19. Живопись и скульптура постмодернизма. Неоэкспрессионизм, граффитизм, трансавангард, «новые дикие».

Неоэкспрессионизм

— направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

граффитизм, - течение в современном искусстве 1970-80-х годов, возникшее в Америке. Характеризуется переносом приемов и образов граффити в станковую живопись и графику.

трансавангард, течение в европейской живописи постмодернизма. Трансавангард обращается к традиции европейского авангардизма. Эстетическое кредо заключается в противопоставлении неоавангарду (в частности, концептуализму), новой живописности, фигуративности, экспрессивности, ярко выраженного личностного начала. Термин «трансавангард» введен в 1979 году итальянским художественным критиком Антонио Бонито Олива в статье, посвященной творчеству пяти итальянских художников — Сандро Чиа, Франческо Клементе, У. Куччи, Никола де Мариа, Миммо Паладино. В 1982 году в работе «Интернациональный трансавангард», написанной в соавторстве с ведущими европейскими и американскими художественными критиками, Бонито Олива объединяет под этим названием немецкий неоэкспрессионизм, аргентинскую новую образность, французскую свободную фигуративность. В том же году в Берлине проходит выставка, представляющая в качестве трансавангардистов ряд художников, объединенных стремлением к «реактивации»художественных стилей прошлого и, в частности, региональных, национальных художественных традиций, включая первобытные. В центре внимания трансавангарда — проблемы телесности (Ф. Клементе), народных верований (М. Паладино), современной интерпретации эстетического наследия кубизма, футуризма (С. Чиа), сюрреализма (У. Кучча), «неформальной» традиции в живописи 50-60-х годов. (Н. Де Мариа).

«Новые дикие».

(нем. Neue Wilde, Новые фовисты) — течение немецкого постмодернизма в живописи. Дистанцируясь от концептуализма и минимализма, «Новые дикие» возвращаются к фигуративности, цвету, экспрессивности, спонтанным методам создания произведений, апеллируют к фовизму, живописи Анри Матисс. Другие творческие источники — немецкий экспрессионизм и многообразные формы современной субкультуры. Движение «Новых диких» возникло в конце 70-х годов XX века в Германии. Одной из его первых акций стала организация выставки «Новый дух в живописи» (Лондон, 1981), объединившей произведения молодых художников и их предшественников — Пабло Пикассо, Ф. Бэкона, Э. Уорхола, Д. Хокни. Целью выставки был новый взгляд на искусство живописцев старшего поколения, соответствующий постмодернистской установке на творческое освоение художественного наследия прошлого. Эту линию продолжила следующая выставка — «Дух времени» (Берлин, 1982), чьей целью было освещение актуальных эстетических, теоретических и психологических проблем на материале живописи прошлого и настоящего.

Сверхзадача «Новых диких» — обновление художественного видения в духе новой фигуративности, порой посредством эстетического шока. Георг Базелиц при экспонировании переворачивает свои полотна ради дестабилизации привычного зрительского взгляда на картину, выявления ее глубинной структуры. Используя данные теории информации, А. Пенк создает авторские знаки исторического развития человечества. Тематика картин Ансельма Кифера, Йорга Иммендорфа, связана со спецификой исторической, политической и культурной жизни Германии (роль мифов и истории в немецком национальном сознании).

ДЖУЛИАН ШНАБЕЛЬ

родился 26 октября 1951 года нью-йоркском районе Бруклин.

В начале 1979 у Шнабеля состоялась первая персональная выставка в галерее Мэри Бун в Нью Йорке. В этом же году он показывает несколько своих «тарелочных» картин (в которые были вмонтированы осколки фарфора). Картины Шнабеля 1980-х годов, в основном очень большие, были сделаны наспех и отличались обилием материалов и стилей. В качестве холста художник часто использовал линолеум, бархат, звериные шкуры. Из картин выступали различные предметы. Например, оленьи рога, как на картине «Предыстория: Слава, Честь, Привилегия, Надежда», 1981 года. Шнабель создавал похожие на коллажи, с цитатами из старых мастеров, порой ребячливые картины. Следующие несколько лет он часто путешествует по Европе, где впечатлен работами Гауди, Сая Туомбли и Йозефа Бойса. Он участвует в Венецианском биеннале в 1980 и к середине 1980-х становится заметной фигурой среди неоэкспрессионистов. Живёт в Нью-Йорке.

Мария Каласс

Побег

Прогулка домой

Уголок Мадрида

Избранные работы

ЖАН-МИШЕЛЬ БАСКИЯ

Творчество Баския можно условно разделить на три периода. В ранний период, с 1980 по 1982, он часто изображает скелеты и маскообразные лица, в чем выражается его необычайный интерес к смертности. Другие наиболее частые образы: автомобили, здания, полиция, игры детей на тротуаре и граффити, пришедшие из его опыта рисования на улицах города. Средний период, с конца 1982 по 1985 год отмечен интересом Баския к его гаитянским корням. Последний период, с 1986 до смерти в 1988, отмечен новой манерой и новыми образами.

Прыжок в Палм-бич

КИТ ХАРИНГ

был художником и социальным активистом. Его работы стали своеобразным ответом уличной культуре Нью-Йорка в 80-е. Он родился в городе Reading (штат Пенсильвания), но вырос в Kutztown. Искусством интересовался с раннего возраста. В особенности уличной культурой и мультипликацией.

Стена Кита Харинга в Милане

После окончания школы Кит перебрался в Нью-Йорк, где его и захватила волна граффити. Здесь он нашел сообщества, близкие ему по духу, которые были альтернативой тому искусству, что показывалось в галереях и музеях. Граффити процветало в подземке, на улицах, на дискотеках. В это время его поддержали и стали его друзьями Кенни Шарф и Жан-Мишель Баския. Они, так же как и известные альтернативные художники и музыканты того времени, входили в альтернативное сообщество.

В 1980-х Харинг начинает создавать свои работы, изобретая при этом очень необычный стиль. Смесь мультипликации, абстракции и сверхъестественных персонажей. Начиная с этого времени, Кит стал настоящей звездой в американском искусстве.

Его влияние распространилось и за пределы США, в Европу и Азию. Работы Харинга выражают затаенные (первобытные) чувства человека, которые есть у каждого городского жителя! Теперь Кит Харинг по праву считается одним из отцов уличного искусства.

ДЖОНАТАН БОРОФСКИ

Американский скульптор. Родился в Бостоне в 1942г. Одна из самых известных скульптур – «Мужчина с молотком» - выставлялась в разных частях света. Она изображает образ рабочего, занятого своим делом (это может быть фермер, компьютерный инженер и тд.)

Мужчина с молотком

Другая его скульптура выполненная из стали и смолы, поочередно выставляется на всеобщее обозрение в крупнейших городах мира - на настоящий момент в список уже вошли Даллас, Питсбург и Сеул. Высота композиции Walking to the Sky составляет тридцать метров; в рамках масштабной работы Борофски создал скульптурные изображения десятерых людей, включая нескольких, стоящих рядом со столбом на земле и "наблюдающих" за происходящим Сам скульптор полагает, что его работа отражает "наше коллективное стремление к мудрости и открытому сознанию". Каждый волен сам решать, получается ли разглядеть к скульптуре "мудрость", - но факт есть факт: зрелище, нарушающее привычные представления о гравитации, выглядит эффектно и вдохновляюще.

Walking to the Sky

ДЭВИД САЛЛЕ

американский живописец. Родился в Оклахоме. Получил образование в Калифорнийском институте искусств, где учился у Джона Балдессари. Работы Салле привлекли внимание публики в Нью-Йорке в начале 1980-х. Первая персональная выставка Дэвида Салле состоялась в 1980, а вторая, совместно с Джулианом Шнабелем, в Галерее Мэри Бун в 1981. Живопись художника выглядела составленной из множества соседствующих образов или была композицией из изображений, нарисованных поверх друг друга или внахлест. Художник и критик Томас Лоусон писал о работах Салле: «Часто его тема — обнаженные женщины, представленные как объект. Порой это мужчины. В лучшем случае эти представители человечества даны бегло, поверхностно, экспромтом; в худшем — они брутальны, искажены… смысл где-то брезжит, но мучительно утаивается… это мертвое, инертное выражение невозможности страсти в культуре, где самовыражение регулируется законом»

-

ФРАНЧЕСКО КЛЕМЕНТЕ

Итало-американский современный художник и дизайнер, работы которого содержат отсылки к творчеству экспрессионистов и сюрреалистов. В 1973 Клементе впервые посетил Индию, страну, в которую он будет возвращаться снова и снова. В 1974 он встретил Alba Primiceri, театральную актрису, на которой позднее женился. В 1976 и 1977 Клементе провел время в Мадрасском теософском обществе, где изучал религиозные и духовные тексты в библиотеке. Его интерес к духовной жизни и другим не европейским культурам сочетался с увлечением местной культурой и ремеслами. Клементе начал сотрудничать с индийскими мастерами миниатюры и изготовления бумаги, как в серии «Pinxit» (1980-81) — миниатюр гуашью на сделанной вручную бумаге.

Он продолжал создавать рисунки и другие работы на бумаге в 1970-х, изучая то, что стало его характерными темами: человеческие формы; его собственный образ; сексуальность; миф и духовность; не западные символы; видения.

Клементе стал известен в 1970-х субъективными, эротическими образами часто изуродованных частей тела, искаженными автопортретами и амбивалентными фигурами, часто изображенными в насыщенных цветах. Участие Клементе в 1980 в Венецианской биеннале привлекло к нему международное внимание. Он быстро стал рассматриваться как один из лидеров «возвращения к фигуративности», названного трансавангардом в Италииъ и неоэкспрессионизмом в США. Это признание совпало с переездом Клементе в Нью-Йорк со своей растущей семьей. В 1981 он изучал санскрит в Нью-Йорке.

В 1981—1982 Клементе создал первую большую живопись маслом, серию из двенадцати картин, названных «Fourteen Stations», которая была показана в Whitechapel Art Gallery в Лондоне в 1983. В следующем году он сотрудничал с Энди Уорхолом и Жан-Мишелем Баския над рядом работ. Помимо работ большого формата Клементе создал ряд книжных проектов, включая три уникальных работы с поэтом Алленом Гинзбергом.

В 1980-х Клементе продолжал совершать путешествия по Индии; он также жил в Италии и на американском юго-западе. В 1990-х он добавил Ямайку к списку своих любимых мест и начал работать в студии в Нью-Мексико. Он использовал метод восковой фрески, известной как cera punica в это время. Во время поездки в 1995 в Mount Abu в Гималаях Клементе писал акварели.

Среди менее традиционных работ Клементе были росписи ночного клуба «Palladium» в Нью-Йорке (1985) и роспись и абажуры для нью-йоркского отеля Hudson, который открылся в 2000. Помимо этого, он создал около двух сотен работ для фильма «Большие ожидания» (1998) Альфонсо Куарона. В 2008 Клементе выставил портреты восьми звезд сезона в Metropolitan Opera на выставке, названной «The Sopranos» в Галерее Арнольда и Мирии Шварц в Нью-Йорке.

Полуночное солнце

Бабочки

ГЕОРГ БАЗЕЛИЦ

(наст. имя и фамилия Ханс-Георг Керн) (р. 1938), немецкий художник, один из основоположников стиля "новых диких".

Родился в Дойчбазелице (Саксония) 23 января 1938 в семье школьного учителя. В 1956 переехал в Восточный Берлин, где начал заниматься живописью. Будучи с юных лет нонконформистом, в 1957 был исключен из училища за "политическую незрелость", после чего поступил в западноберлинскую Высшую художественную школу. Вместе с другим молодым художником из Саксонии, О.Шёнебеком, устроил в районе Вильмерсдорф выставку "Пандемониум-1" (1961). В манифесте, выпущенном по этому случаю, выразил резкое неприятие тогдашнего абстрактного искусства, критикуя его за манерность и "туманный произвол". С той поры подписывал свои вещи псевдонимом "Базелиц", взяв его в память о родном городе.

Обычно тяготел к предметным, фигуративным мотивам (в том числе и в живописи, показанной на выставке "Пандемониум-2", 1962); при этом, испытав значительное влияние А.Арто, особо ценил принцип арт-провокации, резкими и грубыми штрихами изображая стихию пола. Под влиянием пребывания в Италии и особенно под впечатлением флорентийского маньеризма 16 в., к середине 1960-х годов создал живописную серию Новый тип, более классичную по формам и пластически-четкую. После своего итальянского периода, вернувшись в Германию, жил в основном в Остхофене-на-Вормсе и близ Хильдесхайма. В 1990-е годы обосновался на Корсике (городок Империя).

Главным рубежом его творческой зрелости можно считать  т. н. франкфуртские картины второй половины 1960-х годов. Работая обычно крупным мазком и в нарочито жестком, подчеркнуто "недекоративном" колорите, Базелиц сформулировал свое кредо следующим образом: "Реальность — это сама картина, а совсем не то, что на картине". Люди и их бытовые аксессуары превращаются у Базелица в монументальные, контрастные пятна, абсурдные с сюжетной точки зрения, но пульсирующие собственным агрессивным бытием. С конца 1960-х годов его фирменным приемом стал "перевернутый образ" с центральным фигурным мотивом, обращенным вниз головой. Таким путем Базелиц стремился сделать манеру письма предельно нетрадиционной, как бы обернув ее "вокруг своей оси". Начиная с раскрашенной деревянной Модели (1979-1980) активно занимался и скульптурой.

С 1976 занимал пост профессора Академии искусств в Карлсруэ, а с 1983 — западноберлинской Высшей художественной школы. Отказался в 1989 от профессорства в знак протеста против приглашения в берлинскую Высшую школу Ф.Штельцмана, известного восточногерманского художника и, с точки зрения Базелица, "соцреалиста".

Большая ночь в ведре

Для Ларри

Клоун

Георг с красным флагом

АНСЕЛЬМ КИФЕР

Доминирующая в живописи Кифера тема разрушения, распада, занимающегося пожара метафорически соотносится с различными аспектами человеческого и природного бытия: историей, культурой, экологией. Заброшенные руинированные здания, мощные колоннады, мрачные подземелья, изрытые ландшафты трактуются как подполье современной цивилизации, вместилище коллективного бессознательного. Грандиозные монолиты, обветшавшие субструкции взывают к теням прошлого: легендам, мифам, преданиям, архетипическим символам, историческим событиям, роковым образом связанным с современностью. Художник постоянно обращается к теме Третьего рейха и его глубинным истокам, извратившим немецкую культуру, дух нации. Кифер работает в сложных смешанных техниках: масляная живопись сочетается с клеевой краской, эмульсией, акрилом, лаком, углем, гравюрой на дереве, фотографией, коллажем; в красочный слой часто подмешивается солома. Картины Кифера, погруженные в колористическую атмосферу пожарища, испускают реликтовое излучение прошлого; их разрыхленная, многослойная фактура ассоциируется с напластованиями генетической памяти.

Творчество Кифера, развивающееся в русле неоэкспрессионистической тенденции в немецком искусстве 1970—1980-х, вместе с тем примыкает к общеевропейскому течению археологизма. Характерные работы художника: Картина выжженной земли (1974, частное собрание), Пути мировой мудрости: Битва Германа (1978, Лондон, частное собрание), Дерево и крыло (1979, Кёльн, Музей Людвига), Песнь Велунда (1982, частное собрание), Неизвестному художнику (1982, Роттердам, Музей Бойманса — ван Бёнингена), Лестница (1982—1983, частное собрание), Суламифь (1983, Лондон, частное собрание).

Кифер занимается также гравюрой на дереве и фотографией.

Атанор

Маргарет

Меланхолия

Осирис и Исида

Туманность

ЙОРГ ИММЕНДОРФ

В студенческие годы Иммендорф вступает в маоистскую КПГ/АО, для которой создаёт художественный пропагандистский материал. Занимал крайне левые позиции на западногерманской политической сцене: активно поддерживает Северный Вьетнам в его сопротивлении американской агрессии, вступает в «Лигу против империализма».

С 1968 по 1981 год художник преподаёт в школе рисование (в 1971-1981 — в Дюссельдорфе). В 1972 году он учатвует в выставке современного искусства в Касселе документа 5, выставляя на ней свои критические, антикапиталистической направленности, работы. Со 2-й половины 1970-х годов Иммендорф обращается к исторической живописи, сближается с движением Новые дикие. В 1976 году он участвует в венецианском биеннале. Тесная дружба в этот период связывает Иммендорфа с художником из ГДР А. Р. Пенком. С ним он вместе работает над художественными произведениями, посвящёнными германо-германским отношениям.

Международную известность принесли Иммендорфу его 16 крупноформатных полотен «Кафе Германия», навеянные творчеством Ренато Гуттузо. В 1982 году мастер выставляет свою скульптуру «Бранденбургские ворота» на документа 7. В 1980-е годы Иммендорф становится одним из самых известных художников Германии. С 1989 года он — профессор Гос. высшей школы изобразительного искусства во Франкфурте-на-Майне, с 1996 года — профессор Академии искусств Дюссельдорфа.

Серия «Кафе Германия»

МАРТИН КИППЕНБЕРГЕР

художник, скульптор и фотограф, представитель движения новые дикие, известен многочисленными работами в головокружительном диапазоне стилей и медиа, а также провокационным поведением и пьянством.

Репутация и влияние Киппенбергера выросли после его смерти. Его творчество стало предметом нескольких больших ретроспектив, включая выставку в Tate Modern в 2006 и «the Problem Perspective» в Музее современного искусства в Лос-Анджелесе в 2008 (выставка была затем показана в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 2009).

Стратегией Киппенбергера было создавать работы шокирующие, неприятные, беспокоящие. Хотя иногда они выглядят юмористическими или поверхностными, под этим тонким слоем лежат серьёзные вопросы о моральной ответственности художника, ценностях и убеждениях западной культуры и природы человеческого разрушения.

В 1987 Киппенбергер интегрировал живопись Герхарда Рихтера, которую он купил, в крышку кофейного столика, поставив вопросы о социальной функции искусства, его ценности и статусе.

В 2003 году работы Киппенбергера украшали немецкий павильон на 50-ой Венецианской биеннале. В 2006 в лондонской галерее Тейт была организована большая ретроспективная выставка художника.

Художественное творчество Киппенбергера, в значительной мере провокативное и нонконформисткое, относится к направлению Новых диких. Большую часть своих произведений он создавал в состоянии алкогольного опьянения.

Симпатичная коммунистка

Счастливый конец Америки Франца Кафки, 1994

Кило

Молодой и прогрессивный

Портрет Поля Шербера

Прейслос

без названия

Ожидающий