Жорж де Ла Тур (1593 – 1652)

   «Живописец ночей» – так называли этого французского художника, имя которого было надолго забыто. Полотна де Ла Тура суровы и эпичны, художник противопоставлял свою манеру изысканности и манерности.    Его герои сдержанны, просты и суровы. Они погружены в самосозерцание, замкнуты.    Главной темой художника стало трактование религиозных сюжетов в бытовом плане, как сцен из жизни крестьян. Сам он всю жизнь прожил в Лотарингии, в Люневиле.    Колорит картин де ля Тура красно-кирпичный, желтоватый, оранжевые тона преобладают. Часто он изображает свет свечей, ночной сумрак. Любое явление жизни для него полно значения, тайны, эпически величественно.    Он создал целый ряд религиозных сюжетов: «Рождество», «Иов и его жена», «Скорбящая Магдалина», «Явление ангела Св. Иосифу», «Мученичество Св. Себастьяна».    Любой сюжет он воспринимает как реальность, но находит в нем поэтичность и красоту. Персонажи его религиозных полотен по облику и костюмам – лотарингские крестьяне. В выражении чувств они сдержанны, но полны сочувствия. Без ангельских нимбов и других религиозных атрибутов он добивается передачи значительности событий, их важности.

«Скорбящая Магдалина»

   Замечателен своеобразный натюрморт на столе: Библия, распятие, плеть, горящий светильник. Ровное, неколебимое пламя свечи сумрачно-тревожно и сродни душевной силе и стойкости героини. Резкие световые контрасты четко выявляют форму предметов. Цвет дается широкими плоскостями. Так рождается монументальность, значительность изображенного. Любимая тема художника – свеча, светильник, пламя, факел. Именно эффекты освещения создают эмоциональный строй произведения.    Контраст света и тьмы создает ощущение драматизма на картинах. Во всем этом есть особая тайна, чары, тревога, нечто сокровенное.    «Мученичество Св. Себастьяна» (1649) – высший взлет художественного гения Ла Тура. Сюжет: христианка Ирина и ее спутницы находят еще живого Себастьяна. На картине он пронзен только одной стрелой. Капля крови застыла на груди. Женщины напоминают процессию плакальщиц со старых французских надгробий. Ритм фигур рождает впечатление торжественного и скорбного шествия. Группа скульптурна, контрасты света и тени как бы гранят объемы. Вся картина превращается в строгий и просветленный реквием.

47.Французское искусство ХУШ века. Общая характеристика и эволюция стиля рококо. Основные мастера (Ватто, Буше, Фрагонар, Шарден, Грёз).

48.Творчество Антуана Ватто и Франсуа Буше.

Архитектура и живопись рококо

   В 20-ые годы 18 века во Франции стал складываться и в 30-40-ые годы достиг расцвета стиль рококо. Утрата тяги к грандиозности, к масштабным сооружениям привела к развитию архитектурных форм, в которых проявлялись стремление к роскоши и изысканности. Отель – небольшой особняк, утопающий в зелени садов – становится излюбленным сооружением рококо. Получает развитие такой тип интерьера как салон, залитый светом. Искусно отделывается будуар, где проходит частная жизнь французской знати. Исчезает парадная анфиладность залов, и ей на смену приходит обособление отдельных комнат, различных по форме.    Архитектура рококо стремится быть лёгкой, приветливой, игривой во что бы то ни стало; она избегает строгой симметричности, без конца варьирует расчленения и орнаментальные детали. В созданиях этой архитектуры прямые линии и плоские поверхности почти исчезают, замаскировываются фигурной отделкой; не проводится в чистом виде ни один из установленных ордеров; колонны то удлиняются, то укорачиваются и скручиваются винтообразно; их капители искажаются кокетливыми изменениями и прибавками. Карнизы помещаются над карнизами; высокие пилястры и огромные кариатиды подпирают небольшие выступы с сильно выдающимся вперёд карнизом. Фронтоны, представляя ломающиеся выпуклые и впалые линии, увенчиваются также вазами, пирамидами, скульптурными фигурами, трофеями и другими подобными предметами. Всюду, в обрамлении окон, дверей, стенных пространств внутри здания, в плафонах, господствует лепная орнаментация, состоящая из завитков, отдалённо напоминающих собой листья растений, выпуклых щитов, неправильно окруженных такими же завитками, из масок, цветочных гирлянд. Особенно часто используется декор из раковин, необделанных камней. Хрустальные люстры, изящная мебель с инкрустацией дополняли впечатление праздника. Мир миниатюрных форм нашел свое главное выражение в прикладном искусстве — в мебели, посуде, бронзе, фарфоре. Рококо — порождение исключительно светской культуры, прежде всего королевского двора и французской аристократии.    Особую роль в стиле рококо стал играть интерьер. Овальной формы залы, криволинейные очертания лишают стены их прежней материальности. Все переходы и грани закругляются. Камень выбирается светлый, цвета шпалер нежно-розовые, голубые, белые, изящные панели. Стены украшены невысоким растительным лепным рельефом, ассиметричными завитками. Цветы, маски, обломки скал, раковин, животные украшают стены. Само название стиля происходит от слова раковина. Элементы интерьера хрупки, изысканы: столики-консоли на двух ножках, инкрустированные комодики и секретеры, удобные мягкие кресла, диваны с узорной обивкой, гибкие причудливые очертания спинок и ножек. Излюбленные детали: китайские ширмы, люстры, бра, настольные жирандоли, фарфоровые статуэтки, гобелены, игрушки из серебра, черепахи, перламутра, эмали, янтаря. Таков интерьер отеля Субиз Жермена Боффрана (30-е годы 18 века).

Живопись рококо

Антуан Ватто (1684 – 1721).

   Право на интимное, личное, на оттенки чувства в искусстве было выдвинуто в начале века как противовес по отношению к помпезности академической живописи величайшим французским художником XVIII века Антуаном Ватто. Создатель галантного жанра, интимной живописи, способной передавать тонкие душевные движения и чувства. Его герои: бродячее население Франции, крестьяне, ремесленники, странствующие музыканты, солдаты, нищие, актеры – с одной стороны. Светские дамы, кавалеры, чернокожие слуги – с другой.    Ватто родился в Валансьене в семье кровельщика, с 18 лет жил в Париже, прошел трудную жизнь, немало скитался, побывал в Лондоне. Характер художника был меланхоличный, замкнутый.    В начале творческого пути Ватто писал жанровые произведения. Таковы «Бивуак», «Тягости войны» – на которых предстает разоренный войной Валансьен. Позже у художника появляется интерес к театру, к ярмарочным представлениям. Он изображает парады, выходы актеров, групповые портреты.

«Актеры итальянской комедии» 1712г..

   Актеры не объединены внешним действием, жесты их разнообразны, композиция картины ассиметрична, освещение фигур неравномерно, свет идет от луны и факелов. На картине «Любовь на итальянской сцене» 1717 – 1718 года актеры светски сдержанны, непринужденно держатся, медленный ритм отличает картину. «Паломничество на остров Киферу» 1717г.

   За эту картину Ватто был избран во Французскую Королевскую академию. Для ее обозначения был изобретен новый жанр – «галантные празднества». Сюжет картины был навеян художнику посещениями мецената Кроза. Тот любил театральные постановки на лоне природы, в тихих уютных уголках парка. В Париже Ватто наблюдал концерты, пантомимы, маскарады. В этой живописи поэтизация мига, мимолетных неуловимых ощущений, отсутствие среди героев сильных личностей. Само действие напоминает сценическую площадку. Здесь ни завязки, ни кульминации, ни развязки. Все объединены общим настроением и плавным ритмом. Характерен предвечерний свет картины. Волнообразная линия изящных пар уводит взгляд с переднего плана вглубь – в туманную даль, окутанную дымкой мечты. А там уже вырисовываются неясные очертания воображаемого острова счастья. Почти ощущается чувство ожидания, безотчетной тоски, томления, несбыточности мечтаний. Все это созвучно угасающей природе. Персонажи картины одеты по моде того времени, но сама обстановка нереальна, именно в такие края стремились унестись мечтой эти дамы и кавалеры. Справа мы видим девушку, в руках которой веер. Положение веера – особый язык любви, некоторая недоговоренность. Слева от статуи богини Венеры – юноша с букетом роз. Розы – цветы любви, которые посвящались Венере. Первая группа персонажей обрывается на фигуре мужчины с жезлом – обрыв подобен музыкальной смене ритма. Затем наш взгляд скользит вниз, налево, туда устремляются пары влюбленных, которым указывают путь Амуры. Амуры – единственные персонажи, которых взял из античной мифологии Ватто. Другие греческие божества успели утомить художников. Чудесный корабль уже готов к отплытию. Неясно только, куда он поплывет: к острову любви или с острова любви, где уже находятся персонажи, к будничной действительности. Золотой закат напоминает, что праздник угаснет, когда закончится день. Сама живописная манера Ватто сродни теме любви: художник еле касается кистью холста, мазки почти невесомые, краска нанесена тонким слоем. Это напоминает случайно брошенный взгляд влюбленного, полуулыбку, намек. Интересно, что статуя Венеры кажется более живой, чем люди на полотне. Ватто часто использует этот прием в своих картинах. У подножия Венеры сложены доспехи, лира, книги. Любовь побеждает все: войну, искусства, науки. «Жиль» 1720 г.

Одинокий герой под маской которого скрыт живой человеческий характер. Таков Пьеро – Жиль, печальный мечтатель и неудачник. Под внешней сдержанностью скрыто внутреннее смятение героя. Он стоит на переднем плане, как на сцене, но его опущенные руки, белое одеяние – все говорит о том, что жизнь страшна для него, и он скрывает под маской актерства свою неустроенность. Это полотно Ватто говорит о гуманизме автора, который смог почувствовать противоречивость самой театрализации жизни. «Выставка для антикварной лавки Жерсена» 1721 год.

   Это последнее крупное полотно Ватто. На картине изображена часть улицы и лавка Жерсена – друга Ватто, в которой продавались и его картины. Главное – различное отношение покупателей и слуг к искусству современному и прошлому. Например к портрету «Короля солнце» Людовика Четырнадцатого. В центре картины – образ прекрасной дамы, созерцающей шедевр искусства.    Ватто сумел и в живописи изысканного стиля рококо сохранить высокие идеалы гуманизма, но в целом, его прекрасное искусство говорило о слабости и недолговечности жизни. Франсуа Буше (1703 – 1770)

   Он жил в эпоху Людовика Пятнадцатого, произнесшего знаменитую фразу: «После нас хоть потоп». Создателем искусства бездумного и праздничного и стал этот художник. Он оформлял книги, исполнял декоративные панно, картины для шпалер, был директором Академии. Его любимые жанры: мифологические картины, пасторали, аллегории, Венера, нимфы, шаловливые Амуры. Буше любил писать нежно-розовые тела с голубыми и жемчужными переходами теней и полутонов. Жесты грациозные, часто манерные. На его картинах сложно переплетаются линии и фигуры, сложные ракурсы, гирлянды амуров, клубящиеся облака окружают героев. Цветовая гамма: светлый колорит, розово-красные тона, белые, нежно-голубые.    Одним из любимых жанров живописи рококо были пасторальные мотивы, сюжеты которых художники находили прежде всего в античной мифологии. В картине «Юпитер и Каллисто» Буше обратился к «Метаморфозам» римского писателя Овидия, пересказавшего миф о боге Юпитере, который, влюбившись в нимфу Каллисто и желая ее соблазнить, принял облик богини Дианы. Художник интерпретирует чувственный эпизод античной мифологии в характерном для рококо поверхностном, игривом духе.   Грациозные, изящные фигурки его античных героинь похожи на фарфоровые статуэтки. Буше любил светлую живопись и отдавал предпочтение нарядным голубым, розовым и зеленым тонам. В некоторых картинах Буше 1720-1730-х годов, теплых и насыщенных по колориту (“Геркулес и Омфала”, Государственный музей изобразительных искусств, Москва), заметны отзвуки фламандского искусства. В более поздних работах: “Купание Дианы”, 1742, «Портрет маркизы Помпадур», 1752г. с обилием оттенков розового и голубого, извилистых сплетающихся линий и сложных ракурсов усиливаются свойственные рококо декоративность, чувственность, несколько жеманная грация, впечатление “фарфоровости” фигур.   В портретах мадам де Помпадур передано сходство, но в целом художник следует, как и в других своих «женских головках» (в живописи и в пастели), воспроизведению модного идеала красоты с кукольным личиком, миндалевидными глазами, маленьким носиком и ртом-сердечком — это «портреты состояния», распространенные в 18 столетии.     Его искусство, далекое от социальной проблематики и лишенное эмоциональной углубленности, порождено теми попытками укрыться от жизни в веселом маскараде пасторалей и мифологических "триумфов", теми стремлениями, которые все более и более захватывали французские придворные круги в середине XVIII века.     Его самый талантливый ученик Ж. О. Фрагонар унаследовал от него внешнее изящество, свободу композиции и смелость колорита, но он попытается соединить их с большей эмоциональной внутренней углубленностью в передаче образов и сюжетов. Ж. О. Фрагонар (1732–1806)

   Фрагонар учился в Париже у великого французского художника Ж. Б. С.Шардена, который затем направил его к Ф. Буше. Увлечение живописью Буше, следование его советам, повторение его сюжетов и приемов определяют ученические годы Фрагонара. На такие картины был спрос, и Фрагонар мог бы три желании остановиться на достигнутом и под покровительством учителя продолжать работать и далее в том же роде. Но Фрагонар в это же время был ученикам и других мастеров - великих живописцев прошлого века, произведения которых он упорно изучал и копировал. Он получил доступ в особняк знаменитого коллекционера Кроза и постоянно там работал, изучая картины, которые впоследствии были куплены Екатериной II для Эрмитажа. Фрагонар в период обучения у Буше погрузился с головой в изучение Рембрандта. Тяга к большому, глубокому и сильному в искусстве отчетливо проявляется у молодого художника. Фрагонар продолжил обучение во Французской академии в Риме (1756–1761); впечатления от пребывания в Италии были таковы: "Энергия Микеланджело меня потрясала... при виде красот Рафаэля я был растроган до слез, и карандаш выпал из моих рук…»    Осенью 1761 года, Фрагонар возвращается в Париж. Многое за это время изменилось в общественной жизни Франции. Революция еще далека, но ее веяние начинает ощущаться. Пока что ее идеи зреют в умах передовых ученых, философов-просветителей. Вниманием прогрессивной общественности овладевают энциклопедисты. "Энциклопедия, или Толковый словарь наук, искусств и ремесел", издававшаяся группой философов, писателей и ученых, возглавляемых Дени Дидро и Жаном д'Аламбером, выходила с 1751 года. Теперь Буше становится мишенью насмешек энциклопедистов, а скромное, далекое от всяких претензий творчество Шардена – первого учителя Фрагонара - приобретает объективный общественный вес. Это период подъема в творчестве Фрагонара и создания ряда блестящих произведений. Он овладел стремительной и бурной манерой живописи, передавал красочность реального мира, использовал теплую золотистую гамму, игру света, тонкость свето-воздушных эффектов. Фрагонар достиг особой проникновенности в воссоздании лирических сцен повседневной жизни, сферы интимных человеческих чувств, поэзии природы. Его произведения, исполненные трепетной эмоциональности, чувственной неги, ощущения радости бытия, отличаются изысканной декоративностью колорита, легкостью живописной манеры, плавными композиционными ритмами. “Поцелуй украдкой”, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.    Перед нами сцена, сюжет которой как будто продиктован аристократическим любителем живописи,— они блестящ, и весел. Но вместе с тем сцена удивительно правдива, будто неожиданно увидена художником. Девушка на минуту вышла из гостиной, где собрались «старшие», чтобы взять забытый шарф, и мгновенно очутилась в объятиях подстерегавшего ее юноши. Все изображение полно движения и непосредственного чувства. Фрагонар уделяет большое внимание передаче самых разнообразных предметов, их фактуры. Чрезвычайно убедительно, по-голландски тщательно и материально пишет он ломающийся шелк платья, прозрачный шарф, полированную поверхность рабочего столика. Любовь к жизни, ко всем ее проявлениям, большим и малым, сквозит в каждом мазке. Он мастер мимолетного наброска с натуры. В портретах Фрагонар стремился запечатлеть творческую импульсивность, душевную взволнованность, страстность переживаний, которые должны неизбежно перейти в действие, вывести за пределы обыденности, из интимной сферы жизни. Художник смело разрушал каноны аристократического портрета 18 в.     В «Портрете Дидро» он запечатлел философа в мгновение внутреннего озарения, оторвавшегося от чтения, с устремленным вдаль вдохновенным взглядом. Экспрессивная роль света, динамика композиционного и живописного решения рождают впечатление изменчивости натуры. В интимно-лирических портретах Фрагонара наметились тенденции, ставшие характерными для романтизма 19-го века.