5. Экспрессионизм в живописи, графике и скульптуре

 — авангардистское течение в европейском искусстве, получившее развитие в конце ХIX — начале XX века, характеризующееся тенденцией к выражению эмоциональной характеристики образа(ов) (обычно человека или группы людей) или эмоционального состояния самого художника. -Экспрессионизм представлен во множестве художественных форм, включая живопись, литературу, театр, кинематограф, архитектуру и музыку.

-Считается, что экспрессионизм зародился в Германии, и важную роль в его становлении сыграл немецкий философ Фридрих Ницше, привлекший внимание к незаслуженно забытым ранее течениям в античном искусстве Под влиянием идей Ницше немецкие (а вслед за ними и другие) художники и литераторы обращаются к хаосу чувств, к тому, что Ницше называет дионисическим началом.

«МОСТ»

(нем. «Brucke») — объединение немецких художников — экспрессионистов. Основано в 1906 г. студентами архитектурного отделения Высшего технического училища и Школы искусств в Дрездене Э.-Л. Кирхнером, Э. Нолъде, М. Пехштайном, К. Шмидтом-Роттлуффом, Э. Хеккелем. Название было взято ими из произведения их кумира философа Ф. Нитцше. Программный манифест, выпущенный еще в 1905 г., гласил: «С верой в развитие, в новое поколение творцов и ценителей искусства мы взываем ко всей молодежи. И как молодежь, несущая в себе будущее, мы хотим добиться свободы жить и творить вопреки закоснелым старым силам» 2[2Reinhardt G. Die fruhe «Brilcke». Berlin, 1977-1978, S. 82].       Молодых художников «Моста» объединил протест против академического искусства и стремление к простым, наивным, подчас грубым изобразительным формам, непосредственному ощущению цвета, линии. По выражению Э.-Л. Кирхнера, они искали, согласно идеям Нитцше, «религиозную чувственность искусства», пытались осуществить свой идеал не только в живописи, но и в реальной жизни. «Молодые художники открыли на лесных озерах Морицбурга саксонскую Аркадию. Они поселились в прибрежных камышах со своими натурщицами, ходили обнаженными под летним солнцем, купались, отдавали дань Эроту, живя in unio mystica с природой. Они изображали себя и своих натурщиц в самых дерзких ракурсах, добиваясь острых ритмов, деформировали тела с поразительной самоуверенностью» 1[1 Kirchner. E.-L. Chronik der KG Brttcke, 1913. Bern, 1948, S. 1-4]. Но война 1914 г. сломала их мечты о «рае на земле». После 1918 г. те, кто выжил, стали иными. Оптимизм и жизнеутверждение сменились трагическим мироощущением. М. Пехштайн и Э. Нольде отправились по следам П. Гогена в Океанию, Э.-Л. Кирхнер открыл для себя примитивное африканское искусство, а в самой Германии получило развитие новое течение сюрреализма О. Дикса, X. Грундига, М. Беккмана.

Ещё в начальный период существования группы её участники разработали своеобразный «групповой стиль», при котором картины по их сюжетам и способу написания были столь схожи, что не всегда сразу удаётся различить, кто из мастеров является автором. Этим своим коллективным стилем «Мост» старался не только ещё теснее связать своё общество, но и выразить протест против привычного, буржуазно-индивидуалистского представления о художнике, как об «одиноком гении».

Особенностью художников «Моста» является их сознательно упрощённый эстетический словарь с краткими, сокращёнными до самого существенного формами; деформированными телами; светящимися, «сытыми» красками, нанесёнными широкой кистью плоскими мазками и часто обведёнными жёсткой линией контура. Широко использовалась контрастность различных красок, чтобы увеличить их «свечение», усиливающее воздействие на зрителя. Как и фовисты, экспрессионисты из «Моста» хотели строить свои композиции на чистой краске и форме, отрицая стилизацию и всякий символизм.

С точки зрения группы «Мост», главной целью их творчества должно было стать не отображение внешнего мира, который казался лишь безжизненной оболочкой истины, а ту «действительную Действительность», что нельзя увидеть, но которую может ощутить художник. Этому течению в искусстве Герварт Вальден, берлинский владелец художественной галереи и пропагандист авангардного искусства, в 1911 году даёт название «Экспрессионизм» (от фр.expression — выражение), и которое объединяло вначале в том числе и кубизм, и футуризм.

МАКС БЕКМАН

немецкий художник и график, Во время Первой мировой войны служил санитаром на фронте.

-В работах Бекмана можно проследить последовательную стилистическую эволюцию. Он начал с подражания импрессионизму в произведениях, представленных на выставках первого Берлинского Сецессиона. Работы, созданные мастером после войны, исполнены ужаса и глубокой скорби, выраженных посредством очень резких и грубых искажений.

Творчество Бекмана отличает напряженная и мощная реалистическая трактовка формы — эффект, которого он достигал посредством использования острых обобщенных контуров и интенсивного колорита.

Ночь

Автопортреты

Снятие с креста

ГЕОРГ ГРОСС

немецкий живописец, график и карикатурист.

-По склонностям и привычкам был денди, авантюристом, прожигателем жизни.

Рисунки и карикатуры Гроса 1920-х годов, сближающие его творчество с экспрессионизмом, метко воссоздают обстановку в Германии накануне прихода Гитлера к власти, её нарастающий абсурд и безысходность. Гросу принадлежит серия рисунков «Каин, или Гитлер в аду» (1944). Значимое место в его графике занимает эротическая тема, которую он трактует в обычном для себя резко-гротескном духе.

Германия: зимняя сказка

Серый день

Автопортрет предупреждающий

Пропасть

Затмение солнца

Каин или Гитлер в аду

Город

О, красота, тебя я восславлю

Самоубийство

ЭРНСТ ЛЮДОВИГ КИРХНЕР

немецкий художник, один из лидеров экспрессионизма.

-образовал в 1905 (вместе с Э.Хеккелем и К.Шмидт-Ротлуфом) группу "Мост", ставшую эпицентром экспрессионистского движения. Переехав в Берлин (1911), в 1912 издал Хронику "Моста", но вскоре рассорился с членами группы и с той поры работал обособленно.

В его зрелых вещах доминируют темы большого города, жанры и пейзажи, воплощенные в нервных, изломанных формах и драматическом, напряженно-контрастном колорите (

-Попутно проявил себя и как замечательный мастер рисунка и гравюры. В начале войны служил артиллеристом под Галле, но уже через год (1915) был комиссован; итогом военных переживаний, тяжело сказавшихся на психике художника, явился саркастический Автопортрет в солдатской форме

— поначалу в санатории, который украсил своими фресками, — создавал по-прежнему напряженно-динамичные по ритму и колориту, но в целом более мажорные картины и графику по альпийским мотивам

-На протяжении 1920-х годов все ближе подходил к абстракции, делая свои образы действительно все более "иероглифическими", полуабстрактными. Причисленный нацистами к представителям "дегенеративного искусства" (или "искусства вырождения"), оказался в вынужденной творческой изоляции, хотя, как житель нейтральной Швейцарии, находился в относительной безопасности. Тем не менее трагические события в Германии толкнули его к самоубийству.

Женщина, смотрящаяся в зеркало

Улица в Берлине

Улица в Берлине

Групповой портрет участников группы «Мост»

Девушка под японским зонтом.

Деревья

ОСКАР КОКОШКА

австрийский живописец, график, поэт и драматург,

-В 1908 принимал участие в деятельности первого Берлинского Сецессиона. Во время войны был на фронте.

-В произведениях Кокошки прослеживаются изменения стиля и интересов. До Первой мировой войны он специализировался на портретах, которые замечательны глубиной проникновения во внутреннюю жизнь модели.

-Однако постепенно в его манере стал проявляться больший интерес к технике живописи, но при этом сохранялось и тонкое восприятие модели.

-В 1920-е годы Кокошка считался одним из наиболее одаренных немецких экспрессионистов. В этот период он обратился к пейзажу. в них использовались смелые пластические природные формы, вылепленные пастозными мазками в ярких тонах

-Во время Второй мировой войны в творчестве Кокошки наступило временное затишье, но затем последовали работы, в полной мере сохранявшие экспрессивность и гораздо более тонкие по цвету и рисунку

Любовник и весна

Любовники с котом

Невеста ветра

-

Портрет Адольфа Лооса

В работах, исполненных до 1910, Кокошка все еще придавал большое значение  графизму  

Лотте Францос

Палермо

Мона Лиза кубическая

МАКС ПЕХШТЕЙН

немецкий художник, один из лидеров экспрессионизма.

-В 1906 вошел в состав группы "Мост". Переселившись в Берлин (1908), стал членом Берлинского сецессиона, а в 1910 основал "Новый берлинский сецессион". Увлеченный экзотикой "примитивных" народов, совершил ряд путешествий. воевал на фронте.

От ранних вещей, более сдержанных по колориту и ритмике, перешел (под воздействием французского фовизма, а также своих тихоокеанских впечатлений) к ярким красочным композициям, внешне-декоративным, но взвинченно-нервным по внутреннему образному строю

-Исполнил ряд антимилитаристских и агитационно-политических работ "левого" толка (

-Работал также как скульптор, в качестве материала предпочитая дерево (нарочито-"примитивные" фигуры 1910-х годов). Позднее занимался и монументально-декоративным искусством (мозаики и витражи в женевском Международном рабочем бюро, 1930). В межвоенный период его манера стала более умиротворенной.

При нацистах официально третировался как представитель "дегенеративного искусства" ("искусства вырождения"). В годы Второй мировой войны уединенно жил в Померании.

Умер Пехштейн в Западном Берлине 29 июня 1955.

Ню

Цирк

Портерт старика

Луг в Морицбурге.

ЭДВАРД МУНК (НОРВЕГИЯ)

В 1885 году он получил возможность совершить поездку в Париж, где посетил восьмую и последнюю выставку импрессионистов. Тогда же он создал свою первую широко известную картину, «Больная девочка», в которой нашли отражение болезнь и смерть Софи Мунк. Первая персональная выставка художника состоялась в 1889 году. Затем он уехал в Европу благодаря стипендии, жил в Париже и Берлине.

В Германии Мунк выставлялся вместе с местными художниками, но его картины спровоцировали скандал, так что его выставка была закрыта досрочно. Позднее многие из этих художников вошли в Берлинский сецессион.

- Тема, ставшая центральной в творчестве Мунка, – взаимоотношения мужчины и женщины. Женщина в его работах предстает в различных ипостасях: как идеализированный образ девушки, как персонификация эротического женского начала или как ясновидящая, властная мать-смерть.

-Начиная с 1909 года стиль Мунка меняется в сторону более резкой и грубой манеры. Поздние картины написаны широкими мазками и изобилуют яркими контрастными цветами. В 1920-е годы у художника развилось глазное заболевание, из-за которого он почти полностью прекратил писать. Также он страдал от маниакально-депрессивного психоза.

В последние десятилетия жизни к Мунку пришли слава и признание.

Мадонна

Больная девочка

-

Крик

Крик» как эмблема экспрессионизма служит своего рода прелюдией к искусству XX века, предвещая ключевые для модернизма темы одиночества, отчаяния и отчуждения. Словно бы заглянув в грядущее столетие мировых войн, революций и экологических бедствий, автор, кажется, отрицает саму возможность какого-либо их преодоления, или трансцендентности. Фигура кричащего примитивизирована до такой степени, что напоминает различным комментаторам скелет, эмбрион или сперматозоид. Волнообразные линии пейзажа, будто эхо, повторяют закруглённые контуры головы и широко раскрытого рта — как если бы звук крика отдавался повсюду. Негативная эмоция субъекта, таким образом, подминает под себя окружающий мир, приобретая вселенский размах. Но возможно и обратное прочтение: человек агонизирует по поводу раздающегося отовсюду, как выразился сам художник, «крика природы».

ВИЛЬГЕЛЬМ ГЕНРИХ ОТТО ДИКС

немецкий художник и график.

-Во время Первой мировой войны служил добровольцем в действующей армии. Вернувшись с фронта, примкнул к дадаистам и испытал влияние Георга Гроса.

Основная тема графических листов Дикса — война и ее полная и абсолютная враждебность жизни.

-Примером работы Дикса в стиле реализма может служить Портрет доктора Майера-Херманна (

-В начале Второй мировой войны он жил с семьей в окрестностях озера Констанс. К этому времени на смену произведениям, созданным в жесткой реалистической стилистике, проникнутым социально-критическим пафосом, приходят яркие экспрессионистические работы с гротескными и изломанными формами.

-В 1945 он был призван в народное ополчение и попал в плен к французам, откуда вернулся в 1946. В поздний период творчества художник все чаще обращался к религиозным сюжетам. Умер Дикс в Зингене 25 июля 1969.

Автопортрет

Леди

Из альбома 4

Монахиня

Война

ХАНС ГРУНДИГ

-связанные с перемещением Новая вещественность.

- с 1922-1923. В 1920-е годы его картины, в основном портреты рабочего класса предметов,

-Он сделал свои первые гравюры в 1933 году.

-Политически аналогично –антифашистской, он присоединился к немецкой коммунистической партии в 1926

-был запрещён как дегенаративное искусство, был 2 раза арестован

-после войны совершил поездку в москву

После прихода в Германии к власти национал-социалистов, в 1934 году Грундигу было запрещено заниматься живописью. Тем не менее он продолжает рисовать. В 1934—1939 годах художник создаёт графическую серию «Животные и люди» («Tiere und Menschen»). В 1935—1938 — триптих Тысячелетний рейх (Das Tausendjährige Reich) (ныне — в Дрезденской галерее). Творчество Грундига в этот период было чёткой антифашистской направленности, работы создавались в реалистически-экспрессивном стиле. Национал-социалистскими властями работы художника были причислены к произведениям т. н. дегенеративного искусства, и ряд его работ были отобраны для состоявшейся в июле 1937 года пропагандистской выставки под этим названием. Восемь полотен Грундига были конфискованы.

Знамение будущего.

Тысячелетний Рейх

ЭГОН ШИЛЕ (АВТСТРИЯ)

- В 1906 он поступил в Венскую школу искусств и ремесел, затем перешел в Академию изобразительного искусства. Из которой его выгнали в следствии того, что художник придавался любовным утехам с позирующими моделями. С 1907 нашел наставника и покровителя в лице Густава Климта.

-В 1908 состоялась первая выставка его работ в городке Клостернойбург под Веной. Там же выставлялся Ван-Гог, Климт и т.д.

-В 1911 подругой и моделью Шиле стала одна из моделей и возлюбленных Климта, Валери Нойзель.

-Вёл развратный образ жизни, был склонен к педофилии и гомосексуализму. Создал ряд порнографических рисунков.

-умер от эпидемии испанки

Красота и чувственность картин Густава Климта, особенно образы его демонических женщин, стали навязчивой манией Эгона Шиле, превращаясь в болезненность. Правда, очень скоро Шиле создает свой собственный стиль, сосредоточиваясь почти исключительно на контуре. Особенно выразительны были декоративные очертания тел в его многочисленных «ню». Будучи превосходным рисовальщиком, Шиле сделал много рисунков этих юных моделей, некоторые из которых были чрезвычайно эротического характера. Эгон делает это своим дополнительным доходом, ибо подобные рисунки пользовались большим спросом у венских коллекционеров - любителей «клубнички». Главная тема творчества художника на протяжении всей его жизни - автопортреты. Их очень много, они очень различны, не похожи друг на друга и часто не похожи на самого Шиле. В его автопортретах гораздо больше общечеловеческого, чем личного. Автопортрет для Шиле, современника Фрейда, был не зеркалом, фиксирующим внешнее отражение, а средством проникнуть в самые сокровенные области подсознания. Шиле-художник соотносится с Шиле-моделью как психоаналитик с пациентом, болезненно и скрупулезно изучая каждую черточку того, что составляет неуловимый образ нашего «Я». В своих исследованиях Шиле был пугающе откровенен - очень часто он изображал себя обнаженным, пристально рассматривающим свое худое тело, и некоторые его автопортреты шокируют даже современного зрителя. С такой же яростью и экспрессией, с таким же исступлением и проникновением в скрытую суть натуры он рисовал портреты женщин и обнаженную женскую натуру. Живопись Эгона Шиле необычайно графична. Он всегда использует контраст светлого и темного, что сразу же поражает и привлекает взгляд. Главное  время года его картин - осень, а цвета - кремовый, красновато-рыжий, темно-коричневый. По мнению автора, дерево без листьев четче и честнее. Врезаясь в пространство, дерево стоит гордо. Люди на картинах Шиле не только без одежды - они без кожи. Их тела с  вывернутыми руками, открытые для мира и для боли, изломанны, скручены внутри и снаружи. Внутри человека даже в разгар лета - осеннее дерево. Изломанность веток у дерева снаружи, у человека - внутри. Ветви - трещины в небе и камне. Нервы - трещины в теле. Некоторые искусствоведы считают, что все произведения Шиле, включая  ландшафты и городские виды, выражают душевные переживания художника и невероятным образом «автопортретны». Так Шиле создает новый идеал красоты ХХ века, в корне отличающийся, например, от сецессиона и символизма, - это красота уродливого. С обретением ее Эгон продвинулся вперед и стал одним из столпов модерна, наряду с немецкими экспрессионистами и австрийцем Кокошкой. Будучи еще совершенно молодым человеком, Эгон Шиле приходит к убеждению, что смерть и болезнь, страдание и бедность, дистрофия обостряют ощущение ценности жизни и красоты. В  экспрессивной манере у Шиле стираются границы между здоровьем и болезнью, между жизнью и приближением смерти. Красота наивысшая, наиболее проникновенная загорается на границе жизни и смерти. Судьба красоты в том, чтобы отцвести, заболеть, и свой триумф она справляет в тот момент, когда «искажается». «Alles ist lebend tot» («живя, все мертво») – смысл этих слов Эгона Шиле в том, что в живом гнездится смерть. Но смерть внутри жизни усиливает яркость последней. Было время, когда по разрешению знакомых докторов художник  делал рисунки даже в гинекологической клинике, ибо беременные это для него - символ единства между жизнью, даже удвоенной жизнью матери и плода, и угрозой смерти.

С 1913 года в своих многочисленных зарисовках Шиле разрабатывает глубоко индивидуальную манеру изображения обнаженных или полуобнаженных женских моделей, которые ныне считаются лучшими его работами.  Для этих работ характерна сложная, эксцентрически выстроенная поза модели, которую художник видит на очень близком расстоянии сверху или снизу. Женщины Шиле, недвусмысленно демонстрируют себя под поднятыми одеждами. К тому же Шиле любил не дорисовывать некоторые части тела, что усиливает у зрителя шокирующие ощущения.

Молодая мать

Семья

- На картине «Семья» умирающий художник изобразил трёх жертв испанки: себя, свою беременную жену и её нерождённого ребёнка

Осеннее солнце и деревья

Девушка с поднятой юбкой

Танцор

Модели

ЭМИЛЬ НОЛЬДЕ

немецкий художник, один из лидеров экспрессионизма.

-В детстве покрывал своими рисунками стены сараев и амбаров.

-вошел в число членов группы «Мост».

-Самобытный талант Нольде-колориста проявился уже в его ранних постимпрессионистических вещах. Войдя в число ведущих экспрессионистов, завоевал известность картинами, сочетающими традиционные религиозные темы с нарочитым «варварством» грубоватых форм и напряженно-контрастного, по-своему визионерского цветового строя

-Проявил себя как выдающийся мастер гравюры на дереве, проникнутой тем же анархическим мистицизмом

-со временем главной стихией его живописи стал пейзаж – яркие и в то же время остродраматичные образы южных морей или северогерманского побережья (Тропическое солнце, 1914, фонд Нольде, Зеебюль).

-Увлеченный демагогически-«почвенными» лозунгами фашистов, Нольде еще до 1933 вступил в Национал-социалистическую партию и участвовал в движении за германизацию датской части Шлезвига. Однако работы Нольде – как и произведения других немецких авангардистов – были вскоре официально причислены к «дегенеративному искусству», «искусству вырождения», изъяты из музеев, проданы за валюту за рубеж либо уничтожены. В 1941 мастера исключили из Имперской палаты искусств, предписав ему «незамедлительно прекратить» занятия живописью.

-создавал т.н. ненаписанные картины, которые составили огромный корпус акварелей (романтические фантазии, мотивы моря и облаков, цветочные натюрморты), решенных в свободной и темпераментной манере.

-

Вход Господень В Иерусалим

Мой прекрасный мир

Осень

Золотой телец

Ребёнок и большая птица

Пятидесятница

ЖОЗЕФ ФЕРНАН АНРИ ЛЕЖЕ

(1881-1955)

Близкий этому течению, создал в своих картинах и декоративных панно «изобразительный дизайн», уподобляя фигуры людей сочетаниям труб, муфт, плоскостей из полированного, блестящего металла. По его собственным словам, «новая эстетика машинных форм» открылась ему в сверкании орудийных стволов на войне 1914-1918 гг. В его обстоятельно неторопливой живописи, оперирующей весомыми обобщенно геометричными формами и ясными сочетаниями крупных пятен цвета, проявилась тяга к уравновешенной гармонии человека и современного мира.

Город

(бурный взрыв техники, эстетика машин)

( В своих полотнах он стал использовать много технократических символов, изображая свои объекты и людей в урбанистических, техногенных формах. «Город» - одна из его наиболее примечательных картин в этом плане.)

Мужчина в свитере (сопоставление человека и города, используются краски, по тонам напоминающие окрас машин)

Читающая женщина

(форма засчет графики и цвета)

Передача энергии (архитектура свободна)

Строители (ГМИИ им. Пушкина)

ЖОРЖ РУО (ФРАНЦИЯ)

французский живописец и график. Родился в Париже 27 мая 1871. В юности учился у мастера витражной живописи; тогда впервые проявились его необычные художественные способности. Учился в Школе изящных искусств, где был любимым учеником Гюстава Моро. Собственный стиль художника, сформировавшийся к 1903, замечателен своей мощью и энергией. Формы в его полотнах упрощены или искажены, очерчены толстыми черными контурами и окрашены в глубокие яркие цвета. Данный прием возник как воспоминание о работе в мастерской первого учителя Руо – витражиста. Художник мастерски использует этот стиль для нагнетания трагизма при создании картин на религиозные сюжеты или для выявления некой таинственной силы зла в изображении современных ему персонажей. В 1910 прошла его первая персональная выставка.    Для изображения человеческих страданий, жестокости, низости и смерти Жорж Руо находил удивительно радостные и счастливые краски. Наверное, таким видит мир только глубоко верующий человек, не позволяющий себе терять надежду. Все шесть картин Руо, привезенных в Эрмитаж из парижского центра Помпиду, - свидетельства боли и попытки оправдать человеческий род, как бы низко он ни падал.

С 1907 года в круг постоянных тем живописи и графики Руо вошли судьи, клоуны, проститутки. Они приобрели характер аллегорий, выстраиваясь вокруг основного аллегорического образа зрелой живописи Руо — фигуры Христа (нередко — Христа и Магдалины). Дружил с религиозным философом Жаком Маритеном. В 1910 году персональная выставка Руо прошла в столичной галерее Друэ. Его живопись вдохновляла немецких живописцев, впоследствии составивших ядро экспрессионизма.    Наверное, самая светлая из этих работ - "Подмастерье", автопортрет молодого Руо. И есть некоторый диссонанс в том, что посетителей выставки, названной "Шедевры", ее автор встречает в образе подмастерья. Однако Руо всегда чувствовал себя только учеником, познающим мир, но не мэтром, поучающим других. Его "Докладчик" - то ли политик, то ли адвокат, чье ремесло - говорить, очевидно, не верит в свои слова. Тем не менее, Руо не опускается до карикатуры. Докладчик, с его красным носом и несвежим жилетом, остается человеком, и все желающие приглашаются понять и принять его.

Сидящий Король

представляет чувствственные проблемы и трагедии происходящие в жизни человека Передача уродства женского тела

Старый король

подходит к религиозной теме (ассоциации со средневековым витражом)

Христос в терновом венце

ЭРНСТ БАРЛАХ

Немецкая художественная школа не зря славилась ежедневным изнурительным тренажом. Особенно трудно приходилось Эрнсту в Гамбурге. Здесь он совмещал посещение скульптурного класса с вечерней работой в мастерской преподавателя - местного скульптора Рихарда Типе.

В конце девяностых годов Эрнст дважды совершает поездки в Париж. Правда, первое знакомство Барлаха с Парижем не произвело на него впечатления. «Более того, - пишет Ю.П. Маркин, - он резко отрицательно воспринял при очном знакомстве именно естественность, физиологический натурализм импрессионистического ощущения природы, против чего программно восставала его душа символиста».

1896 год Барлах в основном проводит в Фридрихроде, испытывая проблемы и творческие, и финансовые. Его выручает Карл Гарберс, предлагающий ему работу в Париже в качестве помощника по заказу гамбургского магистрата.

Год самостоятельной работы в Париже познакомил художника с европейским искусством и его проблемами, укрепил волю в решении искать собственный путь в искусстве, но в 1898-1902 годах он безуспешно пытается добиться признания в Гамбурге и Берлине.

В 1902 году Барлах заканчивает надгробие Мёллер-Ярке. Это сложное, многочастное произведение, стоящее отдельно в ряду ранних его работ. «Молодой скульптор остановился на традиционном мемориальном решении в виде архитектурной стелы, имитирующей преддверие склепа, - пишет Ю.П. Маркин, - перед которым он по традиции поместил объемную фигуру плакальщицы - прием, найденный Кановой веком раньше».

Из Берлина Барлах возвращается в родной Ведель с ощущением полной неудовлетворенности шестилетней самостоятельной практикой. Скульптору уже за тридцать, а он пока не может похвастать большими успехами.

Наконец тяжелый творческий кризис, наступивший в 1906 году, заставил его совершить двухмесячную поездку по югу России, в места, где работал в то время брат художника.

В России Барлах в зримом образе ощутил то, что давно волновало его душу и занимало его философски настроенный ум, - судьбу страдающего человека. В толпах разоренных крестьян, выброшенных кулаками-хозяевами на просторы русских дорог просить подаяние, Барлах углядел не столько социальную трагедию, сколько трагедию человеческого бытия горькую жизнь покинутых и отверженных людей. Вернувшись на родину, художник нашел для своего нового понимания человека адекватный по силе выразительности образный язык не только в графике и скульптуре, но и в первой своей литературной драме «Мертвый день». Многосторонне одаренный, с этих пор он проявил себя и в изобразительном искусстве, и в литературе как художник-новатор, близкий по своей творческой манере экспрессионизму.

Отклик на новую манеру Барлаха последовал быстро. «Всех переполошил только Барлах двумя терракотами русских нищих, - писал К. Шефлер в обзоре весеннего Сецессиона 1907 года. - Сильный талант... известный небольшому кругу людей. Еще не было повода говорить о нем, ибо одно лишь трудолюбие и противоречивость поисков не позволяли пока создать что-либо зрелое. В этих фигурах сказалось потрясение художника своим материалом, человеческое переживание одновременно вылилось в художественное переживание формы. Социальная характеристика тоже присутствует здесь». В поддержку работ Барлаха выступил также известный скульптор-анималист А. Гауль. В том же 1907 году на Немецкой национальной художественной выставке в Дюссельдорфе фигурировали «Нищенка с чашкой» и «Слепой нищий».

В дальнейшем Барлах не раз перефразировал образные и композиционные приемы из произведений 1906-1908 годов «Лежащий мужик» (1908) узнается в «Отдыхающем страннике» (1910), «Нищая на корточках» (1907) - в «Экстатирующей» (1920), «Сидящая женщина» (1907) - в «Сидящей старухе» (1933). Женский тип, найденный в России, с определенностью ощущается в некоторых собирательных образах конца десятых - тридцатых годов в «Зябнущей девушке» (1917), «Закутанной нищей» (1919), «Степнячке» (1921), «Плачущей» (1923), «Мерзнущей старухе» (1937), «Годе 1937-м» (1936).

Пребывание в Италии (1909) завершило его профессиональное формирование скульптора-практика, хорошо знакомого с капризами и радостями своего трудного ремесла.

С 1910 года Барлах жил и работал в Гюстрове, здесь начался расцвет его таланта, и здесь же он испытал жестокое разочарование. «В Гюстрове великолепная деревянная пластика и каменная тоже», - объяснял скульптор одну из причин своего выбора.

За двадцать восемь лет, прожитых в Гюстрове, Барлах написал восемь драм, два романа, много прозаических эссе и очерков, создал свыше ста пятидесяти скульптур, в том числе и три своих знаменитых памятника. В Гюстрове мастер по-прежнему предпочитал проводить свободные часы в уединении с природой, на редкость гармонирующей в своем здешнем варианте с его душевным настроем. Все это время художник почти не покидает города. Иногда Барлах совершает поездки по средневековым городам. Так, в 1924 году Барлах едет в Любек, Ратцебург, Мёльн, в 1925 - во Франкфурт, Шпессарт, Нюрнберг, а в 1926 - в Ноймюнстер и вторично в Любек.

Первая мировая война потрясла Барлаха. Сам он по состоянию здоровья не подлежал мобилизации. Но каждая встреча с инвалидом войны повергала его в отчаяние. «Невозможно от них отвлечься! Трехногий бедняга надвигается на тебя с вопросом «Каково пришлось бы тебе на моем месте» Мы должны оказаться состоятельными по отношению к ним, к их жестам, которые ужаснее пафоса нищеты или разбойничьего свиста...» В стремлении оказать хоть какую-то действенную помощь людям Барлах даже поступает работать в гюстровский сиротский приют.

После того как в 1919 году Барлаха избирают членом Прусской академии художеств и приглашают переехать в Берлин. Ему предлагают стать профессором в академических мастерских. В 1925 году художник избирается в почетные члены Мюнхенской академии художеств.

Барлах отвергает все лестные приглашения, отказываясь покинуть полюбившийся ему Гюстров. Лишь несколько человек имеют доступ в его мастерскую, самые верные его друзья учитель Фридрих Шульт, скульпторы Бернгард и Марга Бемер, коллекционер Курт Драгендорф.

В двадцатых годах Барлах создал ряд программных произведений, так или иначе связанных с евангельскими темами надгробие матери, «Отдых», рельеф «Апостол», «Смерть» (или «Группа из трех фигур»), «Встреча»), а также знаменитые памятники для Киля (1921), Гюстрова (1927) и Магдебурга (1929).

В 1929 году, когда был установлен памятник в Магдебургском соборе, вокруг него сразу началась жестокая борьба. Фашисты не могли сразу же вышвырнуть его вон - для этого Барлах был слишком прославлен.

Началась самая трудная и мрачная пора жизни Барлаха. Его скульптуры выбрасывали из музеев, ему запрещали участвовать в международных выставках. Гюстровскому памятнику была предназначена самая зловещая для скульптора судьба - его переплавили на снаряды.

В 1938 году запретом была прервана последняя работа мастера - крещальная купель для церкви Иоанна в Хамме (Вестфалия), уже опробованная в гипсе в двух вариантах. Запретив работать Барлаху, фашисты надеялись принудить его к эмиграции. Однако скульптор отказался «Я - немец и останусь в Германии».

Мститель

Накал страстей скрыто внутри формы, заметны переклички с кубизмом

Поющий мужина

Парящий ангел

Черты лица ангела повторяют облик художницы Кете Кольвиц. Скульптура была создана в 1927 году в память о погибших в годы Первой мировой войны для собора в Гюстрове. В 1937 году она была изъята и переплавлена для производства оружия. Сам автор был объявлен представителем «дегенеративного искусства». Позже по сохранившемуся гипсовому оригиналу были воспроизведены две скульптуры: для Кельна и для Гюстрова.

Скульптура находится в Кёльне в Антонитеркирхе (Antoniterkirche), которая была построена в 1384 году. После того как в городе было разрешено селиться протестантам, церковь была передана их общине. Фигура ангела с прижатыми к груди руками и устремленной вперед головой уподоблена птице, несущейся со сложенными крыльями, одновременно разрезающей пространство и недвижно зависающей в нем. Сливая воедино противоположные мотивы стремительного полета и оцепенелого парения, Барлах достигает впечатления бесконечной длительности, вечного пребывания в настоящем. На лице ангела с закрытыми глазами и плотно сомкнутыми устами запечатлелось выражение скорби и надмирной отрешенности. Размещение фигуры над местом купели пробуждает представление о непрерывно возобновляющемся цикле человеческой жизни, от рождения до смерти.

Смеющаяся старуха

КЕТЕ КОЛЬВИЦ

Выросла в семье, причастной к рабочему движению и идеям социализма. Училась у К.Штауффер-Берна в Берлине (1885-1886) и у Л.Хертериха в Мюнхене (1888-1889). В 1919-33 профессор берлинской AX, изгнана оттуда фашистами. В 1927 посетила СССР. Творчество Кольвиц, посвященное немецкому пролетариату и его освободительной борьбе, - одна из вершин европейского революционного реалистического искусства. Уже в ранних офортах и литографиях, созданных под влиянием графики М.Клингера, обнаруживаются характерные для Кольвиц драматическая напряжённость и психологическая насыщенность образов, динамичная композиция, светотеневые контрасты. Серии "Восстание ткачей" (1897-98) и "Крестьянская война" (1903-08) представляют собой развёрнутое повествование о невыносимых условиях жизни, восстании и его разгроме. В этих сериях с медленным нарастанием событий, героической кульминацией и скорбным, драматическим финалом, особенно во втором, более обобщённом и экспрессивном цикле, Кольвиц поднимается до высокого трагизма и революционного пафоса. Первая мировая война 1914- 1918 была воспринята Кольвиц, потерявшей сына, сквозь призму личной трагедии, что окрасило её творчество в мрачные, жертвенные тона (цикл гравюр на дереве "Война", 1922-23; "Родители" - памятник немецким солдатам воВладело, Бельгия, гранит, 1924-32). В остро эмоциональном восприятии ужасов войны и трагедий рабочих семей в городских трущобах (цикл литографий "Голод", 1924; цикл гравюр на дереве "Пролетариат", 1925) Кольвиц в некоторой мере сближается с экспрессионизмом; при этом ведущую роль в её творчестве играют гуманистические общественные идеи, протест против гнёта, насилия и войны, призыв к единению трудящихся ("Памяти К.Либкнехта", гравюра на дереве, 1919-20; плакаты, созданные в 1920-е гг. по поручению компартии Германии; литографии "Демонстрация", 1931, "Мы защищаем Советский Союз", 1931-32). Последние годы жизни Кольвиц работала как скульптор, в 1942 создала в литографии героический образ матери, защищающей детей от гибели на полях войны.

Автопортреты

серия «Восстание ткачей» (Обрезная гравюра)

Нужда

Заговор

Штурм у фабрики

Шествие ткачей

серия «Крестьянская война»

-организация пространства, контраст тонов

Вспышка

Вспахивание

серия «Война»

поиск системы символов уход от повествовательных

мотивов

Изнасилованная

Смерть ребенка

ФРАНС МАЗЕРЕЛЬ (БЕЛЬГИЯ)

представитель левого экспрессионизма, мастер больших графических циклов-«романов». Напряженность общественной и политической борьбы, социальные контрасты в современном капиталистическом мире — источники творчества бельгийского художника, представителя символизма и экспрессионизма, Франса Мазереля (1889—1972), создателя мужественного и динамичного стиля в современной революционной графике. Стиль Мазереля решителен, чеканен, предельно эмоционален. Негодующий или ликующий призывный тон его гравюр придает им характер злободневных хроникальных прокламаций, политических памфлетов, плакатов, обладающих огромной действенной силой, доступностью выражения. Мазерель работал главным образом во Франции, но много путешествовал (Германия, Англия, Тунис, Швейцария, Россия). Первая мировая война воспитала в нем стойкого борца против милитаризма с его неумолимой жестокостью (репортажные рисунки из газеты «Ла Фей», 1917—1920; сюита «Мертвые встают», 1917), блестящего публициста, защитника человеческого достоинства, любящего жизнь и людей. В дальнейшем основная тема гравюр и рисунков Мазереля — страстное разоблачение капиталистического общества, вера в идеи мира, демократии, справедливости, неисчерпаемые силы народа, поднявшегося на борьбу. Ранние работы Мазереля отмечены влиянием экспрессионизма — он остро чувствовал уродливость капиталистического мира, запечатлевал его образ в утрированной форме. Приемы экспрессионизма, однако, для Мазереля не имеют самодовлеющего значения, они применены для заострения объективного содержания, заключенного в гравюре. Особенно волнует его социальная тема кипучей жизни капиталистического города с ее контрастами, лихорадочным ритмом и жестоким бездушием, с ее пороками и героикой, с ее беспримерным богатством и ужасающей нищетой (серия «Город», 1925). С калейдоскопической быстротой в листах Мазереля сменяются вздымающиеся вверх, теснящие человека гигантские небоскребы, дымящие фабричные трубы, хаос автомобилей, фантасмагория сверкающих реклам и витрин магазинов, бестолковая суета массы спешащих людей, фешенебельные кварталы, зловещие трущобы и т. д. И все же человек не поглощается окружающей его средой. Герой Мазереля — работник-интеллигент, строитель, полон энергии, обуреваем высокими идеями, способен к ярким переживаниям. Подавленный одиночеством, он вступает в конфликт с обществом, испытывает превратности жизни, мужает, побеждает и ликует или гибнет. С конца 1900-х годов для Мазереля становится характерным в гравюрах жанр «романа в картинках». В них график раскрывает жизнь в сложных конфликтах и контрастах, повседневных и героических аспектах. «Страдания человека» (1918) — это поэтически-взволнованная повесть о внутреннем росте задавленного пролетария, который в трагической борьбе с жизнью в капиталистическом обществе становится героем-революционером. Финал серии — композиция «Расстрел». Одинокая фигура рабочего с гордым сознанием независимости противостоит невидимым врагам. Она воспринимается как символ мужества тех, кто победит в борьбе за справедливое будущее. Резкие контрасты черного и белого рождают трагический пафос листа, увековечивающего героя. Художник не описывает, а дает большие социальные обобщения, часто в одной фигуре, в одном факте выражает сложное содержание жизни, сочетает иронию, доходящую до гротеска, со светлой романтикой. К лучшим работам Франса Мазереля относятся социально-сатирические серии гравюр: «Мой часослов» (1920), «Идея» (1920), «Город» (1925). Мазерель пользуется здесь приемами иносказаний, гипербол, гротеска, сочетая их с жизненно верными деталями. Художественный язык Мазереля суров, полон напряжения и контрастов. Мазерель предпочитает гравюру на дереве с характерным для нее лаконизмом, четкостью, звучным контрастом густо-черного и ярко-белого. Художник любит динамичные композиции, ракурсы, необычные точки зрения, острые, угловатые, порою резкие формы, рвущиеся, ломающиеся или следующие контуру предмета линии — они усиливают экспрессию его образов. Варьирование соотношения штрихов в его листах рождает впечатление красочного богатства и разнообразия. Мазерель — поразительный мастер в передаче света, чаще искусственного, ночного, во многом определяющего эмоциональный строй его образов. С поразительной гибкостью художник передает и остросоциальные характеристики, и лирические переживания («Сирена», 1932), и прямоту агитационного призыва, и грозную патетику «(Апокалипсис нашего времени», 1940—1944). Вера в свободного и сильного человека-творца отличает его поздние работы: «Юность» (1948), «Рабочий» (1949). Творчество гуманистов-художников Мазереля и Кольвиц стало истоком прогрессивной графики 20 века. Полное мыслей и чувств, оно выражало созревание нового революционного сознания.

Автопортрет

стремиться к созданию своих символов

Расстрел (из серии «Крестный путь»)

Город

-перекличка с Пикассо

"Современной пластикой" назвал Мазерель рисунок, на котором показано, как человека разрывают взрывом. Европа содрогалась от ужасов войны. разрушение, летящие самолеты- отражение происходящего в мире