14. Пабло Пикассо

Имя этого легендарного художника известно всем и каждому в самых разных уголках земного шара. Творческое наследие Пабло Пикассо способно поразить своим количеством кого угодно: по некоторым подсчетам за свою довольно продолжительную жизнь он создал свыше 50 тысяч работ, в число которых вошли не только картины, рисунки и наброски, скульптуры, керамические изделия, но и гобелены, ковры.

Его фантастическая работоспособность и гений помогли обеспечить Пикассо безбедную жизнь. Посему он вполне мог позволить себе не продавать свои работы, оставляя их в своем доме. Кроме того, он коллекционировал полотна других известных художников, в число которых входил его друг Анри Матисс. О коммерческом успехе Пикассо говорит и наследство, оставленное им жене, детям и внукам. По официальным данным оно составило 260 миллионов долларов, причем сюда не входят его недвижимое имущество, произведения, находящиеся у частных коллекционеров или в музеях.

«Каждый ребенок — художник. Трудность в том, чтобы остаться художником, выйдя из детского возраста»

Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в городе Малага, Испания. По испанской традиции ему дали сложное имя, в котором перечислялись святые и родственники, чтимые его семьей. Таким образом, ребенок получил имя Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Криспин Криспиньяно де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо. Заметим, что у Пабло две фамилии, однако позднее он взял себе только одну - фамилию матери, полагая, что Пикассо звучит благородней. Кроме того, мир уже знал одного художника с фамилией Руис.

Азы рисования Пабло постигал со своим отцом, который поручал сыну дописывать на своих картинах лапки голубей. Но это было совместное творчество. А первой самостоятельной работой Пикассо стал большой натюрморт, написанный им в тринадцатилетнем возрасте. Талант мальчика так поразил его отца, что тот решил непременно развивать способности сына и отправил его в Академию художества в Барселоне. Пабло блестяще выдержал экзамены и, несмотря на столь юный возраст, его приняли в академию. Затем он поступает в мадридскую школу искусств «Сан Фернандо», но учиться там не более года. В это время его особенно интересует история искусств, произведения именитых художников. Он активно посещает выставки, картинные галереи и музеи и даже отправляется в мировую столицу искусств - Париж. В этом сказочном городе он знакомится с готической скульптурой, японской гравюрой, искусством египтян. Кроме того, свое внимание он обращает на работы выдающихся фигур в мире искусства: французские живописцы и скульпторы Поль Гоген, Эжен Делакруа, Анри де Тулуз-Лотрек-Монфа, ставший одним из первых художников – литографистов (рисовал афиши) и всемирно известный Винсент Ван Гог. Позднее, все в тот же Париж открывает для Пабло Пикассо великого Врубеля.

«Некоторые художники изображают солнце желтым пятном, другие же превращают желтое пятно в солнце»

Творческий путь Пабло Пикассо принято разделять на несколько этапов. Прежде всего, это «ранний период» (до 1900г.), на протяжении которого происходило постижение азов рисования, изучение Пикассо истории изобразительного искусства. К этому периоду относятся такие его произведения, как «Первое причастие» (1895—1896гг), «Знание и милосердие» (1897), «Испанская пара перед гостиницей» (1900). Затем выделяется так называемый «голубой период» (1901-1904) , названный так из-за преобладания меланхоличного сине-зеленого и серо-голубого цветов, символизирующих собой печаль. Грусть и уныние этого периода отражается не только цветовой гаммой, но и «предметами» изображения: герои его картин - бродяги, нищие, убогие и изможденные. В это время он пишет «Склонившегося Арлекина» (1901), «Завтрак слепого» (1903), «Трагедию» (1903), «Нищего старика с мальчиком»(1903) и др. Впоследствии меланхолия уступит место жизнерадостным тонам, преимущественно розовым, и творчество Пикассо сделает шаг в новый «розовый период» (1905-1906) . Ознаменует этот переход знаменитая «Девочка на шаре»(1905), выполненная в пастельных голубоватых и розовых тонах, задавшая основную тему этого периода – цирк, акробаты, арлекины и бродячие артисты. Так появляется «Сидящий на красной скамье Арлекин» (1905), «Акробаты (Мать и сын)» (1905), «Акробат и молодой Арлекин» (1905), «Фокусник и натюрморт» (1905) и др. В это же время Пикассо написал знаменитую картину «Мальчик с трубкой», ставшую настоящей сенсацией почти через 100 лет. В 2004 году картину, изображавшую мальчика с трубкой в левой руке и с венком из роз на голове, некий частный коллекционер приобрел за баснословную сумму - 104 168 000 долларов. С 1907 года в творчестве Пабло Пикассо начинается «африканский период» . В это время наука приподнимает завесу африканской культуры, что, несомненно, повлияло и на Пикассо. Больше всего его внимание привлекают африканские маски и скульптура. В 1907 он пишет « Танец с покрывалами», «Автопортрет», «Обнаженную женщину (погрудное изображение)». В этом же году появляются его «Авиньонские девицы», повергшие в шок не только простого «зрителя», но и состоявшихся художников. Жорж Брак так отреагировал на работу своего друга: «Такое ощущение, что ты хотел накормить нас паклей или напоить бензином». Некоторые полагают, что «Авиньонские девицы» стали отправной точкой Пикассо в сторону «кубизма» . Новый период в творчестве Пабло Пикассо продолжался с 1909 по 1917(21) год и проходил в несколько этапов. В начале нового пути Пикассо стремился упростить очертание фигур и предметов. Здесь еще прослеживается влияние африканского искусства, а кроме того, влияние творчества Поля Сезанна. Поэтому, этот этап иногда называют «сезанновским кубизмом». Затем начинается этап «аналитического» кубизма, где важными становятся объем и пластическая суть объекта изображения. Пикассо однажды сказал: "Зритель видит картину только по частям; всегда лишь фрагмент за раз: например, голову, но не тело, если это портрет; или глаз, но не нос или рот. Следовательно, все всегда правильно". На смену «аналитическому» кубизму приходит синтетический. Активно используется техника коллажа: Пикассо применяет в своих произведениях спичечные коробки, куски ткани или бумаги, чаще всего обои и газеты. Работы приняли неожиданные формы, понять которые простому зрителю оказалось сложно. Постепенно Пикассо перестает обращаться к данной технике. Однако период кубизма был необычайно плодотворен. Пикассо пишет «Сидящую женщину» (1908), «Две обнажённые фигуры» (1908), «Хлеб и ваза с фруктами на столе» (1909), "Гитара" (1913) и др. Период «кубизма» принес Пикассо приличный заработок. Еще в 1908 году он был беден и неизвестен. Но Анри Матисс привел в дом друга знаменитого русского коллекционера С.Щукина. Последний сразу оценил талант 27-летнего художника и купил у него несколько картин за баснословную сумму. Всего же к 1914 году в коллекции Щукина оказалось 50 работ Пабло Пикассо.

С 1917 года Пикассо начинает сотрудничество с Сергеем Дягилевым: занимается оформлением спектаклей, создает костюмы и декорации. Примерно в это же время великий художник окончательно отходит от «кубизма», обращаясь к светлым тонам, понятным формам и правильным лицам людей. Новое направление его творчества получило название «классического периода» . Он создает «Эскиз постановки для балета „Парад“» (1917), «Портрет Игоря Стравинского» (1920), «Портрет Ольги Пикассо» (1922—1923), «Три грации» (1925). От классического периода Пикассо переходит к «сюрреализму» . В этот период создаются «Танец» (1925), «Распятие» (1930), «Натюрморт — бюст, чаша и палитра» (1932). Кроме того, Пикассо создает и скульптурные работы в стиле сюрреализма: «Лежащая женщина» (1932), «Мужчина с букетом» (1934).

Позднее в творческой жизни Пикассо принято выделять период, получивший название «Война. Герника» . В это время в работах Пикассо отчетливо выделяется тема смерти и войны, а самый частый персонаж – Минотавр. Яркий пример - его работы «Плачущая женщина» (1937), «Натюрморт с бычьим черепом» (1942), «Склеп» (1944-1945). Пожалуй, самой известной работой этого периода стала картина Пабло Пикассо «Герника», написанная всего за один месяц в 1937 году по заказу правительства Испанской Республики. На этой огромной фреске (3,5м X 7,8м) изображены страдание, насилие, смерть.. Выполненная в черно-белых тонах, картина пугала зрителей своей откровенностью и ужасом.

В «послевоенный период» (1945-1960-е) Пикассо обращается к светлым мотивам. Он создает «Портрет Франсуазы» (1946), «Женщину с зелеными волосами» (1949), «Портрет Сильветт» (1954). Его картины пронизаны солнечными лучами, теплым песком и ласковым морем. Постепенно Пабло Пикассо направляет свою энергию и безграничный талант на написание женских портретов, которые открывают «завершающий период» его творчества. Он создает целую серию портретов Жаклин Рок: «Жаклин с цветами» (1954), «Жаклин Рок» (1954), «Жаклин в студии» (1956), «Жаклин» (1960), «Портрет Жаклин» (1965).

Пабло Пикассо прожил очень долгую и насыщенную жизнь. Умер он 8 апреля 1973 года в возрасте 92 лет. Еще при жизни его называли «величайшим живописцем 20 века», а в современном мире Пикассо считают бесспорным Гением.

15. Фyтypизм - (oт лaт. futurum - бyдyщee) литepaтypнo-xyдoжecтвeннoe тeчeниe в иcкyccтвe 1910-x гoдoв. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Baжнoй xyдoжecтвeннoй идeeй фyтypизмa cтaл пoиcк плacтичecкoгo выpaжeния cтpeмитeльнocти движeния кaк ocнoвнoгo пpизнaкa тeмпa coвpeмeннoй жизни. Pyccкaя вepcия фyтypизмa нocилa нaзвaниe кyбoфyтypизм и былa ocнoвaнa нa coeдинeнии плacтичecкиx пpинципoв фpaнцyзcкoгo кyбизмa и eвpoпeйcкиx oбщeэcтeтичecкиx ycтaнoвoк фyтypизмa.

В начале ХХ века Италия, с нетерпением ждала новых Караваджо, Тицианов и Рафаэлей и т.д., которые смогли бы вернуть стране величие прошлого и утраченное лидерство в художественном мире. Вместо этого пришли хулиганы футуристы во главе с Филиппо Маринетти; а также Джорджо де Кирико, Джорджо Моранди и другие. Это были молодые люди с большим талантом, но со своими идеями и взглядами на искусство. Понадобились годы и годы, прежде чем Итальянское общество осознало, что Гении Возрождения не восстанут из могил и навсегда останутся висеть на "пыльных" стенах музеев, а настоящее принадлежит "новым" художникам.

Название (от латинского “футурум” - “будущее”) особого модернистского течения в европейском искусстве 1910-1920-х годов. В своем стремлении создать “искусство будущего”, футуристы встали в позу отрицания традиционной культуры с ее нравственными и художественными ценностями. Ими был провозглашен культ машинной урбанизированной цивилизации – больших мегаполисов, высоких скоростей, движения, силы и энергии. Футуризм имеет некоторые родственные черты с кубизмом и экспрессионизмом. Используя пересечения, сдвиги, наезды и наплывы форм художники пытались выразить дробящуюся множественость впечатлений современного им человека, городского жителя.

Футуризм зародился в Италии. Лидером и идеологом движения был литератор Филиппо Маринетти, скульптор и живописец Уго Боччони, живописцы Карло Карра, Джино Северини, Джакомо Балла.

Концепция человека у западноевропейских футуристов:

В футуристическом манифесте “Искусство механизмов” говорится о двух ипостасях идеала нового человека. Это либо человек – робот, функционер, безликий винтик в механизме окружающего его мира и общества, либо личность, воплощающая идею сверхчеловека. (Футурист Мафарка - излюбленный герой Маринетти - вымышленный восточный властитель, площадной, вульгарно сниженный вариант ницшеанского Заратустры, представляющий в сущности ту же машину, но только биологически совершенную.)

Новые течения в искусстве нередко заявляют о своём появлении публикацией художественных программ и, как правило, всячески ниспровергают предшествующие «открытия».

В громкости подобных заявлений представителям футуризма не было равных. Это естественно: само название футуризм (от лат. futurum — «будущее») говорило об их намерении создавать новое искусство, искусство будущего, приверженности к переменам и о решительном отказе от традиций.

Основатель движения Филиппо Томмазо Маринетти (1876—1944), итальянский поэт, опубликовал первый манифест футуризма на страницах парижского журнала «Фигаро» в феврале 1909 г. «Главными элементами нашей поэзии будут: храбрость, дерзость и бунт». «Нет шедевров без агрессивности», — провозглашал он. Программ и манифестов у футуристов было очень много — гораздо больше, чем творческих достижений. Например: «Убьём свет луны» (1909 г.) или «Манифест против „Монмартра"» (1913 г.). А кроме того, проходило множество устных выступлений, футуристических вечеров. Громкое эхо футуризма звучало и в Париже, и в России, но его идеологическим центром была Италия. Здесь набирало силу националистическое движение, позже приведшее к установлению фашизма. Футуризм с его прославлением войны как «гигиены мира», с культом сильного кулака и агрессии пришёлся, что называется, «ко двору».

Под первой, собственно художественной программой, «Манифестом художников-футуристов» (11 февраля 1910 г.), подписались все итальянские художники — члены группы: Умберто Боччони (1882—1916), Джакомо Балла (1871 — 1958), Карло Карра (1881 — 1966), Джино Северини (1883—1966) и Луиджи Руссоло (1885—1947). Вскоре они выпустили «Манифест техники футуристической живописи».

В чём его главное содержание? Что было для художников-футуристов определяющим признаком будущего? Прежде всего движение. И конечно же, прославление машины, индустриализации, урбанистической цивилизации. «Движение, которое мы хотим воспроизвести на полотне, не будет более закреплённым мгновением всемирного динамизма, это будет само динамическое ощущение...» — заявляли футуристы. Передача движения достигалась просто и без затей. Таким приёмом обычно пользуются мультипликаторы, разбивая и фиксируя этапы ходьбы, бега, жеста персонажа по кадрам. Футуристы совместили эти элементы в один «кадр»: на картине они показывали фазы движения одновременно. При этом в их манере членить объёмы легко заметить влияние кубистической живописи, которую сами футуристы упрекали в «застылости».

Подчас разложение движения доводит изображение до абстракции, как это происходит, например, в циклах Баллы «Скорость-Пейзаж» (1912 г.), «Линия-Скорость», «Вихрь» (1914 г.).

В футуристическом искусстве не следует искать глубокого психологизма, интереса к внутреннему миру человека. Напротив, культ машины вдохновлялся мечтой о «создании механического человека с заменимыми частями». В 1913 г. был опубликован «Манифест механического искусства», а Северини и его товарищи населили свои картины механическими существами, похожими на роботов (хотя слово это возникло лишь в 1920 г.).

Однако всё это было уже отзвуком былого футуристического шума. Постепенно футуризм растворился в других художественных течениях.