Тема: Панорама стилей и направлений музыкального искусства I п. XX века

План:

1. Импрессионизм в искусстве. Дебюсси, Равеля.

2. Экспрессионизм. Ноновенская школа.

3. Неоклассицизм. П. Хиндемит, К. Орф.

4. Французская «Шестёрка»

5. «Молодая Франция»

Зарубежная музыкальная культура XX века представляет собой сложный процесс, который привел, с одной стороны, - к созданию непреходящих ценностей, отразивших становление и развитие новой культуры века. С другой стороны – выявил некоторые тенденции отхода от связей с прежними культурными традициями и привел к формированию массовой культуры. Заметное влияние на эволюцию музыкального искусства оказывало интенсивное развитие эстетической мысли.

В концепции немецкого философа Артура Шопенгауэра (II п. XIX в.) окружающий мир рассматривается как порождение всевластной «мировой воли», против которой бессильна жалкая «воля к жизни» отдельного индивидуума. Отсюда тяготение ряда художников к поэтизации страдания, к созданию замкнутого в себе эстетического мира, далекого от объективной действительности. Шопенгауэр подчеркивал особое значение музыки, которая более независима от влияний внешней среды, чем другие виды искусства (пессимистические тенденции в искусстве).

Несколько позже влияние приобрели идеи другого немецкого философа - Фридриха Ницше (II п. XIX в.). Он проповедовал «волю к власти», которой должны быть наделены избранные люди, возвышающиеся над толпой. Героем учения является – сверхчеловек, лишенный чувств обыкновенных людей (оптимист).

Культ интуиции, внутреннего созерцания, возвышающегося над объективным, научным познанием характерен для философской концепции немецкого эстетика Эдмунда Гуссерля и т.д.

Философские воззрения способствовали возникновению на рубеже веков различных художественных течений, причисляемых к модернизму ( новый, современный).

Порой новые направления в искусстве конца XIX в. – начала XX века называли декадентством (от франц. «упадок», т.е. выражали негативное отношение).

По образному строю, стилистике, по названиям – символизм, импрессионизм, экспрессионизм и т.д. – эти сменявшие друг друга или существовавшие одновременно направления были различны. Их объединяли сознательный разрыв с художественными традициями XIX века, черты субъективизма, гипертрофия одних выразительных средств (гармонии или ритма) за счет других (чаще всего – пластичной мелодии). К ущербным сторонам модернизма относилась идея «искусства для искусства» (отход от социальных проблем). Обычно новые направления возникали сначала в литературе или изобразительном искусстве, а потом обретали свое образное преломление в музыкальном искусстве.

Одним из тех направлений, которые зародились в конце XIX века и получили развитие в I п. XX в. был импрессионизм, родиной которого стала Франция (от франц. «впечатление»). Датой его возникновения считают 1874 г., когда состоялась первая выставка художников, противопоставивших себя Академии живописи и скульптуры в Париже. В группу входили: Эдуард Мане, Эдгар Дега, Камила Писсаро, Огюст Ренуар, Поль Сезанн, Винсент Ван-Гог, Поль Гоген, Клод Моне.

Основным в импрессионизме стала задача отобразить окружающий мир в его изменчивости, подвижности; передать свои непосредственные, даже мимолетные впечатления и ощущения от восприятия явлений природы, архитектуры, людей, животных. Поль Верлен писал:

Не надо ни добра, ни злости.

Мне дорог цвет слоновой кости,

На коже ало-золотой. (отход от социальных проблем)

Представители импрессионизма в музыке: франц. Клод Дебюсси и Морис Равель, Мануэль де Фалья, Иссак Альбенис, Кароль Шимановский и др.

Музыканты заимствовали у художников терминологию: звуковая краска, инструментальный колорит, гармонические пятна, тембральная палитра. Характерно: тонкий колорит гармонических сочетаний – многокрасочные «пятна», необычность инструментальных сопоставлений, преобладание «гармонии» колорита над мелодическим рисунком, зыбкие ритмические рисунки. Эмоциональный строй изыскан, чувства «засурдинены», передается одно мгновение, хрупкость, капризность образов. Используются септаккорды, альтерированная гармония, хроматика, полифонические приемы, многоплановая фактура, полиритмия. Импрессионистическая программность отличается от программности романтизма. Образы завуалированы, полны символики. Логику развития определяет смена впечатлений, настроений, следовательно, часто используются простые музыкальные формы.

Основоположником импрессионизма в музыке считают Клода Дебюсси (1862-1918); воздействие на него оказали художники-импрессионисты - мастерство пейзажа – движение облаков, переливы воды, игра светотеней, воздух – прозрачный или окутывающий туманом соборы.

Основные черты стиля: утонченность, изысканность, завуалированность эмоционального тонуса; называют его «мастером полутонов». Испытав влияние русских композиторов (Римского-Корсакова, Мусоргского) и Вагнера, создал свой стиль: новый гармоничный язык – использовал нетрадиционные аккордовые последовательности созвучий и их сочетания. Неустойчивые звуки «повисают» в воздухе, не находят разрешения, яркие гармоничные краски, тональные сопоставления, септаккорды всех ступеней, хроматика; оркестровка – прозрачная, кружевная – типичные «чистые» тембры – исполнение solo одним инструментом, использование сурдин – на их фоне звучат «всплески».

Оркестровые произведения схожи с картинами импрессионистов: «Послеполуденный отдых фавна», «Ноктюрны», «Образы», «Море», фортепианные прелюдии «Терраса, освещенная лунным светом», «Девушка с волосами цвета льна».

Продолжателем традиций Дебюсси стал Морис Равель (1875-1937). Французский композитор еще больше расширил выразительные и колористические возможности музыки: гармонический язык стал более острым и терпким; сверкающий оркестровый колорит, железный ритм, графическая четкость построений, выверенность динамики и форм. Особая любовь к испанской музыке («Испанская рапсодия» для оркестра, опера «Испанский час», «Хабанера» для 2-х фортепиано – свой фортепианный стиль).

Испытал влияние русской музыки (Мусоргский, Римский-Корсаков, общение со Стравинским, Дягилевым, Фокиным). Характерно обновление музыкального языка – новаторский дар проявлялся и тогда, когда он обращался к классическим жанрам:

сонатина, квартет, 2 фортепианных концерта; фортепианный цикл «Могила Куперена» - дань французской музыке XVIII века, детям – «Сказки матушки-гусыни».

Равель: «Я не являюсь модернистом; ибо моя музыка далека от бунтарства; отмечена эволюционным развитием». Музыка Равеля оптимистична и классически ясна (он считал, что его музыка опирается на традиции прошлого (Моцарт)).

В I п. XX в. импрессионизм дал толчок развитию неоимпрессионизма, представленного главным образом, композиторами французской школы – Оливье Мессиан («Каталог птиц», «Экзотические птицы», «Преображение Господа нашего»).

Противостоял импрессионизму сложившийся в I-х десятилетиях XX в. – экспрессионизм (от лат. выражение, выявление) – контрастный и по содержанию и по средствам выразительности импрессионизму. Экспрессионизм развился в Австрии и Германии и затем в других странах. Сначала возник в живописи (П.Клее, О.Кокошка, В.Кандинский, Г.Грос) и в литературе (Г.Кайзер, Ф.Верфель, Ф.Кафка). В их творчестве звучит острый протест против царящего в мире зла, подавляющего человека.

Главное – передача своего субъективного состояния и отношения к действительности.

В музыке экспрессионизм представлен творчеством композиторов Нововенской школы – Арнольда Шенберга и его последователей Альбана Берга и Антона Веберна (XVIII век – Австрия – венская классическая школа Гайдна, Моцарта, Бетховена). Шенберг и его ученики раскрыли в музыке такие эмоциональные состояния людей, которые связаны с аффектированной, возбуждённой психикой, мрачным настроением, порожденным отчаянием, стремление отгородиться от внешнего мира – ужасной действительности и проникнуть во внутренний мир человека.

В соответствии с идейно-эстетическими задачами формировался и язык, выразительные средства. Для выражения острых отрицательных аффектов были использованы «проинтонации» языка – крики, стоны, резкие перепады звучности, широкие скачки голоса, разорванность мелодичной линии, остродиссонантные созвучия, использование жёстких звучаний, употребление человеческого голоса в качестве инструмента. Так, Шёнберг в «Лунном Пьеро» впервые ввёл нотированное пение – декламацию, выражающую взволнованную речь, эмоциональную взрывчатость, а также натуралистические выкрики. Форма оставалась расплывчатой и статичной – использование форм с вариационным принципом развития.

Шёнберг создал новую технику композиции ХХ в. – додекафонию (от греч. dodeka-12, phone-звук) – двенадцатизвучие. Все 12 тонов хроматического звукоряда – равноправны, не делятся на устойчивые и неустойчивые, т. е. нет ладового тяготения. Основой музыкального произведения становится определенная, выбранная им самим последовательность звуков – серия. Ни один звук в серии не повторяется. Шёнберг разработал систему правил использования серии, опираясь на принципы полифонического письма. В технике додекафонии выдержаны многие произведения Шёнберга: вариации для оркестра, квинтет для духовых, «Сатиры» для хора, 3 и 4 струнные квартеты, скрипичные и фортепианные концерты, кантата «Уцелевший из Варшавы». (в поздних произведениях Шёнберг использовал тональную систему).

Представитель экспрессионизма – Альбан Берг.

Беспросветный мрак, отчаяние, обращение к сфере ужасного – это отличает трагического композитора. Берг сохранил связь с классическим и романтическим искусством, использовал программность, неоклассические тенденции, полистилистику. Известны произведения - опера «Воццек», «Скрипичный концерт».

Совсем иное творчество Антона Веберна – его привлекают утончённость, возвышенность, нежность, лирические образы. В кантате «Свет глаз» использовал технику пуантилизм – (письмо точками) – ноты и созвучия отделены паузами.

Лучшие произведения: Пассакалия, Вариации, Пьесы для оркестра, Концерт для 9-ти инструментов – в них проявились черты творчества: лаконизм, афористичность, красивейшие созвучия, краткие мелодичные восклицания, тембровые краски яркие – ясность замысла и духовность.

Но в то же время в музыкальном искусстве набирает силу направление – неоклассицизм – новый классицизм (греч.-neos- новый и лат.-classicus-образцовый, первоклассный).

Неоклассицизм – обращение к искусству прошлых эпох (уйти от социальных проблем современности) и попытка противопоставить модернистским исканиям высокий музыкально-эстетический идеал в искусстве прошлых эпох.

Используется цитирование музыкального материала прошлых эпох в качестве определенных музыкальных комплексов, связанных с историей, культурой, стилем.

Представитель – немецкий композитор – Пауль Хиндемит (1895-1963гг) – альтист, педагог, дирижёр, музыкальный критик, последователь творчества Баха. Создал «Ludus tonalis» - «Игра тональностей» - защитник тонального принципа. Однако он выдвинул понятие «расширенной тональности», свободной от ограничений dur-moll системы: опера «Гармония мира», симфония; вокальный цикл «Житие Марии» (ст. Рильке). Его произведения отразили самые разные тенденции в музыке нашего столетия. Его операм «Убийца, надежда женщин», «Святая Сусанна» присуща антиромантическая направленность, а фортепианная сюита «1922» связана с урбанизмом – так называлось направление, где в произведениях искусства отражены динамика и пульс жизни больших городов с их стремительным ритмом и разными шумами звуковой атмосферы. На определенном этапе творческой эволюции Хиндемит создал произведения для любителей оркестров и хоров – простым и ясным языком.

Черты неоклассицизма проявляются в хоровых и инструментальных сочинениях.

Карл Орф так же обращается к культуре прошлых эпох. Характерно обращение к театру. В спектаклях соединяет элементы драматического и музыкального спектакля. Обновляя музыкальный театр, Орф воскрешает дух старинного искусства: черты дионистического обряда в «Триумфе Афродиты» греческой трагедии «Царь Эдип»; древнеримских жанров «Триумфы», средневекового театра и т.д.

В произведениях ощущается пестрота стилистических и жанровых прообразов.

В конце I Мировой войны оформилась группа молодых композиторов Франции, которой журналист А.Калле присвоил по аналогии с русской «Могучей кучкой» - «Пятеркой» - наименование «Шестерка». В нее входили Артюр Орик, Дариюс Мийо, Франсис Пуленк, Жорж Орик, Луи Дюрей, Жермен Тайфер.

Они были различны по уровню таланта, но объединяло их – приверженность национальным традициям и увлечение новым в искусстве: увлечение американским джазом, урбанизмом –

Мийо – вокальный цикл «Сельскохозяйственные машины», Онеггер – оркестровые пьесы «Регби», «Пасифик 231» (локомотив).

Онеггер стал одним из крупнейших представителей музыкального искусства I п. XX в. Увлекался разными художественными направлениями, более всего – неоклассицизмом. Главное отличие – высокое этическое звучание его сочинений – обращение к античным, библейским, средневековым сюжетам (оперы–оратории «Царь Давид», «Жанна д’Арк», оратория «Пляска мертвых» и др.) В симфоническом творчестве преобразует классические схемы, но сохраняет основные принципы. Интерес к песенным, танцевальным жанрам, народной музыке у Онеггера и др. композиторов усилился в 30-е гг., когда они примкнули к движению антифашистского народного фронта. Своей музыкой композиторы откликнулись на драматические события: оратория «Голоса мира» Онеггера; кантата «О мире» Мийо, «На крыльях голубя» Дюрея, «Споемте, девушки» Орика.

В 1935 г. Возник другой союз – «Молодая Франция», куда вошли композиторы Оливье Мессиан, Андре Жоливе, Даниель Лесюр, Ив Бодрие.

Самый талантливый среди них – композитор и органист Оливье Мессиан. Часто воплощал религиозные сюжеты: «Рождество Господне» - органная сюита, фортепианный цикл «20 взглядов на младенца Иисуса» - произведения возвышенные, светлые.

Мессиан создал особую технику композиции, основанную на усложнении традиционных ладов, аккордов, на сочетании в разных пластах музыкальной ткани – разных ритмов и метров – полиритмии и полиметрии.

Широкое распространение приобрело явление, которое он обозначил как полимодальность (modus – лат. лад), поэтому называл полиладовость. Мессиан подразумевал под полимодальностью одновременное сочетание симметричных ладов. В отличие от dus и moll в их основе лежит не dur-moll ⁵₃, а созвучие, возникающее от деления 12 полутонов октавы на 2, 3, 4 или 6 равных частей.

Мессиан был и педагогом, в учебные программы включал музыку других континентов, не только Европы, т.к. большое значение придавал арабской, индийской, японской культуре.

В ХХ в. продолжали возникать новые стили и направления, национальные школы.