность, объединяя работу над постановкой всех участников — актеров, художника, композитора, в кино — и оператора. «Мосфильма».

«Иваново детство» (1962, по мотивам рассказа В. Богомолова «Иван», «Золотой лев св. Марка» на кинофестивале в Венеции, 1962 и более 10 призов на других кинофестивалях) сделало имя Андрея Тарковского знаменитым, а его метафоричный новаторский киноязык — объектом споров и киноведческих изысканий. Кинорассказ о десятилетнем разведчике построен на контрасте между естественной гармонией детства и уродливой стихией войны, историческая конкретика которой перерастает во вневременной конфликт между жизнью и смертью, светом и тьмой. Война увидена как конечная точка Истории — АпокалипсисАпокалипсис (греческое apokalypsis — откровение) — откровение Иоанна, одна из книг Нового Завета, древнейшее из сохранившихся христианских литературных произведений (середина 68 — начало 69). Церковь приписывает авторство Иоанну Богослову. Содержит пророчества о «конце света», о борьбе между Христом и антихристом, «страшном суде», «тысячелетнем царстве божьем».. «Иваново детство» заявило о кинематографе Андрея Тарковского как об эстетическом и нравственном феномене — с единой генеральной темой — ответственности человека перед всем ходом Истории.

Картина «Страсти по Андрею» (1966, приз на кинофестивале в Канне, 1969), включенная в список 100 лучших фильмов в истории кино (1978), подверглась сокращениям и вышла на экраны в 1971 году под названием «Андрей Рублев». Жизнь великого иконописца стала отправной точкой для размышлений о судьбе художника в России. Сама Россия 15 века предстает в трагической обыденности. А. Тарковский стремился, по его словам, к правде прямого наблюдения, достигая эффекта почти документальной достоверности. Грандиозные массовые и батальные сцены отличает виртуозная организация внутрикадрового движения. Постановочный размах сочетается с классической красотой каждого кадра. В целом фильм представляет собой размышления русского интеллигентаИнтеллигенция (от латинского intelligens — понимающий, мыслящий, разумный) — общественный слой людей, профессионально занимающихся умственным, преимущественно сложным, творческим трудом, развитием и распространением культуры. Понятию интеллигенция придают нередко и моральный смысл, считая ее воплощением высокой нравственности и демократизма. Термин «интеллигенция» был введен писателем П. Д. Боборыкиным и из русского перешел в другие языки. На Западе более распространен термин «интеллектуалы», употребляемый и как синоним интеллигенции. Интеллигенция неоднородна по своему составу. Предпосылкой появления интеллигенции было разделение труда на умственный и физический. Зародившись в античных и средневековых обществах, получила значительное развитие в индустриальном и постиндустриальном обществах. 1960-х годов о феномене России, о народе, непостижимо выживающем в условиях непреходящей катастрофы.

В «Солярисе» (1972, по роману Станислава ЛемаСтанислав Лем (1921 — 27 марта 2006, Краков) — польский писатель. В многочисленных произведениях в жанре научно-философской фантастики, в т. ч. романы «Астронавты» (1951), «Дневник, найденный в ванне», «Солярис» (оба 1961), «Голос Неба» (1968), «Насморк» (1976), «Мир на земле», «Фиаско» (оба 1987), — острые проблемы моральной ответственности человека за последствия своих деяний. Эссе по проблемам науки о литературе «Философия случая» (1968); философско-социологическое исследование «Сумма технологии» (1964, дополнительное издание 1974), монография «Фантастика и футурология» (т. 1-2, 1970)., «Серебряная пальмовая ветвь» и приз экуменического жюри на кинофестивале в Канне, 1972) Тарковский обращает свой взгляд в будущее, чтобы обнаружить в нем непреложные ценности: красоту земного пейзажа, патриархальный уют дома, бессмертные произведения искусства и неизменность нравственного закона.

«Зеркало» (1975) — автобиографический фильм, построенный на воспоминаниях о детстве, матери и отце — замечательном поэте Арсении Тарковском, чьи стихи звучат за кадром. Фильм, лишенный линейного повествования, построен на изощреннейшем ассоциативном монтаже. Рядом с глубоко личными мотивами здесь присутствует живое дыхание истории. Интимные воспоминания перемежаются событиями мирового значения, запечатленными в редких малоизвестных хроникальных кадрах.

В 1977 году Андрей Тарковский поставил «Гамлета» Уильяма Шекспира в Московском Театре имени Ленинского комсомола, но постановка успеха не имела.

В «Сталкере» (1979, по роману братьев Стругацких «Пикник на обочине», премия экуменического жюри кинофестиваля в Канне, 1982) причудливый кинематографический язык Тарковского претерпевает ряд изменений, становясь внешне аскетичнымАскетизм (от греческого asketes — упражняющийся в чем-либо) — ограничение или подавление чувственных желаний, добровольное перенесение физической боли, одиночества и т. п., присущие практике философских школ (например, киников) и особенно различных религий (монашество и т. п.). Целью аскетизма может быть достижение свободы от потребностей, сосредоточенности духа, подготовка к экстатическим состояниям, достижение «сверхъестественных способностей» (йога), в христианстве — соучастие в «страданиях» Христа. Нередкий мотив аскетизма — отказ от пользования привилегиями в условиях общественного неравенства (толстовцы и др.)., но технически более сложным. Фильм предельно очищен от внешних примет фантастического жанра. Изображение почти монохромно, некоторые планы небывало длинны по метражу, движение внутри кадра порою почти незаметно. И если это фильм-путешествие, то скорее всего, в пространстве человеческой души.

В 1982 году Андрей Тарковский уезжает в Италию, где в процессе поисков натуры для нового фильма снимает документальную ленту «Время путешествия» (1982). В 1983 году осуществил постановку оперы «Борис Годунов» в Ковент-гардене (Лондон).

«Ностальгия» (1983, Италия-Франция, Гран-при, приз экуменического жюри на кинофестивале в Канне, 1983) рассказывает о русском поэте, умершем в Италии от тоски по Родине. Фильм снят в той же, внешне аскетической манере, адекватно передающей душевный кризис героя. В картине отчетливо звучит мотив личной жертвы, который получит развитие в шедевре «Жертвоприношение» (1986, специальная премия, премия экуменического жюри на кинофестивале в Канне, 1986), снятом в Швеции и ставшим последним фильмом Тарковского, его завещанием.

Здесь режиссерская техника достигает предельной высоты и подводится итог нравственному поиску Андрея Тарковского. Герой фильма жертвует личным благополучием — сжигает свой дом, оставляет семьюСемья — основанная на браке или кровном родстве малая группа, члены которой связаны общностью быта, взаимной помощью, моральной и правовой ответственностью. Как устойчивое объединение возникает с разложением родового строя. Первая историческая форма моногамии — патриархальная семья (управлялась отцом, включала его потомков с их женами и детьми, а также домашних рабов). Индустриализация разрушает связь семьи с домашним производством, оставляя у нее из экономических функций лишь организацию быта; большинство семей состоит из супругов и их детей (нуклеарная семья). В современном обществе действуют две противоречивые тенденции: обновление семьи на основе промышленного и культурного прогресса (превращение семьи в морально-правовой союз мужчины и женщины) и рост семейных коллизий и значительное число разводов. Большинство браков заключается по личному выбору будущих супругов, а семейные отношения все больше характеризуются их равноправием. и горячо любимого сына, обрекает себя на молчание — по обету, данному Богу, чтобы спасти человечество от атомной катастрофы. Именно такое, полное и самозабвенное, жертвоприношение представляется режиссеру венцом и смыслом жизни. Последний фильм стал логической точкой в напряженном богоискательстве, пронизавшем все творчество Тарковского.

В 1986 Андрей Тарковский умер 29 декабря 1986 года от болезни - рак, и был похоронен на Русском кладбище Сен-Женевьев-де-Буа в Париже.

Билет 4. ВАСИЛИЙ ШУКШИН (1929–1974),

Русский прозаик, драматург, кинорежиссер, киноактер. Родился на Алтае в крестьянской семье. Служил на флоте. По возвращении работал директором вечерней школы в д. Сростки. В 1954 поступил на режиссерский факультет ВГИКа, занимался в мастерской М.Ромма. В годы учебы однокурсниками и друзьями Шукшина были будущие известные режиссеры – А.Тарковский, А.Михалков-Кончаловский и др. Студентом начал сниматься в кино, по окончании института снимал фильмы по собственным сценариям. Кинофильм «Живет такой парень» получил в 1964 высшую награду Венецианского международного кинофестиваля – «Золотого льва св. Марка». Большой успех имели фильмы Шукшина «Ваш сын и брат», «Позови меня в даль светлую», «Странные люди», «Печки-лавочки». Фильм «Калина красная» был снят Шукшиным по одноименной киноповести, написанной им в 1973. Кинематографические заслуги Шукшина отмечены премией им. братьев Васильевых, Государственной премией СССР, Ленинской премией (посмертно).     Героями фильмов Шукшина чаще всего были деревенские люди, по разным причинам оказавшиеся в городе. Тема деревенского человека, вырванного из привычной среды и не нашедшего новой опоры в жизни, стала одной из главных тем рассказов Шукшина. В киноповести «Калина красная» она приобретает трагическое звучание: утрата жизненных ориентиров ломает судьбу главного героя, бывшего вора и заключенного Егора Прокудина, и приводит его к смерти.     Всего за свою жизнь Шукшин написал 125 рассказов.     Рассказы Шукшина, тематически относясь к «деревенской прозе», отличались от ее основного потока тем, что внимание автора было сосредоточено не столько на основах народной нравственности, сколько на сложных психологических ситуациях, в которых оказывались герои. Город и притягивал шукшинского героя как центр культурной жизни, и отталкивал своим равнодушием к судьбе отдельного человека. Шукшин ощущал эту ситуацию как личную драму.     Эта сложная психологическая ситуация определяла необычное поведение героев Шукшина, которых он называл «странными людьми», «непутевыми людьми». В романе «Любавины» (1965) Шукшин показал историю большой семьи, тесно сплетенную с историей России в 20 в. – в частности, во время Гражданской войны. Обе эти истории предстали исполненными таких драматических коллизий, что публикация второй части романа стала возможна только в период перестройки, в 1987. Не удалась Шукшину и экранизация его романа о Степане Разине «Я пришел дать вам волю» (1971). Василий Макарович Шукшин ушёл из жизни ранним утром 2 октября 1974 года в каюте теплохода "Дунай" в станице Клетской Волгоградской области на съёмках фильма Сергея Бондарчука "Они сражались за Родину". Похороны состоялись 7 октября в Москве на Новодевичьем кладбище.

Билет 5. Сергей Параджанов

Советский кинорежиссёр и сценарист. Народный артист Украинской ССР, народный артист Армянской ССР.

Сергей Иосифович Параджанов родился в Тбилиси в армянской семье.

В 1952 году Сергей Параджанов окончил режиссёрский факультет ВГИКа, где учился в мастерской И. А. Савченко; его дипломной работой стал фильм «Молдавская сказка». Дебютом режиссёра в кино стал фильм «Андриеш». С 1949 работает ассистентом режиссера, затем режиссером на Киевской киностудии имени Александра Петровича Довженко, где сначала снимает несколько проходных документальных и игровых картин.

В 1964 появляется первый шедевр Сергея Параджанова «Тени забытых предков» (по одноименной повести М. Коцюбинского; премия за лучшую режиссуру и приз на кинофестивале в Мар-дель-Плато, Аргентина, 1965; Кубок I Фестиваля Фестивалей в Риме, Италия, 1965 и др. награды), принесший режиссеру всемирную славу. Режиссер-армянин создал кинематографический памятник гуцульской культуре. Поразительное проникновение в западноукраинскую этнографию здесь сочетается с самобытной поэтикой Параджанова. В картине доминирует изобразительное начало, причем особое место занимает новаторская работа с цветом, однако и мелодика гуцульской речи становится сильным выразительным средством. Для большинства эпизодов характерно стремительное внутрикадровое движение. Это самый экспрессивный фильм Параджанова. История о любви, смерти и верности исполнена мощной языческой витальности.

Всемирно прославившийся режиссер Сергей Параджанов, тем не менее, оставался в вынужденном простое. Его работа над фильмом «Киевские фрески» была прервана. В 1967 Параджанова приглашают на Ереванскую киностудию, где он снимает фильм «Саят-Нова» или «Цвет граната» (1968) — картину о великом армянском поэте, речь в которой идет скорее о жизни духа, нежели о внешних событиях биографии. Здесь киноязык Параджанова значительно обновляется. «Цвет граната», подобно поэзии, изъясняется метафорами. Кадры обретают почти полную статику, отчего малейшее движение внутри них воспринимается как событийный взрыв. Предметы, представляющие подлинную историко-этнографическую ценность, работают наравне с актерами. Язык цвета обретает еще большее значение, хотя цветовая гамма становится более лаконичной. Каждый кадр содержит максимум смысловой информации, и считывание этого насыщенного содержания требует от зрителя немалой культуры.

1974 по декабрь 1977 Сергей Параджанов находился в заключении, куда этот «неудобный», конфликтный человек был отправлен по умело составленному обвинению. С просьбой об освобождении режиссера обратился к Л. И. Брежневу Луи Арагон. После возвращения Параджанов работал на киностудии «Грузия-фильм», где совместно с Д. Абашидзе поставил «Легенду о Сурамской крепости» (1984). В основе картины — грузинское предание о юноше, замуровавшем себя в стены крепости. Язык нового шедевра Параджанова, развивая найденное в «Цвете граната», стал еще более изощренным.

В 1986 Сергей Параджанов снимает документальный фильм «Арабески на тему Пиросмани». В «Ашик-Керибе» (1988, по сказке Михаила Юрьевича Лермонтова) Параджанов подтвердил репутацию уникального матера, но фильм, в основном, повторял уже пройденное режиссером. После этого Параджанов занимался художественным коллажем, в искусстве которого не знал равных. Он умер в начале работы над автобиографической картиной «Исповедь».

Скончался Сергей Параджанов от рака лёгкого 21 июля 1990 года в Ереване. Похоронен в пантеоне парка им. Комитаса.

В 1992 году знаменитому документальному фильму «Параджанов: Последняя весна», в котором сохраняется оригинальный негатив последнего, незаконченного фильма Параджанова «Исповедь», была вручена премия «Ника» русской академии кинематографических искусств.

В 2010 году в Голливуде был основан Институт имени Сергея Параджанова и Михаила Вартанова (Parajanov-Vartanov Institute) для изучения их творчества[5][6].

Вопрос 6. Георгий Данелия

Георгий Николаевич Данелия (родился в 1930 г., Тбилиси) - российский кинорежиссер и сценарист. Народный артист СССР (1989). Премия «Золотой Овен» (1994).

В 1955 Георгий Данелия окончил Московский архитектурный институт, в 1959 — Высшие режиссерские курсы. Первые работы Данелия — фильмы: «Тоже люди» (1959, по эпизоду романа «Война и мир» Л. Н. Толстого), «Сережа» (1960, совместно с И. В. Таланкиным, по повести В. Ф. Пановой, главный приз Международного кинофестиваля в Карловых Варах), «Путь к причалу» (1962, по повести В. В. Конецкого) — как будто не предвещали рождения одного из лучших отечественных комедиографов. Но уже в этих его картинах присутствовали характерные черты стиля режиссера, присущие большинству последующих лент, в которых эксцентрика, сатира и сарказм могут вполне мирно уживаться в пределах одной картины с лиризмом, грустью, а порой даже и с мрачным, трагическим восприятием действительности.

Все без исключения герои для Данелии — «тоже люди», более того, понятия «отрицательное» и «положительное» в них настолько же относительны, как и деление жанров на трагедию и комедию. Кстати, в творчестве самого режиссера уже в названиях фильмов («Не горюй!», 1969; «Слезы капали», 1982) содержится противоречивое отношение к миру. И внутри повествований, и даже в одних и тех же его персонажах подчас скрыты взаимоисключающие настроения: от восторженности и жажды жизни до отчаяния и тяги к смерти. Именно поэтому видится условным определение раннего и позднего кинематографа Данелии, как и настойчивое стремление вписать его в какие-то жанровые рамки.

Самый кассовый фильм «Афоня» (1975), в общем, благожелательно воспринятый также и властями, не очень-то разнится по подспудной интонации «печали о маленьком человеке», например, с якобы фантастической притчей «Тридцать три» (1966), плохо встреченной публикой и вызвавшей раздражение у начальства. Одна из самых горьких и беспощадных картин об эпохе застоя — «Осенний марафон» (1979, главный приз на Международном кинофестивале в Сан-Себастьяне и Государственная премия РСФСР, 1981) — тоже была поддержана на государственном уровне, как и более лирическая лента «Мимино» (1977, главный приз Международного кинофестиваля в Москве, Государственная премия СССР, 1978).

Фильм «Мимино» созвучен в какой-то степени с обаятельной лирической комедией «Я шагаю по Москве» (1964), который дружно признали легким и беспечным, как летний дождь. Но и в этой лирике находилось место для сатирических и трагикомических обертонов, а в мрачной эксцентрике картин «Совсем пропащий» (1973, по роману Марка Твена «Приключения Гекльберри Финна») и «Кин-дза-дза» (1986) вдруг прозвучали проникновенные нотки ностальгии по теплоте человеческих отношений.

КИН-дза-дза - Жанр: комедия, научная фантастика, приключения

Прораб Владимир Николаевич Машков и не подозревал, что обычный путь до универсама за хлебом и макаронами обернется межгалактическими путешествиями. А все эта встреча со студентом в кроличьей шапке с большой сумкой и скрипкой в руках и странным полуголым человеком с каким-то маленьким устройством – «машинкой перемещения», как он ее сам назвал. Короче, нажал на кнопку – и оказался вместе с молодым человеком в пустыне, и не в каких-нибудь Каракумах или на худой конец Сахаре, а на планете-пустыне Плюк 215 в тентуре, галактика Кин-дза-дза в спирали. Первая же встреча с местными жителями, артистами Уэфом и Би, вселила надежду: они согласились доставить землян домой всего лишь за несколько... спичек.

Три последних работы Георгия Данелия («Паспорт», 1990, СССР-Франция; «Настя», 1993; «Орел и решка», 1995) тоже были удостоены внимания властей — Государственная премия России (1997), хотя в них очевидны самоповторы режиссера, чувствуется усталость и некоторая исчерпанность прежних средств выразительности. Однако несомненная цельность его творчества и упорство в отстаивании ценности любой человеческой индивидуальности проявляются и в этих фильмах 1990-х годов, в которой сопряжены многие сквозные темы Данелии — от психологической драмы «Путь к причалу» о «старом морском волке» до авантюр «новых русских» в ленте «Орел и решка».

В 2000 Георгий Данелия снял фильм «Фортуна» с Вахтангом Кикабидзе в роли речного капитана в главной роли.

Билет 7. Отар Иоселиани

Отар Дави́дович Иоселиа́нигрузинско-французский кинорежиссёр, сценарист, актёр. С 1984 года жил и работал во Франции, куда эмигрировал из-за проблем с советской цензурой. Согласно интервью 2006 года, живёт в Грузии, снимает кино во Франции[1]. Известен крайними антироссийскими и русофобскими высказываниями. Отар Иоселиани о событиях военного конфликта России с Грузией 08.08.08:

Но знаете, несмотря на все безобразия, которые произошли с приходом оголтелых русских войск,— а выяснилось, что это просто мародёры и насильники, армия не может быть такой,— ненависти у Грузии нет. Кстати, эта традиция ведётся издалека. Когда советские войска вошли в Германию, ничего, кроме насилия, они не творили, с благословения, разумеется, вождя.

«Ненависти у Грузии нет. Есть сочувствие, как к дураку»

По словам журналиста АиФ Алексея Попова, в одном из своих интервью режиссёр Отар Иоселиани отразил традицию «двухвековой грузинской русофобии»[5], сказав следующее:

Я отличаюсь от Кикабидзе тем, что никаких орденов ни с одной, ни с другой стороны не получал. А вы не можете мне вправить мозги, потому что вы ничего не понимаете!.. И оставьте меня в покое! Мира у нас с Россией никогда не будет!.. Если раньше мы испытывали к ней презрение, сейчас возникла ненависть. Это очень серьёзно. Поэтому живите с русскими, как вам угодно. Целуйтесь с ними и говорите, что НАТО — это опасно, а Россия — это безопасно. Но возврат к прежнему невозможен! Двести лет терпения и презрения кончились!

Первая полнометражная картина Иоселиани «Листопад» (1968) была удостоена в Каннах премии и приза Жоржа Садуля за лучший дебют. Герой «Листопада» Нико борется за правильную организацию работы на винодельческом заводе. «Ведь вино — это живой организм, измена ему — это измена своему прошлому, традициям, на которых ты воспитан, — утверждает Иоселиани. — Нам просто хотелось рассказать о первом поступке; о том, как на белом листе жизни молодого человека пишется первая фраза, и о цене первой ошибки — есть Рубикон, перейдя который уже не вернешься назад. Первая уступка совести необратима». Монтируя картину, Иоселиани добавил небольшую притчу о суетности жизни. Этот материал сняли на настоящей деревенской фактуре показали сбор винограда и праздники после трудов. На фоне этого пролога очевиднее становилась цена происходящих вокруг перемен и суета современной жизни. В 1971 г. Иоселиани заканчивает полнометражный фильм «Жил певчий дрозд». Его герой музыкант Гия проживает свою короткую, «птичью», жизнь в бесконечной суете. Его ждет дома чистый лист нотной бумаги, он хочет сочинять музыку, но вначале ему необходимо успеть на встречу с приятелями, на свидание, заскочить к маме на день рождения и, наконец, на концерт — ударить в барабан в финале симфонии. Торопясь и опаздывая, он опять спешит куда-то и неожиданно нелепо погибает. Режиссер с помощью художественной метафоры показывает ход истекающего времени, отсчитывающего часы и секунды человеческой жизни. Но и «Певчего дрозда» долго не выпускали на экран, мотивируя тем, что положительный герой — бездельник «Он вызывает симпатии и может стать плохим примером для подражания». Запретили картину сначала в Грузии, а потом и в Госкино. Для Иоселиани это было не только моральным ударом, но и материальным — оплата шла по низшей категории. Последняя работа режиссера в Советском Союзе — «Пастораль» (1976, премия ФИПРЕССИ в Западном Берлине, 1982) не лишена иронически-сатирического заряда. Молодые музыканты приезжают в деревню подышать свежим воздухом и прорепетировать. Деревенские в это время глушат форель толом, занимаются виноделием. Иоселиани показывает, как глубока пропасть непонимания между крестьянством и интеллигенцией. Тем не менее, фильм оставляет впечатление идиллической бесконфликтности, мировой гармонии, простоты и поэзии. «Пастораль» в данному случае — не жанр, а смысл. Как отметил Иоселиани, в фильме не было ни одного признака существования советской власти. Картина была запрещена. После этого Иоселиани не работал в течение семи лет.он переезжает жить во Францию. О своих фильмах, снятых в Советском Союзе, он скажет «Это документы той эпохи, которая уже никогда не вернется. Эпохи, которая канула в лету, а документы остались, чтобы показать, как жили в то время люди, — как они радовались, как печалились, чем дышали». В окрестностях Парижа Иоселиани снимает ленту «Фавориты луны» (1984, премия в Венеции). Сценарий был написал в Грузии, но о постановке на родине не могло быть и речи.

Следующий свой фильм «И стал свет» (1989, премия в Венеции) Иоселиани снимал в Африке. Он долго не мог найти место, где отношения между людьми сохранили бы наивность и чистоту. И вдруг около одного городка в Сенегале Отар обнаружил деревню, чье население вело себя необычайно корректно, весело, приветливо. Как говорит Иоселиани, «это был фильм о том, как мы все рушим, грабим, уничтожаем, как исчезает очень тонкий и слабый слой культуры». После этого Иоселиани снял «Охоту на бабочек» (1992) — притчу о двух пожилых аристократках, проживающих в родовом замке. После смерти одной из них усадьба переходит к легкомысленной московской барышне. Разрушение традиций и нашествие нуворишей отзывается в картине Иоселиани смешением грусти и сарказма. «Главное для меня заключалось в том, чтобы на фильм смотрели не как на портрет последних могикан из аристократии, а как на портрет последних порядочных людей», — говорит он. К сожалению, не свойственная Иоселиани тема огульного неприятия и раздраженного отрицания советского прошлого все-таки нашла свое отражение в документальной ленте «Грузия одна» (1994). Фильм «Разбойники. Глава VII» (1996) финансировали Россия (Роскино), Франция, а также Грузия, где она в основном снималась. Это, наверное, самая жесткая картина Иоселиани. Сюжетные линии берут начало в наполненном танками Тбилиси, уходят в средневековье, возвращаются в начало века и заканчиваются в современном Париже. Режиссер пытается ответить на вопрос, в чем привлекательность, магнетизм криминала, преступления, укоренившегося в натуре человеческой. Эта философская притча Иоселиани была удостоена специальной премии на фестивале в Венеции. В 1999 году на экран вышла поэтическая философская притча Иоселиани «Прощай, коровья площадка» (в российском прокате — «In vino veritas»), а в 2002-м — «Утро понедельника». Обе эти картины удостоились премий и наград, в том числе за лучшую режиссуру.

Билет 8. КИРА МУРАТОВА

Режиссер, сценарист, актриса, монтажер.

Кира Георгиевна Муратова родилась в  городоке Сороки, Бессарабия, ныне — Молдавия.  Училась в 1952-53 на филологическом факультете МГУ. В 1962 окончила ВГИК (мастерская С. А. Герасимова). Уже в самых ранних (более традиционных, реалистических, даже бытовых) картинах Муратовой — дипломная работа «У Крутого Яра» (1962) и первая полнометражная лента «Наш честный хлеб» (1965) (обе сделаны в соавторстве с А. Муратовым) — видна яркая режиссерская индивидуальность, свой стиль. Ее первый самостоятельный фильм «Короткие встречи» (1968, Муратова также исполнила в нем главную женскую роль) во многих смыслах является переходным, избавляющимся от необходимости фабульного, линейного и психологически заданного повествования благодаря включению внесюжетных лирико-поэтических отступлений, а также из-за более явного пристрастия режиссера к отстраняющим приемам как изобразительного, так и словесного плана. Потом в специальном постановлении ЦК компартии Украины относительно картины «Долгие проводы» (1971, ее выпуск был приостановлен, появилась на экранах только в 1987, премия ФИПРЕССИ на Международном кинофестивале в Локарно) это будет названо формализмом и идолопоклонством, подражанием западным режиссерам, начиная с Антониони и кончая чешской «новой волной» (Милош Форман и Вера Хитилова). Она всегда стремилась обнаружить свежим и острым взглядом в окружающем мире то, что в нем не замечают другие. В годы застоя Муратова преследовалась исключительно за то, что ни она сама, ни ее герои никак не могли вписаться в тогдашние представления о том, какие же должны быть люди на экране. Две первые ленты Муратовой «Короткие встречи» и «Долгие проводы» производят редкостное ностальгическое впечатление, как будто (в первую очередь это относится к «Долгим проводам») начинаешь воспринимать их как собственную биографию. Мелодрама на тему «мать и сын» о неизбежной разлуке и желании ее отодвинуть как можно дальше порождает подспудное ощущение конца эпохи, безысходности и вселенской тоски. Для самой Муратовой эта пора действительно стала временем долгого, мучительного ожидания-прозябания. Ее следующая работа с неожиданно светлым названием «Познавая белый свет» могла появиться только за пределами Одессы — в Ленинграде, а наиболее мрачная, серая погода настала в первой половине 1980-х годов, что и зафиксировано в самой сумеречной картине Муратовой «Среди серых камней». Оставаясь по своей человеческой сущности глубочайшим мизантропом, она тем не менее пытается в себе эту мизантропию преодолеть. Название центральной по хронологии творчества и действительно важной для режиссера картины «Астенический синдром» в какой-то степени поясняет, что художник поневоле должен пребывать в состоянии повышенного нервного напряжения, чтобы попытаться выразить упрямо не поддающуюся запечатлению, такую внешне сумбурную и косноязычную реальность. Эта лента, созданная с удивительным бесстрашием и художнической независимостью, даже демонстративно распадается на не стыкующиеся три части, да и внутри дробится на причудливо рассыпанную мозаику, которая не воспринимается адекватно по отдельным кусочкам или кадрам, а воздействует, будучи собранной воедино, уже в сознании активно воспринимающего зрителя. И порой кинематограф Муратовой оказывает настоящий терапевтический эффект, как, допустим, фильмы «Чувствительный милиционер» или «Увлеченья». Это удивительно жизнерадостные ленты, в которых присутствует та Муратова, какой она, наверно, хотела бы быть. Там от ее мизантропии не остается и следа. Настолько это сделано легко и с юмором, может быть, порой и с издевкой, злой иронией. Тем не менее картины удивительно светлые и увлеченные. Когда же Муратова находится по каким-то житейским обстоятельствам в подавленном состоянии, то это отражается на ее работах. Особенно это было ощутимо в период создания «Среди серых камней». Были свои причины, по которым в этом фильме Муратова отказалась от авторства и демонстративно взяла мужской псевдоним Иван Сидоров. Но фигурируя в этом качестве, она здесь наиболее не равна себе. «Три истории» — тоже особо мрачная картина. Муратова была права, говоря, что ничего особенного не изобрела, а жизнь еще хуже, чем мы ее показываем. Но «Три истории» сделаны абсолютно равнодушно, нейтрально. И этот тон задан в самом начале, когда герой Сергея Маковецкого проходит мимо зоопарка. Если в фильме и есть какое-то любопытство художника, то, как у посетителя кунсткамеры или зоопарка. И в гениальном аттракционе, когда кошка мучает курицу, чувствуется как будто наблюдение со стороны, чего не было у Муратовой раньше, даже в самых мрачных ее картинах.

БИЛЕТ 9. ЛАРИСА ШЕПИТЬКО

Лариса Ефимовна Шепитько (1938-79) — российский кинорежиссер, заслуженный деятель искусств России (1974). Жена кинорежиссера Элема Германовича Климова. Фильмы: «Зной» (1963), «Крылья» (1966), «Ты и я» (1972; приз Международного кинофестиваля в Западном Берлине), «Восхождение» (1977; приз «Золотой медведь» Международного кинофестиваля в Западном Берлине). Погибла в автомобильной катастрофе. Государственная премия СССР (1979, посмертно).

Лариса Шепитько родилась 6 января 1938, в Артемовске, на Украине. Погибла в автомобильной катастрофе — 2 июля 1979, в Калининградской области.

На режиссерский факультет ВГИКа Лариса Шепитько поступила с первого же захода летом 1955 года. В 1963 Лариса Шепитько окончила режиссерский факультет ВГИКа (мастерская А. П. Довженко). Диплом защитила полнометражной картиной «Зной» (1962), в которой проявилось мастерство зрелого, уверенного в себе профессионала, а, главное, прозвучала тема нравственного максимализма, свойственного не только всем героям Шепитько, но и ей самой.

С 1964 Л. Шепитько стала режиссером «Мосфильма», где сняла все фильмы. Лента «Крылья» (1966) рассказывала о судьбе летчицы, чья молодость, счастье и любовь пришлись на годы войны. Фильм внятно и сурово повествовал о драме человека, не умевшего и не желавшего меняться, приспосабливаться ко времени. Летчица Петрухина, блистательно сыгранная Майей Григорьевной Булгаковой, стала открытием. Дерзко новаторским был взгляд на ветерана войны как на человека, обездоленного временем. Этот фильм принес Ларисе Шепитько известность, в кинематограф вошел бескомпромиссный и мужественый художник. Фильм «Ты и я» (1971, Серебряный приз Международного кинофестиваля в Венеции, 1972) стал во многом исключением в биографии режиссера, учитывая, что в целом ее творчеству была свойственна четкость, даже жесткость нравственной позиции. Примечательно, что «Ты и я» — единственная цветная картина Ларисы Шепитько, предпочитавшей черно-белое изображение.

Вершиной творчества Ларисы Шепитько стал фильм «Восхождение» (1976, «Золотой медведь» Международного кинофестиваля в Берлине). Картина сочетала достоверность рассказа о войне с нравственной отчетливостью притчи, тонкую психологическую нюансировку характеров с непререкаемостью духовной позиции автора, не искавшего оправдания предательству и определявшего подвиг как меру личностной зрелости. В образном строе фильма прочитывались евангельские параллели, финальная смерть героя понималась как восхождение на крест во имя спасения Родины.

Следующей работой режиссера должна была стать «Матера» по повести В. Г. Распутина «Прощание с Матерой», но режиссер Лариса Шепитько погибла на съемках картины. Трагедия произошла 2 июля 1979 года на 187 км Ленинградского шоссе на "Волге" ударилась во встречный грузовик. Пассажиры погибли. На 187-м километре Ленинградского шоссе их автомобиль «Волга» по неустановленной причине вышла на полосу встречного движения и врезалась в мчавшийся навстречу грузовик. Последний фильм Ларисы Шепитько доснимал ее муж - Элем Климов. В прокат он вышел в 1982 году и назывался коротко - «Прощание».

БИЛЕТ 10. АНДРЕЙ КОНЧАЛОВСКИЙ

Андрей Сергеевич Михалков-Кончаловский (Андрон) - Кинорежиссёр, сценарист, продюсер, актёр, театральный деятель. Родился 20 августа 1937 года в Москве. Отец — поэт Сергей Михалков (1913-2009), мать — поэтесса и писательница Наталья Кончаловская (1903-1988). В 1957 году окончил музыкальное училище при Московской консерватории. В 1957-1959 годах учился в Московской консерватории. Кинематографическое образование получил в 1965 году, окончив режиссёрский факультет ВГИКа (мастерская М.И. Ромма). Свой дебютный фильм Михалков-Кончаловский снимал в Киргизии. Это была экранизация повести Чингиза Айтматова «Первый учитель». Снятый в жёсткой и в то же время страстной манере, вдохновлённой кинематографом Куросавы, фильм рассказывал о разрушительной силе энергии революционного фанатизма. Слишком искренней и жертвенной была борьба учителя Дюйшена за светлое будущее его народа, чтобы не сочувствовать ему, как сочувствовали полубезумному революционеру земляки, немногочисленные жители кишлака, окружённого каменными стенами гор. В этой картине Михалков-Кончаловский в полной мере продемонстрировал свое блестящее режиссёрское дарование и умение работать с актёрами. В «Первом учителе» прекрасно играли Болот Бейшеналиев и Наталья Аринбасарова, ставшая супругой режиссёра. Следующей работой стала «История Аси Клячиной...» (1967), которая продолжила исследования сознания строителя социализма, простого советского человека. Фильм строился на достоверном, почти документальном наблюдении за крестьянами средней полосы России. Но как только на экране оказывалась конкретная человеческая судьба, социально-производственные, идеологические установки советских колхозников отступали на второй план. Историю Аси Клячиной режиссёр продолжил, но уже в 1994 году, показав свою героиню на новом историческом витке. Однако в «Курочке Рябе» разговор о судьбах России приобрёл притчево-анекдотическую заостренность. В своих экранизациях классических произведений русской литературы («Дворянское гнездо», 1969; «Дядя Ваня», 1970) Михалков-Кончаловский исследует тему родного дома, гнезда. По каким-то мало постижимым для героев законам их родной дом оказывается шатким, кренящимся к разрушению. Как Лаврецкий (Л.Н. Кулагин) в «Гнезде», так и Астров (С.Ф. Бондарчук) и Войницкий (И.М. Смоктуновский ) в «Дяде Ване», ищут опору для себя в родной почве, с большим трудом нащупывают её, а то и утрачивают навсегда. Самыми выразительными с визуальной точки зрения стали многослойный в жанровом отношении «Романс о влюблённых» (1974) и кинопоэма «Сибириада» (1978), вызвавшие бурные споры в кинематографической среде. Именно здесь наиболее полно Михалков-Кончаловский воплотил феномен миросознания советского простого человека. В начале 1980-х годов Кончаловский уехал на запад, где снял несколько картин в США: «Возлюбленные Марии» (1984), «Поезд-беглец» (1985), «Счастливые люди» (1987), «Гомер и Эдди» (1989, Гран-при Международного кинофестиваля в Сан-Себастьяне). Всем этим фильмам сопутствовал относительный успех. В начале 1990-х годов вернулся в Россию, где поставил два фильма: «Ближний круг» (1992) и уже упомянутую «Курочку Рябу». В 1998-1999 годах выпустил две автобиографических книги, связанных общим замыслом: «Низкие истины» и «Возвышающий обман», в которых с обнажённой откровенностью поведал о собственной судьбе человека и художника. В 1997 году был выбран американскими продюсерами для постановки мини-сериала «Одиссея» и блестяще справился с нелёгкой задачей воплощения древнейшей поэмы. Поставил спектакли: в театре «Ла Скала» — «Евгений Онегин», в Опера-Бастилия» — «Пиковая дама», в Мариинском и «Ла Скала» — «Война и мир» (2000). В 1992 году возглавил широкомасштабную акцию «Неворованное кино», в 1997 году осуществил постановку грандиозного представления на Красной площади, посвящённого 850-летию Москвы. Живёт в России. Продолжает выступать в роли режиссёра-постановщика спектаклей, в том числе музыкальных, сценариста и постановщика фильмов в России и за её пределами (фильмы "Дом дураков", "Лев зимой", "Глянец" и спектакли "Мисс Жюли" в Театре на Малой Бронной, "Чайка" в Театре имени Моссовета и др.) Народный артист России (1980).

БИЛЕТ 11. НИКИТА МИХАЛКОВ

Никита Сергеевич Михалков - Кинорежиссёр, сценарист, актёр, продюсер. Родился 21 октября 1945 года в Москве, в творческой семье. Отец — поэт Сергей Владимирович Михалков (1913-2009), автор текста государственного гимна СССР и России, мать — литератор Наталия Петровна Кончаловская (1903-1988). В 1959 году он впервые снялся в кино — сыграл в эпизоде в фильме Василия Ордынского «Тучи над Борском», в 1961 году — в фильме Генриха Оганесяна «Приключения Кроша», а будучи студентом Щукинского училища, в 1963 году дебютировал уже всерьёз в фильме Георгия Данелии «Я шагаю по Москве». В 1963-1966 годах учился на актёрском отделении в театральном училище имени Б.В. Щукина. В 1971 году окончил режиссёрский факультет Всесоюзного государственного института кинематографии (мастерская М.И. Ромма). Свой первый фильм (короткометражный) «...А я уезжаю домой» он снял в 1968 году, а его дипломной работой стала картина «Спокойный день в конце войны» (1970). Первой заметной режиссёрской работой Никиты Михалкова стал фильм «Свой среди чужих, чужой среди своих» (1974), в котором он сыграл главную роль, а также выступил режиссёром и соавтором сценария. Эта приключенческая лента оказалась по сути первой из так называемых «вестернов» в советском кино. Международное признание Михалкову принёс фильм «Неоконченная пьеса для механического пианино» (1977), получивший первый приз кинофестиваля в Сан-Себастьяне. Фильмы «Раба любви» (1976), «Пять вечеров» (1979), «Несколько дней из жизни И.И. Обломова» (1980), «Родня» (1982), «Без свидетелей» (1983) также любимы как зрителями, так и кинокритиками. Марчелло Мастроянни, сыгравший главную роль в ленте Михалкова «Очи чёрные» (1987), был удостоен приза "Лучшему актёру" на Каннском кинофестивале и номинации на "Оскар" — "Лучший актёр". В конце 1980-х годов Михалков создаёт продюсерское объединение "Три Тэ" (Творчество, Товарищество, Труд). В 1993 году картина Никиты Михалкова «Урга: территория любви» (1992) получила номинацию на "Оскар" как лучший иностранный фильм. В 1994 году Михалков выступил одновременно в качестве продюсера, режиссёра, автора сценария и исполнителя главной роли в фильме «Утомлённые солнцем», принёсшем ему долгожданного "Оскара" и Гран-при Каннского кинофестиваля. Вновь он выступил в тех же качествах на съёмках своего нового международного проекта «Сибирский цирюльник» (1998), выход которого на российский экран состоялся в 1999 году. В качестве актёра снимался в таких фильмах как «Сибириада» А.С. Михалкова-Кончаловского, «Вокзал для двоих» и «Жестокий романс» Эльдара Рязанова, «Униженные и оскорблённые» Андрея Эшпая, «Приключения Шерлока Холмса и доктора Ватсона. Собака Баскервилей» Игоря Масленникова и многих других. В последние годы сыграл яркие роли в фильмах «Статский советник» Филиппа Янковского, «Жмурки» Алексея Балабанова и «Персона нон грата» Кшиштофа Занусси. В 2003 году Никита Михалков активно занимается документальной публицистикой. Совместно с телеканалом «Россия» выпустил цикл программ о белогвардейцах под названием «Никита Михалков. Русский выбор». В этом же году вышли две документальные картины «Отец» и «Мама», приуроченные к 90-летию С.В. Михалкова и 100-летию Н.П. Кончаловской.

3 мая 2011 года на экраны вышла завершающая часть «Утомленные солнцем-2. Цитадель» А Российская оскаровская комиссия выдвинула эту ленту на соискание знаменитой голливудской премии в номинации «Лучший фильм на иностранном языке»

В декабре этого же года зрители, наконец, смогли увидеть полную версию дилогии, без сокращений, со сценами, специально снятыми для телесериала. Показ прошел на канале Россия. В этой картине появились новые персонажи и сюжетные линии, более понятными стали некоторые истории главных героев, например, почему потеряла дар речи Надя или как удалось выжить Мите после попытки самоубийства.

Сейчас режиссер работает над экранизацией рассказа И. Бунина «Солнечный удар».

Народный артист РФ (1984). Президент Российского фонда культуры (1993). Председатель Союза кинематографистов РФ. Член Совета при Президенте РФ по культуре и искусству. Президент Московского международного кинофестиваля. Руководитель студии "ТРИТЭ", где в течение 20 последних лет снимал все свои фильмы. России (1984), Государственная премия (1993, 1995, 2000). Сын писателя

БИЛЕТ 12. ВАДИМ АБДРАШИТОВ

Вадим Юсупович Абдрашитов (р. 19 января 1945, Харьков) - российский кинорежиссер, народный артист России (1992). Лауреат Государственной премии России (1984) и Государственной премии СССР (1991).

Учился в Московском химико-технологическом институте, где в то время действовала сильная любительская киностудия. После окончания института в 1967 Абдарашитов три года отрабатывал на Московском электровакуумном заводе, сначала мастером, а затем начальником цеха.

В 1970 Вадим Абдрашитов поступил на режиссерский факультет ВГИКа (мастерская Михаила Ильича Ромма и Льва Александровича Кулиджанова). Первая студенческая работа Абдрашитова, немой шестиминутный документальный этюд «Репортаж с асфальта», удостоилась высокой оценки Ромма. В этой миниатюре был целый мир. Город, внимательно рассмотренный и запечатленный скрытой камерой, — модель жизни, системы. Эта зарисовка содержала зерна многих ведущих тем и проблем, предвосхищая интонации, графику почерка — все, что позднее назовут режиссурой Абдрашитова. В 1974 он успешно защитил свою дипломную работу — сатирическую комедию по рассказу Григория Горина «Остановите Потапова!»

Молодого режиссера пригласил на работу в «Мосфильм» руководитель творческого объединения «Товарищ» Юлий Райзман. Здесь В. Абдрашитов встретился со сценаристом Александром Миндадзе. Творческое содружество режиссера и кинодраматурга оказалось чрезвычайно плодотворным. За 25 лет совместной работы они создали 10 фильмов: «Слово для защиты» (1976), «Поворот» (1978), «Охота на лис» (1980), «Остановился поезд» (1982), «Парад планет» (1984», «Плюмбум, или Опасная игра» (1986), «Слуга» (1988), «Армавир» (1991), «Пьеса для пассажира» (1995), «Время танцора» (1997).

«Охота на лис» (1980) стал одним из самых советских и одновременно антисоветских фильмов. По материалу, типу героя, фактуре жизни — насквозь советский. По силе социально-аналитической и социально-критической — тотально антисоветский.

Во времена перестройки Абдрашитов в своем творчестве обращается к фантастическим сюжетам. Например, фильм «Парад планет» (1985). Герои, оставаясь вполне живыми, социально-конкретными, узнаваемыми, превращались в собственную тень, в духов. Этот фильм, несомненно, открыл какой-то новый этап в творчестве Абдрашитова, который вместил в себя не только «Парад планет», но и «Плюмбум» (1986) и «Слугу» (1988).

Герои этих фильмов — социальные типы и даже социальные силы, помещенные в тела людей, которые являются своеобразными «адскими сосудами». Конечно, Роман Чутко — обычный советский школьник, но он же Плюмбум и не просто мальчик, а робот. Двойное название фильма — «Плюмбум, или опасная игра» — задавало двойственность восприятия. Оно могло быть и реальным, и фантастическим. В «Слуге» реальное полностью растворялось в фантасмагорической, загадочной картине событий и лиц. Есть Хозяин и Слуга, может быть, бывшие секретарь обкома и его персональный шофер. Но не их прошлое, а их вечное интересует авторов. Не имеющая предела и конца зависимость подчиненного от властвующего, желающего от исполняющего эти желания, слуги от хозяина и хозяина от слуги.

На эпоху краха СССР, у Вадима Абдрашитова  пришлась работа над фильмом «Армавир» (1991). Самой впечатляющей сценой его стало крушение парохода, ушедшего на дно, на наших глазах, мгновенно. Когда фильм дошел до экрана, в 1992, в зрительном зале сидели пережившие крушение корабля страны. К ним была обращена несложная, но мучительно добытая итоговая мысль «Армавира»: наше спасение в памяти людей.

Следующий фильм Вадима Абдрашитова «Пьеса для пассажира» вышел только в 1995 (премия «Серебряный медведь» на Берлинском кинофестивале ). Странная история встречи осужденного и осудившего его судьи. Сегодня первый — преуспевающий бизнесмен, второй — проводник поезда. Обмен ролями и жертва берет на себя обязанности палача. И полный провал плана мести, когда каждый шаг по его осуществлению, делает палача все более грешным и несчастным, а жертву все более счастливой. Снова схвачено из массового сознания, а скорее подсознания. Пир суицида, который устраивает себе отчаявшийся палач, — сцена-приговор мести себе как системе отношений к жизни, другим.

Эти два фильма 1990-х годов принадлежат переходному, мучительному периоду, кризисному состоянию Абдрашитова. В конце 1997 вышла десятая совместная картина Вадима Абдрашитова и Миндадзе «Время танцора», ознаменовавшая собой шаг к преодолению кризиса.

БИЛЕТ 13. ГЛЕБ ПАНФИЛОВ

Глеб Анатольевич Панфилов (родился 21 декабря 1934, Магнитогорск), российский кинорежиссер, народный артист России (1984).

В 1957 Глеб Панфилов окончил химический факультет Уральского политехнического института, работал мастером Свердловского завода медаппаратов, научным сотрудником НИИ, заведующим отделом пропаганды Свердловского горкома ВЛКСМ, режиссером Свердловского телевидения, где сделал несколько документальных фильмов. В 1960-1963 заочно учился на операторском факультете ВГИКа, в 1966 окончил Высшие режиссерские курсы. С 1967 режиссер «Ленфильма», с 1977 — «Мосфильма», а также руководитель мастерской на Высших режиссерских курсах.

В игровом кино Глеб Панфилов дебютировал фильмом «В огне брода нет» (1967, приз Международного кинофестиваля в Локарно, Швейцария, 1969), совершенно не по советски изображавшим гражданскую войну — с идейными спорами в стане большевиков, жестко реалистическим показом изнанки войны через будни санитарного поезда. Но основным открытием картины стал интереснейший характер главной героини, санитарки и художницы Тани Теткиной. Жертвенная почти до юродства, самобытно талантливая, она была сыграна Инной Чуриковой в глубоко драматичной и одновременно остро гротескной манере. В дальнейшем актриса, ставшая женой Панфилова, исполняла главные женские роли почти во всех его фильмах, что подчеркивало глубинное родство его героинь. В «Начале» (1970, «Серебряный лев» Международного кинофестиваля в Венеции, 1971) некрасивая и неудачливая в личной жизни ткачиха становится киноактрисой, гениально сыгравшей Жанну д'Арк. Работница Паша и великая французская героиня уравниваются фильмом в своей личностной значимости, их судьбы, переплетаясь, составляют нерасторжимое целое.

Фильм «Прошу слова» (1975, приз Международного кинофестиваля в Карловых Варах, 1976; приз Международного кинофестиваля в Барселоне, 1977) предлагает нам еще один женский характер, в котором тесно переплетает гротеск и пафос. Мэр города Елизавета Уварова с ее жертвенной истовостью и категоричностью стала своеобразным комментарием к теме «человек на своем месте», столь актуальной в середине 1970-х годов.

Фильм Глеба Панфилова «Тема» (1979, вышел на экран в 1987; приз «Золотой медведь» Международного кинофестиваля в Западном Берлине, 1987) в связи с затронутой в нем проблемой эмиграции много лет не выходил в прокат. Вместе с тем, главное место в картине занимает едко саркастическое изображение преуспевающего столичного драматурга, чья значительность оказывается мнимой на фоне чистоты и цельности провинциальной жизни. Совсем иная провинция показана в фильме «Валентина» (1981, по пьесе А. В. Вампилова «Прошлым летом в Чулимске»), где юная героиня предстает «единственным светлым лучом в темном царстве» провинциальных нравов. «Васса» (1983, по мотивам пьесы М. Горького «Васса Железнова», Золотой приз Международного кинофестиваля в Москве, 1983) — новый этап в творчестве Панфилова. Режиссер по-своему прочитал хрестоматийную пьесу, увидев в героине не только деспотичную эгоистку, но и умную, деятельную хозяйку, любящую мать. Через личную трагедию Вассы просматривается грядущая трагедия России, обреченной на революцию. Панфилов, предававший большое значение изобразительным фактурам, выдержал «Вассу» в стиле русского модерна.

В 1984 Глеб Панфилов поставил спектакль «Гамлет» в Театре имени Ленинского комсомола, где датский принц (О. Янковский) трактуется как человек толпы. «Мать» (по мотивам произведений М. Горького, 1990, премия Каннского кинофестиваля) — наиболее фундаментальная работа Панфилова, впервые обратившегося здесь к жанру киноромана. Режиссер и показал первую русскую революцию как трагедию, а Павла Власова и его мать как трагических героев. В 2000 году вышел в свет фильм «Романовы: венценосная семья», рассказывающий о последних месяцах жизни последней русской императорской семьи.

БИЛЕТ 14. ИЛЬЯ АВЕРБАХ

Авербах Илья Александрович родился 28 июля 1934 года в Ленинграде. В 1958 году окончил Ленинградский медицинский институт. После врачебной практики окончил Высшие сценарные курсы при Госкино СССР (1964, мастерская Евгения Габриловича), затем — Высшие курсы сценаристов и режиссёров при киностудии «Ленфильм» (1967). С 1967 года — режиссёр киностудии «Ленфильм», автор сценариев научно-популярных и игровых фильмов. Типичный представитель ленинградской интеллигенции, Авербах стал ее главным духовным выразителем. В 1970-х годах он занимал место духовного лидера «Ленфильма» — именно в его творчестве оказались сплетены все главные направления ленинградской культуры – Во главе которых стояла, прежде всего душевная нравственность. Первый фильм Авербаха «Степень риска» сродни некой духовной программе — зажатое, скованное четырьмя стенами пространство больницы, полное отсутствие сюжета, несколько героев — коренных питерских интеллигентов — да бесконечные споры о жизни и смерти. Два героя — циник и стоик, философ и прагматик, один весь зациклен на себе, другой — устремлен вовне. В фильмах Авербаха открывается мир людей, слышащих и понимающих друг друга. Но в нем нет даже намека на гармонию и идиллию — его насквозь будет пронизывать все глубже и глубже проникающая в душу тревога. И главным состоянием героев Авербаха станет состояние преодоления. Не случайно главным образом фильма Авербаха «Монолог» станет образ оловянного солдатика. Через всю жизнь героя этой картины профессора Сретенского строгим маршем будет проходить шеренга стойких игрушечных бойцов, населяющих его коллекцию. Но музыка за кадром — странная, хаотичная, переполненная диссонансами и тончайшими мелодическими извивами, музыка Олега Каравайчука будет мешать их движению — рвать ритм уже обозначенного марша, переводить его в польку, в галоп, взрываться вальсообразным ритмом, уходить в полный хаос. Таким будет и образ мира вокруг стойких солдатиков Авербаха — его героев. Людей, в силу своей неординарности обреченных на одиночество и ничуть не печалящихся этому, ибо таков закон жизни, а они наделены даром знания этих законов. Но с каждым новым фильмом их одиночество будет нарастать. В «Степени риска» они еще сами творят мир по своему образу и подобию, но это мир больницы, мир лабораторный, пробирочный — здесь легче сохранить свой микрокосм. И герои из последних сил его удерживают в некоей духовной неприкосновенности. Состояние фильма напоминает сжатую пружину. Фарятьев в исполнении Андрея Миронова из следующего фильма Авербаха «Фантазии Фарятьева» будет еще более странен, уж и вовсе чудик не от мира сего. Да еще живущий в провинции. Одиночество его будет едва ли не тотальным. Философия его будет прекрасной, но надуманной, лишенной здравого смысла. Потому и покажется, что в финале фильма он не уснет, а умрет. Героиня «Чужих писем» тоже не сможет жить в провинции, почувствовав свое абсолютное несоприкосновение с этим, в общем-то, нормальным миром, которые населяют абсолютно чуждые ей люди. Они будут говорить с ней на разных языках. В 1982 году Авербах сделает свою самую кризисную картину «Голос», уже почти автопортрет, почти мемуары. Рассказ о киношниках, о смертельно больной героине, которой нужно доиграть свою, может быть, не самую значительную, но чем-то очень важную ей роль до конца. Илья Авербах ушел из жизни 11 января, 1986 года. Похоронен режиссёр на Мемориальном кладбище в посёлке Комарово.

БИЛЕТ 15. ДИНАРА АСАНОВА

Советский кинорежиссёр, сценарист. Начинала свой путь в большой кинематограф ассистентом режиссёра на киностудии «Киргизфильм» (1960-1962), снялась в фильмах: «Девушка из Тянь-Шаня», «У каждого своя дорога». Работала в группе Ларисы Шепитько на фильме «Зной». Окончила режиссёрский факультет ВГИКа (1968, мастерская М.И. Ромма и А.Б. Столпера), защитила диплом в 1970 году. Дипломная работа — «Рудольфио» (по рассказу В.Г. Распутина). С 1973 года — режиссёр киностудии «Ленфильм». Уже дебютная полнометражная лента режиссера «Не болит голова у дятла», снятая на киностудии «Ленфильм» и вышедшая на экраны страны в 1974 году, привлекла к Асановой особое внимание зрителей и критики. Вышедшая в 1974 году лента «Не болит голова у дятла» стала одной из редких советских картин, поднимающих проблемы воспитания и одновременно с этим лишенных жесткой коммунистической риторики. В истории старшеклассника Мухи, выстукивающего на барабанах джазовые шаффл-ритмы и в прямом смысле встающего на уши от громоподобной первой любви, передана фантастическая динамика взросления. Пластика мухиных мыслей и движений — совсем иная, нежели у его старшего брата, знаменитого баскетболиста, именем которого родители так часто попрекают главного героя. Телесное, механическое здесь — лишь зеркальное дублирование внутренних переживаний героя. Поэтому так важно для него становится почувствовать ритм рабочего барабана и собственного сердца, увидеть в окне уходящего поезда любимую девочку и рассмотреть в себе новую непонятную эмоцию. Все эти мотивы логично развиты в следующей работе Асановой – вышедшей спустя два года картине «Ключ без права передачи». Внимание зрителя концентрируется то на молодой и неопытной учительнице, проверяющей на практике новейший метод свободного преподавания (получивший невероятный успех после позднего американского «Общества мертвых поэтов»), то на учениках, трепетно раскрывающихся или с треском захлопывающихся от родителей и преподавательского состава. На съемках «Ключа» традиционная асановская импровизация достигла своих подлинных масштабов: роли школьников здесь становились как бы продолжением характеров самих юных актеров, из-за чего многократно усиливался создаваемый операторами Долининым и Векслером эффект документальности и достоверности событий. К слову, многие школьники перешли в «Ключ без права передачи» напрямую из предыдущей работы Асановой. Возможно, тогда впервые и навсегда ее метод слился с простой человеческой верностью, обостренным чувством ответственности и высоким уровнем этики. Она просто не могла обмануть доверие детей.

Чем крепче Динара привязывалась к детям, тем больнее было слышать обвинения в измене, все чаще доносящиеся с их стороны. Виной всему — следующий фильм Асановой, госзаказ в поддержку антиалкогольной кампании СССР — мрачная и пессимистичная «Беда». В центре сюжета — история нравственной деградации по-детски инфантильного рабочего Славки Кулагина, подверженного влиянию друзей-алкоголиков. Возможно, зрители увидели в «Беде» кондовую лобовую пропаганду, которую не спас даже талант выдающегося режиссера.

Следущей работой, о которой заговорили все, был фильм «Пацаны». Сюжет следующий - Друзья и знакомые не могут надивиться на Антонова: лишив себя личной жизни и спортивной карьеры, он тратит все свободное время на летний лагерь для «трудных» детей. Выступая в качестве не только воспитателя, но и наставника, умудренного жизнью друга, и мужчины, к которому всегда можно обратиться на «ты», Антонов всеми силами пытается спасти ребят от преступного будущего. Но ситуация выходит из-под контроля, когда решивший отомстить за госпитализированную сестру мальчик крадет у Антонова сигнальную ракетницу… Узнав об этом воспитатель пешком бежит в город. За ним срываются и все его воспитанники – финал фильма, это изнуряющий бег, чтобы спасти, предотвратить страшное. И кто-то уже обогнал воспитателя (символично, не правда ли?) «Пацаны» стали тем завершенным и цельным произведением, к которому Асанова шла, намечая эскизы предыдущих фильмов. Абсолютно естественными стали портреты мальчишек, специально отобранных для съемок из «трудных» школ. Подчеркивали удивительную внутреннюю свободу трудновоспитуемых песни двух молодых авторов, Черницкого и Кисина, вступающие в неожиданную полемику со словами учительницы из «Ключа без права передачи». Как будто в ответ на безрезультатный поиск ключа к сердцу детей звучали строки: «Где поставлю свой дом — не решил пока, / Только будет он, представьте — вовсе без замка; / Будет в доме том полыхать очаг… / Только где уж вам представить дверь, да без ключа?..» Сам процесс создания фильма слился с рассказываемой историей — настолько похоже на собственные роли раскрывались подростки перед камерой, перед Асановой и Приемыховым, исполнившим здесь роль воспитателя Антонова. Дети с честью прошли испытание оказанным им доверием — сами предотвращали возможные происшествия, гасили конфликты. Довольно быстро отдельные группки приблатненных ребят стали превращаться в единую актерскую труппу — так их захватило общее дело, мечта о полезности содеянного своими руками. После «Пацанов» Динаре удалось сделать не так уж много — в 1984 году она снимает камерную драму «Милый, дорогой, любимый, единственный». Почти все действие фильма происходит в кабине автомобиля. Картина преисполнена ночных бликов и атмосферной музыки — в том числе джаза, который Асанова особенно горячо любила. Кстати, о музыке: предвосхитивший популярность рок-волны в кино, «Милый…» избегает заигрывания с заочно привлекательной зрителю темой, свойственного отечественному кино второй половины 80-х. Нет в нем и ледяного эха «железного занавеса». Во время подготовительного периода к съемкам фильма «Незнакомка» Асанова уже необъяснимо предчувствовала свою смерть, хотя никаких видимых причин для подобных прогнозов не было. Говорила она об этом легко, стараясь не пугать близких. Раздала все долги. Динара Асанова умерла на 43-м году . У неё было слабое сердце. Похоронена в Бишкеке. БИЛЕТ 16. Алексей Герман - советский и российский кинорежиссёр, сценарист, актёр и продюсер; народный артист Российской Федерации (1994)[ Обладает уникальной, близкой к документальной, манерой ч/б съёмки художественных фильмов.

Родился 20 июля 1938 года в Ленинграде. С детства хотел быть врачом, готовился к этому всерьёз: ходил в анатомичку со студентами мединститута и собрал целую библиотеку книг по медицине. В пользу режиссуры его с трудом склонил отец - известный писатель Юрий Герман. В 1960 окончил ЛГИТМиК - режиссёрский факультет (мастерская Г. Козинцева)(руководитель курса - А.А.Музиль). Был на курсе самым младшим, и, как выяснилось после первой сессии - самым талантливым учеником. Работал в Смоленском драмтеатре, Ленинградском Большом Драматическом театре (1961-1964). Над сценариями к своим фильмам работает вместе с женой - Светланой Кармалитой. Когда Герману запретили работать после картины "Мой друг Иван Лапшин", они писали сценарии вместе, чтобы как-то прокормиться, и выпускали их под именем Светланы Кармалиты.

Первой самостоятельной работой Германа стал фильм «Операция «С Новым годом!» (1971, по повести Ю. П. Германа), который пролежал на полке 15 лет и был выпущен на экраны только в годы перестройки в 1986 под названием «Проверка на дорогах». Зима 1942 года. Командир партизанского отряда Иван Локотков (Ролан Быков) принимает решение захватить фашистский эшелон с продовольствием на узловой станции. В это время в отряд попадает бывший младший сержант Красной армии Александр Лазарев (Владимир Заманский), в начале войны взятый в плен и пошедший служить к немцам. Именно его Локотков отправляет в составе партизанской группы на станцию, где бывшего полицая знают как своего. "И погибнуть, Лазарев, нельзя, и без вести пропасть тоже нельзя. Тебе эшелон пригнать надо. И чтобы люди подтвердить могли"… Фильм, первоначально называвшийся "Операция "С Новым годом", имел трудную судьбу: сразу после окончания съемок в 1971 году он был положен «на полку» на 15 лет. Картина была обвинена в дегероизации народного сопротивления врагу во время Великой Отечественной войны, главный конфликт был назван фальшивым, а сам режиссер «уличен» в незнании реалий партизанской жизни. Выпущенный на экраны в 1985-м, фильм воспринимался как документ, запечатлевший подлинную историю войны и обнаживший глубинные человеческие конфликты. Приз «За лучшую роль» В.Заманскому на XV МКФ фильмов в Свободе и Революции в Сопоте, Югославия (1986). Герман, как правило, снимает фильмы о прошлом. Сначала может показаться, что он страстно стилизует минувшее. Но это не просто уход в прошлое, а только условие, допуск. В конце 80-х годов его настойчиво звали в Голливуд, предлагали коммерческие завлекательные проекты, но он вернулся в нищий Петербург, на умирающий тогда "Ленфильм" и начал снимать фильм "Хрусталёв, машину!"

В марте 1953 года, в разгар печально знаменитого «дела врачей», генерал медицинской службы, академик, начальник военного госпиталя, блестящий нейрохирург и любимец женщин Юрий Георгиевич Кленский чувствует, что обвинение его в шпионаже и ссылка в лагеря – вопрос нескольких дней. Появление специально подосланного для провокации шведского журналиста рассеивает последние сомнения и Кленский предпринимает попытку побега. Но на развилке за городом его ловят и пересаживают в крытый грузовик, где выдающегося врача насилуют урки. За сутки генерал проходит через все круги ада, опускаясь на самое дно жизни, и вскоре попадает на потайную дачу, где ему поручают спасение некоего важного больного. В жалком, лежащем в собственном дерьме старике генерал не сразу распознает «вождя народов» товарища Сталина… Авторы сценария: Светлана Кармалита, Алексей Герман. Композитор: Андрей Петров. Призы Российской академии к/ф искусств «НИКА-99» в Москве (2000) в номинациях – лучший игровой фильм ,лучшая режиссерская работа А.Германа, лучшая операторская работа В.Ильина, лучшая работа художников В.Светозарова, Г.Кропачева, М.Герасимова, лучшая работа художника по костюмам Е.Шапкайц. Почетная бельгийская кинопремия «Золотой век» (2000). Премия «Триумф» кинорежиссеру А.Герману (1998). В 1990 организовал СПиЭФ (Студия первого и экспериментального фильма) и является художественным руководителем студии. На этой студии снимали свои первые картины молодые режиссёры, которые приехали из разных городов России, например, Алексей Балабанов, Лидия Боброва. Преподавал на Высших курсах сценаристов и режиссёров, где у него учились режиссёр Мурадов( картина "Змей"), режиссёр Слахутдинов (фильм "Кружение в пределах кольцевой") и др.Заслуженный деятель искусств РСФСР (1988). Народный артист РСФСР. Сын - режиссёр Алексей Герман - младший. Сейчас Алексей Герман Сейчас заканчивает работу над фильмом по роману Стругацких "Трудно быть богом".