Добавил:
Опубликованный материал нарушает ваши авторские права? Сообщите нам.
Вуз: Предмет: Файл:

рождение превой композиторской школы

Скачиваний:
14
Добавлен:
15.04.2019
Размер:
46.12 Кб
Скачать

Рождение первой композиторской школы

Во второй половине XVIII века ярко преобразилась театральная и музыкальная жизнь Петербурга. Ведущим жанром становится опера.Благодаря любителям оперы, словно соревнуясь между собой, возникали в это время вольные, любительские и крепостные театры. 

В Петербурге действовали императорский театр, театр «малого двора» (великого князя Павла Петровича), частный публичный театр Книппера-Дмитриевского, театр Академии художеств, Шляхетного корпуса, Института благородных девиц.

Процветали итальянская, немецкая и французская труппы. Успешно ставились драматические и оперные спектакли в любительских и крепостных театрах А.Л. Нарышкина, Н.С. Титова, Г.А. Потемкина, у Юсуповых и Шуваловых.

В столицу охотнее приезжали иностранные гастролеры. Здесь же жили и работали отечественные знаменитости, творившие для оперы,  В.А. Пашкевич, Я.Б. Княжнин, М.А. Матинский и Д.С. Бортнянский, В.В. Каппист и Н.П. Николаев. В Петербурге было очень мало трупп крепостных артистов, столь распространенных в усадебном быту старой столицы. Петербургские театры сосредоточились в основном при дворе и в резиденциях высших придворных сановников, что придавало им особый вес в глазах зрителей и актеров.

Многие театры были любительскими, но при этом отличались профессиональной игрой и хорошим вкусом. Так, огромной популярностью у петербуржцев пользовался музыкальный театр Института благородных девиц Смольного монастыря. Здесь силами юных исполнительниц ставились оперы Перголези, Фалидора, Гретри, входящие в репертуар лучших европейских театров. Прелестные актрисы были воспеты придворными поэтами, а художник Д.Г. Левицкий запечатлел их образы, создав знаменитую серию портретов смолянок.

 

Слушатели тех лет любили итальянскую, немецкую и французскую музыку. Но, начиная с конца 70-х годов, все больше получает признание молодая отечественная комическая опера. Это был жанр, в котором музыка перемежалась с разговорными диалогами. Комическая опера была бытовой по своему содержанию. В ней действовали крепостные крестьяне, обиженные своими помещиками, злые и добрые дворяне, хитроумные мельники, наивные и прекрасные девушки. 26 августа 1772 года  в Царском Селе была поставлена первая русская комическая опера «Анюта» М.И. Попова.

Самой любимой музыкальной комедией XVIII века стала операМ.М. Соколовского на текст писателя А.О. Аблесимова «Мельник – колдун, обманщик и сват» (1779). Она сохраняла свою популярность на протяжении многих десятилетий. Большим успехом у современников пользовалась опера М. Матинского «Санкт-Петербургский гостиный двор» (1781). Она трижды издавалась в 90-х годах XVIII века. 

Видные русские композиторы этого времени обращались и к более сложным оперным формам и разнообразной тематике: «Скупой»  В.А. Пашкевича (1782), «Орфей» Е.И. Фомина (1792), «Сокол»  Д.С. Бортнянского (1786).

 

В рассматриваемый период начали проводиться публичные концертыПервый цикл концертов был организован в 1769 году композитором В. Манфредини, служившим придворным капельмейстером, и прошел с большим успехом.

В 80-е годы наступил подлинный расцвет концертной жизни. На эстраде все чаще появлялись известные европейские виртуозы – органист аббат Фоглер, пианист И.В. Геслер, певица Тоди, клавесинист И.В. Пальшад и многие другие.

По традиции большая часть концертов проходила весной, во время Великого поста. Театральные зрелища в великопостные дни отменялись, и поэтому в помещении театров устраивались концерты вокальной и инструментальной музыки. Звучали Гайдн и Моцарт, Гендель и Телеман, исполнялись произведения русских авторов – Бортнянского, Хандошкина, Кашина, Трутовского.

Во второй половине XVIII века рождается русская композиторская школаЕе можно назвать «петербургской», так как именно в городе на Неве расцвел талант самых ярких ее представителей. Основоположниками петербургской композиторской школы стали М.С. Березовский, В.А. Пашкевич и И.Е. Хандошкин.

Творческий облик каждого из этих композиторов глубоко индивидуален. Березовский много сделал в области хоровой духовной музыки, Пашкевич тяготел к музыкальному театру, а скрипач-виртуоз Хандошкин оставил заметный след в инструментальной музыке.

Два пласта отечественной музыкальной культуры – хоровая духовная музыка и народное музыкальное творчество – стали естественной опорой в поисках русскими композиторами своего голоса в многоголосии европейской музыки.

Осваивая западные жанры – оперу, увертюру, сонату, – они не утратили самобытного дара воплощать в музыке интонации народных песен, русскую речь, национальные характеры. Сближаясь с просветительскими веяниями эпохи, петербургские музыканты внесли бесценный вклад в представление о народе как носителе эстетических духовных ценностей.

Петербургская композиторская школа XVIII века была самой молодой среди художественных течений в других видах искусства, поэтому в творчестве ее представителей заметно влияние таких западноевропейских композиторов, как Глюк, Гайдн или Моцарт.

Но это влияние не лишило творчество петербургских музыкантов ни национального своеобразия, ни обаяния юности, благодаря которым сочинения мастеров петербургской школы с успехом исполняются и сегодня.

Из творческого наследия М.С. Березовского сохранилось немногое. Значительная часть его сочинений погибла при пожаре в 1917 году, уничтожившем уникальное собрание церковной музыки Придворной певческой капеллы.

Березовский прибыл в Санкт-Петербург с Украины в 1758 году и был принят на службу к великому князю Петру Федоровичу. За короткий срок он не только постиг основы композиции, но и стал подлинным мастером хоровой музыки, поразившим современников искусным сочетанием итальянской мелодии и греческого пения. 

Кульминация развития хорового партесного пения в России пришлось на Петровскую эпоху. В 40 – 50-е годы XVIII века этот жанр переживает явный упадок, причины которого достаточно серьезны. Именно в это время в Петербурге появились высокообразованные, прежде всего итальянские, музыканты, которые привезли новый репертуар, завоевавший сердца российских слушателей.

Плодотворного взаимодействия национальной хоровой традиции и новой зарубежной музыки в те годы не было. Скорее наоборот – профессиональное русское хоровое искусство оказалось изолированным от новой западной светской музыки. Отчасти это было следствием действий императрицы Елизаветы Петровны, которая не разрешала смешения церковной музыки с итальянским стилем.

С восшествием на престол Екатерины II, равнодушной к церковному искусству, русская хоровая музыка получила определенную свободу и стала развиваться в естественном для нее русле.

Композиторы смогли активно изучать западноевропейское искусство и, пользуясь полученными знаниями, обновлять и осовременивать средства музыкальной выразительности. Зарождающийся новый стиль хоровой музыки можно считать «высоким барокко». У его истоков стоял Березовский.

Вершиной творческих исканий Березовского стал концерт «Не отвержи мене во время старости», созданный во второй половине 1760-х годов. В основу произведения положен текст 70-ого псалма из ветхозаветной Псалтыри.

Молитва нашла свое воплощение в четырех частях концерта Березовского. Это монументальное по форме сочинение, где раскрывается многообразный духовный мир человека. Музыка поражает глубиной передаваемых чувств.

Особенностью концерта является монотематизм: главная тема, прозвучавшая в первых тактах, становится основой всех прочих образов концерта. Здесь кроется исключительная сила воздействия произведения, заставляющего слушателя сосредоточиться на развитии генеральной мысли: «Не отвержи мене…».

Тема финала целиком вырастает из первоначальной мелодии, но  перевоплощается в новый образ – это символ неукротимости человеческого духа, его стойкости в вере и мужества перед лицом испытаний. В 60-е годы композитор сочинял не только многочастные концерты, у него есть и Литургия, и отдельные обиходные сочинения.

В 1769 году Березовский в качестве «пенсионера» был послан в Италию, в Болонскую филармоническую академию. Он успешно справился с учебой и получил звание академика. За рубежом композитор пишет оперы-seria. Известность получила его опера «Демофонт».

В Петербурге ему была предоставлена должность капельмейстера Придворной капеллы. Однако дальнейшая творческая жизнь мастера сложилась неудачно. Связано это было с резкой сменой эстетических вкусов двора 70-х годов. Барокко уступает место строгому классицизму.

У слушателей явно ослаб интерес к высоким жанрам – хоровому концерту, опере-seria. При дворе после завершения войны с Турцией утверждается иной, легкий стиль искусства. Эти вкусы пришли в противоречие с творческой индивидуальностью Березовского.

Мастер продолжал творить хоровые концерты («Господь воцарился!», «В начале Ты, Господи», «Да воскреснет Бог»). В них уже намечены черты перехода от барокко к классицизму, но окончательного шага Березовский сделать не смог.

Человеком яркого таланта был В.А. Пашкевич. В 1763 году его зачисляют в штат придворного оркестра и с этого момента начинается его жизнь как профессионала-музыканта, дирижера, педагога, «капельмейстера большой музыки». Самое ценное его наследие – комические оперы.

Успех композитора, сочиняющего оперы, зависит не только от качества самого произведения, но и от возможностей театрального коллектива, осуществляющего постановку. На определенном этапе творческого пути Пашкевичу необычайно повезло – он нашел свой театр.

Это был высокопрофессиональный коллектив Книппера-Дмитриевского, который просуществовал с 1779 по 1783 год. Для этого публичного театра Пашкевич создал самые лучшие комические оперы.

Первая опера «Несчастье от кареты» была создана на текст Я.Б. Княжнина. Сюжетная интрига связана с галломанией. В опере идет речь о том, как помещик Фирюлин, помешанный на французских модах, решил купить дорогую парижскую карету.

Однако карета стоит дорого, и для ее покупки Фирюлину предстоит продать в рекруты своего крепостного Лукьяна. Лукьян же любит крестьянскую девушку Анюту, и разлука с ней разрывает ему сердце.

Дело уладил барский шут, старый приятель Лукьяна Афанасий. Он научил Лукьяна обратиться к помещику-галломану на французском языке. Фирюлин был потрясен тем, что его крестьяне оказались столь просвещенными людьми. Следует счастливый конец: Лукьян освобожден от рекрутчины и женится на Анюте.

Пашкевич проявил себя удивительно одаренным музыкальным драматургом. Он нестандартно и остроумно воплощает антикрепостническую идею оперы. Пашкевич избрал принцип соотношения музыки и разговорных эпизодов, основанный на разграничении образных сфер оперы на два мира.

В первом мире живут, любят, страдают крестьяне: Лукьян, Анюта, Афанасий. Им композитор отдает свою музыку. Во втором мире царствуют праздность и барство, породнившаяся с глупостью. Высказывания героев этого мира напоминают анекдоты.

Вот, например, пассаж из речи госпожи Фирюлиной: «…наша деревня так близко от столицы, а никто здесь по-французски не умеет, а во Франции от столицы сто верст, все по-французски говорят». Этих «антигероев» Пашкевич лишил музыки, оставив им разговорные диалоги.

Премьера оперы прошла с огромным успехом. Просветительская идея сюжета в соединении с талантливой музыкой привлекли внимание современников, осознавших, что с оперой «Несчастье от кареты» родился национальный музыкальный театр.

Лучшим сочинением Пашкевича считается опера «Санкт-Петербургский гостиный двор» (другое название «Как поживешь, так и прослывешь»). Она создана на основе комедии М.А. Матинского.

Это первая в истории русской музыки опера, в которой показана жизнь купечества. Нравы купечества не вызывают у авторов особых симпатий. Они осуждают их жадность, склонность к обману, жульничеству, злобность и предательство.

Но есть в музыке оперы и иная сфера, имя которой – народная песня. Здесь композитор раскрывается как знаток старинных народных обрядов. Он использовал в своей музыке свадебные русские песни. Эти хоровые номера резко контрастируют с сатирическими бытовыми зарисовками купеческой жизни, наполняют музыку оперы живым дыханием национального творчества.

Хандошкин И.Е. родился в Петербурге. Он рано освоил искусство игры на скрипке и уже в 1760 году был зачислен в ораниенбаумский оркестр «музыкантским учеником».

Свое предназначение он видел в исполнительстве. В 70 – 80-е годы его слава импровизатора и виртуоза быстро растет. Изо дня в день упорным трудом добивался он высокой исполнительской техники. Специалисты отмечают использование Хандошкиным необычных приемов игры на скрипке. Он дает публичные концерты. Петербуржцы не скупились на восторженные отзывы.

Хандошкин становится знаменитостью Петербурга. Его избрали почетным членом Петербургского музыкального клуба, где собирался цвет художественной интеллигенции столицы. В эти годы Хандошкиным были написаны первые сочинения.

Творчество Хандошкина целиком связано с любимым инструментом. Он вошел в историю музыки как основоположник русской скрипичной школы. Большую часть его наследия составляют инструментальные вариации для скрипки, двух скрипок, скрипки и альта или скрипки с басом.

Вдохновляла творчество Хандошкина русская народная песня, поэтому наиболее ярко раскрылся дар композитора в вариациях на темы русских народных песен. Композитор XVIII века, создающий инструментальные вариации, должен был придерживаться строгих классических правил.

Вначале излагается главная тема. Затем композитор может ею варьировать – расцвечивать орнаментом, менять ритмику, переносить мелодию в иные регистры. Но как бы ни преображался первоначальный музыкальный образ, в финале вариации вновь звучит исходная музыкальная тема.

Придерживаясь классической схемы, Хандошкин был свободен в своих импровизационных фантазиях, рожденных новым для европейской жизни исходным материалом – русской народной песней. Исследователи в области фольклора полагают, что мелодии некоторых напевов, положенных в основу вариаций, были впервые записаны самим композитором.

Важно отметить огромный вклад, который внес Хандошкин в формирование национального искусства. В его музыке впервые произошло органичное слияние европейского инструментального языка и русского фольклора.

Становление композиторской школы тесно связано с развитиеммузыкальной фольклористикиКо второй половине века народная песня завоевывает прочное место в российском быту, имея приверженцев во всех слоях общества.

В 60 – 70-е годы XVIII века в России начинается подлинный«фольклорный бум»Кажется, что большинство грамотных людей стремится записать народные напевы. Крестьянская песня в городе, попадая в новую культурную среду, не поглощалась ею, а обретала новое звучание в зависимости от того, где ее пели. Используя популярные текстовые и музыкальные обороты, способный городской люд создавал свои собственные песни.

Первый нотный фольклорный сборник – «Собрание простых русских песен с нотами» – вышел в 1776 – 1779 годах. Автор издания придворный гуслист В.Ф. Трутовский.

Но самый заметный след в истории петербургской культуры оставило «Собрание народных русских песен с их голосами», изданное в 1790 году известным петербургским просветителем Н.А. Львовым и композитором И.Прачем.

Сборник стал результатом увлеченности фольклором в литературно-музыкальном кружке Н.А. Львова. Его ядро составляли Г.Р. Державин, В.В. Капнист и сам Н.А. Львов. В доме Львова бывали художники В.Л. Боровиковский и Д.Г. Левицкий, поэты М.Н. Муравьев и И.И. Хемницер, другие представители художественной элиты Петербурга. 

Львов Н.А. был одним из самых образованных и интеллигентных людей своего времени. Многочисленные таланты сочетались в нем удивительно органично и естественно.

Он писал стихи и оперные либретто, занимался музыкальной фольклористикой и собирал русские летописи, рисовал, был крупным архитектором.

Появление сборника стало выдающимся событием в русской культуре. В предисловии к сборнику Львов писал, что в песеннике сохранено «все свойство народного русского пения». Привычное теперь словосочетание «народная песня» Львов употребил первым.

В этой работе много было сделано впервые: впервые автор попытался выявить истоки народной песни, впервые указал на ее многоголосный склад и т.д.

Львову удалось создать своего рода единственный в XVIII веке научный труд по музыкальной фольклористике, сделать подлинное культурное открытие.

В сборник вошли 100 песен, многие из которых популярны и поныне: «Ах, вы сени, мои сени», «Во поле береза стояла», «Во саду ли, в огороде». Большинство напевов, отобранных Львовым, вошли в историю русской музыки как классические образцы фольклора.

Очень популярным в музыкальном быту Петербурга был бытовой романс – «российская песня», как его тогда называлиОн успешно конкурировал с народной песней и был первоначально основан на «книжной поэзии». Постепенно бытовой романс становится профессиональным музыкальным жанром. Его расцвет связан с творчеством двух композиторов – Ф.М. Дубянского и О.А. Козловского.

Вершинные достижения русской музыки последних десятилетийXVIII века связаны с творчеством Е.И. Фомина и Д.С. Бортнянского.

Фомин Е.И. был воспитанником Академии художеств. Редко кто из ее слушателей избирал музыкальное искусство своей специальностью. К тому же музыка не входила в число «знатнейших художеств», которыми считались архитектура, ваяние, живопись.

И все же одаренность Фомина побудила руководство Академии поощрять воспитанника в музыкальном совершенствовании и позднее дать ему возможность завершить учебу в Италии. Получив звание болонского академика, Фомин вернулся на родину. Здесь ему было поручено написать оперу «Новгородский богатырь Боеславич», либретто которой принадлежало Екатерине II. За основу она взяла народную былину, которую переиначила на свой вкус.

В опере новгородские вольные посадники покоряются единоначалию богатыря Боеславича и его матери, Амфелы, образ которой должен был напоминать Екатерину II.

Опера была написана в рекордно короткий срок, за несколько недель, и уже 27 ноября 1786 года состоялась премьера на сцене Эрмитажного театра. Вероятно, музыка не понравилась императрице–  после премьеры Фомин остался без работы.

Последующая жизнь Фомина была тесно связана с Н.А. Львовым и его окружением, которые помогли ему обрести душевное равновесие и продолжить творчество. Фомин пишет небольшую оперу на либретто Н.А. Львова «Ямщики на подставе».

Композитор создал великолепные хоровые обработки народных напевов самых разных жанров. Несколько песен из «Ямщиков» спустя три года почти без изменений вошли в «Собрание народных русских песен» Львова – Прача. Отношение к народной мелодии у Фомина было исключительно бережное. Для каждой песни он нашел свой стиль обработки.

Специалисты отмечают зрелое симфоническое мышление композитора, профессионализм его оркестровки. Народно-песенная основа музыки оперы способствовала рождению новых нетрадиционных черт оркестрового письма. Фоминым был сделан первый шаг на пути создания русского симфонизма. Написанная для домашнего театра, опера так и осталась неизвестной широкой публике.

Замечательным творением композитора стала мелодрама «Орфей» (1792). Музыка мелодрамы – одно из вершин творений русского искусства эпохи Просвещения. Здесь во всей полноте раскрылось симфоническое дарование Фомина.

Композитору удалось с поразительным чувством стиля передать трагический пафос древнего мифа. При этом в его музыке глубоко раскрывается мир человека конца XVIII века, трагическое и вместе с тем страстное мироощущение интеллигента «радищевской эпохи».

Долгую творческую жизнь прожил Д.С. Бортнянский. Хоровая церковная музыка сделала композитора популярным во всех слоях российского общества, общественная деятельность заставила считаться с ним власть имущих.

В семилетнем возрасте Бортнянский был доставлен из г. Глухова (Украина) в Петербург и отдан на воспитание в Придворную певческую капеллу, с которой бала связана вся его последующая творческая судьба. Продолжил обучение Бортнянский в Италии, где, следуя традиции, писал оперы-seria (до наших дней сохранились две – «Алкид» и «Квинт Фабин»).

Основные творческие достижения Бортнянского в 80-е годы связаны с хоровой церковной музыкой. Создавая богослужебную музыку, он отказался от традиций барочного хорового письма и пошел новой дорогой музыкального классицизма.

В «Санкт-Петербургских ведомостях» за 1789 год появилось объявление, в котором говорилось, что «в Луговой Миллионной под № 61 у книгопродавца продается Херувимская песнь, сочинения г. Бортнянского, напечатанная с одобрением самого автора некоторым любителям музыки». Это сообщение зафиксировало новое явление. Бортнянский издает свои духовные сочинениячего ранее не делал ни один русский композитор.

Композитор оставил огромное хоровое наследие. Ему принадлежит 35 концертов для четырехголосного хора и 10 концертов для двух хоров. Музыка Бортнянского быстро распространялась по всей России. Спрос на его сочинения был чрезвычайно велик. Его концерты пели в храмах, на великосветских приемах, в помещичьих усадьбах. Многие россияне знали наизусть легко запоминающиеся мелодии.

Сочинения композитора поражают разнообразием чувств и настроений. Есть концерты торжественные, праздничные, эпические. Здесь доминируют мажорный лад и энергичные ритмы. В поэтичных концертах преобладает медленный темп, минорный лад, экспрессивная мелодика.

Одно из самых глубоких и зрелых сочинений мастера – концерт № 32. Его текст взят из 38-го псалма Библии – «Скажи мне, Господи, кончину мою…». Музыка отличается единством настроения и цельностью темы. В ней преобладает тихое, нежное звучание, передающее предсмертную мольбу человека, уходящего из жизни.

Бортнянский сочинял также музыку для церковных служб – многолетия, «Достойно есть» и др.

Особое место в наследии композитора занимают, так называемые, «французские оперы», созданные для «малого двора» наследника императора Павла I. Это веселые музыкальные комедии, где герои по ходу действия обмениваются репликами на самые злободневные темы. 

Музыка Бортнянского вполне соответствовала этому жанру, она отличалась классическим благородством, изяществом. Большим успехом пользовалась опера «Сокол» по либретто Лафермьера, в основу которой положен сюжет девятой новеллы «Декамерона» Дж. Боккаччо. Бортнянский наделил буффонские персонажи оперы интонациями фривольных французских песен. Главные же герои получили красивые лирические мелодии.

Лучшим творением композитора в этом направлении считается опера «Сын-соперник, или новая Стратоника». Здесь конфликт любовного чувства и сыновнего долга решен в комедийном плане. Однако Бортнянский создает музыку, раскрывающую искренние, глубокие и далекие от комических переживания своих героев.

 «Сын-соперник» не уступает «Соколу» по красоте мелодий и отточенности форм, но зато намного превосходит по сложности развития драматургии и глубине музыкальных характеристик персонажей. В музыке оперы много разнохарактерных выразительных арий.

Наследие Бортнянского не ограничено хоровой и оперной музыкой. Им написано большое количество инструментальной музыки, концертные симфонии, романсы.

Главным достоинством музыкального искусства Петербурга XVIIIвека является то, что оно достаточно быстро освоило светские жанры и формы европейской музыки. Ориентирами в становлении светской музыки служили русская словесность и русская народная песня. 

Создатели петербургской композиторской школы отдали предпочтение синтетическим музыкальным жанрам – комической опере и «российской песне», музыкальный язык которых испытал мощное влияние фольклора.

Стилевое развитие музыкального искусства во многом совпадало с общехудожественным процессом – с движением от барокко к классицизму и сентиментализму. Особенно ярко это воплотилось в зрелой хоровой храмовой музыке, в творчестве М.С. Березовского и Д.С. Бортнянского.

В эпоху Просвещения композиторы впервые получили возможность творить одновременно и в светских и в церковных жанрах, отдавая дань традиции и открывая пути в будущее.  

_____________________________________