Танцующие звезды

Звезды… Эти сверкающие огни в небе (плевочки или жемчужины, в зависимости от настроя наблюдающего) всегда были предметом созерцания для философов и поэтов. Картина Евгения Барского разворачивает перед нами это бесконечное пространство холода и света.

В экзистенциальном понимании каждый человек уникален, потому что уникально его существование. В каждом есть бесконечные вселенные, бездна, которая полна звезд, умирающих вместе с нами так же, как тысячи сверхновых появляются с рождением новой личности. Ницшеанский Заратустра говорил: «Нужно носить в себе еще хаос, чтобы быть в состоянии родить танцующую звезду».

<…>

Переживание человеком своего существования – проблема по-настоящему космического масштаба. В процессе этого переживания обнажается сама ткань бытия, скрытая обычно в слепом пятне за делами и словами. В центре повседневных манипуляций и телодвижений открывается проем. Не замечать бытия — это как не видеть за деревьями леса, а замечать его — словно суметь, наконец, верно приладить глаза к стереокартинке, сделав плоское изображение трехмерным. Ощутить ткань саму реальности и понять, что она всегда была здесь — это словно увидеть огромный космос. Бездна, которая существовала задолго до твоего рождения, равнодушная к тебе, невыразимо огромная. В диалектике времени-пространства вопрос о конечности бытия сопоставим с вопросом о конечности и границах Вселенной.

В завершение скажем еще несколько слов о форме. Часто в христианской иконографии левая часть триптиха изображает райский сад, средняя – земную жизнь, а правая – ад или Страшный суд. Таким образом реализуется линейное движение от сотворения мира и первичной гармонии ко второму пришествию, финальной точке земной истории. Триптих «Звездная материя» — торжество бесконечности, тут нет конца и начала, есть только вечные танцующие звезды.

А. Загрядская

Феликс Волосенков. Явление бога волоса

Петербургский экспрессионист Феликс Волосенков является изобретателем собственной мифологии. По его мысли, новая эпоха должна произвести покровительствующее всему живому божество, близкое могучим представителям языческого пантеона. Художник воскресил древний образ славянского бога Волоса и превратил стародавний символ в концепцию нового искусства. Любой предмет видимого мира он рассматривает как проявление этого божества, а свое творчество — как способ его выразить.

В соответствии с логикой персонального иконостаса Волосенкова полотно «Явление бога Волоса в виде зарождающегося космоса» должно занимать в нем центральное положение. Композиция аналогична типу изображения Спаса в Cилах в христианских иконах. Но в основе сюжета об окруженном евангелистами и небесными чинами Спасителе на престоле лежат тексты видeний пророка Иезекииля о конце времен. Волосенков же создает свое предание на противоположную тему — художник говорит о возникновении Вселенной. В мандорлу — овальное сияние, символизирующее исходящую Божественную энергию, — помещена женская фигура, а евангелистов в углах композиции заменяют абстрактные цветовые пятна и линии, напоминающие увеличенные под микроскопом клетки органической ткани. Сохраняется и иконная символика цвета: как и на древних византийских образах, красный и синий олицетворяют земное и небесное, желтый, равнозначный золотому, напоминает о высших силах.

В то же время бог Волос совершенно очевидно отсылает к фамилии самого художника, и этот «автобиографический» обертон очень важен. В определенном смысле художник помещает в центр Вселенной себя самого, с одной стороны намекая на то, что он как творящая личность есть источник всякой реальности, а с другой стороны показывая, что не только художник, но и каждый из нас может обнаружить этот божественный источник как внутри себя, так и во всех явлениях окружающего мира. Главной задачей художника становится обнаружить для всех этот разлитый во вселенной дух, сделать его зримым, материально воплощенным, явить миру его присутствие средствами искусства.

Феликс Волосенков родился в городе Красноармейске Донецкой области в 1944 году. В юности Феликс мечтал стать художником-монументалистом. Он оканчивает Художественное училище в Баку. Но затем «из-за боязни несвободы» он поступает не в Академию художеств и не в Мухинское училище, а в Ленинградский Государственный институт музыки, театра и кинематографии по специальности художник-постановщик. Впоследствие учеба в театральном институте сильно повлияет на художника: свою творческую историю он будет выстраивать как театральную пьесу с собственными персонажами и интригой. С 1977 года Волосенков работает в театре, где оформляет около пятидесяти проектов, параллельно ведя преподавательскую деятельность в изостудии ДК имени Цурюпы.

С 1984 года Волосенков выставляется вместе с Валерием Луккой и Вячеславом Михайловым, вместе они начинают «ниспровергать каноны живописи». Петербургская околохудожественная общественность нашла работы Волосенкова и Лукки  скандальными, а самих художников крайне радикальными в их стратегиях творчества.  Дружба «трех богатырей», Волосенкова, Лукки и Михайлова, задолго предвосхитила создание Волосенковым Санкт-Петербургской Академии современного искусства бессмертных. Она была основана в 1994 году с целью поддержки и развития новых направлений в современном искусстве.

Переход от Волосенкова к теме большого зала «Каждый человек-художник:

Таким образом, мы вплотную подошли к теме человеческой личности в искусстве. Если верно, что в современном искусстве главное – это поиск истины, то логично предположить, что художником способен стать каждый из нас. Эту идею развивал в 1970-х годах немецкий художник Йозеф Бойс, создавший так называемую «антропологическую концепцию искусства». Согласно Бойсу, каждый человек – потенциальный художник, в том смысле, что все люди в благоприятных условиях способны творить и менять действительность во имя общего блага. Искусство Бойс называл «наукой свободы» и считал его необходимым условием всякой дальнейшей эволюции человечества.

Тезис о том, что каждый человек является художником, с одной стороны, напоминает нам, что мы обладаем свободой разумных и творческих существ, а с другой стороны, учит нас относиться к творчеству других с пониманием и чувством сопричастности.

Обходим разделительную стену в центре зала. Смотрим с удаленной точки на «Ангела» Гутова.

Важная для обсуждения тема в связи с работой Гутова:

Важной задачей искусства во все времена является его значимая роль служить человечеству связующей нитью, позволяющей каждому из нас ощущать себя включенным в контекст общемирового культурного процесса. Каждое новое время предлагает свои актуальные формы, но главной задачей искусства, обращающегося к классическим образцам, остается его уникальная способность, позволяющая человеку осознавать и чувствовать себя частью культурной памяти человечества.

Современный художник обладает свободой пользоваться всем капиталом человеческой культуры, заимствовать старые, освященные традицией образы и при их помощи создавать новые смыслы.

Мы только что видели картину Волосенкова, отсылающую нас к иконографии «Спаса в силах». Посмотрите теперь на работу Гутова, которая казалась нам брутальной и абстрактной. Мы видим изящный абрис архангела Гавриила, позаимствованный с фрески 12 века в храме Святого Георгия в македонском городе Курбиново.

Образ, позаимствованный из византийской иконописи, оказывается в контексте современного искусства. Какой в этом смысл?

Гутов доказывает своей работой, что образ, некогда возникший в рамках одной культуры, может быть использован представителями других культур – и это нормально. Культура, искусство – это всеобщее достояние, и оно побеждает и время, и расстояния, а также любые догмы. Более того, в одном произведении искусства могут заключаться разные, даже противоречивые образы.

Подойдите к «Ангелу» поближе – увидите абстрактно-экспрессивный объект, отойдите на расстояние – увидите ангела. Все зависит от точки нашего зрения.

Переходим к экспозиции Татьянина

Юрий Татьянин. Гений Земли Липецкой.

Юрий Татьянин – живое подтверждение тезису о том, что «каждый человек – художник». Недаром Йозеф Бойс – один из его любимых персонажей в истории искусства и герой многих его работ. Татьянин – яркий и самобытный художник-самоучка, никогда, впрочем, и не стремившийся к обучению в академической художественной школе. Татьянин пользуется языком примитивной живописи, а вот содержание его работ – весьма интеллектуально. Татьянин – интеллектуал, знаток авангардного искусства 20 века, и наиболее яркие его работы посвящены самому современному искусству и его роли в жизни человека.

Автопортрет с Малевичем и Ван Гогом.

Возьмем его работу «Автопортрет с Малевичем и Ван Гогом». Татьянин без ложной скромности определяет свое собственное место в истории искусства – где-то между Ван Гогом и Малевичем.

Самопровозглашенный гений земли липецкой на наших глазах творит миф о себе как о великом художнике, одновременно превращая настоящих героев эпохи модернизма и постмодернизма в сказочных, лубочных персонажей.

Очень важно, что картина выполнена маслом на ковре – традиционном украшении советского домашнего интерьера, признаке семейного благополучия и достатка. Тем самым художник дает понять – современное искусство должно присутствовать в каждом доме, быть частью нашей повседневной жизни.

Для художественного выражения своих идей Татьянин выбирает форму лубка и язык наива, понятный, по его мнению, простому человеку, снабжает свои работы пояснительными надписями, не оставляя за собой широкого поля интерпретаций. На коврах, кухонных клеенках, деревяшках и холстах он пишет то, что считает нужным, отстаивая свою правду.

Правда Татьянина состоит в позиции художника-гражданина, неравнодушного ко всему происходящему в мире, Татьянин считает, что художник должен быть близким и понятным народу. Подобно Бойсу, пытавшегося оживить мертвого зайца в своем знаменитом перформансе 1965 года, липецкий гений пытается объяснить русскому народу смысл современного искусства и искренне огорчается, когда встречает в его рядах непонимание.

Сам Татьянин отождествляет себя со своими картинами («любая моя картина – это я»), легко и непринужденно играет в классики с историей искусства, вписывая свою собственную фигуру, автопортрет, биографию в один ряд с ее великими представителями.

Юрий Татьянин живет в Липецке, где и родился в 1963 году. В детстве его не интересовало рисование, Юрий в огромном количестве читал книжки и хотел стать писателем. Но обстоятельства сложились иначе и, по окончанию восьмого класса, он пошел учиться в машиностроительный техникум. Юрий искал для себя творческое занятие и после техникума стал работать не на заводе, а в театре машинистом сцены. Страсть к книгам не проходила, и в начале девяностых Юрий занялся книжным бизнесом. Он продавал в Липецке разного рода интеллектуальную литературу и альбомы по искусству. Тогда же он познакомился с местными художниками и даже начал коллекционировать их работы. Со временем Юрий понял, что посредством живописи сможет воплотить идеи, которые накопились за долгие годы чтения и просмотра альбомов по искусству. В какой-то момент, глубоко осознав, что и это занятие не приносит удовлетворение, окончательно делает выбор в пользу творчества. С тех пор чувствует себя счастливым, хотя и рассматривает искусство как крест, а работу художника - тяжелой рутинной работой, вне зависимости от погоды и прочих трудностей. На своих первых полотнах ТЮН изображал традиционных героев русского наива: русалок, красавиц. Помимо которых, в свойственной ТЮНу манере он описывал житие и творчество героев современного искусства: Йозефа Бойса и Малевича, Ван-Гога и Гогена. Известных художников сменили Собака Ё, упыри, различные доморощенные звезды и милиционеры. Более всего творчеству художника свойственна ирония, которая подвергает сомнению все современные общественные установки и художественные конвенции.

Разговор о Татьянине должен быть зациклен на темах «каждый человек – художник» и «искусство – в жизнь каждого». Поэтому от него логично переходим к спецпроектам на первом этаже.

Авторские проекты Эрарты

Эрарта ценит и любит зрителя в отличие от тех музеев, в которых искусство просто хранится или выставляется. Основной задачей Эрарты является донести искусство до зрителя, и, более того, интегрировать зрителя в произведение искусства.

В музее Эрарта создаются и внедряются в жизнь специальные проекты, помогающие зрителю получить нестандартный опыт включенности в экспозицию музея, почувствовать свою причастность к творческому процессу.

Изолитература – опыт создания всеобщего произведения искусства

Изолитература как жанр претендует на то, чтобы стать новой попыткой создания всеобщего произведения искусства. Эссе, сопровождающие отдельные экспонаты коллекции Эрарты, являются не просто комментариями или интерпретациями картин - самые удачные примеры изолитературы словно вплетаются в ткань уже существующего художественного творения, расширяя и раскрывая его внутренние смыслы, часто более глубокие, чем первоначальный замысел автора. Это не критический или искусствоведческий, а, скорее, мифотворческий проект. Эрарта предлагает зрителю-читателю-художнику (ведь зритель тоже художник!) взглянуть на представленные в Музее работы сквозь призму самого себя и тем самым создать свое собственное произведение искусства. Такое сотворчество, совместные размышления, диалог дают возможность каждому внести свою лепту в великую игру, однажды начатую и вечно продолжающуюся - до тех пор, пока у творца существует зритель.

На первом этаже Вы также можете увидеть другие специальные проекты Эрарты, направленные на интеграцию зрителя в произведение искусства. Например, видео-инсталляция «Ты – картина», дающая зрителю возможность ощутить себя самого в качестве произведения современного искусства путем полного отождествления с ним. Экспериментальная идея этой видеоработы заключается в открытой демонстрации того факта, что каждый из нас в любой момент может оказаться на месте и в роли человека с экрана, совершив акт полного слияния и неразделенности с образом картины.

Аудио-инсталляция «Звучащие картины» дополняет и расширяет наш визуальный опыт, получаемый при созерцании живописи, аудиорядом к десяти картинам из коллекции Эрарты, соответствующим восприятию профессиональных музыкантов.

Здесь нужно предоставить возможность зрителю получить индивидуальный опыт включенности в визуальное поле живописи посредством звука, предложив зайти в экспозицию «Озвученные картины» и дать возможность определить, какая картина звучит на данный момент.

Последняя тема, которая должна прозвучать не первом этаже – новаторский характер современного искусства и предвосхищение им «искусства будущего». Начинать можно у «Менин» Рудьева.

Переход к теме о роли художника в мире современных технологий: Поиск адекватного образа будущего мира и человеческого общества – одна из характерных черт авангардного искусства с самых первых периодов его существования (достаточно вспомнить футуристов). Иногда современные художники используют для этого передовые технологии, иногда – показывают нам картину будущего при помощи традиционных техник.

А. Рудьев. Менины. Отражение.

Андрей Рудьев – автор этого овального полотна. Но, приглядевшись, мы увидим, что картина Рудьева в сильно искаженных формах воспроизводит знаменитое полотно Диего Веласкеса «Менины». И, тем не менее, картина посвящена современным возможностям, что-то говорящим нам об облике будущего. Каким образом?

Искажения оригинальной композиции Веласкеса в исполнении Рудьева не являются ни произвольными, ни субъективными. Они есть результат точной математической работы компьютера – если вы откроете цифровое изображение «Менин» в графическом редакторе и примените к нему фильтр «Полярные координаты», то получите именно такое изображение. Суть этого фильтра заключается в том, что он конвертирует координаты каждой из цветовых точек (из которых состоит любое цифровое изображение) из прямоугольной системы координат в полярную систему. Таким образом, искажение подчинено строгой логике и вообще не имеет отношения к индивидуальному восприятию картины.

Однако, сравнивая полученный результат и исходную работу, можно сделать неожиданынй вывод о вечности, непреходящести и силе искусства как некой вневременной сущности, стоящей за материально созданным произведением, и не теряющейся в результате смены времен, форм, эстетических ориентиров эпох. Работа Рудьева словно является свидетельством бессмертия искусства, имеющего внутреннюю гармонию и не теряющую красоты и силы воздействия на зрителя через столетия с момента создания. С точки зрения возможности искусства нести миру свет и гармонию нет разницы между искусством прошлого и современным искусством. Суть искусства неизменна, меняются только отношения между миром и воспринимающим его человеком.

Переход в зал «Искусство +»

1-й этаж. Зал с окнами

Название экспозиции: ИСКУССТВО +

Что надо знать о science art

Science art – направление в современном искусстве, преодолевающее привычное для нас разделение искусства и науки, их противопоставление как чуждых друг другу областей человеческой деятельности. Существует несколько вариантов перевода этого термина на русский язык: «научное искусство», «исследовательское искусство», «искусство высоких технологий»… Интерес художников к передовым научным теориям и практикам, равно как и их сотрудничество с крупными научными институтами и создание совместных проектов – уже не первое десятилетие является устойчивым трендом во многих странах. Часто бывает так, что результаты совместной работы художников и ученых с трудом опознаются как произведения искусства в традиционном понимании этого слова. Однако, несмотря на внешнюю непривычность, произведения «исследовательского искусства» всегда имеют в основании гуманитарную проблематику – философскую, социальную, этическую. Их авторы по-прежнему задаются вопросами о смысле жизни, о будущем человечества, о ценностях и морали, о возможностях нашего познания…

Союз искусства с наукой – свидетельство необходимости новых синергетических форм в культуре. Уже в середине 20 века Мартин Хайдеггер определил науку как «способ, притом решающий, каким для нас предстает все, что есть». Это значит, что не только условия физического существования человека все больше и больше определяются достижениями науки и их прикладным применением. Человек видит мир и самого себя сквозь призму научного истолкования, и такое положение дел, конечно, не может не сказываться на искусстве. «Исследовательское искусство» предполагает не только новые эстетику и инструментарий художника: оно предполагает его активную позицию в отношении научных воззрений и основанных на этих воззрениях практик. В science art находит свое продолжение критическая традиция авангарда, чьи сомнение и ирония направлены теперь на науку и научное мировоззрение. С другой стороны, множество проектов инспирированы именно красотой мира и возможностями его эстетического познания при помощи научных достижений. Есть также основания говорить о новом позитивизме в рамках «исследовательского искусства»: многие проекты сайнс-артистов имеют весьма конкретное практическое применение. Несомненен и ценен тот факт,что объекты сайнс-арта предоставляют уникальную возможность каждому человеку получить в руки доступный инструмент познания себя через самостоятельное исследование своих жизненноважных внутренних структур. Не случайно, что предметом исследования большинства работ сайнс-артистов является области сознания и подсознания, структуры человеческого мозга, ритмы внутренних органов.

Science art заставляет нас задуматься как о себе самих, так и над нашим пониманием искусства и его границ. Возможно сегодня перед нами – эскизы к большой картине искусства будущего. В любом случае, осмысление и классификация этого искусства еще впереди, и задача музея – инициировать эти процессы в обществе.

Эрарта-первый музей в России, приобретший в коллекцию объект сайнс-арт с возможностью его постоянного экспонирования. Каждый посетитель Эрарты может стать участникам эксперимента познания себя в музейном пространстве.