Тема: «о крупной форме и некоторых методах работы над сонатой и концертом».

Подлинного исполнительского мастерства можно достичь, лишь овладев навыками работы над музыкальными произведениями крупных форм. При работе над крупной формой перед педагогом и исполнителем возникает большое количество разнообразных и сложных музыкально – технических задач, решение которых помогает воспитанию масштабности музыкального мышления, развитию исполнительской культуры, музыкального вкуса, технического мастерства.

Соната.

Говоря о крупной форме, мы должны, прежде всего, обратиться к сонате, к этой наиболее законченной и совершенной форме инструментального творчества, скромными исполнительскими ресурсами (как правило, два исполнителя) создающей большие возможности для раскрытия глубоких и сложных музыкальных процессов в их диалектическом развитии. Соната как форма инструментальной музыки занимает заметное место в творчестве великих композиторов – полифонистов Г.Ф. Генделя и И.С.Баха. Как циклическая форма инструментальной музыки, соната созрела и оформилась в XVIII веке. У Венских классиков (Гайдна, Моцарта, Бетховена) сонатная форма стала ведущей инструментальной формой.

Дальнейшее развитие сонаты мы наблюдаем в творчестве Шуберта, Шумана, Листа, Брамса, русских классиков – Глинки, Чайковского, Бородина Скрябина, Рахманинова, а также современных композиторов – Онеггера, Бартока. Пуленка, Хиндемита, Мясковского, Прокофьева, Шостаковича и ряда других. За время своего исторического развития соната претерпела внутренние изменения не только с точки зрения содержания, гармонического языка, стиля, мелодики, метроритма, но и формы построения в целом и её частей.

Репертуар сонат доклассического и классического периода для духовых инструментов невелик. В лучшем положении флейта, для которой писали сонаты Гендель (семь сонат), бах (шесть сонат). Существуют две сонаты Генделя для гобоя; сонаты Телемана, Торелли, Корелли для трубы; Керубини, Бетховена для валторны; две сонаты Брамса для кларнета и некоторые другие. Все эти сонаты занимают важное место в воспитании молодых исполнителей на духовых инструментах. Необходимо отметить, что за последние полвека репертуар духовых инструментов заметно пополнился. В репертуаре ДМШ часто используются различные переложения Скрипичных, виолончельных и фортепианных сонат и сонатин для духовых инструментов. Как правило, они несут в себе изложение только верхнего голоса и тем упрощают задачу исполнителя. Такие переложения целесообразно использовать как первый опыт исполнения крупной формы в ДМШ. Работая с учеником над сонатой, особое внимание следует уделять особенностям строения произведения. Кропотливо работать над усвоением этой формы и умением исполнить её на сцене.

Концерт

Концерт как жанр инструментальной музыки создаёт наиболее благоприятные условия для яркого и всестороннего показа выразительных возможностей инструмента и мастерства солиста. Наследие для духовых инструментов не так уж бедно: свыше сотни концертов, относящихся к классическому и доклассическому периоду. Возникновение жанра концерта связано с эпохой зарождения гомофонного стиля в музыке (конец XVII века), когда определилось стремление композиторов подчеркнуть ведущее значение мелодического начала, выраженного солирующим инструментом или группой солирующих инструментов, в противовес сопровождающему оркестру. Такое своеобразное соревнование между солистом и оркестром привело к развитию виртуозного стиля в концертном жанре. Но развитие жанра концерта не могло быть ограничено виртуозным стилем. Историю развития концерта для духовых инструментов нельзя отделить от истории этого жанра в целом. Создателем жанра инструментального концерта следует считать итальянского композитора Антонио Вивальди. Только для духовых инструментов им написано: 16 концертов для флейты, 11 – для гобоя, 38 – для фагота, а также концерты для валторны, трубы и для различных смешанных составов. При работе над концертами Вивальди необходимо особенно добиваться ровности ритмического движения, ясного понимания значения солирующей партии на том или ином этапе изложения музыкального материала, чёткой и филигранной штриховой окраски. Создателем классического типа концерта был В.А.Моцарт. Им написано девять концертов для духовых инструментов. Концерты Моцарта для духовых инструментов представляют собой трёхчастный сонатный симфонический цикл. Первая часть – сонатное аллегро. В конце первой части имеется, как правило, каденция. В дальнейшем каденции стали появляться и в других частях концерта. Вторые части – медленные, певучие, написанные в трёхчастной форме – создают возможности для проявления лучших исполнительских качеств музыканта – артистичности, виртуозности, художественной выразительности.

Специфика исполнительства на медных инструментах требует ограниченности масштабов сольных произведений. Примером этого может явиться концерт для тромбона Римского-Корсакова (си-бемоль мажор) Несмотря на сжатость частей, он отвечает всем лучшим традициям классического концерта.

Работа над концертом в ДМШ осуществляется в старших классах, начиная обычно с четвёртого. Преподаватель должен быть уверен. Что ученик справится с этим сложным заданием и быть готовым прийти на помощь. Освоение концерта, как и любого произведения надо начинать с ознакомления, а затем работать по плану работы над произведением. Надо заранее больше времени отвести на заключительный этап работы – собирание в единое произведения – так как крупная форма требует более кропотливой работы в этом направлении. С концертмейстером приходится работать больше и активнее: фортепиано изображает оркестр и ученик должен это не только знать, но и чувствовать.

СЕМИНАР № 16

1. Художественный замысел произведения и его воплощение.

2. Работа над сонатой.

3. Особенности работы над концертом.