Дми́трий Дмитриевич Жили́нский (р. 1927)

Автор многочисленных сюжетных полотен, картин-портретов, в которых удачно, новаторски, переосмыслены традиции древнерусской иконописи и живописи раннего Возрождения. Принадлежит к поколению художников «сурового стиля», но стилистически стоит особняком.

Среди наиболее значимых картин: «У моря. Семья» (1964), «Гимнасты СССР» (1964), «Под старой яблоней» (1969), триптих «1937 год» (1986—1987).

И, быть может, в самой глубинной основе художнического трудолюбия Дмитрия Жилинского – именно эта земля, требующая заботы и труда с утра до вечера, именно каждодневная работа крестьянина. Крепкая привязанность художника к своим землякам, к труженикам из родной его деревни Уч-Дере, что под Сочи, не могла не выявиться и в его картинах – знаемые с детства, они по праву заняли свое место на полотнах Жилинского – с тяжелыми рабочими руками, с открытыми и спокойными, терпеливыми крестьянскими лицами.

Слово «суровый» с трудом ассоциируется с тонкостью, деликатностью, изысканностью живописи художника. Лишь ряд ранних произведений можно отнести к этому направлению. Уже со второй половины 1960-х годов Жилинский эволюционировал от монументальности и обобщенности к камерности и психологической глубине.

Альтист 1972.

37. В семидесятые годы в советском искусстве выделилась целая плеяда художников, чье ассоциативное, острое искус­ство было в центре обществен­ного интереса. Их мало и трудно выставляли. Известно, какова бы­ла реакция со стороны идеологи­ческого руководства, усмотрев­шего в их творчестве покушение на незыблемые основы реализма.

Ната́лья И́горевна Не́стерова (23 апреля 1944, Москва) — российская художница.

Учитель художницы Д. Жилинский, сам пред­ставитель совершенно иного пластического направления, счи­тает, что «для Нестеровой так называемое примитивное ис­кусство — «точка опоры», живая традиция. Ее обращение к примитиву органично, оно помогает найти свои собственные средства, по-своему раскрыть сущность предмета и явления . В первой половине 1970-х годов завоевала известность композициями, переиначивающими канон соцреалистической фигурно-сюжетной картины: героико-идиллические сцены труда и отдыха сменились здесь образами некоего заколдованного царства, погруженного в оцепенение или абсурдную маету. Ключевое значение для нее имели в ту пору образы крымских, кавказских и прибалтийских «народных здравниц» и «домов творчества». С конца 1970-х годов в живописи Нестеровой возобладали темы старинного города или парка.

нескучный сад 74г.

Тополя 74г.

С годами на первый план в ее живописи выходят религиозные мотивы, тоже получившие подобие загадочного маскарада, нарушающего привычные иконографические каноны. Сюжеты картин Натальи Нестеровой - жизненные сценки, решенные в ироническом ключе: праздничные гуляния, отдых на берегу моря, игра в карты, визиты в кафе, отдых на пляже… Но лица ее условных персонажей превращаются в маски, фигуры застывают в нелепых позах, вещи - в странных положениях. Сквозь созерцание проступает тоска, а элегическое любование оборачивается явным гротеском. прощание с Ялтой 77г.

Люди с тортами

Сегодня Назаренко, пожалуй, самая знаменитая в России женщина, пишущая картины. Она имеет едва ли не все официальные регалии, существующие в искусстве: Государственную премию и статус действительного члена Президиума Российской академии художеств, звание профессора живописи и титул заслуженного художника России.

Татьяну Назаренко относят к так называемому поколению «семидесятников». Ее искусство формировалось под влиянием бурных событий 1960-х годов и восставших из прошлого семейных воспоминаний о трагических событиях 1930-х. Северное Возрождение, народная струя в живописи, экспрессионизм – все эти тенденции нашли свое отражение в работах художницы Назаренко. Герои Назаренко одновременно реальны и воображаемы, она соединяет в своих полотнах действительность и абсурд, смешивает пространственные и временные пласты, вскрывая внутреннюю взаимосвязь прошлого с настоящим. Как она признается сама, ее «волнует история, отраженная в глазах современников».

В творчестве Татьяны Назаренко сильно аналитическое начало. В каком бы жанре живописи она ни работала, главное содержание ее картин выражается не только и не столько через сюжет, сколько через общую духовную атмосферу.

Начало 1970-х годов для Назаренко, как и для большинства художников ее поколения, - время поисков жанра, манеры, темы. Художница пробует свои силы и в «примитивистской» манере, и в системе строгой неоклассики, пишет полотна романтически-декоративные и игровые. В эти годы ею были написаны такие разные работы, как «Казнь народовольцев» (1969-1972) , «Дерево в Новом Афоне» (1969), «Воскресный день в лесу» (1970), «Портрет цирковой актрисы» (1970)

Картина Татьяны Назаренко «Казнь народовольцев» появилась на Московской молодежной выставке в 1972 году. Картина была замечена всеми – хотя и не всеми принята. В ней причудливо соединялись приверженность образцам Ренессанса, склонность к обобщенным размышлениям и трагическое чувство уязвимости борцов за свободу, за духовные идеалы перед крушащей безликой силой машины подавления.

Во второй половине 1970-х – начале 1980-х годов Назаренко пишет несколько групповых портретов друзей, собравшихся по праздничному поводу. Это картины «Встреча Нового года» (1976), «Московский вечер» (1978) ,

«Карнавал» (1979), «Татьянин день» (1982), «Сентябрь в Одессе» (1985) и многие другие, а также написанные ранее полотна «Молодые художники» (1968) и «Мои современники» (1974).

Если в ранних групповых портретах Назаренко отчетливо ощущались тишина, сосредоточенность, стремление героев услышать друг друга, прислушаться к истине, то в последующих работах («Карнавал», «Татьянин день» и др.) царит безудержная стихия карнавала.

Экстравагантны костюмы и позы, дух празднества владеет не только людьми, но и предметами. Однако это – праздник без веселья, общение без взаимопонимания и духовной близости. Тема одиночества, столь важная для художницы, причудливо соединяется в ее творчестве с темой карнавала

38. Второй русский авангард (иногда тж. Вторая волна русского авангарда) — движение в русском искусстве, в первую очередь в изобразительном искусстве и поэзии, началом которого считается середина 1950-х годов, а завершением — конец 1980-х.

Андегра́унд — совокупность творческих направлений в современном искусстве (музыке, литературе, кино, изобразительном искусстве и др.), противопоставляющихся массовой культуре, мейнстриму и официальному искусству. Андеграунд включает в себя неформальные, независимые или запрещённые цензурой виды и произведения искусства.

Оска́р Я́ковлевич Ра́бин (2 января 1928, Москва) — русский художник, один из основателей неофициальной художественной группы «Лианозово»( Лиано́зовская шко́ла, Лиано́зовская группа — творческое объединение поставангардистов, существовало с конца 1950-х до середины 1970-х годов. Группа поэтов и художников андеграунда собиравшихся в квартирке барачного дома в посёлке Лианозово. Группу принято относить к поставангардизму, с его экспериментом и взрывом канонов. Поэты уходят от претензии на абсолютность личности, свойственной авангарду начала века, снижают личностное начало и умаляют лирическое «я» автора, оставляя только взгляд, который с беспристрастностью видеокамеры запечатлевает окружающий мир.)

В конце 1950-х гг. вместе с Е. и Л. Кропивницкими стал основателем неофициальной художественной группы «Лианозово» (по названию подмосковного поселка, где Рабин жил в 1956–64 гг.). Дом Рабина стал центром художественно- литературного движения, которое было известно на Западе уже в 1960-е гг. и впоследствии получило название второго русского авангарда.

Фигуративная живопись Рабина — пейзажи и натюрморты — отличается подчеркнутой обыденностью вещей, окружающих человека в повседневной жизни. Рабин имитирует на полотне реальные предметы массовой культуры — денежные знаки, водочные этикетки, обрывки газет, создавая иллюзию их полной достоверности. Рабин часто использует прямые ассоциации; в картине «Натюрморт с рыбой и газетой “Правда” 7» (1968, коллекция А. Глейзера, Москва) селедка и стакан на расстеленной газете отражают жизнь с ее неустроенностью, бедностью, пьянством, саркастически сопоставленную с заголовками на обрывках газеты. В картине «Без названия» (1963) обнаженная женщина — цитата из Тициана — изображена на фоне типичного для Рабина пейзажа с покосившимися деревянными домиками.

Характерный для Рабин стиль определяется приглушенным, нарочито бедным колоритом в сочетании с грубой, подчеркнуто фактурной поверхностью холста и использованием обводящих предмет контуров.

Валентина Кропивницкая родилась 16 марта 1924 года в городе Москве. Занималась в районной художественной школе. Учителями ее были родители О.Потапова и Е.Кропивницкий. Вместе братом Львом, а позже с мужем О.Рабиным входила в образовавшиеся к началу 60-х годов «Лионозовское содружество», ставшее одним из центров московского нонконформистского движения. С 1966 года принимала участие в полуофициальных, неофициальных и заграничных выставках, завоевав известность многолетним графическим циклом в технике карандашного монохромного рисунка. В 1978 году вместе с мужем эмигрировала из СССР, поселившись в Париже, продолжала работать в наивном и оригинальном стиле, берущим начало в сюжетах сказок и русского фольклора.

В противоположность своему универсальному отцу у нее нет ни поисков, ни колебаний. Выбор ясен и окончателен: техника — бумага и итальянский карандаш. Метод работы — четкие контуры, условный объем, мелкие штрихи. Сюжеты — фантастические существа, полуживотные-получерти, с несомненными проявлениями людской психологии и поведения. Среди причудливых растений, с которыми тут же уживаются вполне натуралистически нарисованные русские храмы и избы, эти существа — художница называет их “звери” — лежат, сидят, общаются, молятся, а чаще вообще присутствуют в пейзаже.

В 1970-е работы художницы теряют безмятежный характер, все чаще звучат ноты тоски, отчаяния, безысходности.

39. Соц-арт — одно из направлений постмодернистского искусства, сложившееся в СССР в 1970-х годах в рамках так называемой альтернативной культуры, противостоящей государственной идеологии того периода.

Соц-арт возник как пародия на официальное советское искусство и образы современной массовой культуры в целом, что нашло отражение в его ироничном наименовании, соединившем понятия соцреализма и поп-арта. Поп-арт являлся рефлексией на товарное перепроизводство и изобилие западного мира, а объектом соц-арта становится перепроизводство идеологии в СССР.

Используя и перерабатывая одиозные клише, символы и образы советского искусства и расхожие мотивы советской политической агитации, соц-арт в игровой, зачастую эпатирующей форме, развенчивал их истинный смысл, пытаясь раскрепостить зрителя от идеологических стереотипов.

Леонид Петрович Соков (1941, д. Михалево Калининской обл) — российский художник. Один из наиболее известных представителей направления соц-арт.

Соков использует советские символы в сочетании с традициями народного фольклора, создавая грубо струганные деревянные или кованные из металла предметы, эстетика которых схожа с деревенскими игрушками. На его работах всегда много трещин, деревянные куски плохо подогнаны друг к другу, грубо покрашены, что придает им грубую фактурность ручного изделия.

Художник часто использует в своих работах сочетание популярных мифов и образов Запада и Востока, таких как портрет Сталина с Мерилин Монро, изображение серпа и молота, переходящего в знак доллар, или «Шагающий» Джакометти напротив бронзового Ленина. Иронический взгляд позволяет Сокову не только снизить градус агрессивности в типичном наборе советских символов, но попытаться найти их схожесть со своими противоположностями – образами западного поп-арта.

КОМАР, ВИТАЛИЙ АНАТОЛЬЕВИЧ И МЕЛАМИД, АЛЕКСАНДР ДАНИЛОВИЧ, русские художники. Родились в Москве (Комар – 11 сентября 1943, Меламид – 14 июля 1945). Закончили в 1967 Московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское); познакомились в 1963 в процессе учебы, с той поры всегда работали сотворчески. Соединив принципы американского поп-арта с пародийно переосмысленными чертами соцреализма, создали в 1972 программу соцарта (или соц-арта), иронически преображающего привычные лозунги, знаки и образы советской пропаганды. Ранней кульминацией нового постмодернистского стиля явился инвайронмент (конструкция, существующая в естественной, реже в выставочной среде) Рай, устроенный в московской квартире (1973) . В 1977 Комар и Меламид эмигрировали, обосновавшись в Нью-Йорке.

Наибольшую известность (за рубежом, а с перестройкой и на родине) завоевала серия картин Ностальгия по социалистическому реализму (1981–1983, в разных собраниях), написанная в манере внешне-классического академизма, однако исторические персонажи (И.В.Сталин и др.) погружены здесь в атмосферу таинственного темного хаоса. История как хаос – этот мотив доминирует в их последующих произведениях, решенных в духе «полистилистического» (т.е. совмещающего радикально несхожие по стилю композиции) полиптиха.