Итальянское Возрождение

Классической страной Возрождения была Италия. Итальянский Ренессанс подразделяется на: Проторенессанс – дученто (XIII в), треченто (XIV в), Ранний Ренессанс – кватроченто (XV в), Высокий Ренессанс – чинквеченто (начало XVI в).

Проторенессанс

Дученто (ит. ducento – двести) – тринадцатый век, т.е. тысяча двухсотые годы. В период XII и XIII веков Возрождение было чисто итальянским явлением. Это было время расцвета городских коммун, отхода от позднеготического канона. Центр культуры переместился из монастыря, замка и поместья в город. В возникновении феномена Возрождения огромную роль сыграл особый характер городов центральной и северо-восточной Италии – Флоренции, Милана, Генуи, Пизы, Венеции и Рима. Города Италии были городами мастеров. Так, во Флоренции в мастерских цеха шерстяников работало около 30 тыс. человек, что составляло треть городского населения.

Для дученто характерно соперничество локальных школ, таких, как флорентийская, римская, пизанская, индивидуализация художественного творчества, интерес к античному искусству. Среди ведущих художников дученто – Чимабуэ (1240-1302), Пьетро Каваллини (1240 – 1330), Джотто, играющий в становлении живописи Возрождения такую же роль, как Данте в литературе. Джотто ди Бондоне родился в 1266 (1267) г в Колле де Веспиньяно близ Флоренции. Его учителем был Чимабуэ. Джотто находился под большим влиянием византийской живописи и в основном писал фрески. К его ранним творениям относятся фрески на тему Ветхого и Нового Завета. Затем Джотто переезжает в Рим, где на него большое впечатление оказали раннехристианские мозаики. Во второй половине 90-х годов Джотто работает в Ассизи в Церкви Сан-Франческо, где применяет метод, заимствованный им из практики художников-мозаичистов: на стене, покрытой толстым слоем грубой штукатурки, красной краской наносился рисунок, затем работу продолжали помощники, после чего часть нарисованной композиции вновь покрывалась тонким слоем штукатурки. Легкой штриховкой светлой охрой рисунок восстанавливался, после чего живопись выполнялась в технике фрески. Некоторые детали – орнамент, пейзаж – Джотто писал по-сухому.

Наиболее известные произведения Джотто – фрески в капелле дель Арена в Падуе, которые Джотто писал, начиная с 1304 г. Капелла получила своё название по месту расположения – там, где она сейчас находится, располагался античный амфитеатр. Основная часть цикла, созданного Джотто, состоит из 34-х сцен, написанных в три яруса на северной и южной стене капеллы. В верхнем ряду изображены сцены из жизни Девы Марии и её родителей, святых Иоакима и Анны. Средний ряд занимают фрески, посвященные жизни Христа. Третий ряд фресок рассказывает о Страстях Господних и Его воскресении. Ниже этих основных сцен написано 14 аллегорических образов добродетелей и пороков. Они расположены как бы «смотрящими» друг на друга. Над входной дверью, пробитой в Западной стене, помещена большая сцена Страшного суда. У основания этой фрески Джотто изобразил Энрико Скровеньи, протягивающего уменьшенную в масштабе капеллу Деве Марии.

Над аркой с внешней стороны алтаря – ещё одна фреска Джотто, на которой изображен Господь, посылающий архангела Гавриила к Деве Марии с сообщением о скором рождении Иисуса Христа. Немного ниже, на одной стороне арки Гавриил сообщает эту новость Марии, а на другой стороне – Мария внимает небесному посланнику. Простой деревянный потолок капеллы выкрашен в символизирующий небеса синий цвет. На этом фоне Джотто написал десять медальонов с изображением Девы Марии, Иисуса и ветхозаветных пророков. Наиболее выразительна и интересна фреска «Поцелуй Иуды», прежде всего по своей композиции. Здесь показан драматический момент, когда Иуда, обнимая Христа, тем самым указывает римским воинам на него. Тела Христа и Иуды показаны Джотто как одно укрытое плащом объемное тело с двумя головами, причем он намеренно противопоставляет их профили. В этих слившихся телах Джотто символизирует сочетание божественного и дьявольского в человеке, Христово и иудово начало. Их вечное единство и противоположность определяет суть человеческой души.

С 1328 г. Джотто работает при дворе короля Анжуйского в Неаполе, с начала 30-х гг. во Флоренции, с 1334 г. руководит строительством флорентийского собора и начинает проектировать колокольню – кампаниллу. Джотто умер в 1337 г. во Флоренции. Одним из открытий Джотто является перспективное построение, которое утверждало в качестве своей основы соответствие воспринимаемой природе. Логика развития системы перспективного изображения обусловила и необходимость передачи светотени, тонально-цветовых отношений, пространственных планов. Перспективное изображение рассчитано на эффект присутствия наблюдателя, рассматривающего всю совокупность объектов с фиксированной точки зрения.

Для архитектуры и скульптуры Проторенессанса характерна некая эклектика стилей, в ней сочетаются принципы Средневековья, влияние местных школ и новые тенденции. Одним из произведений, сыгравшим значимую роль в развитии итальянской скульптуры, стала кафедра пизанского баптистерия, которая представляла монументальное сооружение, она была украшена скульптурами и рельефами с евангельскими сценами, созданными скульптором Никколо Пизано (ок. 1220 – 1284).

С середины XIII в. в Италию проникает готическая архитектура, в светской архитектуре усиливается влияние романского искусства. Возводятся здания городского самоуправления, такие, как Палаццо Веккьо, Палаццо дель Подеста во Флоренции. Итальянские готические церкви строят в Сиене, Орвиетто, в конце XIII в. возводится собор Санта-Мария дель Фьоре во Флоренции по проекту Арнольфо ди Камбио ок. 1245-1310). Для готических соборов Италии не характерен мистицизм, их отличает величавое спокойствие, что явилось влиянием романского зодчества.

В живописи треченто (ит. триста) создателем нового для итальянской живописи образа Мадонны, царственно-величавой и одновременно полной нежных материнских чувств, стал Амброджо Лоренцетти. Лоренцетти – один из крупнейших живописцев эпохи треченто, представитель сиенской школы, но много работавший во Флоренции. Он постоянно проявлял интерес к античности, самостоятельно разработал теорию прямой перспективы. Главная его работа – многоплановая композиция «Доброе и злое правление и их последствия». Лоренцетти отказался от схематизма в изображении природы, показывал ее с покрытыми виноградниками склонами, морскими заливами.

В Авиньоне под меценатством папского двора работали многие итальянские и французские художники, в том числе и сиенец Симоне Мартини (ок. 1284-1344). В первой трети XIV в. он создал монументальную фреску «Маэста» («Величие») для Палаццо Публико в Сиене, напротив поместив портрет кондотьера Гвидориччо да Фольяно. Мартини воплощал в своем творчестве дух уходящего рыцарства, «осени Средневековья». Во фреске «Благовещение» Мария предстает как прекрасная Дама, а архангел Гавриил изображен как рыцарь коленопреклоненно. Мартини создает новый художественный язык, основанный на выразительности линии, контура, но не на объеме. У него фиксируется разрыв между плотью и душой, отсутствует та гармония души и тела, которая будет основополагающей в Высоком Возрождении.

Сооружение монументальных резиденций коммунальных властей – специфическая черта итальянской архитектуры. Дворцы оставались на протяжении XIV в. главной целью городской застройки, т.к. примыкающие к ним площади служили местом официальных церемоний и народных празднеств, а их облик был призван воплотить идею величия города. Отсюда их колоссальные размеры: дозорная башня флорентийского Палаццо Веккио поднимается на 94 м. Парадный зал Палаццо делла Раджоне в Падуе был перекрыт в 1306 г. уникальным по размерам Коробовым сводом. Крупнейшим архитектором треченто был Арнольфо ди Камбио, который учился у Никколо Пизано. Работал во Флоренции, где начал сооружать церковь Санта-Кроче и Палаццо Веккьо, а также в Риме. С 1284 г. работал во Франции, где и приобрел известность. Скульптура треченто обособляется от стены, получает самостоятельное существование в отдельных монументальных ансамблях, церковных кафедрах, надгробных памятниках, городских фонтанах.

Ранний Ренессанс

Начало XV в. ознаменовано острым политическим кризисом, участниками которого были Флорентийская республика и Венеция с одной стороны, Миланское герцогство и Неаполитанское королевство – с другой. Завершился продолжавшийся с 1378 по 1417 гг. церковный раскол, и на соборе в Констанце был избран папа Мартин V, избравший своей резиденцией Рим.

Для Раннего Возрождения характерно преодоление позднеготических традиций и обращение к античному наследию. «Подражание природе» через постижение ее законов – главная идея трактатов по искусству этого времени. Если в XIV в. гуманизм был преимущественно достоянием литераторов, историков и поэтов, то в начале XV в. гуманистические искания проникают в живопись. Всех гуманистов этого века объединяет представление о человеке как о самом совершенном творении природы.

Первым итальянским архитектором, который ориентировался на древнеримское наследие, был Леон Баттиста Альберти (1404 – 1472). Абсолютным и первичным для Альберти была красота и гармония. На таком понимании красоты Альберти обосновал свое учение о созвучии, согласии всех вещей. В связи с понятием о соразмерности появляется интерес к законам гармонических числовых отношений, совершенных пропорций. Еще одно открытие кватроченто (ит. четыреста) – прямая перспектива. Первым ее применил Филиппо Брунеллески (1377-1446) в двух видах Флоренции. В 1416 г. ее использовал друг Брунеллески, скульптор Донателло в рельефах «Битва св. Георгия с драконом», а в 1427-1428 гг. Мазаччо создал в фреске «Троица» перспективное построение. Подробную теоретическую разработку принципов перспективы дал Альберти в «Трактате о живописи». Проекционный метод исходил не из отдельных предметных образов, а из пространственной связи предметов, при которой каждый отдельный предмет терял свой устойчивый облик. Перспективное изображение рассчитано на эффект присутствия и предполагает рисование с натуры с фиксированной точки зрения, а также передачу светотени и тонально-цветовых отношений.

Сущность и закономерности архитектуры определяются для теоретиков XV в. ее служением человеку. Поэтому популярной становится почерпнутая у Витрувия идея о подобии здания человеку. Формы здания уподоблялись пропорциям человеческого тела. В 1441 г. был найден трактат древнеримского архитектора Витрувия, изучение которого способствовало усвоению принципов ордерной системы. Архитекторы пытались выстроить модель идеального храма. По мнению Альберти, храм в плане должен быть подобен кругу или вписанному в него многограннику. Закономерным результатом разработки теории перспективы явилась разработка законов пропорций – пространственных соотношений отдельных элементов здания (высоты колонны и ширины арки, среднего диаметра колонны и ее высоты). Увлеченность античностью была свойственна мастерам кватроченто, но каждый творец создавал и сознавал собственный идеал античности.

В XV в. начали проводиться конкурсы на предоставление права какого-либо художественного проекта. В конкурсе 1418 г. на возведение купола собора Санта-Мария дель Фьоре выиграл Брунеллески – архитектор, математик и инженер. Купол должен был увенчать собор, построенный в начале XIII в. и расширенный в XIV в. Трудность состояла в том, что купол не мог быть возведен с помощью известных тогда технических приемов. Брунеллески вывел свой способ из приемов древнеримской каменной кладки, но изменил форму купольного сооружения. Слегка заостренный огромный (диаметр – 42 м.) купол состоял из двух оболочек, основной каркас – из 8 основных ребер и 16 дополнительных, связанных между собой погашающими распор горизонтальными кольцами.

Архитектурным воплощением сущности эпохи Возрождения стала созданная Брунеллески лоджия на фасаде Воспитательного дома во Флоренции. Новой была форма фасада. Портик был шире самого Воспитательного дома, к которому справа и слева примыкало еще по одному пролету. Это создавало впечатление широкой протяженности, что выражалось в просторности арочных пролетов аркад. В здании отсутствовали готические формы, вместо ориентации здания в высоту или глубину, Брунеллески заимствовал из античности гармоническое равновесие масс и объемов.

Леон Баттиста Альберти был первым архитектором, ориентирующимся, прежде всего на древнеримское наследие, глубоко понявшим смысл римского зодчества. Современников смущала необычность церковных построек Альберти; папе Пию I церковь Сан-Франческо в Римини показалась похожей на языческое капище, церковь Сан-Себастьяна в Мантуе напомнила одновременно и церковь, и мечеть. Альберти создал палаццо Ручеллаи во Флоренции с гладкими, лишенными рустовки стенами, нарядным оформление порталов и ордерной декорировкой фасада. В проекте мантуанской церкви Сант-Андреа Альберти соединил традиционную базиликальную форму храма с купольным покрытием. Для здания характерны величественность арок фасада, грандиозность внутреннего пространства. Стену по горизонтали пересекал широкий антаблемент. Решающее значение имел портик, а в нем свод, в котором нервюры были заменены плоским куполом. Другие архитекторы этого периода удачно совмещали функции проектировщиков и прорабов.

Живопись кватроченто – это, преимущественно монументальная живопись, т.е. фреска. Особенность фрески – необходимость использования ограниченного количества красителей, вступающих в соединение с известью. Из станковых видов живописи все большую роль начинает играть алтарь. Это не готический алтарь со множеством створок, а единая композиция – алтарная картина, т.н. pala. Под алтарной картиной понимается несколько маленьких вытянутых по горизонтали картин, образующих узкую полосу-пределлу. В первой половине XV в. появляется самостоятельный светский портрет.

Одним из первых художников эпохи стал Мазаччо (настоящее имя - Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи). Родился в 1401 г. Классическим образцом алтарной композиции стала его «Троица», созданная в 1428 г для церкви Санта-Мария Новелла во Флоренции. Фреска выполнена на стене, уходящей в глубину капеллы, которая построена в форме ренессансной арочной ниши. На росписи представлены распятие, фигуры Марии и Иоанна Крестителя. Их осеняет образ Бога-Отца. На переднем плане фрески запечатлены коленопреклоненные заказчики, как бы находящиеся в помещении церкви.

В те же годы Мазаччо (в содружестве с Мазолино) создал в церкви Санта-Мария дель Кармине росписи капеллы Бранкаччи, названные так по имени богатого флорентийского заказчика. Сюжеты росписей в основном посвящены истории апостола Петра. Иногда в выражении силы и остроты чувства Мазаччо опережает свое время. Вот фреска «Изгнание Адама и Евы из рая» в той же капелле Бранкаччи. Главное здесь – не библейский сюжет, а ощущение беспредельного человеческого отчаяния, которым охвачены Адам, закрывший лицо руками, и рыдающая Ева. В августе 1428 г. Мазаччо уехал в Рим, не закончив росписи, и вскоре внезапно умер. Капелла Бранкаччи стала местом паломничества живописцев, перенимавших приемы Мазаччо.

Беато Анджелико (1395-1455) в 1418 г. принимает постриг в доминиканском монастыре во Фьезоле, отныне зовется фра (брат) Джованни. В 1438 г. переезжает в монастырь Сан-Марко во Флоренции, в котором оформляет главный алтарный образ и кельи монахов. Самой известной работой фра Анджелико стала фреска «Благовещение». Пьеро делла Франческа (1420-1492) родился в Сан-Сеполькро и всю жизнь, несмотря на постоянные отлучки, возвращался работать в свой родной город. В 1452-1458 гг. Пьеро делла Франческа расписал главную капеллу церкви Сан-Франческо в Ареццо фресками на тему истории животворящего креста.

Перуджино (1450-1523). Настоящее имя – Пьетро Вануччи, родился недалеко от Перуджи, отсюда его прозвище Перуджино. В Риме в 1481 г. вместе с другими расписывал Флорентийскую капеллу на сюжеты Ветхого и Нового Завета, создавал алтарные композиции по заказу церквей и монастырей Северной Италии. Андреа Мантенья (1431-1506) был придворным живописцем герцога Гонзага в Мантуе, писал картины, создавал гравюры, декорации для спектаклей. В 1465-1474 гг. Мантенья оформил городской дворец Лудовико Гонзага и его семейства.

Последним из великих мастеров Кватроченто считается Сандро Боттичелли (1445-1510), близкий к флорентийским неоплатоникам своим устремлением в потусторонний мир, желанием выйти за рамки природных форм и истории. Творчество Боттичелли носит переходный характер от готики к Ренессансу. В его работах присутствуют такие характерные черты живописи Средневековья, как удлиненные пропорции фигур, плоскостное изображение пейзажа. Ранние работы Боттичелли отличаются мягким лиризмом. Он пишет портреты, полные внутренней жизни. Это и Джулиано Медичи, лицо которого отмечено печалью. В 90-х гг. им создан портрет Лоренцо Лоренциано, ученого, покончившего жизнь в 1504 г. в припадке безумия. Художник изображает почти скульптурно осязаемый образ.

«Весна» положила начало высшему расцвету деятельности Боттичелли, его слава достигла Рима. Следующий свой шедевр – «Рождение Венеры» Боттичелли написал в 1482-1483 гг. по заказу Лоренцо Медичи. В этих работах использованы античные женские образы Венеры, Флоры, но здесь нет языческого воспевания женской красоты, в них заложена идея христианства о рождении души из воды во время крещения. Для Боттичелли не существовало непроходимой грани между античностью и христианством. В свои религиозные картины художник вводит те же образы. Одна из знаменитых картин религиозного содержания – «Величание мадонны», созданная в 1483-1485 гг.

Ренессансная скульптура воплощала антропоцентризм Возрождения. Скульпторы итальянского Возрождения осуществляли индивидуализацию образа не только в плане физиономической персонификации, но и кА духовного самосознания личности. Главная особенность скульптуры XV в. – ее отделение от стены и ниши собора. Донателло (настоящее имя Донато ди Никколо ди Бетто Барди) (1386-1466) принадлежит изобретение особого вида рельефа, сущность которого состоит в тончайших градациях объемов, при которых наиболее выдвинутые фигуры вылеплены в высоком рельефе, наиболее отдаленные чуть выступают из фона. При этом пространство перспективно построено и позволяет вмещать множество фигур. Таковы рельефы с изображением чудес св. Антония в Падуе. Первым сплющенным рельефом Донателло явилась панель «Святой Георгий, убивающий дракона» (1420 г) Основная масса изображения сплющена и распластана, ограничена глубоко врезанным контуром, зачастую выполненным в технике наклонной борозды.

В 1430 г. Донателло создал «Давида» - первую обнаженную статую в итальянской скульптуре Возрождения. Статуя предназначалась для фонтана во внутреннем дворе палаццо Медичи. Почти десять лет Донателло работал в Падуе, где для городского собора святого Антония Донателло выполнил в 1446-1450 гг. огромный скульптурный алтарь со множеством статуй и рельефов. Одновременно Донателло выполнил в Падуе конную статую кондотьера Эразмо де Нарни, уроженца Падуи, находившегося на службе у Венецианской республики. Итальянцы прозвали его Гаттамелатой (Хитрой Кошкой). Это был один из первых ренессансных конных бронзовых монументов.

Высокий Ренессанс

Искусство чинквеченто охватывает сравнительно короткий период – от конца XV в. до конца второго десятилетия XVI в. Титанами эпохи Ренессанса называют Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти, Микеланджело Буонарроти.

Леонардо да Винчи родился в 1452 г. близ городка Винчи на полпути между Флоренцией и Пизой. В 1469 г. семья переселилась во Флоренцию и отец отдал Леонардо в учение к Андреа Верроккио. Одной из самых ранних его работ было «Благовещение». В конце 70-х гг. Леонардо пишет «Мадонну с цветком». В 1481 г. он поступает на службу к правителю Милана Лодовико Моро. Здесь он создал алтарную композицию «Мадонна в гроте» (1483-1494). Картина представляет собой большой, сверху закругленный прямоугольник. Планы картины плавно перетекают один в другой, без разрыва перспективы. Вся группа персонажей: Мария, младенцы Христос и Иоанн Креститель, ангел – изображена в пещере, а не на фоне пещеры, как это выполнялось в Средневековье. Персонажи связаны духовно, хотя и не смотрят друг на друга, очевидно, что есть некий стержень, объединяющий их. На это невидимое и тайное указывает перст ангела. Таинственность и мягкость придает и воздушная дымка, так называемая «сфумато». Здесь для передачи света и тени Леонардо использовал возможности масляной живописи, изобретенной в это время в Нидерландах.

В 80-е гг. Леонардо исполнил портреты: «Дама с горностаем», «Портрет музыканта», а также полотно «Мадонна Литта». Между 1495 и 1497 гг. Леонардо исполнил для миланского монастыря Санта-Мария деле Грацие «Тайную вечерю». Огромная фреска (4,6 х 8,8 м) занимает всю торцевую стену трапезной монастыря. Перспектива фрески продолжает перспективу трапезной. Христос и апостолы сидят как бы в этой же трапезной, но на некотором возвышении и в нише. Двенадцать апостолов представляют собой различные психологические типы. Все фигуры направлены к центру, и только Иуда изображен отшатнувшимся назад. Образ Христа – не только пространственный, колористический, но и духовный центр композиции. Учитель одинок в своем мудром спокойствии и покорности судьбе.

Весь миланский период творчества Леонардо занимается научными изысканиями. Он изучает анатомию человека и животных, природу света и звука, полет птиц, законы движения. Его интересует архитектура, он тщательно прорабатывает трактаты Витрувия, Альберти и Филарете. В 1499 г. Леонардо покидает Милан и возвращается во Флоренцию. В 1503 г. Леонардо начал портрет «Моны Лизы» («Джоконда»), над которым работал четыре года. Эта картина считается одним из шедевров не только художника, но и всей эпохи Возрождения. Искусствоведы до сих пор пытаются разгадать тайну улыбки Джоконды, но пока это никому не удалось. Здесь также используется прием сфумато. «Мона Лиза» является венцом творчества художника.

Последние годы жизни Леонардо да Винчи провел в скитаниях, он переезжал из Флоренции в Милан, затем в Рим. В конце концов он отправился во Францию, где поступил на службу к королю Франциску I. Умер художник в замке Клу в Амбуазе в мае 1519 г. До наших дней сохранилось множество рисунков и чертежей Леонардо, самое большое собрание его рисунков хранится в Виндзорской библиотеке Лондона.

Микеланджело Буонарроти (1474-1564) был скульптором, живописцем, архитектором и поэтом. Уже в первом оригинальном произведении – мраморной скульптурной группе «Пьета» (1498-1501 , Рим, собор св. Петра), посвященной трагической теме оплакивания Христа богоматерью, в классически ясных формах переданы гуманистические идеалы Возрождения, нравственная чистота и благородство Марии. В 1501 г. Микеланджело выполнил статую Давида высотой 5,5 м, изваянную из единой мраморной глыбы. Статуя была установлена на главной площади Флоренции рядом с ратушей Палаццо Веккио. В 1505 папа Юлий II вызвал Микеланджело в Рим и поручил ему роспись потолка Сикстинской капеллы. Вся роспись (600 кв. м) была выполнена Микеланджело собственноручно. Грандиозный ансамбль состоит из девяти композиций на библейские сюжеты о сотворении мира и жизни первых людей на земле: «Отделение света от теней», «Сотворение солнца и луны», «Сотворение деревьев и растений», «Сотворение Адама», «Сотворение Евы», «Грехопадение и изгнание из рая», «Жертвоприношение Ноя», «Потоп» и «Опьянение Ноя». Фреска, включающая более трехсот фигур, звучит вдохновенным гимном красоте, мощи, разуму человека, прославлением его творческого гения и героических деяний.

В 1536 г. Микеланджело приступил к созданию «Страшного суда»: центром композиции является Христос, единственная из фигур, не поддающаяся вихревому движению. Мария в смятении жмется к сыну, отвернувшись, чтобы не видеть происходящего. Христос с огненной молнией в руке, разделяет всех жителей Земли на праведников и грешников. В толпе низвергнутых грешников изображен папа Николай III, разрешивший продажу индульгенций. В этой фреске ясно ощущаются черты Позднего Возрождения.

В 1546 г. Микеланджело был назначен главным архитектором строящегося собора св. Петра в Ватикане. Начал строительство Донато Браманте, который использовал некоторые архитектурные идеи Леонардо да Винчи, после чего строительством руководили последовательно Рафаэль, Перуцци и Антонио да Сагалло. В отличие от этих архитекторов, пытавшихся приблизить план собора к латинскому кресту, Микеланджело вернулся к центрально-купольной системе, предложенной Браманте. Главное творение Микеланджело-зодчего – грандиозный, вознесенный к небу купол над центральной частью храма. В нем симбиоз готических (форма стрельчатой арки, каркас), и античных (купол, колонна) черт. Микеланджело умер 18 февраля 1564 г., оставив множество своих замыслов неисполненными.

Рафаэль Санти (1483-1520) родился в городе Урбино, при дворе герцога Урбинского, в семье придворного живописца и поэта. В 1500 г. Рафаэль переезжает в Перуджу и становится учеником Перуджино, под влиянием которого создает алтарный образ «Обручение Марии» в 1504 г. В том же году им написана картина «Мадонна Конестабиле». В 1504 г. Рафаэль переезжает во Флоренцию, где изучают перспективу, анатомию. Он становится мастером мадонн, отмеченных тонким лиризмом. Среди них – «Мадонна со щегленком», «Мадонна в кресле», «Мадонна в зелени».

В 1508 г. папа Юлий II пригласил Рафаэля в Рим и поручил ему расписать свои покои в Ватикане. Эти росписи известны сейчас как Ватиканские Станцы. Созданные Рафаэлем величественные фрески преобразили перекрытый низкими сводами покой, наполнили его светом, праздничным сиянием красок. Наиболее сильное воздействие оказывает фреска «Афинская школа», она прославляет мощь разума, объемлющего весь мир. В ее центре фигуры величественного старца Платона с чертами Леонардо да Винчи и чернокудрого вдохновенного Аристотеля. О различии их философских доктрин свидетельствуют указующие жесты: Платона – на небо, Аристотеля – на землю. Слева, внизу у лестницы, Пифагор, окруженный учениками, читает книгу, справа Эвклид (возможно, это портрет Браманте) чертит по грифельной доске. Погружен в глубокую задумчивость Гераклит Эфесский (предположительно с чертами Микеланджело). Неподалеку от Платона беседует со слушателями Сократ, а на ступенях полулежит основатель философской школы киников Диоген. У края фрески Рафаэль изобразил самого себя и живописца Содому, который до него работал в станце.

В 1516 г. Рафаэль пишет для церкви Святого Сикста в Пьяченце большую алтарную картину «Сикстинская мадонна». Вся картина решена как небесное явление: мадонна, легко ступающая по облакам с младенцем на руках, печально и тревожно смотрит куда-то вдаль, как будто предвидит трагическую судьбу сына. Слева от мадонны изображен папа Сикст IV, восторженно созерцающий чудо, справа святая Варвара, благоговейно потупившая взор. Внизу – два ангела, смотрящие вверх на мадонну и на ее не по-детски серьезного младенца. Безупречная гармония и динамичное равновесие композиции, естественность и свобода движений составляют неотразимую силу этого цельного прекрасного образа. После смерти Браманте Рафаэль становится главным архитектором Рима. Рафаэль умер в возрасте тридцати семи лет в 1520 г.

Поздний Ренессанс. Маньеризм.

В отличие от искусства Средней Италии, где живопись развивалась в тесной связи с архитектурой и скульптурой, в Венеции XVI в. доминировала живопись. Джорджо да Кастельфранко по прозвищу Джорджоне (1477-1510) прожил недолгую жизнь. Его ранняя работа «Юдифь» привлекает нежной мечтательностью, картины «Гроза» и «Сельский концерт» представляют на фоне пейзажа людей, составляющих неразрывное целое с природой. Образ возвышенной красоты и поэтичности получает свое идеальное воплощение в «Спящей Венере» (1508-1510), самой совершенной и незавершенной картине художника, пейзаж в ней дописывал уже Тициан.

Тициан (1476/77-1576) на долгие годы определил путь развития венецианской школы живописи. Тициана можно отнести и к титанам Высокого и к титанам Позднего Ренессанса, поскольку его творческая жизнь охватывает три четверти XVI в. Идеалы Возрождения художник пронес через всю жизнь, оставшись и в поздние годы великим мастером этой эпохи.

Тициан учился у Джованни Беллини, а с 1507 г. поступил в мастерскую Джорджоне, который поручал Тициану завершение своих работ. Под влиянием Джорджоне в 1541 г. он создал знаменитое полотно «Любовь земная и небесная». С 1516 г. Тициан занимал должность главного живописца Республики святого Марка, он пишет монументальные полотна для венецианских церквей и Дворца дожей, выполняет заказы влиятельных людей. Моделями его портретов становятся итальянские князья, римский папа, могущественный император Карл V. 30-40-е годы XVI в. – самый плодотворный период деятельности Тициана, в это время его творчество определяло весь облик венецианской культуры. В 50-70-е гг. важное место в его творчестве занимают мифологические сюжеты, которые он называл поэзиями: «Даная», «Смерть Актеона», «Персей и андромеда», «Похищение Европы» и др. Из религиозных картин наибольшую известность получили «Кающаяся Магдалина» и «Святой Себастьян», созданные Тицианом в разные годы жизни.

К эпохе Позднего Возрождения относится творчество венецианских художников Веронезе и Тинторетто. Паоло Веронезе (настоящее имя Паоло Кальяри) (1528-1588) – мастер монументально-декоративной живописи. Его праздничные и светские по духу картины и росписи отличались размахом композиции и изысканностью световой гаммы. Одна из лучших работ Веронезе – роспись потолка церкви Сан-Себастьяно в Венеции (1556-1557), посвященные истории библейской героини Эсфири. В годы творческого расцвета Веронезе украсил росписями виллу Барбаро-Вольпе в Мазере (1560-1561 гг.), построенную Андреа Палладио. Одним из самых грандиозных работ Веронезе стало декоративное полотно «Пир в доме Левия», которое располагалось в монументальной трехпролетной лоджии.

Полной противоположностью Веронезе был его современник Якопо Тинторетто (1518-1594). Настоящее имя Якопо Робусти. Живопись Тинторетто знаменует завершение итальянского Ренессанса. В своем творчестве он был гигантской фигурой, проложившей новые пути в искусстве. Тинторетто восстал против сложившихся традиций в изобразительном искусстве – соблюдения симметрии, строгого равновесия, статичности, он расширил границы пространства, насытил его динамикой, драматичным действием, стал ярче выражать человеческие чувства. Он создатель массовых сцен, проникнутых единством переживания. Шедевр художника – колоссальная (5,36 х 12,24 м) композиция «Распятие» (1564-1565). Это изображение со множеством персонажей – зрителей, воинов, палачей - полукольцом охватывает центральную сцену распятия.

В эту же эпоху, в середине XVI в. зарождается маньеризм (от итал. maniera –манера, стиль). Изначально термином «маньеризм» обозначали тенденцию живописцев XVI в. копировать только манеру и технику мастеров Возрождения, не учитывая присущую им глубину содержания произведений искусства. Одним из основоположников маньеризма был Якопо Понтормо (наст. имя Карпуччи, 1494-1557). Будучи представителем флорентийской школы, он отошел от ее важных принципов, основное внимание уделяя внешним изобразительным средствам, в чем достиг большого совершенства. Одна из наиболее интересных его работ – «Положение во гроб».

Маньеризму была свойственна усложненность, напряженность образов, изощренность форм, а также острота художественных решений, особенно проявлявшаяся в портретах. Известным художником-маньеристом был Франческо Пирамиджанино (наст. имя Маццола, 1503-1540) Его полотна отличались холодным колоритом и утонченным рисунком. Например, «Мадонна с длинной шеей». Близкой к нему была манера письма Анджело Бронзино (1503-1572), создававшего холодно изящные и бесстрастные портреты знати.

Северный Ренессанс

В отличие от итальянского для Северного Возрождения характерны такие особенности, как большая связь со Средневековьем, условность и символизм формы, большое влияние готики и более позднее развитие по сравнению с итальянским Возрождением. В то время на Севере Европы большой популярностью пользовалось религиозное учение немецкого философа Николая Кузанского (1404-1464) о пантеизме – вере о том, что Бог присутствует во всех частицах мироздания и в наибольшей степени в человеке. Поэтому даже мельчайшие детали на картинах тщательно прорисовывались и на переднем и на заднем плане, т.к. в каждой детали присутствовал Бог.

В нидерландской живописи очень сложно провести четкую грань между готикой и Ренессансом. Весь XV в. был своего рода переходной ступенью от одного мировоззрения к другому. В Нидерландах заказывались и писались в основном станковые картины (преимущественно алтарные триптихи), пришедшие на смену романским фрескам и готическим витражам. Станковые картины на религиозные темы первоначально были близки иконописи. Постепенно появились и светские сюжеты.

Основателями нидерландской школы живописи XV в. считаются братья Ян и Хуберт ван Эйки. Ими был расписан знаменитый алтарь города Гента, где представлено 12 картин, в них мир небесный и мир земной неразрывно связаны друг с другом, ведь все это – Бог. Ян ван Эйк (1390-1441) впервые в истории европейского портрета создал парный портрет – «Портрет четы Арнольфини». Здесь показан образ идеальной семьи, представляющий собой единое целое, картина глубоко символична. Яну ван Эйку приписывается усовершенствование техники масляной живописи. Масляные краски стали изготавливать на основе растительного масла и клеящего вещества – гуммиарабика. Эта техника распространилась по всей Европе.

На рубеже XV – XVI вв. в Нидерландах творил Иероним Босх (1450-1516), один из наиболее загадочных и необычных мастеров живописи. Чтобы понять мировосприятие Босха, надо знать, что он был членом Братства Богоматери. Адепты этой организации пытались спасти свою душу и приблизиться к Богу без помощи официальной церкви. Это нашло отражение в работах художника. Босх выбирал панорамный принцип построения композиции и форму триптиха. Самые известные триптихи Босха это – «Воз сена», «Искушение святого Антония» и «Сады земных наслаждений». Причем правая створка триптихов символизирует сотворение мира и человека и рай, центральная – земную жизнь, полную удовлетворения плотских желаний и грехов и левая – ад как расплату за земное грехопадение. Изображения на алтаре «Сады земных наслаждений» глубоко символичны, и полностью расшифровать содержание этой философско-религиозной композиции не удалось до сих пор. Все творчество художника посвящено поиску ответов на философские вопросы о причинах греховности людей и способах очищения души от скверны. Он указывает в своих работах не только причину болезни, но и возможность излечения, искупления грехов.

В середине XVI в. обострились противоречия между нидерландскими провинциями и феодальной Испанией, которая с конца XV в. владела Нидерландами. В начале 1560-х гг. народ Нидерландов потерпел поражение в борьбе за национальную независимость, вследствие чего по стране прокатилась волна кровавого террора, чинимого испанской инквизицией. Эти события нашли отражение в творчестве величайшего художника нидерландского Возрождения Питера Брейгеля Старшего (1525-1569), прозванного Мужицким за изображение сцен из крестьянской жизни. В картине «Триумф смерти» он показал жуткую картину массовой гибели людей. В работах «Перепись в Вифлееме» под видом библейского сюжета изображено взимание испанцами налогов, а в «Избиении младенцев» представлено нападение испанского карательного отряда на мирную деревню. С добродушным, иногда грубоватым юмором, верой в нравственную силу народа создает художник ряд картин, посвященных жизни простых людей. Он первым из живописцев страны начинает изображать труд крестьян – «Уборка урожая», «Возвращение стада», «Крестьянский танец». Примечательны его пейзажи, составляющие цикл «Времена года». Картина «Слепые» (1568 г.) является как бы итогом творчества мастера. Она показывает, что только христианская вера поможет человеку прозреть и спасет его от неминуемой гибели.

Содержание сложной исторической эпохи, ее идейные достижения нашли отражение в творчестве великого художника-мыслителя Германии Альбрехта Дюрера (1471-1529). Его творчество многогранно – он и портретист, и пейзажист, пишет на библейские, литературные и бытовые сюжеты, делает иллюстрации к книгам, в том числе к книге Себастьяна Бранта «Корабль дураков». Он автор гравюр на дереве и меди. В 1498 г. художник выполнил знаменитую серию гравюр «Апокалипсис», где в фантастических образах воплотил ожидание всемирно-исторических перемен. Наибольшее впечатление производила гравюра «Четыре всадника», которые олицетворяли Мор, Войну, Голод и Смерть, под их копытами гибнут люди разных сословий. В картине «Четыре апостола» (1526 г.) Дюрер создал монументальные фигуры людей, полных чувства собственного достоинства, уверенных в своей силе. Дюрера отличали обширные знания и разносторонние интересы. Он был инженером и архитектором, изучал математику, был теоретиком искусства, сочинял стихи. Результаты своих исследований и наблюдений художник изложил в трактатах «Четыре книги о пропорциях человека», «Наставление к укреплению городов…», «Руководство к измерению…». Творчество Дюрера определило общее направление искусства немецкого Возрождения.

Одновременно с Дюрером и вслед за ним выступила целая плеяда художников. Среди них Лукас Кранах (1472-1553), Ганс Гольбейн Младший (1497-1543). В середине века в творчестве многих мастеров наблюдается отход от реализма в сторону манерности, вычурности. Это означало конец немецкого Возрождения. Во второй половине XVI в. изобразительное искусство Германии вступило в полосу длительного застоя.

Вопросы для самопроверки:

1. Кто впервые ввел термин «Возрождение» и почему?

2. Назовите периодизацию итальянского Ренессанса.

3. В чем сущность гуманизма? Каких великих гуманистов вы знаете?

4. Каковы были научные достижения и открытия в период Ренессанса?

5. Охарактеризуйте развитие культуры в период Проторенессанса.

6. Расскажите о творчестве художников и зодчих Раннего Ренессанса.

7. Каких художников называют титанами Возрождения и почему?

8. В чем особенности искусства Позднего Ренессанса?

9. В чем сущность маньеризма и когда он возник?

10. Каковы характерные черты архитектуры эпохи Возрождения?

11. Расскажите о мастерах Северного возрождения.