Живопись Германии

Германия в начале XIX в. переживала общественно-политический подъем. Сопротивление завоевателям Наполеона и освободительная война 1813 г. сделали немецкий патриотизм всеобщим, а поданные трех­сот немецких карликовых государств осознали себя единым народом.

Германия сыграла исключительную роль в истории РОМАНТИЗ­МА - направления в европейской культуре конца ХУШ-1 пол. XIX в. Именно немецкие писатели и критики были первыми его теоретиками. Книга В.Г.Вакенродера «Сердечные излияния монаха - любителя ис­кусств» стала манифестом романтизма и изобразительном искусстве. Она провозгласила решительный отказ от любых «правил красоты» и объявила основой творчества искреннее чувство. Сам термин «роман­тизм» был введен Фридрихом Шлегером (1772-1829) - немецким крити­ком, философом и писателем.

ФИЛИПП ОТТО РУНГЕ (1777-1810).

Один из самых ярких представителей романтизма в немецкой жи­вописи I пол. XIX в.

Учился в Академии художеств в Копенгагене, затем Дрездене, по­знакомился с поэтом и мыслителем И.Гете. Большую часть творческо­го наследия Рунге составляют портреты («Портрет родителей худож­ника с внуками»).

Еще в 1802 г. Рунге задумал живописный цикл, изображающий времена суток. Утро, день, вечер, ночь были для романтиков символом человеческой жизни и земной истории. Он предполагал выставить «Вре­мена суток» в специально спроектированном здании, сопроводив их музыкой и стихотворным текстом. Рунге не хватило жизни, чтобы вы­полнить этот замысел: из 4-х картин закончена только одна - «Утро». Она наивна и светла как сказка и является одной из лучших его картин.

Цвет, краски очень трогали Рунге. В многообразии красок он ви­дел клич к тайнам Вселенной, откровения Мирового Духа - так некото­рые романтики называли Бога, который представлялся им растворен­ным в природе.

В последний год жизни Рунге вышла его книга «Шар цветов», где он показывает цветовую гармонию в виде глобуса. Белый и черный цвет - это полюса; экватор составлен из 12 чистых красок; светлые и темные оттенки каждого цвета стали меридианами. Все краски сливаются в цент­ре шара (в разрезе) в серую точку - центр сферы, начало и конец всех кра­сок, в Великое Ничто (Бог). В этом шаре он воспроизводит систему ми­роздания по учению немецкого философа-мистика Якоба Беме (1575-1624).

Рунге умер от туберкулеза в 33 года, все его творчество приходит­ся на последние 7 лет жизни. В своих живописных полотнах он вопло­тил многогранное единство Бога, мира и человека - основную мысль немецкой романтической философии.

КАСПАР ДАВИД ФРИДРИХ (1774-1840)

Он вошел в историю живописи как наблюдательный и глубокий мастер-пейзажист, который принципиально не подписывал своих работ, не датировал их: он считал себя лишь соавтором вечной Природы.

Родился в семье мыловара на Балтийском побережье. Учился в Академии художеств в Копенгагене, затем жил в Дрездене, познакомился с Рунге. Первая работа «Крест в горах» (Тегенский алтарь», 1808) создана по заказу владельца замка в Чепин (Чехия), она вызвала споры в обществе.

Следующие работы - «Монах у моря» (1809) и «Аббатство в дубовом лесу» (1810) - также имели успех. Они повествуют о жизни монаха-скитальца, излюбленного в те годы персонажа, романтический идеал человека. Картины приобрел прусский король, а художник был избран почетным членом Берлинской академии.

Под впечатлением свадебного путешествия на родину, пишет цикл пейзажей Балтийского моря («На паруснике»).

После поездки в Чехию, в горы, появилась картина «Исполиновы горы»: горные вершины, как символ высоты познания, стали частым мотивом его пейзажей.

Фигура созерцателя часто присутствует у Фридриха: «Женщина у окна», «Меловые скалы на острове Рюген».

В последние годы творчество художника вышло из моды, но он не изменил своим идеалам и умер в забвении. Его оценили по достоинству только в начале XX в.

Живопись Англии

В I пол. XIX в. в живописи Англии главным жанром оказался ПЕЙЗАЖ, направление - романтизм.

УИЛЬЯМ БЛЕЙК (1757-1827).

Поэт и художник Уильям Блейк стоял особняком в истории английского искусства, он был гениальным самоучкой - великим фантазером и философом.

Блейк родился в Лондоне в семье бедного торговца, с раннего детства

писал стихи и рисовал, в 14 лет уже работал в граверной мастерской.

В 1789 г. он выпускает сборник стихов «Песни неведения», где каждый

лист был целиком гравирован автором в новой технике, им изобретенной.

Чудесному и счастливому миру, описанному в стихах, соответствует легкое и тонкое графическое оформление.

Через 5 лет Блейк выпускает сборник стихов « Песни познания» о страшном мире трущоб, тяжелой жизни фабричных рабочих и их детей. Каждое стихотворение также сопровождается иллюстрацией.

Блейк никогда не работал маслом, а только темперой и акварелью. Он писал картины на сюжеты из Библии («Сон Иакова»), из сочинений Шекспира («Жалость» по мотивам «Макбета»). В конце жизни Блейк выполняет заказ на иллюстрацию «Божественной комедии» Данте, для которой он сделал более 100 акварельных рисунков и гравюр. Художник не признавал работы с натуры, у него все подчинено фантазии и творческому воображению. В его иллюстрациях все движется и меняется, люди бесплотны и похожи на тени, пространство взмывает волной и скручивается в воронку, низвергается потоком, как на гравюре «Паола и Франческа» («Вихрь влюбленных»).

Блейк умер в полной нищете и был похоронен в общей могиле. Его открытие произошло в середине XIX века, а в XX в. пришло всеобщее признание. В Вестминстерском аббатстве в Лондоне, усыпальнице английских королей и знаменитых людей Англии был установлен бюст Уильяма Блейка.

Стиль Блейка для европейского искусства ХIХ в. уникален. Он сочетает АРХАИЧЕСКИЕ черты, свидетельствующие об отсутствии у художника специального образования, с ТВОРЧЕСКОЙ ФАНТАЗИЕЙ, композиционной изобретательностью и явным стремлением к обобщенным символическим образам. «Мое сердце полно будущего», - говорил он, предчувствуя, что его жизнь продолжится в стихах, рисунках, гравюрах.

ДЖОН КОНСТЕБЛ (1776-1837).

Певец английского сельского пейзажа. Родился в небольшой анг­лийской деревне в семье мельника. Желание стать профессиональным художником привело его в Лондон, где он учился в школе при королев­ской Академии искусств. Живя постоянно в Лондоне, Констебл каждое лето приезжал в родные места и много работал с натуры. Он был пер­вым художником XIX в., в творчестве которого жанр ЭТЮДА имел самостоятельное значение. Художник писал маслом этюды родных с детства мест, создал серию видов реки Стур, неоднократно изображал стоявшую на ней мельницу: «Мельничный поток», «Плотина и мельни­ца в Дедхеме». «Лучший твой наставник - природа», - говорил Констебл. Многие свои этюды художник перерабатывал в выставочные полотна - «Белая лошадь» (1819), «Телега для сена» (1821). Работы Констебла при­влекли внимание французского художника Т.Жерико, побывавшего в Англии и рассказавшего о нем во Франции.

Работы Констебла были выставлены в парижском Салоне, приве­ли всех в восторг и принесли художнику Золотую медаль Салона.

Творчество Джона Констебла до XX ст. оставалось незамеченным на родине, но оказало огромное влияние на развитие французской жи­вописи.

УИЛЬЯМ ТЕРНЕР (1775-1851).

Родился в Лондоне в семье цирюльника, учился в школе при Коро­левской академии искусств. После первых успехов был избран действи­тельным членом, читал лекции для широкой публики, обучал студентов.

Создал серию эпизодов, где изобразил берега Темзы («Пейзаж на Темзе», 1806). Достиг большой виртуозности в технике акварельной жи­вописи: «Кораблекрушение», «Фрегат первого класса, пополняющий за­пасы».

В 20-30 г. по заказу Тернер оформляет сочинения английских пи­сателей Сэмуэля Роджерса и Вальтера Скотта. Эти книги пользовались успехом, и гравюры с рисунков Тернера висели почти в каждом англий­ском доме.

В 30-е годы Тернер достиг вершины мастерства. Он давал уроки живописи на вернисажах, заканчивая там свои картины. Так, на глазах у изумленной публики он за несколько часов почти полностью написал полотно «Пожар лондонского Парламента» (1835). В 40-е годы творчество Тернера становится все более непонятно английской публике. Он писал то потоки дождя, то мчащийся поезд («Дождь, пар и поезд») (1844) и все реже выставлял свои картины...

РУССКОЕ ИСКУССТВО. I половина XIX века

Два политических события повлияли на все сферы общественной жизни России этого периода: Отечественная война 1812 года и восстание декабристов 1825 г. В это время в России правил Александр I (1801-1825) и Николай І (1825-1855).

Архитектура Петербурга

АНДРЕЯН ЗАХАРОВ (1861-1911).

Родился в Санкт-Петербурге в семье мелкого чиновника. Закончил Академию художеств с большой золотой медалью, получил право на заграничную поездку. Получил звание академика, преподавал в Академии художеств.

Вершиной творчества Захарова стало здание Адмиралтейства в Петербурге (1806-23 г.). Главный фасад Адмиралтейства колоссален: его протяженность более 400 м. Здание построено в стиле классицизма. Захаров разработал и план скульптурного убранства здания: это морские божества, нимфы, рельефы о зарождении флота в России. Все декоративное убранство выполнено российскими скульпторами во главе с Феодосием Щедриным.

Швейцарский архитектор ЖАН ФРАНСУА ТОМА де ТОМОН построил здание БИРЖИ в Санкт-Петербурге (1805-1810). Это было первое сооружение в стиле ампир в Петербурге.

АНДРЕЙ ВОРОНИХИН (1759-1814) был крепостным графа А.С.Строганова - президента Академии художеств, мецената, коллекционера и богатейшего человека своего времени. Будущий архитектор пол­учил образование, традиционное для дворянских детей, в 1786 г. – вольную. Изучал архитектуру за границей.

КАЗАНСКИЙ СОБОР – главное творение Воронихина (1801-1811). Собор возведен по указу Павла I, который хотел видеть храм, напомина­вший римский собор Святого Петра. Был объявлен конкурс на проект этого храма, и выбрали работу Воронихина. В конструкциях купольного перекрытия Воронихин впервые в России использовал ЧУГУН и ЖЕЛЕЗО. После победы над Наполеоном в соборе разместили 105 знамен французских войск, ключи от взятых городов и другие трофеи. Еще одна выдающаяся работа Воронихина - Горный институт в Петербурге (1806-1811).

КАРЛ РОССИ (1775-1849).

Карл Иванович Росси был сыном итальянской балерины, приехавшей в Россию в 80-е годы XVIII в. Образование получил в России и за границей.

В России служил при дворе в качестве главного архитектора, по заказу Александра I воздвиг грандиозный МИХАЙЛОВСКИЙ ДВОРЕЦ (1819-1825), ныне государственный русский музей.

Одновременно Росси занимается другим императорским заказом –перестройкой зданий, стоящих на Дворцовой площади, для нужд госу­дарственных учреждений. Против Зимнего дворца Росси возводит два монументальных симметричных строения - Министерство финансов и Министерство иностранных дел, расположив линию их фасадов по дуге. В высшей точке этой дуги он поставил арку Главного штаба, которая соединила корпуса министерства в единую композицию (1819-1829). Скульптурное убранство посвящено Отечественной войне 1812г. Над кар­низом арки движется колесница крылатой богини Победы. Ансамбль двор­цовой площади был завершен в 1834 г., когда в центре ее по проекту Монферрана возвели Александровскую колонну в честь победы в войне 1812 г. Ее высота - 47,5 м. Это самая высокая триумфальная колонна в мире.

Росси выигрывает конкурс и перестраивает также Сенатскую пло­щадь, (здание Исаакиевского собора по проекту Монферрана заверши­ло ансамбль Сенатской площади), проектирует ансамбль Александров­ского театра (1816-1834), ныне Российский академический театр драмы им. А.С.Пушкина.

ВАСИЛИЙ СТАСОВ (1769-1848) - один из немногих русских архитекторов, чье творчество связано и с Москвой, и с Петербургом. Родился в небогатой дворянской семье в Москве, уже в 14 лет оступил на государственную службу чертежником, затем - помощником архи­тектора. Его заметил сам император и отправил учиться за границу. Там Стасов проникся идеями и образами стиля ампир.

По возвращении получил звание академика и стал заниматься об­щественным и промышленным строительством. Его работы в Петербурге:Павловские казармы (1817-1821); Преображенский и Троицкий соборы; Московские триумфальные ворота (1834-38, в честь победы в рус­ско-турецкой войне, основной материал - чугун). В Москве - здания провиантских складов и др.

Стасов показал, что яркое архитектурное решение не зависит от назначения здания. Его творчество достойно завершает историю клас­сицизма в России.

АРХИТЕКТУРА МОСКВЫ. В первые годы XIX ст. Москва продолжала жить традициями прошлого века. Преобразование древ­ней столицы в современный вид началось после наполеоновского на­ шествия и пожара 1812 г.

В 1813 г. была организована Комиссия для восстановления Моск­вы, которая занималась перестройкой в течение 30 лет.

Архитектору ОСИПУ БОВЕ (1784-1834) поручили перестроить центр города. Он только возвратился из народного ополчения, а до вой­ны учился в архитектурной школе под руководством М.Казакова.

С 1814 по 1816 г. Бове занимался реконструкцией Красной площа­ди, которая к началу XIX ст. была хаотически застроена различными лавками. Бове вернул ей величественный облик, снес лавки, выделил композиционный центр и т.д.

Следующая работа О.Бове – проект Театральной площади и зда­ния Петровского театра, позднее названного Большим. Идея создания театральной площади принадлежала царю Александру 1. Архитектору пришлось провести сложнейшие градостроительные преобразования, т.к. место оказалось застроенным, у стен Китай-города стояли бастионы и протекала река Неглинная. Петровский (Большой) театр (1821-1824) один из ярких образцов стиля ампир в Москве. Монументальное кубическое здание с гладкими стенами обращено в сторону площади колоннадой портика, над треугольным фронтоном установлена квадрига Аполлона (квадрига - колесница с четверкой лошадей). В 1853г. здание сгорело, но было восстановлено с изменениями в 1855-86 г. Под китайгородской стеной, на месте заключенной в трубу реки Неглинной, архитектор спланировал живописный сквер с фонтаном.

В 1819-1827г. Бове под стенами Кремля разбил Кремлевский сад (в 1856 г. его назвали Александровским). Сохранился грот «Руины». Последняя постройка зодчего – триумфальные ворота у Тверской заставы.

В первые десятилетия XIX в. Москва приобретает новый облик. И в этом, наряду с Осипом Бове, большая заслуга ДОМЕНИКО ЖИЛЯРДИ (1785-1845) - сына итальянского архитектора, который приехал в Россию вместе с семьей еще в XVIII в. Жилярди восстановил Московский университет, построенный Казаковым, изменив лишь фасад, подчеркнув стиль ампир; построил здание Опекунского совета.

Помимо общественных зданий, Жилярди строил и частные дома. Самый знаменитый - особняк Луниных на Никитском бульваре.

СКУЛЬПТУРА

I пол. XIX века - это окончание «золотого века» русской скульптуры, начатого во 2 пол. XVIII столетия. Продолжают творить скульпторы И.Мартос, Ф.Щедрин, В.Демут-Малиновский и С.Пименов.

ЖИВОПИСЬ

Общая характеристика

Многие художники - О.Кипренский, К.Брюллов, А.Иванов, С.Щедрин предпочитали больше работать в Италии, чем в России, подальше от «мецената» Николая I, но и там они творили для родины. ГОГОЛЬ: «Национальность состоит не в описании сарафана, но в самом духе народа; поэт может быть даже и тогда национален, когда описывает совершенно сторонний мир, но глядит на него глазами своей национальной стихии, глазами своего народа, когда чувствует и говорит так, что его соотечественникам кажется, будто это чувствуют и говорят они сами».

Академия художеств – большое и сложное явление русского искусства I пол. ХIХ в. С одной стороны – здесь последовательно отстаивались позиции «идеалистической» эстетики, облагораживающей действительность, далекие от реальной жизни; с другой – это было единственное заведение, где художники получали основательную профессиональную подготовку, ее закончили почти все русские художники.

Сложным и многогранным было русское искусство этого времени. Официальный академизм сдерживал проявление свободной творческой мысли. В РОМАНТИЗМЕ, выдвинувшим более широкую гуманистическую концепцию человека в живописи, в отображении народной жизни мы видим образ эпохи, озаренной пушкинским гением.

В годы Отечественной войны и движения декабристов раскрывается дарование одного из лучших портретистов XIX в. - ОРЕСТА КИПРЕНСКОГО. Он был незаконнорожденным сыном помещика и крепостной крестьянки. В его творчестве человек выступает как цель­ная и значительная индивидуальность, личность, романтически взвол­нованная, приподнятая над обыденностью. Когда по приезде в Италию, молодой Кипренский выставил там портрет приемного отца А.Швальбе, его обвинили в том, что он выдает произведение Рубенса или Ван Дейка за свое. Итальянские профессора не поверили, что такой портрет мог написать художник из «медвежьей России».

Творчество: портрет Е. Давыдова (гусар, герой Отечественной вой­ны, - нарисован ярко, красочно, торжественно и героически). Портреты Жуковского, Крылова, Батюшкова. Самый известный - портрет Пуш­кина, писал летом 1827 г. по заказу Дельвига. После смерти Дельвига Пушкин приобрел портрет у его жены и повесил у себя в кабинете. «Себя как в зеркале я вижу, Но это зеркало мне льстит», - сказал Пушкин о портрете.

(Мысль и вдохновение; красота творческого деяния и высокое пред­начертание «избранника муз» - вот содержание этого портрета. Чис­тое, незамутненное чело, лицо спокойно, величавая поза, взгляд, уст­ремленный вдаль, строгий сюртук и плед, перекинутый через плечо и статуэтка Музы, играющей на лире - классический символ поэзии).

ВАСИЛИЙ ТРОПИНИН (1776-1857) - написал портрет Пушкина чуть раньше, весной 1827 г. по заказу самого поэта. Образ поэта здесь мягче, интимнее, доступнее. Халат, рубашка, платок небрежно повязан вокруг шеи. Но облик Пушкина исполнен высокой духовности, чувства собственного достоинства.

Тропинин - крепостной, с юности мечтал о живописи, но граф Морков отдал его в кондитеры. Художник сумел устроиться в Акаде­мию «посторонним учеником», имел успех на выставке, но граф заби­рает его домой. И лишь в 47 лет художник получает вольную. Сам скром­ный, мягкий, добрый - эти качества присущи и его портретам. ЧЕЛО­ВЕК КАК ТАКОВОЙ - основная тема его творчества. («Портрет Арсе­ния», сына художника; «Кружевница» и др.).

АЛЕКСЕЙ ВЕНЕЦИАНОВ (1780-1847) стал основоположником народного бытового жанра в русской живописи, открыл «Россию крес­тьянскую». Он бросает Академию, уезжает в деревню Сафонково Твер­ской губернии и живет там. Его работы: «На пашне. Весна», «Гумно», «На жатве. Лето», «Жнецы», «Крестьянка с васильками», «Сенокос», «Захарка», «Спящий пастушок».

Художнику присуща некоторая сентиментальность, но в своих кре­стьянах он видит носителей лучших национальных черт. Не драматизм социальных конфликтов, но истинная поэзия русской деревни и рус­ской природы отражена в его работах.

КАРЛ БРЮЛЛОВ (1799-1852).

Карл Великий - так назвал Брюллова его ученик Т. Г Шевченко. Итальянцы ломились в римскую мастерскую Брюллова, чтобы посмотреть

«Последний день Помпеи». Гоголь: «Картина Брюллова может назваться полным, всемирным созданием». Возвращение Брюллова из Италии на родину стало триумфом русского искусства.

Художник был окружен славой еще при жизни. В основу картины положены исторические события - гибель римского города Помпеи при извержении Везувия в 79 г. н.э. Брюллов посещает Помпеи, раскопанные в ХVIII в., изучает памятники архитектуры, искусства античного Рима. Громадное полотно (длина 631 см, высота 456 см) и сейчас поражает зрителей.

Другие работы Брюллова: «Автопортрет», «Итальянский полдень», «Всадница» и др.

АЛЕКСАНДР ИВАНОВ (1806-1856).

Нелюдимый, робкий, застенчивый, болезненный, недоверчивый, сторонящийся людей. Явление в русском искусстве сложное и единственное в своем роде. Ученик своего отца – художника Андрея Иванова, в своем творчестве намного опередил современников. 25 лет жил в Риме, боялся ехать в Россию. «Художник должен быть со­вершенно свободен». Фанатично верил в религиозно-нравственное обновление мира, но затем глубоко разочаровался в религии, а новых идеалов не нашел. 20 лет работал над картиной «ЯВЛЕНИЕ ХРИСТА НАРОДУ», но так и не закончил ее. Написал более 600 этюдов, акварелей, и рисунков к этой картине. Изучал античное искусство, творчество художников Возрождения, но героями его полотна стали бедняки Рима, Неаполя. Сквозь физическое безобразие многих рабов он увидел их душу. Каждый человек в картине - индивидуальная личность, судьба. Иоанн Креститель – образ вдохновения и внутреннего огня, фанатичной веры в грядущего освободителя.

ПАВЕЛ ФЕДОТОВ (1815-1852).

Скончался в 37 лет в психической больнице, одинокий офицер в отставке. Его назвали своим учителем Крамской, Репин. Творческая жизнь - коротка и сложна. В 25 лет бедный офицер пришел к Брюллову. Тот, посмотрев его рисунки, сказал, что поздно учиться технике искусства. Но… «чего не может творческая воля, постоянство и труд». Федотов отрекся от личного счастья: «Меня не станет ... на две любви – к женщине и искусству». Всего 6-7 лет стали творческим подвигом Федотова - основоположника КРИТИЧЕСКОГО РЕАЛИЗМА в русской живописи. Затем - болезнь, ночь безумия и смерть. Истоки творчества Федотова - голландские и фламандские жанристы XVII в., русское народное творчество, народный театр и сама жизнь.

«Сватовство майора» (1848). Долго искал своих натур: купца - год «знакомился с ним», пока не получил разрешения «снять» портрет. Или «люстра» - взял напрокат в трактире.

«Анкор, еще анкор» (1851-52) - одно из самых драматических произведений русского живописца. В тесной избе офицер заставляет собаку прыгать через палку. Собака устала, устал и хозяин от тупого занятия. За окном - зима, безлюдная деревня, одиночество. Это уже не сюжет, а метафора - символ не жизни, но лишенного смысла существования.

ИСКУССТВО ЕВРОПЫ. II половина XIX века

Это время активных социальных преобразований и быстрого раз­вития промышленности. Ведущие промышленные страны - Англия, Франция.

Люди искусства стремились передать в своем творчестве образы нового времени. Рушились старые художественные принципы и сюже­ты.

Первенство в искусстве уже второй век подряд сохраняла Франция.

Раз в несколько лет в европейских столицах стали устраиваться выставки, где наряду с техническими достижениями демонстрировались и произведения искусства.

В течение II половины XIX в. художественное творчество, изме­нившись, само, преобразило и материальную среду человека - город, дом, комнату, платье, посуду.

Архитектура

Развитие промышленности вызвало приток населения в город и бурный рост городов. Старые города росли и перестраивались. Заст­ройки становились плотнее, дома поднимались ввысь - формировался современный тип западного многоэтажного города. Система радикаль­ных улиц связывала город в единое целое.

В XIX в. западная архитектура пережила технологический перево­рот: появились новые материалы (чугун, сталь, железобетон) и методы строительства. Но современные конструкции считались слишком гру­быми и недостойными стать основой нового архитектурного стиля. Их использовали, лишь при строительстве мостов, вокзалов, крытых рын­ков, а также популярных всемирных промышленных выставок.

«Хрустальный дворец», Лондон, 1851 г. Автор проекта - ДЖОЗЕФ ПАКСТОН - для всемирной выставки, возведен за 9 месяцев из металла и стеклянных элементов одного размера. Это был новый шаг в XX век. (Но здание сгорело в 1936 г.).

«Эйфелева башня», символ Парижа, построена в 1819 г. как пара­дный вход на всемирную выставку из решетчатых металлических кон­струкций. Автор проекта - АЛЕКСАНДР ЭЙФЕЛЬ (1832 - 1923), он за­нимался строительством большепролетных мостов и выбрал для баш­ни высотой 300 м форму многократно увеличенной мостовой опоры. Художественная общественность вначале возмущалась «чудовищной» Эйфелевой башней, но за 100 лет к ней привыкли, и она стала достопри­мечательностью.

А в европейском зодчестве II пол. XIX в. восторжествовал ЭКЛЕК­ТИЗМ (от греч. «эклектикос» - «выбирающий», архитектурная прак­тика, основанная на воспроизведении конструктивных и декоративных форм различных стилей).

Появление эклектизма было подготовлено НЕОклассицизмом и НЕОготикой, (I половина века), затем возникли романско-византийский стиль, НЕОренессанс, НЕОбарокко, ложное рококо, второй ампир.

Эклектизм - это явление массовой культуры и отражает психоло­гию европейца тех времен, который считал свою цивилизацию образ­цовой и думал, что вправе свободно распоряжаться наследием всех времен.

Пышный псевдоисторический декор часто использовали как рекламу, как броскую упаковку в доходных домах для сдаваемых квартир.

Но и среди мастеров эклектизма были яркие индивидуальности - это французский архитектор ШАРЛЬ ГАРНЬЕ, построивший помпезное здание парижского театра «Гранд-Опера» (1861-75). Постройка Гарнье послужила образцом для театральных зданий того времени (театров в Вене, Одессе, Нью-Йорке).