Общая характеристика

В XVII в. Голландия - экономически наиболее развитая держава в Европе, она вела обширную колониальную торговлю, у нее был могущий флот. Одновременно Голландия XVII в. - это важнейший центр европейской культуры. Государственной религией стал кальвинизм (течение в протестантизме), вытеснивший полностью влияние католичес­кой церкви. Это вероучение не признавало икон и вообще церковного искусства. Протестантские церкви были просты по архитектуре и никак не украшены внутри. Духовенство в Голландии не имело такого влияния на искусство, как в других странах. Духовная атмосфера Голлан­дии способствовала развитию философии, естественных наук, математики. Лейденский университет был центром свободомыслия. Заказчиком голландских художников были бюргеры, голландский магистрат, поэтому картины голландских художников не такие громадные. Трудолюбие, усердие, любовь к порядку и чистоте нашли отражение в бытовом жанре.

Бытовой жанр голландской живописи

Бытовая живопись становится одним из ведущих жанров, создатели ее получили наименование в истории живописи «малых голландцев» и за незамысловатость сюжета, и за малые размеры картин.

Главной темой «малых голландцев» был бюргерский быт. В картинах этого жанра будто ничего не происходит: женщина читает письмо, кавалер и дама музицируют, в кабачке веселится простой народ.

Ян Стэн: «Гуляки», «Больная и врач».

Герард Тербох: «Точильщик», «Бокал лимонада».

Особую поэтичность у голландцев приобрел интерьер домов. Певцом этой темы стал Питер де Хох (1629-1689): «Хозяйка и служанка», «Дворик».

Художник Ян Вермер или Вермер Делфтский, получил прозвище в честь города Делфта - одного из крупных художественных центров Гол­ландии. Он написал около 40 картин: «Девушка с письмом», «Улочка», «Вид Делфта», «Искусство живописи» и др. и предопределил дорогу для импрессионистов: он писал пейзажи с натуры, чего никто не делал в XVII веке.

Пейзаж

Пейзажный жанр Голландии XVII в. особенно интересен. Это не природа вообще, а именно голландский пейзаж: знаменитые ветряные мельницы, пустынные дюны, каналы со скользящими по ним лодками летом и с конькобежцами - зимой. Воздух насыщен влагой. Серое небо занимает в композициях большое место. Именно такой изображают Голландию Ян ван Гойен, Саломон ван Рейсдаль. Крупнейшим масте­ром реалистического пейзажа был Якоб ван Рейсдаль («Водопад», «Еврейское кладбище»). Только морским пейзажем (мариной) занимался Ян Порселлис.

В тесной связи с голландским пейзажем находился анималистичес­кий жанр. Излюбленный мотив Альберта Кейпа – коровы на водопое («Закат на реке», «Коровы на берегу ручья»).

Натюрморт

Блестящего развития достигает натюрморт. Голландский натюр­морт - это скромные по размерам картины. Питер Клас, Виллем Хеда чаще всего изображали завтраки: блюда с окороком или пирогом на скромно сервированном столе (П. Клас «Завтрак с ветчиной», В. Хеда «Завтрак с ежевичным пирогом»). Во II половине XVII в. с постепен­ным стремлением буржуазии к аристократизации изменяется и харак­тер натюрмортов. Появляются роскошные «десерты» Кальфа.

Жанр портрета

Крупнейшим портретистом Голландии был Франс Хальс (1580-1666). Он работал в основном в жанре группового портрета, который был очень популярен в Голландии ХУІ-ХУП в. Это были большие по­лотна, изображавшие чаще всего офицеров стрелковых гильдий. Они вносили определенный взнос, и художник должен был изобразить каж­дого. В ранний период творчества с портретов Хальса на нас смотрят энергичные, уверенные в себе люди («Стрелковая гильдия Св. Георгия»).

В портретах Хальса позднего периода исчезает беззаботная удаль, энергия, прослеживается усталость, грусть. Мастер чаще использует се­рый и черный цвета, хотя Ван Гог сказал: «У Франса Хальса есть не менее 27 различных оттенков черного» («Регентши для приюта престарелых»).

Рембрандт ван Рейн (1606-1669)

Вершиной голландского реализма, итогом голландской живописи XVII в. является творчество гениального Рембрандта. Этот мастер был одинок среди собратьев по искусству. Они считали его «первым ерети­ком в живописи».

Рембрандт родился в Лейдене в семье владельца мельницы, учился в Лейденском университете, но оставил его ради занятий живописью. В 1632 г. он навсегда переехал в Амстердам. Признание публики принес­ла Рембрандту картина «Анатомия доктора Тулпа». В 1634 г. Рембрандт женится на девушке из богатой семьи - Саскии ван Эйленборх - и попа­дает в патрицианские круги. Начинается самый счастливый период его жизни. Он материально свободен, имеет много заказов, у него большая мастерская, многочисленные ученики. Весь этот период овеян роман­тикой. Он пишет себя и Саскию в роскошных фантастических нарядах, его картины передают ликование, упоение жизнью («Автопортрет с Саскией на коленях», «Флора»). Находится под влиянием итальянского барокко («Жертвоприношение Авраама»). В 30-е годы серьезно начи­нает заниматься графикой, офортом. Его офорты - уникальны. Их сю­жеты - библейские или евангельские, но есть и жанровое начало.

На рубеже раннего и зрелого творчества пишет свою знаменитую картину «Выступление стрелковой роты капитана Франса Бантинга Кока» («Ночной дозор», 1642). Рембрандт отходит от привычной ком­позиции - изображать всех во время пирушки, здесь, скорее, историчес­кая картина - по сигналу тревоги отряд выступает в поход. На всех ли­цах лежит выражение энергии, патриотического подъема. Но само эго настроение не отвечало вкусам заказчиков, живописные приемы шли вразрез с общепринятыми. Многие лица были в тени, что не понрави­лось заказчикам. Начинается разлад художника с обществом, который усугубился со смертью Саскии.

40-50 г. – пора творческой зрелости. Рембрандт переписывает пре­жние работы («Данаю»). Растет его мастерство. Он выбирает для сюже­тов лирические, поэтические стороны жизни, то, что извечно: материн­ство, любовь, сострадание. Черпает сюжеты из Священного писания («Святое семейство»).

Большое место занимает пейзаж («Пейзаж с мельницей»).

Последние 16 лет - наиболее трагические в жизни Рембрандта, но они потрясающе продуктивны. Он принимает в семью любимую жен­щину - служанку Хендрикье Стоффелс. Их брак не был официально оформлен, и обывателей раздражала эта «безнравственность». Публика охладела к художнику - в Голландии вошли в моду легкая манера ван Дейка. Рембрандт не желал потакать заказчикам. В его картинах этих лет нет ничего преходящего, случайного. Детали сведены к минимуму, все продумано. Главные выразительные средства - не линии и масса, а свет и цвет. Преобладают красный и коричневый, как бы горящие изнутри. Его краски словно излучают свет. Особенно много пишет порт­ретов. Он создает портреты-биографии, выделяя только лицо и руки («Портрет старика в красном», «Портрет Титуса» (сын художника), «Портрет Хендрикье Стоффелс»). Наибольшей тонкости психологичес­ких характеристик достигает в автопортретах, которых было около 100!

В 50-е годы Рембрандт создает свои лучшие офорты. Как офор­тист он не имеет себе равных в мире. Обогащает и усложняет технику офорта. В офортах Рембрандта выражено его сочувствие к страдающим, обездоленным. ( «Слепой Товит», «Снятие с креста», «Положение во гроб»). Он много занимается рисованием, и оставил после себя 2000 рисунков, они технически блестящи, безукоризненны.

Эпилог творчества Рембрандта – его знаменитая картина «Возвращение блудного сына» (1668-69). В ней художник говорит о всепрощающей любви и силе раскаяния. Эта всечеловечность делает сцену по­нятной многим людям и сообщает ей бессмертие. Колористический язык этой картины поражает.

В нищете и забвении, одиночестве (его жена и сын умерли раньше) ушел из жизни великий мастер, подаривший миру около 650 картин, множество гравюр и рисунков, мастер, о котором спустя два века фран­цузский живописец Эжен Делакруа сказал: «... правда - самое прекрас­ное и редкое на свете».

Рембрандт имел огромное влияние на искусство. Ни один современ­ный голландский художник не прошел мимо этого влияния. Его многочисленные ученики усвоили систему рембрандтовской светотени, но рембрандтовского постижения человеческой личности усвоить не могли.

В конце XVII столетия начинается упадок голландской живопис­ной школы.

ФРАНЦУЗСКОЕ ИСКУССТВО XVII в.

Классицизм как художественное направление

XVII век – время формирования единого французскою государ­ства, французской нации. Во II половине столетия Франция – самая могущественная абсолютистская держава в Западной Европе. Это вре­мя сложения французской национальной школы в изобразительном искусстве, формирования нового направления в искусстве – классициз­ма, родиной его считается Франция.

В литературе становление классицизма (от лат. «образ­цовый») связано с именем Пьера Корнеля, великого поэта и создателя французского театра. В 1635 г. в Париже организуется Академия лите­ратуры, и классицизм становится официальным направлением, господ­ствующим литературным течением, признанным при дворе.

Классицизм возник на гребне общественного подъема французской нации и французского государства. Основой теории классицизма стал рационализм, опирающийся на философскую систему Декарта. Предметом искусства классицизма провозглашалось только прекрас­ное и возвышенное, и эстетическим идеалом служила античность.

Никола Пуссен

Создателем классицистического направления в живописи Фран­ции XVII в. стал Никола Пуссен (1594-1665). Живопись изучал в Ита­лии, где провел большую часть жизни. Римская античность, живопись болонцев – вот истоки творчества Пуссена. Однако заметно и влияние Караваджо. Темы работ - мифология, история, Библия. Герои Пуссена - люди сильных характеров, величественных поступков, высокого чув­ства долга перед обществом и государством. Мера и порядок, компози­ционная уравновешенность - основа живописи классицизма. Плавный и четкий линейный ритм, статуарная пластика («линеарно-пластическое начало») прекрасно передают строгость и величавость идей и ха­рактеров. Колорит построен на сочетании сильных глубоких тонов.

«Танкред и Эрминия» - это программное произведение классицизма. (Рыцарь Танкред ранен на поле битвы, а возлюбленная Эрминия мечом обрезает волосы, чтобы перевязать раны героя).

Возвышенное, эпически монументальное произведение показыва­ет любовь главных героев (они принадлежат к враждующим сторонам) как величайшую ценность, которая важнее всех войн и религиозных кон­фликтов. В картине все поэтически возвышенно, во всем царит мера и порядок.

Единство человека и природы характерно для картин «Царство Флоры», «Спящая Венера», «Венера и сатиры». Чувственность у Пуссе­на всегда целомудренна, стихийное начало подчинено силе разума. Пуссен является создателем классического, идеального пейзажа в его героическом виде. Героический пейзаж - это не реальная природа, а природа «улучшенная», сочиненная художником, ибо только в таком виде она достойная быть изображением в искусстве («Пейзаж с Полифе­мом»).

Тема смерти, бренности всего земного раскрывается в «Аркадс­ких пастухах» («И я был в Аркадии»). Мудрое принятие смерти родит классицизм с античным мировоззрением.

В последние годы жизни Пуссен пишет замечательный цикл «Вре­мена года», имеющий символическое значение.

Клод Лоррен

Клод Лоррен (1600-1682) - один из основоположников пейзажного жанра в мировой живописи. Также жил в Италии. Пейзажи Лоррена включают в себя мотивы моря, античных руин, деревьев и среди всего этого - маленькие фигурки людей. Воздух и свет - сильнейшие стороны дарования Лоррена. Замечательны у Лоррена 4 полотна, изображаю­щие 4 времени суток: утро, полдень, вечер, ночь («Утро в гавани», «Ве­чер в гавани»).

II половина XVII столетия. Формирование национальной французской художественной школы произошло в I половине XVII в. благодаря прежде всего творчеству Пуссена и Лоррена. Но оба художника жили в Италии, вдали от главного заказчика искусства - двора. В Париже процветало иное искусство - официальное, парадное, декоративное, праздничное (Симон Вуэ - «Первый живописец короля»).

Это время длительного правления Людовика XIV, «короля солн­ца», вершина французского абсолютизма. Искусство находится под полным контролем со стороны королевской власти. Созданная в 1648 г. Академия живописи и скульптуры и в 1671 г. Академия архитектуры находятся в официальном ведении первого министра короля. Ведущим стилем всего искусства официально становится классицизм, который проникает и в культовую архитектуру (Собор Инвалидов в Париже, Ардуэна Мансара). Архитектор Клод Перро, победивший в конкурсе про­ектов главного, восточного фасада Лувра, в этом здании воплотил ос­новные черты архитектуры классицизма - строгость и торжественность, масштабность и предельную простоту. Больше всего архитекторов за­нимала проблема соотношения ансамбля дворца и парка. Эта пробле­ма была блестяще решена в главной постройке II пол. XVII в. - Версальском дворце и парке (архитекторы Лево и Мансар). В 18 километ­рах от Парижа возник сказочный дворец (0,5 км в длину) и гигантский парк, в котором все выверено, расчерчено на аллеи, определены места для фонтанов и скульптур. Декоративные работы в Версале возглавил директор Академии живописи и скульптуры, директор мануфактуры го­беленов Шарль Лебрен. Он обладал большим декоративным даром и исполнял и картоны для шпалер, и рисунки для мебели, и алтарные об­раза. Именно Лебрену французское искусство обязано созданием декоративного единого стиля от монументальной живописи и картин до ковров и мебели.

ИСКУССТВО РУСИ XVII века

Главная черта русского искусства XVII века

XVII век для России означал конец русского средневековья. Расширяются связи с Западной Европой, Украиной, Белоруссией, Югосла­вией. Главная черта культуры и искусства XVII в. - «ОБМИРЩЕНИЕ», высвобождение его от церковного начала.

Зодчество

Новые вкусы ярко проявились в зодчестве. На смену монументаль­ным храмам прошлого приходили небольшие посадские церкви, живые, нарядные, поражающие игрой красок и объемов. Шатровые колоколь­ни украшаются резьбой. Резной, белый камень применяется для отделки зданий, а стены красятся в красный цвет. Стремление к «узорочью» встретило суровое сопротивление со стороны церкви. Патриарх Никон запретил строительство шатровых церквей и требовал следовать ста­рым византийским образцам крестово-купольного храма. Этот запрет был легко обойден - в виде шатров стали строить колокольни.

«Дивной» была названа построенная в 1628 г. в Угличе Успенская церковь с 3-мя высокими стройными шатрами.

В Москве в 1642 г. построен храм Рождества Богородицы в Путни­ках (около площади Пушкина), в 1653 г. - церковь Троицы в Никитни­ках - по заказу ярославского купца Никитникова.

В Ярославле в 1650 г. купцы построили 5-главый храм Ильи Про­рока.

В XVII в. башни Московского Кремля были увенчаны нарядными шатрами, Кремль приобрел современный нарядный и величественный вид.

ИСКУССТВО ЗАПАДНОЙ ЕВРОПЫ XVIII века

Развитие европейского искусства XVIII века сложно и неравномер­но. Изменилась прежде всего расстановка сил в художественной жизни Европы. Италия утрачивает передовые позиции и превращается в свое­образный музей великих памятников прошлого. В I половине века здесь наступает новый расцвет искусства барокко, как и в странах, находя­щихся под ее влиянием (Германия, Центральная Европа).

Во Франции, которая становится ведущей культурной державой Европы, в начале века появляется новый стиль - рококо (от фр. rосаill -«раковина»). Название стиля раскрывает его самую характерную черту - пристрастие к сложным, изысканным формам, причудливым линиям, напоминавшим завиток раковины. Он просуществовал недолго - до 40-х годов, но его влияние ощущалось до конца столетия.

С середины XVIII в. европейское искусство вновь обращается к античности, что объясняется несколькими причинами. Первая - дости­жения археологии (раскопки Помпей), но более важная - распростране­ние идей Просвещения (Просвещение - идейное течение XVIII в., идеа­лом которого служила античная культура и история). Сложившийся новый стиль получил название - неоклассицизм.

В XVIII в. резко уменьшилась зависимость художников от част­ных заказчиков. Большую роль стало играть общественное мнение, по­явилась критика. Первые критики - выдающиеся философы Просвеще­ния Дени Дидро, Жан Жак Руссо писали о живописи, музыке, театре. Во Франции ежегодно с 1667 г. стали проходить публичные выставки - Салоны, которые организовывала парижская королевская академия живописи при поддержке двора. Успех в Салоне означал настоящее при­знание. Париж превращается в общеевропейский художественный центр.

ФРАНЦУЗСКОЕ ИСКУССТВО

Архитектура

В архитектуре Франции XVIII в. господствует два стиля: рококо (1пол. века) и неоклассицизм (П-я).

Рококо, по сравнению с барокко, искусство более камерное, ин­тимное. Это искусство миниатюры и главное выражение оно нашло в прикладном искусстве - в мебели, посуде, в архитектуре - прежде всего в интерьере, где главным теперь было не пышное и величавое, а прият­ное и удобное. Большинство построек рококо - это частные дома фран­цузской аристократии. Внешне эти дворцы, особняки строились по за­конам классицизма. Но внутри были обильно украшены живописью, позолотой, лепкой, хрусталем, мелкой пластикой, декоративными тка­нями, бронзой, фарфором, зеркалами, часто установленными друг про­тив друга, чтобы в них множилось, дробилось, делалось фантастичным отражение. Формы - дробные, ажурные, линии - изогнуты. Все искусст­во рококо построено на асимметрии.

Отель Субиз в Париже, построенный для принца де Субиза, осо­бенно интересен овальным салоном (арх. Ж.Боффран), где нет ни од­ной прямой линии. Ансамбль трех площадей в г. Нанси (арх. Эре де Корни) - один из красивейших городских ансамблей Франции.

Архитектура неоклассицизма во Франции ярко представлена твор­чеством выдающегося архитектора Жака Анж Габриеля (1698-1782). Самые главные его работы: роскошное помещение Оперы в Версале, Малый Трианон в Версале - шедевр архитектуры XVIII ст., площадь Людовика XV (ныне площадь Согласия).

Архитектурным центром неоклассицизма был Париж. Здесь Жак Блондель возводит церковь Святой Женевьевы, Шарль де Вайн создает театр Одеон (театр французской комедии).

Некоторые архитекторы этого века прославились своими неосу­ществленными проектами. Их называли «бумажными архитекторами», представителями «говорящей архитектуры». Это Этьен Булле с его про­ектом «Кенотаф Ньютону» (пустая, ложная могила) в виде яблока, сфе­ры, или Клод Леду, спроектировавший идеальный город будущего.

Скульптура

Почти все французские скульпторы работали в разных жанрах одновременно: и в портретном, и в историко-мифологическом, а также легко переходили от изящных статуэток в стиле рококо к монументаль­ным неоклассическим композициям.

ЭТЬЕН ФАЛЬКОНЕ (1716-1791) виртуозно владел техникой вая­ния, был блестящим эрудитом, руководил фарфоровой мануфактурой в Севре. Его маленькие композиции в стиле рококо на античные сюже­ты - «Аполлон и Дафна», «Пигмалион и Галатея» словно обработаны ювелиром. Но вершина его творчества - «Медный всадник» - памятник Петру I в Санкт-Петербурге.

Скульптор ЖАН АНТУАН ГУДОН (1741-1828) прославился как автор портретов знаменитых людей: Дидро, Руссо, Глюка, Вольтера.

Живопись

Стиль рококо представлен во французской живописи творчеством А.Ватто, Ф.Буше, Ж.Фрагонара.

Главным для ЖАН АНТУАН ВАТТО (1684-1721) был мир челове­ческих чувств, мир, не известный ранее французской живописи. Он вы­ступает певцом «галантных празднеств». Театральность характерна для всего искусства XVIII в. Театром была вся жизнь, которую пишет Ватто. В домах знати разыгрывались спектакли, длившиеся неделями. Уча­стники переодевались античными персонажами, пастухами и пастуш­ками. Непременным атрибутом этих празднеств был изощренный лю­бовный флирт. Тонкая система ухаживания, намеков никогда не пере­ходила в сильную страсть. Теме «галантных празднеств» посвящены полотна «Общество в парке», «Затруднительное предложение», «Праз­дник любви». Колорит Ватто - одно из сильнейших качеств его дарова­ния - построен на тонких нюансах серых, коричневых, бледно-сиреневых, желто-розовых тонов. В картинах Ватто никогда нет чистого тона. Как в цвете, так и в изображении Ватто даны все оттенки любовного чувства.

Вся утонченная культура рококо в полной мере выразилась в твор­честве ФРАНСУА БУШЕ (1703-1770). «Первый художник короля», ди­ректор Академии, он был истинным сыном своего века, умевшим де­лать все: панно для отелей, картины для богатых домов, картоны для гобеленов, театральные декорации, эскизы костюмов, рисунки обоев, карет, вееров и т.д... Станковые картины похожи на панно, панно - на самостоятельные произведения. И любой сюжет - античный, религиозный, жанровый, мифологический - разыгран как современная пасто­раль, все выражает откровенно-чувственное наслаждение жизнью, вез­де царствует бело-розовая богиня Флора (Ио, Калисто, Европа), а по сути - переодетая аристократка- парижанка: «Триумф Венеры», «Туалет Венеры», «Купание Дианы» и т.д.

Главными достоинствами живописи ЖАНА ОНОРЕ ФРАГОНАРА (1732-1806), блестящего мастера-импровизатора, ученика Рембран­дта, были свет и воздух. Он работал в жанре галантно-любовной лири­ки («Поцелуй украдкой», «Счастливые возможности качелей»), порт­рет (Дени Дидро), иллюстрировал книги («Дон Кихот»), ...

В творчестве художника ЖАНА БАТИСТА ШАРДЕНА (1699-1779) главными стали жанр натюрморта и бытовой. Он начал писать с натуры, что не было характерно для художников XVIII века. Главные его герои - это люди третьего сословия - горничные, кухарки, гувернан­тки, их дети. Они скромны, всегда заняты трудом: «Вернувшаяся с рын­ка», «Молитва перед обедом». В натюрморте Шарден находит свою тему: он пишет вещи кухонного обихода: котлы, кастрюли, миски, хо­лодильники («Медный котел», «Трубки и кувшин»). В противовес ари­стократическим, галантным праздникам Шарден, выражая вкусы бур­жуазии, изображает размеренность, уют, порядок буржуазного быта. Изумительное живописное мастерство, чистые тона делают картины Шардена маленькими шедеврами.

ИТАЛЬЯНСКОЕ ИСКУССТВО XVIII в.

Архитектура

Итальянская архитектура XVIII в. развивалась под влиянием по­зднего барокко и неоклассицизма. Масштабы строительства в Италии резко сократились из-за экономического кризиса. Прекрасное соору­жение в стиле позднего барокко в Риме - лестница на площади Испании (Алессандро Спекка, Франческо де Санктис). Итальянский архитектор ДЖОВАННИ БАТТИСТА ПИРАНЕЗИ (1720-1778) прославился свои­ми гравюрами и рисунками и стал создателем жанра «бумажной архи­тектуры», экспериментальной и не предназначенной для строительства. Его гравюры «Тюрьмы» оказали огромное влияние на развитие архи­тектуры с конца XVIII вплоть до XX века. Каждый архитектор теперь стремился создать проект в новом жанре.

Живопись. Расцвет итальянского искусства XVIII в. наблюдается лишь в Венеции. Венеция XVIII в. была центром музыкальной и театральной жизни Европы, книгопечатания, стеклоделия. Она славилась своими регатами и маскарадами, длившимися почти круглый год за исключением постов. Эта театрализация жизни наложила отпечаток на все изобразительное искусство Венеции XVIII в.

Спрос на декоративные росписи дворцов знати и алтарные образа для церквей вызвал необычайное развитие монументально-декоратив­ной живописи, продолжавшей традиции барокко. Крупнейшим итальянским живописцем XVIII в., выразившим дух Венеции, был ДЖОВАННИ БАТТИСТА ТЬЕПОЛО (1696 - 1770) - пос­ледний представитель барокко в европейской живописи. Каждый сю­жет он превращает в праздничное зрелище и создает гигантские роспи­си, где архитектура, природа, море, звери сливаются в единый поток. Художник обладал огромным декоративным дарованием и высокой культурой колорита. Его композиции «Олимп и 4 части света» (площа­дью потолка ок. 650 м⁷), «Встреча Антония и Клеопатры» и др. - это вершина монументально- декоративного искусства XVIII в.

Венеция XVIII в. дала миру прекрасных мастеров ведуты - городс­кого архитектурного пейзажа: АНТОНИО КАНАЛЕТТО с его торже­ственными картинами жизни Венеции («Прием французского посоль­ства в Венеции», «Дворец дождей и площадь Сан Марко») и более по­этичного мастера ФРАНЧЕСКО ГВАРДИ («Дворец дождей», «Вене­цианский дворик»). Пейзажи Гварди: каналы, улицы, площади Вене­ции - проникнуты лирическим, глубоко личным чувством, насыщены светом и воздухом, голубыми, желтыми, коричневыми, серо-серебристыми тонами.

АНГЛИЙСКОЕ ИСКУССТВО XVIII в.

С конца XVI в. в Англии бурно развиваются науки, особенно фи­лософия. Англию считают первой в мире страной в области литерату­ры, драматургии, театра благодаря Шекспиру. Английское изобрази­тельное искусство развивалось сложнее. В протестантской Англии по­чти не было религиозной живописи. В XVII в. начинается медленно раз­виваться портретный жанр, в основном - миниатюра. Но зато в XVIII в. английские художники работают так своеобразно, что уже в конце века оказывают влияние на континент.