Дмитрий Каварга. Модель биполярной активности.
Инсталляции и объекты Дмитрия Каварги вдохновлены не только передовыми научными теориями, но и феноменологией тех представлений о реальности, которые наука дает человеку. Его абстрактные "биоморфные" произведения являются попыткой представить непредставимое - работу человеческого мозга, мыслительный процесс как таковой и его формы - посредством образов. В науке эта "тонкая" реальность дана в цифрах, графиках и диаграммах. Художник использует термопластичные полимеры для того, чтобы создать пространственные образы или метафоры этих явлений.
Инсталляция, представленная в экспозиции, носит название «Модель биполярной активности». В качестве скульптуры она является визуализацией межполушарной ассиметрии - понятия, означающего функциональную специализированность полушарий человеческого головного мозга. Функции левого полушария связаны с абстрактно-логическим, а правого - с пространственно-образным мышлением. Отсюда и пластическое решение инсталляции: ее левая часть конструктивна и геометрична, а правая - хаотична и экспрессивна. В центре же находится "точка включения" в инсталляцию зрителя, задействующего иное, высокотехнологичное измерение работы художника при непосредственном контакте. Зрителю предлагается проверить активность собственных психофизических процессов и попробовать управлять ею в реальном времени. В скульптурный объект вмонтированы прибор биологической обратной связи, компьютер и аудиосистема, превращающие его в интерактивную инсталляцию, в которой эстетический и научный компоненты оказываются неразрывно связаны.
Таким образом, работа Дмитрия Каварги дает нам возможность лучше узнать самих себя путем эксперимента и одновременно сообщает о том, что экспозиция музея современного искусства - идеальное пространство для самопознания и приобретения внутреннего опыта.
Переход на 2-й этаж. На лестнице обратить внимание на инсталляцию Пушницкого «Обиженные гении уходят из искусства».
2-й ЭТАЖ. АВАНЗАЛ.
Естественность живописи
После сайнс-арта, радикально изменившего привычный нам образ искусства, мы переходим на экспозицию 2-го этажа, посвященную наиболее традиционному виду изобразительного искусства – живописи. Возраст живописи как вида искусства поражает воображение: некоторым наскальным рисункам уже исполнилось 40 тысяч лет. Между тем, то, что мы привыкли называть «картиной» (то есть произведение станковой живописи) существует всего несколько столетий.
Для искусства второй половины 20 – начала 21 веков характерны дискуссии на тему актуальности живописи, о ее адекватности темам и эстетике современного авангарда. Многие арт-критики и художники (в качестве примера можно привести американских концептуалистов и минималистов – Джозефа Кошута, Сола ле Витта, Дональда Джадда) провозглашали смерть живописи еще в 1960-х годах.
Однако, вопреки всем подобным заявлениям живопись не умирает и продолжает развиваться по своим собственным, внутренним законам в веке двадцать первом. Сегодня, наряду с высокотехнологичным искусством, пробующим все новые техники, живопись остается не только «тихой гаванью» для художников-традиционалистов и преданных любителей, но и средством актуального художественного высказывания, рефлексии и даже провокации. Этому феномену живучести можно найти несколько объяснений, некоторые из которых связаны с особенностями нашей эпохи, например, с постоянным вопрошанием о возможных связях современности с традицией. Есть, однако, и мнение, согласно которому популярность живописи носит вневременной характер и связана с самой природой человеческого восприятия. Эту точку зрения недавно озвучил знаменитый немецкий художник Герхард Рихтер, сравнивший естественность живописного выражения для человека с естественностью пения или танца. Поскольку Рихтер известен как живописец, создающий как совершенно абстрактные, так и строго фигуративные полотна, можно догадаться, что живопись он понимает емко, – как способность человека передавать впечатления, эмоции и идеи посредством линии и цвета. Любая живописная культура – реалистическая, примитивистская, символистическая, и так далее, – непременно базируется на этих «первоэлементах» и использует их возможности для воплощения своего содержания.
Проходим в зал Елены Фигуриной. На примере творчества Елены Фигуриной и Геннадия Зубкова обсуждаем тему «естественности современной живописи», освободившейся от подражательности и сюжетности, вернувшейся к своим праосновам и использующей первоэлементы живописи цвет и форму в качестве основных выразительных средств, а также о генетической связи современной живопсиси с детским рисунком (Фигурина).