ЛЕКЦИЯ №1

СТАНОВЛЕНИЕ И РАЗВИТИЕ ХОРЕОГРАФИЧЕСКОГО

ИСКУССТВА.

Танец - один из самых древних и массовых видов искусства. Художественно отражая деятельность, танец передает миропонимание народа, его современное представление о прекрасном – это одна из главных художественных особенностей танца. Специфика хореографии состоит в том, что мысли, чувства, переживания человека она передает без помощи речи, средствами движения и мимики.

Хореография родилась на заре человечества. Еще в первобытном обществе существовали танцы, изображающие трудовые процессы, движения животных, танцы магического характера, воинственные. Все это в наше время можно увидеть в искусстве народов Африки.

С изменением социального строя, условий жизни изменились характер и тематика искусства, в том числе и народной хореографии.

В нашей стране художественная культура всегда занимала одно из важнейших мест в духовной жизни народа. Профессиональное искусство оказывает большое влияние на развитие художественной самодеятельности: Игорь Моисеев, Павел Вирский (основоположники), которые всю свою жизнь посвятили развитию народного искусства. Из учеников художественной самодеятельности эти мастера сформировали прославленные танцевальные коллективы.

25 февраля 1930г. создается Центральный дом самодеятельного искусства им. Н. К. Крупской, где принимали решение об организации и открытии самодеятельного хореографического коллектива, студий, кружков, которые стали основоположниками профессиональных коллективов – государственных ансамблей национальных и автономных республик. Эти коллективы раскрывали быт и культуру народа. Ансамбли песни и танца были новой формой сценического представления. Каждый ансамбль имел свои специфические национальные черты.

В 1936г. проводится Всесоюзный фестиваль народного танца, после которого в 1937г. образовался Государственный ансамбль народного танца СССР под руководством Игоря Моисеева. В этот период открываются хореографические училища, театры во всех республиках. В училищах вводится народный танец и включается в программу обучения.

В годы ВОВ вся советская интеллигенция и деятели хореографии стремились помочь воинам в их борьбе, и в связи с этим открывается новый этап в постановочной работе, появляется новый жанр – армейская пляска. Перед бойцами выступает народный хор имени Пятницкого.

В период 40 – 60 г.г. советская хореографическая школа национальных республик обогатилась сочинениями классического балета с национальной пластикой, вырос уровень мастерства исполнителей народных коллективов, лучшие произведения и их талантливые создатели – балетмейстеры были награждены Ленинской и Государственной премиями СССР. Демонстрацией успехов народного творчества стали Всесоюзные фестивали и смотры художественной самодеятельности.

Самые знаменитые ансамбли народного танца в России:

• Государственный Академический русский народный хор имени Митрофана Ефимовича Пятницкого. Основатель и руководитель танцевальной группы народная артистка СССР Татьяна Устинова.

• Краснознаменный ансамбль песни и пляски Советской Армии имени Александра Владимировича Александрова

• Государственный Академический Ансамбль народного танца СССР, основатель Игорь Александрович Моисеев

• Государственный Академический хореографический ансамбль «Березка», руководитель Надежда Сергеевна Надеждина (последователь Мира Кольцова)

• Государственный Уральский русский народный хор имени Ольги Николаевны Князевой (основатель танцевальной группы)

Государственный Воронежский русский народный хор (основатель народный артист РСФСР Я. А. Коломенский).

Лекция № 4 Балетмейстеру на заметку.

(Из книги «Классики хореографии»)

Карло Блазис.

Темы, пригодные для балета и метод составления балетов.

Найти подходящую тему для пантомимы и балета – задача нелёгкая, требующая осмотрительности; сюжет необходимо подкрепить интересными эпизодами; развитие действия должно быть живым и надлежаще оправданным.

Если автор не умел выбрать подходящей темы, которая дала бы ему возможность показать свой талант и блеснуть им и которая увлекла бы и вдохновила его, - он не может рассчитывать на успех. Случается, что тема, казалось бы посредственная, не содержащая необходимых для балета элементов, прекрасно поддаётся обработке. Но это удаётся только в том случае, если тема значительна в корне, если она зажигает и вдохновляет фантазию автора.

Показатель таланта, говорит Леонардо да Винчи, - умение многое сделать с малыми средствами, и явный признак посредственности – при больших средствах сделать мало. Нередко одно какое-нибудь слово, чёрточка, обломок скульптуры, поражая воображение художника, становятся основой для шедевра.

Тема общего характера и всем известная всегда весьма пригодна для балета. Если подобной темы нет, необходимо по меньшей мере, чтобы события были представлены наиболее естественным образом: «Естественное – всегда безошибочно» (Данте).

Можно связать правду с вымыслом, но это должно быть сделано искусно и разумно, и пьеса будет приятна и нравоучительна.

Не следует допускать, чтобы действие было сложным и запутанным, лучше давать поменьше эпизодов.

Каких гениальных произведений лишились бы мы, если бы не было соревнования.

Подобные соревнования весьма полезны для молодых авторов, так как результатом их являются сопоставления их произведений, скорее замечаются и исправляются ошибки, и таким путём накопляется опыт, без которого нельзя достигнуть истинного совершенства.

Выбирая тему, необходимо согласовать её с собственными возможностями и никогда не предпринимать свыше своих сил.

Драматическое действие и страсти.

Талант должен подчиняться правилам, а природа должна быть управляема искусством.

Поэт-философ Вольтер умел лучше всех своих соперников одновременно поучать, занимать и интересовать свою аудиторию. Каков бы ни был век или народ, дающий ему тему, у него всегда в виду моральная цель; поучать занимая – основная аксиома драматического писателя.

Заметим вместе с мудрецами: красота в скульптуре, живописи, поэзии и танце – это не геометрическая красота пропорций, но живое и воодушевлённое её выражение. Основное действие и весь ход театрального представления захватывают внимание только в том случае, если оны даны интересно; тогда они беспокоят и волнуют наши чувства, и мы принимаем участие в судьбе действующих лиц. Главная заслуга автора заключается в уменьи завладеть умом и чувствами зрителя.

Нашими образцами и вожатыми должны быть подлинные и душевные движения.

Подражание.

Если искусство подражает природе, то подражание это должно быть не рабским, а разумным. Каждая подробность должна быть сохранена, но ей надо дать присущее ей развитие. Это не точное педантическое воспроизведение действительности, но допустимое разумом. Художник собирает красоту нескольких персонажей, создаёт в своём воображении портрет, объединяя разлитую в них красоту, - и этот то вымышленный портрет является тем прекрасным идеалом, той красотой, какие действительность показывает нам только в рассеянном виде.

Порядок.

Недостаточно дать уму множество представлений, говорит Монтескье, их надо дать в порядке. Таким только образом можно запомнить, что произошло, и предположить, что произойдёт. Нашему уму нравится подобная растяжимость проницательности. Но, воспринимая произведение, в котором нет порядка, уму приходится постоянно отвлекаться вследствие старания привести неясное в ясность. Намерения автора спутываются с нашими предложениями, ум не усваивает и не угадывает ничего и приходит в смятение от той нелепости, в какую отливаются его мысли. Утомлённый борьбой, он становится неспособен воспринимать удовольствие. Таким образом, несмотря на то, что у автора не было нарочитого желания создать путаницу, - порядок, который хочет восстановить зритель, производит в пьесе только окончательный беспорядок.

Разнообразие, контрасты,

Чтобы произведение могло заинтересовать и понравится, в него надо внести разнообразие. Природа – наш образец – никогда не остаётся неизменной.

Избегайте однообразия – оно создаёт монотонность, а монотонность порождает скуку.

Контрасты неизбежны в жизни, и их надо воспроизвести в театре. Необходимые в драме, они безошибочно произведут эффект. Они придают жизненность и выразительность балету.

Персонажи и монологи.

Избегайте большого числа персонажей. Это создаёт путаницу и вредит эффекту пьесы. Никогда не вводите бесполезных персонажей, ограничивайтесь теми, которые необходимы, чтобы объяснить фабулу.

Давайте вашим действующим лицам отдых, как бы оставляя их в тени после взрывов их действий. Если зритель видит и слышит непрерывно одно и то же – это его подконец утомляет.

Надо разнообразить чувства, пусть они сталкиваются.

Главный персонаж должен появляться на сцене чаще, чем второстепенные, а эти последние должны ему всецело подчиняться. Вообще же их назначение – быть возбудителями и раздражителями страстей и создавать положения, усугубляющие интерес, который должен вызываться каждой отдельной частью пьесы; однако главный интерес должен быть связан скорее с основным сюжетом, нежели с эпизодом.

Никогда не удаляйте надолго главное действующее лицо, чтобы о нём не забыли: интерес, им вызываемый, не должен падать. Второстепенные персонажи вносят разнообразие в сцены, порождая в тоже время желание увидеть вновь героя.

Судьба героя должна быть для всех предметом надежд и опасений, его появление должно всегда ожидаться с нетерпением. Каждый его выход – новый повод для нарастания интереса и усиления динамики действия.

М о н о л о г. Этим термином означают размышления и рассуждения, которым человек предаётся сам с собой. Монолог – род диалога, в котором персонаж одновременно выполняет и свою роль и роль своего собеседника. Монолог нередко имеет место в действительной жизни, и это даёт нам право внести его в пьесу.

В жизни бывают любопытные положения, когда человек, не имея кому довериться, неизбежно начинает разговаривать сам с собой. Ввести монолог в балет трудно, но если автор отваживается на это, тема монолога должна быть доступна для понимания и содержать только те мысли, которые жест в состоянии передать. Действие, к которому прибегают при этом, должно быть простым и взвешенным, чтобы выразить мысль ясно, просто и точно.

Монологи, не предполагающие собеседника, легче для исполнения, нежели такие, которые подразумевают второе лицо.

Для монолога всегда требуется веский повод, и автор должен прибегать к нему только в надлежащих случаях и осмотрительно.

Монолог должен естественно вытекать из сюжета. Человек в одиночестве охотно предаётся размышлениям: мысли, его занимающие, проявляются от времени до времени восклицаниями, сопровождаемыми соответствующими жестами; но всё это происходит негромко, и, главное, отрывисто.

Правдивые монологи часто производят большой эффект, особенно выполняемые талантливыми актёрами, которые украшают их всей прелестью своего искусства.

Необходимо всегда следить за тем, чтобы появление действующего лица в пьесе и на сцене было оправданным, так как нет ничего более бессмысленного и более плачевного, как выход на сцену персонажа и исчезновение его без всякого повода, единственно потому, что так вздумалось автору.

Мораль пьесы.

Драма всегда должна иметь в виду две главные цели: нравиться и поучать. Достигнуть этой двойной цели могут только произведения, не отклоняющиеся от благопристойности и направленные к тому, чтобы не развращать, а наставлять.

Драматическое произведение не может быть совершенным, если оно не содержит морали…

Соотношение музыки и танца.

Музыка – существеннейшая часть балета. Благодаря её могуществу правдивость, сила и прелесть пантомимы достигают всей своей полноты; их восхитительное сочетание создаёт захватывающий эффект.

Музыка должна описывать действующих лиц и их страсти, уточняя и завершая их портреты. Смысл мелодии в музыке всегда должен изменяться в соответствии с сюжетом балета.

Необходимо, чтобы совершенная аналогия была между тем, что поражает зрение и слух.

Балетмейстер.

Балетмейстер должен соединять совершенное знание искусства танца и пантомимы с основательными познаниями в музыке и рисовании.

Изучение литературы и великих мастеров также для него весьма полезно.

Балетмейстер должен иметь некоторое представление о механике и геометрии, что даст ему возможность точно и правильно построить рисунок и движение танца. Некоторое знакомство с математикой всегда вносит ясность и точность во все наши произведения. Но знание, самое необходимое для автора театральных пьес, которое требует от него особенного внимания и от которого зависит весь эффект его работы – это знание действительной жизни и человеческого сердца; без этого нельзя приступить ни к какой работе. Наконец, образцовый балетмейстер – одновременно и автор и машинист; с почти универсальным опытом он должен соединять богатую и разнообразную фантазию.

Пусть вас не удивляет, что мы требуем столь многого от автора; тот, кто овладел всеми этими познаниями – потратил время не даром, это не пустая расточительность, и природа всегда помогает тем, кого она предназначила для славы.

Балетмейстеров много, но талантливые среди них редки.

Балет должен быть живой картиной, колорит его – разнообразным, рисунок – правильным; тени должны быть прозрачными, а группы и мизансцены – изящными и точно нарисованными. Грация – его преобладающий элемент.

Балетмейстер должен умело приспособлять для сцены сюжет, каков бы он ни был, и обрабатывать его согласно своим намерениям.

Заключение.

Работайте в соответствии с вашим талантом и склонностями; если ваш ум тяготеет к возвышенному и серьёзному, вам будет легко следовать правилам, которых они требуют; если вы станете насиловать своё дарование, вам никогда не увидеть успеха.

Не предпринимайте ничего, не взвесив своих сил. И если вы обнаружите в себе необычайные возможности – выполняйте без колебаний свои намерения; пусть осмотрительность и здравый смысл сопутствуют вашему творчеству, и несомненно, успех увенчает ваши труды.

Чтобы добиться славы, необходимо обладать известной чувствительностью души, которую всё окружающее волнует, захватывает, трогает, интересует и которая живо откликается на малейшую эмоцию.

Пусть ваше прилежание будет стойким; обдумывайте свои произведения, исследуйте их; эти размышления и исследования способствуют совершенствованию. Сравнивайте собственные работы с работами тех авторов, которые известны вам, как действительно превосходные: ничто так не полезно, как подобные сопоставления. Собственная критическая оценка,… должна сопровождать все ваши начинания, если вы желаете сделать образцовым своё подражание действительности. Ограничивайте буйство вашего воображения… художественными принципами; пусть его устремление не переходит границ здравого разума и художественного вкуса, с которыми надлежит всегда считаться.

Никогда не забывайте, что здоровая критика всегда тут, готовая судить вашу работу. Д Аламбер говорит: «Разум – строгий судья, с ним надо считаться».

Ничто не должно выходить из ваших рук скороспелым, и хотя произведение и можно сделать ещё лучше, вернувшись к нему спустя некоторое время, было бы ошибочно без конца подправлять его, так как таким образом нередко можно испортить его эффект.

Не ищите общества так называемых критиков, которые постоянно льстят вам, ищите критики разумных людей, которые высказываются искренно. Их здоровая оценка весьма полезна, а замечания придадут таланту уверенность и мужество, чтобы достигнуть настоящего мастерства…. Судить беспристрастно о своих произведениях - вещь нелёгкая: самолюбие и известная склонность переоценивать одну часть своего произведения и недооценивать другую – препятствуют нам в деле выработки собственного мнения. Поэтому будем внимательны к замечаниям других, обращая их себе на пользу.

Стремитесь достигнуть чести быть среди тех, кого гений сделал славным оригиналом. Постарайтесь заслужить одобрение талантливых критиков, но презирайте зависть, низость и коварство.

Жан Жорж Новерр

Работа балетмейстера.

Балетмейстер, желающий подняться выше среднего уровня, должен изучать творчество живописцев, следовать им в их разнообразных приёмах композиции и мастерства. Задачи их искусства одни и те же, как в отношении сходства, сочетания красок, светотеней, группировки фигур, их расстановки в изящных позах, так и придании им своеобразия, огня и выразительности.

Изучение анатомии внесёт большую ясность в наставления, которые балетмейстер даёт своим ученикам. Он легко распознает и разъяснит им те пороки телосложения и укоренившиеся недостатки, которые так часто мешают успехам учеников. Зная причину зла – можно легко устранить её.

Большая трудность…заключается в том, чтобы украшать природу, не искажая её, уметь сохранить свойственные ей черты…Уловить мгновение – вот величайшая тайна живописца!

Среди богатств природы танец найдёт разум, вкус и грацию, закон прекрасных пропорций, силу экспрессии. Среди них найдёт он также искусство размещать и распределять персонажи, управлять их жестами и позами в зависимости от силы испытываемых ими чувств и волнующих их страстей.

Балетмейстер должен знать танец, иметь за собой долголетний опыт танцовщика, быть знакомым с бесчисленными способами сочетания темпов. Если балетмейстер не знает танца или знает его не в совершенстве – как может он творить?... Если у него нет никаких знаний в области планировки и рисунка, необходимых при составлении бесконечно меняющихся в балете фигур, как сможет он без затруднения и замешательства, с нужной быстротой видоизменять уже составленный рисунок и создавать новый? Если он не знаком с нужными сочетаниями, постановка его будет растянута, скучна, непонятна и явит утомлённому взору зрителя лишь бесформенное скопище танцовщиков, собранных на сцене рутиной и невежеством.

Оказывается не достаточно и того, что балетмейстер знает в совершенстве танец. Надо, чтобы он обладал талантом сочетать движения ног с движениями рук. Вкус и изящество устанавливают их закругленность, направляют и определяют постановку корпуса в соотношении с постановкой головы. Именно в этих контрастах положений и противоположений заключается прелесть танца. Они накладывают печать совершенства на техническое исполнение.

Учитель танца, подобно живописцу, обучив своего ученика па, умению комбинировать их одно с другим, расположению рук, посадке корпуса и положениям головы, должен ещё показать, как придать им с помощью лица экспрессию и выразительность. Недостаточно заставить ученика рисовать эти страсти во всей их силе, необходимо ещё преподать ему последовательность их движений, их ослабление и переходы. Такие уроки заставят говорить танец и принудят танцовщика рассуждать; это научит живописать, учась танцовать…

…симметрия должна быть всегда изгнана из действенного танца. Искусство состоит в умении сделать мастерство скрытым. Я вовсе не проповедую хаоса и бестолковщины, напротив, я хочу закономерности в самой неправильности, изобретательности в постановке групп, ситуаций сильных, но всегда естественных – такой постановки, которая скрывала бы от глаз зрителя весь труд постановщика.

У бездарных балетмейстеров можно найти много нелепого, а главное бессвязный замысел. Но из глубин даже самого убогого произведения он может извлечь драгоценные камни. Их нужно обтесать, очистить, отшлифовать и тогда, при соответствующем освещении и повороте, они обретут тот блеск, которого им не хватало.

Научитесь искусству правильного выбора. Не приступайте к выполнению обширного замысла, не продумав основательно план его. Набрасывайте ваши мысли на бумаге…

Тщательно избегайте длиннот: замедляя ход действия они расхолаживают зрителя. Проникнитесь вашим сюжетом. Если предмет, который вы хотите обрисовать, сильно поразил ваше воображение – оно само укажет вам нужные краски, жесты и па. В ваших картинах будет вдохновение и целеустремлённость, и они преисполнятся правды лишь в том случае, если вы сами взволнованы вашими образами, полны ими. Театральное произведение лишь тогда достигает успеха, если у автора трепещет сердце, взволнована душа и пылает воображение.

А если вы холодны, если кровь спокойно течёт в ваших жилах, если сердце ваше подобно льду – откажитесь тогда от театра, оставьте искусство, для которого вы не созданы. Примитесь за такое ремесло, где не нужны волнения души, где не место дарованию, где нужны лишь ваши руки и ноги.

ЛЕКЦИЯ № 5

МУЗЫКА В ХОРЕОГРАФИЧЕСКОМ ПРОИЗВЕДЕНИИ.

Музыка возникла на низших ступенях общественного развития и выполняла утилитарную роль. Напев, повторяя ритм рабочих движений обличал их. Затем музыка была неразрывно связана с литературой: поэтическое произведение интонировалось мелодией или напевалось. Первым музыкальным инструментом был голос. Музыка являлась не столько отображением предметного мира, сколько изображением человеческих чувств.

Всегда музыка находилась в синтезе с танцем. Хореография – эхо музыки. Основоположник балетного театра Жан Жорж Новерр писал: «Вложенная в нас природой любовь к музыке влечёт за собой и любовь к танцу. Оба эти искусства – братья, неотделимые друг от друга. Нежные и гармоничные интонации одного из них вызывают приятные выразительные движения другого. Сообща они являют увлекательные картины зрению и слуху».

Балетмейстер может начать свою постановку с двух позиций:

1. от музыки

2. от замысла

От музыки.

Балетмейстер останавливается на определённой интересной музыке, воображение и фантазия подсказывают ему образное хореографическое решение. Но в начале балетмейстер должен изучить данную музыку: историю её написания, есть ли в музыке сюжетная линия, определённые музыкальные образы, характер, стиль, жанр, ритм, размер, степень хореографичности. «Нужно танцевать музыку, а не под музыку». Написанная музыка – это готовое произведение, которое имеет своё содержание и драматургию, поэтому не следует ломать её структуру и резать так, как хочется балетмейстеру.

При работе с готовым музыкальным произведением балетмейстер должен разделить это произведение на части для постановки. Далее необходимо определить по музыке драматургию будущего хореографического произведения. Ставить рекомендуется по порядку от экспозиции до развязки. Зачастую музыка помогает определиться балетмейстеру, как будет заканчиваться номер. Если музыка заканчивается резкой финальной точкой, то следовательно и танец завершится кульминацией и она же будет являться финалом танца (то есть развязка такого номера будет резкой, мгновенной или будет совпадать с кульминацией). Если музыка заканчивается постепенно утихая, то и в постановке следовательно будет постепенная развязка с финальной точкой на сцене либо уходом за кулисы.

Иногда балетмейстер использует такой приём как «бесовка» - это повторное исполнение финальной части танца с возможным варьированием или исполнение трюков с последующим переходом в повтор финальной части. Бесовка исполняется при первом варианте завершения музыкального произведения.

От сюжета.

Если у балетмейстера возник замысел постановки конкретного сюжетного или бессюжетного номера его задача усложняется. Подобрать музыку под определённую тему, идею и сюжетную линию очень проблематично. В таком случае, как правило, балетмейстеру всё равно придётся переделывать ход событий танца, корректировать образы и взаимоотношения исполнителей, для того чтобы добиться единства музыкального и хореографического произведений.

Музыкальные формы.

Также как и в хореографии в музыке существует множество форм. Вот некоторые из них:

Сюита – музыкальное произведение, состоящее из нескольких самостоятельных законченных частей, объединённых одной темой. Например Мусоргский «» Картинки с выставки».

Рондо (круг) – музыкальное произведение, носящее оживлённый характер. Первая часть повторяется как мотив.

Рапсодия – пьеса на темы народных песен и танцев. Обычно пишется в свободной форме.

Соната – музыкальное произведение для одного или двух инструментов. Состоит из 3-4 частей.

Симфония (созвучие) – музыкальное произведение для оркестра. Исполняется в сонатно-цикличной форме.

Симфоническая картина – музыкальное произведение для оркестра. Здесь исполняются программно-избранные самостоятельные музыкальные произведения, объединённые единой темой. Например: Римский-Корсаков «Садко».