4.Художники – участники первой выставки

Главным событием выставки была картина Алексея Саврасова «Грачи». Иван Крамской писал: «Пейзаж Саврасова... есть лучший, и он действительно прекрасный, хотя тут же и Боголюбов... и барон Клодт, и Шишкин. Но все это деревья, вода и даже воздух, а душа есть только в "Грачах"».¹

Сюжет саврасовского полотна прост: окраина села, церквушка, стайка берез. Картина почти монохромна. Свойственная ей лирическая напевность создается художником скорее линейно-графическими приемами, чем живописными. Сероватые и кремовые оттенки, которыми она как бы чуть тронута, усиливают ее мягкое очарование. Талый снег со следами птиц, собак, лужицы и лужи талой воды, корявые стволы березок с содранной местами берестой, розоватые прутья кустов. Мокрый забор, мокрые покатые крыши, влажные кирпичи колокольни, убогие хижины и за ними - далеко простирающиеся, еще покрытые снегом поля, небо в рваных облаках. И светящаяся голубизна мартовского дня. Только весной, и именно в марте, в средней полосе России, льется с небесных высей такой чистый лазоревый свет. Хлопотливые неугомонные грачи кричат, вьются над своими гнездами на березках. Они вносят оживление в этот тихий уголок на задворках села. Вот и все. Но это и есть характернейшие признаки русской весны.

Художник изображает здесь переходный момент - типичный для среднерусской природы, весны длинной, с ее заморозками, оттепелями. В искусство впервые вводит его именно Саврасов, и вводит с такой трепетной тонкостью и чистотой чувства, которых не смог достичь в изображении весны ни один из живописцев последующих поколений. И образ весны сливается с образом Родины. Уголок глухого русского села. Корявые березки с темными гнездами, серые строения, церковь, а смотришь на все это, смотришь вдаль - на поля, на широкую равнину - и словно встает перед тобой вся Россия...

Простота и задушевность воплощенного Саврасовым в «Грачах» мотива, характерного для русского пейзажа, выражает любовь народа к родной природе. В этом и заключается неувядаемая поэтичность «Грачей», которая помогла картине стать подлинно народной.

Алексея Саврасова называют первооткрываетелем русского лирического пейзажа.

На первой выставке был представлен еще один пейзаж А.Саврасова «Дорога в лесу». На полотне изображен сосновый лес, по которому пролегает неровная лесная дорога. Высокие сосны, освещенные закатным солнцем упираются в небо. С левой обочины дороги Саврасов изобразил несколько занятых разговором крестьянок, высоко в небе пролетает птица похожая на ястреб. Вся картина навеяна поэтическим лиризмом, в котором присутствует неразведанная тайна бытия увиденная и разгаданная самим художником и воочию рассказанная зрителю.

Алексей Саврасов родился 24 мая 1830 года в Москве. Отец Саврасова, купец третьей гильдии, мечтал о том, что сын пойдет по его коммерческим стопам. Однако Алексея с ранних лет привлекала живопись, и в 1844 году он против воли отца поступает в Московское училище живописи и ваяния, менее, чем через год, оставляет учебу. В 1848 году Саврасов вновь поступает в училище живописи и ваяния. Занимается в пейзажном классе.

1854 - По приглашению президента Академии художеств вел. кн. Марии Николаевны едет в Петербург и в течение трех месяцев работает на ее даче Сергиевское, между Петергофом и Ораниенбаумом. Создает большую серию рисунков с видами Финского залива, побережья, картины "Вид в окрестностях Ораниенбаума" и "Морской берег в окрестностях Ораниенбаума".

1 – И.Крамской «Письма.Статьи»

6 октября 1854 года, юношей двадцати четырех лет, Саврасов получает звание академика

за картины «Вид в окрестностях Ораниенбаума» и «Морской берег в окрестностях Ораниенбаума», отличающиеся особой лирикой в изображении природы.

Вернувшись в 1855 году в Москву, Саврасов продолжил работу в любимых окрестностях "первопрестольной".

В 1857 году в жизни Саврасова произошли важные изменения. Он женился на Софье Карловне Герц Тогда же ему было предложена должность руководителя пейзажного класса училища, которое он еще недавно закончил.

Новый период его жизни и творчества совпал по времени с "эпохой реформ", наступившей в России вскоре после смерти Николая I и поражения России в Крымской войне. Все более конкретным, "бытовым" становилось и восприятие природы. В то же время, добиваясь достоверности изображений уголков Подмосковья, Саврасов не утрачивает "теплоты" и поэтичности мировосприятия ("Летний пейзаж с дубами", 1859; "Летний пейзаж с мельницей", 1859; "Пейзаж с дубами и пастушком", 1860).

В 1862- 76 годах Саврасов посещает европейские страны: Данию, Францию и Швейцарию. Его европейские пейзажи ("Вид в Швейцарских Альпах"(1862); "Озеро в горах Швейцари" (1866) выгодно отличаются от многих модных в то время изображений величественных горных ландшафтов, отсутствием шаблонной патетики, достоверностью, спокойной и внимательной манерой письма.

В 1870-е годы преподавательская деятельность Саврасова была особенно успешной и плодотворной. В то время в училище пришла молодежь, которой оказались особенно близкими лирические устремления и живописные искания их учителя. Саврасов сумел помочь лучшим русским художникам нового поколения обрести себя, увидеть новые горизонты развития искусства. Сергей и Константин Коровины, Исаак Левитан, Сергей Светославский, Михаил Нестеров и другие юноши, поступившие в его мастерскую, с воодушевлением восприняли призыв Саврасова "идти в природу", наполнять свои произведения отрадным чувством единения с ней.

В 1870 году Саврасова лишают казенной квартиры при училище. Художник берет пятимесячный отпуск и в декабре уезжает с семьей в Ярославль. С 1870 года Саврасов жил с женой под Костромой и в Ярославле, где тихая и размеренная жизнь необыкновенно способствовала написанию чувственных, пронизанных любовью к родине и ее народу пейзажей. В это время написаны «Печерский монастырь под Нижним Новгородом», «Волга под Юрьевцем», «Разлив Волги под Ярославлем» и знаменитые «Грачи прилетели».

Показанная на 1-й Передвижной выставке, «Грачи прилетели», утвердила его как одного из лучших современных мастеров, определила значение его творчества в русском искусстве второй половины XIX века. Но ни одна из последующих его картин, а Саврасов прожил еще 25 лет, не могла затмить обаяние этого небольшого, скромного полотна.

Искусство Саврасова семидесятых годов представляет собой самый зрелый и яркий период творчества художника. Этот период творчества стал одновременно и вершиной, и закатом активного участия Саврасова в общем развитии реалистического искусства.

Выполнены сложной техникой живописного рисунка работы мастера того времени: «Радуга», «Зимний пейзаж. Иней» (1870-ые годы), «Вечер. Перелет птиц» (1874), картины Волжской серии (1872г.): «Волга под Юрьевым», «Печерский монастырь под Нижним Новгородом», «Розлив Волги под Ярславлем», «Могила на Волге».

Я бы выделил картину «Радуга», в которой мы видим обычный деревенский мотив: околица села, берег реки, зелень склона и радуга, которая кажется продолжением лестницы. Это слияние небесной радуги с земными ступенями словно приглашает зрителя к духовному восхождению.

К концу 1870-х годов в творчестве Саврасова наметился спад. Он реже выставлялся, работал все более неровно. Пришли болезни, ухудшилось зрение. Распалась когда-то счастливая семейная жизнь. Сказалась, очевидно, душевная усталость впечатлительного художника, болезненно ощущавшего разрыв между поэтическими стремлениями и действительностью, так часто тягостной. Особенно усугубился трагизм положения Саврасова после 1882 года, когда он был уволен из училища, житейски неустроенный, оказался в стороне от художественной жизни. В борьбе за существование, не имея со стороны семьи моральной поддержки, стараясь забываться от жизненных невзгод, он начал пить, погубил этим себя, свой талант, превратившись из интеллигентнейшего, деликатнейшего живописца в почти безвольного алкоголика.

В 1894 году жизнь в последний раз улыбнулась Саврасову, одарила его радостью. В Киеве был издан альбом его рисунков.

Художественный альбом большого формата состоял из литографий с двадцати рисунков Саврасова: "Ночь в южной степи", "У Крымского берега", "Водопад в Швейцарии", "Сокольники", "Раннее утро на Волге", "На Волге в ясный день", "Грачи прилетели", "Сильно тает", "Сосны у болота", "Порыв ветра", "Белеет парус одинокий....... В них словно вехи его биографии, его творчества.

Умер Саврасов в московской больнице для бедных, 26 сентября 1897 года.

При всем драматизме личной судьбы Саврасова последние годы его жизни стали и порой торжества художественных идей мастера. Ведь в основе творчества лучших русских художников конца XIX века лежало утверждение чувства единства с красотой родной природы, воплощению которого посвятил свою жизнь мастер. Его любимый ученик и продолжатель Левитан опубликовал в газете заметку "По поводу смерти А.К. Саврасова", в которой говорилось: "Не стало одного из самых глубоких русских пейзажистов... С Саврасова появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная любовь к своей родной земле... и эта его несомненная заслуга никогда не будет забыта в области русского художества".¹

С большим интересом была встечена посетителями первой выставки работа молодого петербургского профессора живописи Н. Ге «Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе». На полотне изображен драматический момент: в уютном зале маленького петергофского дворца Монплезир Петр один на один ведет допрос своего сына и наследника, ставшего его врагом и предателем родины. Множество чувств боролись в душе Петра, но гнев уже уступил место горечи и презрению к этому безвольному трусу, не смеющему даже поднять глаз.

Замысел картины из жизни Петра I родился у Ге в связи с предстоящим 200-летним юбилеем великого самодержца. Известный исторический эпизод в трактовке художника предстал, как реальный конфликт двух близких людей - отца и сына. Ге увидел в их столкновении не просто личную драму Петра I, как отца, потерявшего в лице сына продолжателя своих дел, а отражение основного исторического конфликта того времени - противоречия между прогрессивной силой петровских преобразований и рутиной старых, косных устоев жизни.

«Как замечательно, что на картине господина Ге Петр Великий не вытянут во весь рост, не потрясает руками, не сверкает глазами... Царевич Алексей не стоит на коленях с искаженным лицом, не заносит на себя рук и не ломает их... — обрадованно говорил увлеченный выставкой Салтыков-Щедрин. — В этом-то именно и состоит тайна искусства, чтобы драма была ясна сама по себе, независимо от внешних ухищрений художника, опрокинутых столов, сломанных стульев и разбросанных бумаг и т.д.²»

"Петр I допрашивает царевича Алексея в Петергофе" явилась первой картиной, в которой большие исторические события и их герои как бы вплотную приближены к зрителю и показаны с той естественной и глубокой жизненностью, которая была до сих пор достигнута только в лучших произведениях бытовой живописи.

Николай Ге родился в 1831 году в Воронеже в семье потомка французского дворянина, эмигрировавшего в Россию во время Французской революции.

Поступил в Академию художеств в 1850 году, предварительно проучившись на физико-математическом факультете - год в Киевском университете и год в Петербургском. Закончил Академию в 1857 году.

Первые академические работы Ге, ничем не отличаются от массовой историко-мифологической продукции, против которой спустя всего несколько лет станут протестовать его будущие друзья — передвижники. Единственное, что выделяет живопись молодого художника этого раннего периода, — контрастное драматическое освещение.

1 – Ф.С. Рогинская «Товарищество передвижных художественных выставок»

2 – Э.П. Гомберг-Вержбинская «Передвижники»

Получив за картину «Аэндорская волшебница вызывает тень Самуила» большую золотую медаль и право пенсионерской поездки за границу, Ге вместе с женой отправляется в Италию. Они прожили в этой стране тринадцать лет. В Италии родились их дети. Он неустанно работал: писал портреты, пейзажи и делал эскизы к историческим картинам из жизни Древнего Рима и средневековья.

В Петербург он вернулся в 1863 году с картиной "Тайная вечеря". Она вызвала горячий интерес: евангельский сюжет представал в ней как реальное событие, как жестокая драма отступничества от учителя и раскола среди единомышленников. Художник явно порывал с канонами академизма, но успех его был настолько общепризнан (сам Александр II приобрел картину), что Академия художеств пошла на компромисс, присвоив ему звание профессора исторической и портретной живописи.

В 1870 году начинается новый этап и в жизни и в творчестве Н.Ге: он становится одним из учредителей Товарищества передвижных художественных выставок. Как бывшего математика, его выбирают казначеем. Профессор Академии художеств Николай Ге обращается к сюжетам русской истории. Его исторические полотна почти каждый год появляются на выставках передвижников и широко обсуждаются.

После успеха на первой выставке, в творчестве Н.Ге было несколько неудачных работ: "Екатерина II у гроба Елизаветы" и "Пушкин в селе Михайловском" . Художник тяжело переживал свои неудачи. Он разуверился и в собственных творческих силах, и в смысле художественной деятельности вообще. В 1876 году он приобрел хутор в Черниговской губернии, переселился туда, занялся сельским хозяйством, освоил ремесло печника. Некоторое время спустя он близко познакомился с Л. Н. Толстым и сделался приверженцем его учения, которое воспринял с присущим ему максимализмом. Живопись он забросил, лишь изредка писал портреты. Среди его портретных работ хрестоматийную известность приобрели изображения писателей-современников - Салтыкова-Щедрина, Некрасова , Льва Толстого.

Последние 15 лет жизни Ге посвятил исключительно библейской тематике, воспринимаемой им как вечная борьба Добра со Злом, где неизменно торжествует Зло. Живописная манера этого периода творчества приобрела экспрессивность. Сам же художник никогда не был удовлетворен своей работой, создавал несколько вариантов картин, редко доводил их до конца. Личность и учение Христа - постоянно занимавшая художника тема. «Страстной цикл», в который вошли картины «Пула» (1891), «Суд синедриона» (1892), «Распятие» (1894) и др., появился после знакомства с Л. Н. Толстым и его учением. Этот цикл - рассказ об истине и добре, обреченных на страдания, о нравственном усовершенствовании человечества через личную жертву. «В согласии с исторической правдой», Ге, не боясь преступить границы художественности, игнорируя нормы и условности, достиг потрясающих результатов в изображении физических и нравственных мук человека, обрисовав их с необычайной силой и достоверностью. Судьба его картин была драматична: их запрещали к показу, подвергала критике церковная цензура, а последнюю картину «Голгофа» (1892) художник не закончил, и публика увидела ее лишь после его смерти: это удивительное полотно даже сегодня поражает отчаянной смелостью и горячей взволнованностью.

Живопись Николая Ге обогатило русскую культуру новым взглядом на исторические и религиозные сюжеты.

Картина "Дедушка русского флота», одного из основателей Товарищества, Григория Мясоедова, продолжила тему исторической живописи первой выставки. Художник стремился показать в этой картине пытливость ума и энергию будущего преобразователя России.

Полотно отображает событие, когда в 1688 году внимание юного Петра 1 привлек принадлежавший его двоюродному деду ботик. В центре картины изображен Петр, с восторженным интересом рассматривающий это старинное суденышко, и наставник Петра – Франц Тимерман, в прошлом голландский корабельный мастер, который рассказывает для чего служат различные устройства и конструкции судна.

Царь изъявил желание посмотреть, как бот мог ходить под парусами против ветра. Бот отремонтировали, спустили на реку Яузу и показали царю секреты плавания под парусами. С этого дня плавание на ботике стало излюбленным времяпровождением Петра. Будущий основатель русского регулярного военного флота на этом суденышке сначала на Яузе, а затем на Измайловском пруду и Переяславском озере делал свои первые шаги по изучению основ морского дела.

Весной 1723 года, уже после многих одержанных русским флотом побед, Петр 1 вспомнил о своем "любимце", и по его приказанию ботик был перевезен в Петербург, а затем и Кронштадт. В настоящее время занимает достойное место в экспозиции Центрального военно-морского музея в Петербурге.

Григорий Григорьевич Мясоедов появился на свет в семье мелкопоместного дворянина 7 апреля 1834 года в с.Паньково (Тульская губерния). Григорий Григорьевич рано начал проявлять художественные способности. Он начал свою учебу в Орловской гимназии, а в 1853 году с успехом поступил в Академию Художеств в Петербурге. Студенческие годы Мясоедова не были сытыми: он жил в маленькой комнате и зарабатывал на жизнь, работая в кондитерской.

В 1861 году, еще будучи слушателем Академии, Мясоедов написал картину «Поздравление молодых в доме помещика», за которую получил малую золотую медаль. В 1862 году за произведение «Бегство Григория Отрепьева из корчмы» Мясоедов получил большую золотую медаль. Эти работы были одними из первых заявок на пути создания реалистических исторических картин. Далее историческая тематика будет присутствовать в творчестве Мясоедова постоянно, наряду с произведениями бытового жанра. Эти линии на протяжении всего творчества художника очень тесно сближались, переходя друг в друга

Окончив Академию Художеств в 1863 году, Мясоедов отправляется пенсионером за границу. Художник работает в Париже, Флоренции, Риме, Испании. Наиболее известные картины, написанные художником в этот период - «Похоронный праздник у цыган в Испании», «Франческа да-Римини и Паоло да-Полента».

В 1870 году Мясоедов возвращается в Россию. За картину «Заклинания» он получает звание академика. Творчество у Мясоедова все время сочеталось с активной общественной деятельностью. Г.Г. Мясоедов является одним из инициаторов создания организации художников нового типа - Товарищества передвижных художественных выставок.

К идее создания Товарищества Мясоедов пришел, будучи уже убежденным борцом за творческую и идейную независимость художников-демократов и за искусство общественно активное, близкое жизни, правдиво и смело ее отражающее. Стремление создать Товарищество "подвижных" выставок стало его основной жизненной задачей.

Уже на 2-й выставке Товарищества он показывает картину "Земство обедает" (1872), которая определяет весь дальнейший творческий путь художника.

Тема картины политически остра и злободневна. "Земство обедает" - одно из первых произведений не только в живописи, но и во всем русском искусстве, где прямо и резко показано бесправие пореформенного крестьянства, хоть и прикрытое либерально-благообразной формой. Мясоедов наглядно показывает лицемерную сущность земской реформы 1864 года, давшей крестьянам право посылать депутатов в земские собрания.

Мясоедов раскрывает свой замысел посредством резкого противоположения группы крестьянских депутатов, закусывающих квасом да луком, расположившись на земле, господам, обедающим в помещении управы. Зритель не видит господ. Но он видит окно обеденного зала, в окне - винные бутылки, официанта, перетирающего тарелки. Это противопоставление дает остро почувствовать социальное неравенство членов управы, бесправное, униженное положение крестьянских депутатов.

Полотно "Земство обедает" прочно вошло в историю русской демократической живописи.

Мясоедов Г.Г. занимался музыкой, играл на скрипке (в Товариществе был организован квартет, там художник играл на альте). В классической музыке Григорий Григорьевич часто находил отдых от своих душевных терзаний.

Через год после «Земства» появляется картина «Чтение манифеста 19 февраля 1861 года» (1873). Она встречает восторженные отзывы в печати.

В конце 1880-х Мясоедов переселяется в свою усадьбу Павленки под Полтавой Здесь он организовал школу рисования, написал брошюру по садоводству, которым давно увлекался.

В 1890-е годы художник переживал кризис. Он одинок, с семьей по каким-то причинам он давно разошелся и едва поддерживает отношения со своим сыном Иваном, интереснейшим художником с многосложной судьбой послереволюционного времени.

Товарищество, дело его жизни, пришло к упадку, художник осознает, что его время безвозвратно ушло. Полностью отказавшись от «критического направления», столь принципиального для передвижничества, художник отказался тем самым от основ художественной системы 1870гг.

По велению судьбы в Полтаве состоялась передвижная выставка, ее организаторы обратились к Мясоедову за помощью в поиске выставочного помещения. Выставка состоялась, что дало Григорию Григорьевичу возможность встрепенуться, и душа художника ожила. Он возвращается в Петербург и вынашивает мысль о большой работе. Он хотел отразить целую эпоху в лице великих людей. Он пишет картину «Пушкин на вечере у Мицкевича», которая, к сожалению, не произвела должного впечатления на публику.

Мясоедов Г.Г. вернулся в свое полтавское имение, в свой старый дом с прекрасным садом, где он умер в 1911 г.

Среди картин, пользовавшихся наибольшим успехом на 1-й выставке передвижников, были и две картины Иллариона Прянишникова – 'Погорельцы' и 'Порожняки'.

Салтыков-Щедрин в своей рецензии на первую выставку писал: «Две картины г. Прянишникова («Погорельцы» и в особенности «Мужики, возвращающиеся из города порожнячком») представляют своего рода перлы, которыми выставка может, по справедливости, гордиться. Каждая картина этого высокодаровитого художника представляет отрывок из действительности до такой степени трепещущий, что зритель невольно делается как бы непосредственным участником той жизни, которая воспроизведена перед ним.» ¹

Прянишников один из первых вводит в русскую живопись образ разночинца, интеллигента из народа, несущего в народ просвещение. На полотне «Порожняки» мы видим: зима, снег, низко нависшее небо, ветер гуляет по снежной равнине. Заворачивая по дороге в сторону, тянется шесть пустых розвальней. Мужики продали товар в городе и возвращаются домой. На последних розвальнях сидит скорчившись прозябший семинарист с пачкой книжек, перевязанных веревочкой. Наверно, едет на рождество домой, пристегнувшись к оказии. На нем потертое пальтишко, картуз не закрывает ушей, он уткнул подбородок в шарф, обмотанный вокруг шеи, и томится одним лишь вопросом: доедет он или замерзнет в дороге? Юноша семинарист обрисован Прянишниковым с теплой лирической интонацией. В нем воплощены типические черты многих представителей учащейся разночинной молодежи, которая, претерпевая тяжелые лишения, стремилась к знаниям. Огромную роль в картине играет прекрасно написанный зимний пейзаж. Клубящаяся снежная пыль окутывает полупрозрачной дымкой бескрайние дали, пылающие розово-оранжевыми красками заката ... Все дальше и дальше в эти дали, в самые недра Руси, уходит обоз.

Вторая картина выставки «Погорельцы» никого не может оставить равнодушным: серое небо нависло над сгоревшим селением: только печи возвышаются на пепелищем. Красно-коричневые тона картины словно напоминание о недавнем губительном огне. В центре - фигура молодой крестьянки с детьми, слева и справа – тоже дети. Кто поможет им ?

Иллариону Михайловичу Прянишникову принадлежит в истории русского искусства второй половины 19 века видное место. Один из талантливейших жанристов-'шестидесятников', член-учредитель Товарищества передвижных художественных выставок, преподаватель, он отразил в своем творчестве важнейшие тенденции развития реалистической живописи на разных его этапах.

Прянишников родился в селе Тимашово Боровского уезда Калужской губернии в семье небогатого купца. С детских лет полюбив рисование, он уже в 1852 году поступил в московское Училище живописи и ваяния.

В работах Прянишникова начала 1860-х годов ('Мальчик-коробейник', 'Чтение письма в мелочной лавке') уже достаточно ярко проявились характерные черты таланта художника: наблюдательность, способность к живым, точным социально-психологическим характеристикам, сочная цветность живописи.

С появлением в 1865 году картины 'Шутники. Гостиный двор в Москве', за которую он получил большую серебряную медаль (в том же году Прянишников закончил обучение в

1 – Ф.С. Рогинская «Товарищество передвижных художественных выставок»

Училище), он прочно занял одно из первых мест среди художников-реалистов того времени. В этом небольшом полотне нашла удачное воплощение характерная для бытового жанра пореформенного десятилетия тема унижения человеческого достоинства, бездушия и жестокости в мире.

В работах второй половины 1860-х – начала 1870-х годов Прянишников обращался к самым различным сторонам русского быта. Он изображал убогие развлечения городского люда, толпящегося у двери балагана, на которой написано 'Въ хоть в 'Тиатръ Марийанеток' ('У театра марионеток', 1867); страдания бездомных нищих ('Калики перехожие, поющие Лазаря', 1870); непосильный труд измученных женщин-работниц ('Швея', 1870). В картине 'Любитель' (конец 1860-х) художник едко высмеял тип сластолюбивого богача-сибарита, поклонника 'изящных искусств'.

Широкую известность приобрела картина Прянишникова 'В 1812 году'. Обратившись к событиям прошлого, в которых проявилась до поры дремлющая сила народа, художник противопоставил распространенному в 'казенном' искусстве того времени показному урапатриотизму помпезных полотен трезвый и в то же время полный веры в простых людей своей земли взгляд на победу России в войне с войсками Наполеона. Не полководцы, а бедно одетые партизаны-крестьяне, ведущие по снежной равнине пленных французов, предстали в этой скромной, но очень выразительной картине как истинные герои Отечественной войны.

Среди сюжетов, к которым обращался Прянишников в 1870-х – начале 1890-х годов, заметное место занимают эпизоды из жизни охотников и рыболовов. В лучших из 'охотничьих' картин ему удалось достичь естественности и поэтичности сочетания человека и пейзажа ('Конец охоты', 'На тяге'), органично соединить мягкий юмор бытовых зарисовок и чувство красоты летнего дня ('Охота пуще неволи'). В других 'живописных новеллах' Прянишникова проявились его сатирические наклонности ('Жестокие романсы', 1881).

В 1880-90-е годы Прянишников работал и над масштабными полотнами, изображавшими многоликую народную массу и позволявшими объединить в общем действии различные типы и характеры русской деревни ('Спасов день на Севере', 1887; 'Общий жертвенный котел в престольный праздник', 'Крестный ход' – начало 1890-х).

С 1873 года и до конца жизни Прянишников был преподавателем в МУЖВ, учителем многих известных впоследствии живописцев - С. В. Иванова, Н. А. Касаткина, К А. Коровина, М. В. Нестерова, В. К. Бялыницкого-Бирули и др. В 1893 г. Прянишников был избран действительным членом АХ.

Прянишников скончался 12 (24) марта 1894 г. в Москве.

Василий Перов – художник-повествователь на первой выставке передвижников представил несколько работ: «Охотники на привале», «Рыболов», портрет купца Камынина, портрет А.Островского.

Среди картин, вызвавших наибольшую похвалу современников, был «Рыболов»: «Вообразите себе человека пожилого, - писал критик Стасов,- отяжелевшего где-то в глуши, багрового и седого; он стоит над водой, под навесом широкой, старой своей соломенной шляпы; он взялся за оба колена, наклонился вперед среди торчащих повсюду около него, по земле, спущенных в воду удочек, и вся душа его глядит, сквозь огромные круглые очки на носу, в струи, где разрешается этот первый в мире вопрос: «Клюет или не клюет?»»... Стасова радовало в «Рыболове» создание на редкость характерного, типического образа.1

«Рыболов», «Охотники на привале»- во всех этих картинах нет ничего ни великого, ни значительного, ничего драматического, ни захватывающего воображение. Но тут предстала целая галерея русских людей, мирно живущих по разным углам России, ничего не знающих, ни о чем не заботящихся, и только всей душой ушедших в любимое их и ничтожнейшее занятие: кому - дороже всего на свете- рыбу из воды вытащить, кому - зайца догнать .

На первый взгляд тут все только юмор, добродушный, наивный, незлобивый, ни о чем особенно не задумывающийся юмор, простые картины русских нравов, да, но только от этого «наивного» юмора и от этих «простых» картин мурашки по телу бегают; кто не слеп и не глух, почувствует в этих картинах едкое жало.

1 – В.В. Стасов «Передвижная художественная выставка 1871 года»

В портрете А.Н.Островского воплотился присущий Перову исключительный дар наблюдательности, его умение раскрыть своеобразие характера модели.

Фон и одежда в портрете Перова даны в глухой темной гамме. Зато отчетливо освещена голова портретируемого, выполненная очень тщательно, со скульптурной пластичностью. Внутренняя духовная жизнь писателя Островского сосредоточена в лице, в устремленном на зрителя взгляде, пристальном, словно сверлящем .

Раскрывая в портретах выдающихся представителей прогрессивной русской интеллигенции высокие духовные, нравственные начала, художник умел быть беспощадным в характеристиках людей, заключающих в себе, в его представлении, социальное зло. Так, в портрете купца Камынина за внешне благообразным, патриархальным обликом встают хищные, стяжательские черты российского купечества.

Перов Василий Григорьевич - один из лучших русских живописцев, родился в Тобольске 23 декабря 1833 года. Окончил курс в арзамасском уездном училище, был отдан в художественную школу в Арзамасе.

В 1853 году поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. В 1856 году, за представленный в Императорской Академии Художеств этюд головы мальчика, получил малую серебряную медаль. За этой наградой следовали другие, присужденные ему академией: в 1858 году - большую серебряную медаль за картину "Приезд станового на следствие", в 1860 году - малую золотую медаль за картины "Сцена на могиле" и "Сын дьячка, произведенный в первый чин", в 1861 году - большую золотую медаль за "Проповедь в селе".

Эти четыре произведения и написанные им вскоре после того "Проповедь в селе", "Сцена на могиле" и "Чаепитие в Мытинцах" , будучи выставлены в Москве и Петербурге, произвели огромное впечатление на публику и выказали художника остроумным жанристом-сатириком, наделенным тонкой наблюдательностью, глубоко вникающим в русскую жизнь, умеющим особенно ярко выставлять на вид ее темные стороны.

Получив, вместе с большой золотой медалью, право на поездку в чужие края на казенный счет, Перов отправился туда в 1862 году, посетил главные художественные центры Германии и провел около полутора лет в Париже. Здесь он делал этюды с натуры и написал несколько картин, изображающих местные типы и сцены уличной жизни ("Продавец статуэток", "Савояр", "Шарманщик", "Нищие на бульваре", "Музыканты и зеваки", "Тряпичники" и пр.), но вскоре убедился, что воспроизведение незнакомых, чужеземных нравов не дается ему столь же успешно, как изображение родного, русского быта, и возвратился в Россию до окончания срока своего пенсионерства.

Поселившись снова в Москве, Перов принялся работать в том же направлении, на которое выступил в начале своей карьеры.

Перов был первым из живописцев, осмелившимся показать убогость и пустоту русской жизни, социальный гнет и бесправие людей, их горести и невзгоды, показать так прямо, резко, с такой остротой, которую не часто встретишь даже в сатирической графике той поры. Перов вводит в живопись крестьянскую тему.

Выбранные художником сюжетные сцены трактуются в его произведениях как события, протекающие во времени. Перов сознательно использовал прием противопоставления для обнажения социальных противоречий, для усиления обличительной ноты картины. И это также становится характерной особенностью русской реалистической живописи и в последующие годы - годы расцвета.

Перов противопоставляет персонажей своих картин не только сюжетно. Он находит особые художественные средства для характеристики представителей различных сословий и типов. Образы помещиков, духовенства, купечества почти приближаются к социальной маске (например, монах в "Чаепитии", расплывшийся как квашня, с ртом-присоской и непомерным чревом, не столько отдельная личность, сколько олицетворение пороков духовенства). В то же время образы крестьян в "Проповеди в селе", нищего в "Чаепитии в Мытищах", девушки-гувернантки ("Приезд гувернантки в купеческий дом", 1869) написаны совсем по-иному - мягко и тепло, без каких-либо элементов гротеска. Страшная и беспощадная в своей правдивости картина поголовного пьянства, невежества, душевного опустошения и нравственной распущенности в "Сельском ходе" вызывает не только горький смех сквозь слезы, но и рождает негодование и глубокое сочувствие к участи этих бедных людей, их беспросветной жизни.

В период времени с 1865 по 1871 год Перов создал ряд произведений, поставивших его во главе всех русских жанристов. В этот период из-под его кисти вышли такие бесподобные картины, как "Очередная у фонтана", "Монастырская трапеза", "Проводы покойника", "Тройка, "Чистый понедельник", "Приезд гувернантки в купеческий дом", "Учитель рисования", "Сцена у железной дороги, "Последний кабак у заставы", "Птицелов», "Рыболов", "Охотники на привале" и некоторые другие. Четвертая и шестая из этих картин доставили художнику, в 1866 году, степень академика; за "Птицелова", в 1870 году, он получил звание профессора.

Всем известная картина «Тройка», избражающая детей, везущих обледенелую бочку с водой. Сохранился рассказ самого художника о мальчике с этой картины. Как-то у Тверской заставы Перов повстречал старушку с мальчиком. Тип мальчика был совсем такой, какой виделся для начатой картины. Художник позвал их к себе, показал картину и объяснил, что мальчик - звали его Вася - как раз подходит в картину, на холст. Старушка никак не хотела согласиться, мол, это грех - писать живых людей, и люди оттого чахнут, а художник доказывал, что даже архиереи позволяют писать с себя портреты, и в конце концов старушку уговорил.

Пока художник работал, она рассказывала про свое житье-бытье. Оказалось, лет ей было не так уж и много, но невзгоды состарили прежде времени, и сынок Васенька - единственная ее отрада и утешение.

Картина уже висела на стене у Третьякова, но однажды старушка появилась на пороге. Страдание проглядывало во всем ее облике. Васенька, сынок, заболел и умер, и вот, распродав нехитрый свой скарб, она пришла, чтобы купить картину. Как мог, художник растолковал, что картину уже не купить. Но хотя бы посмотреть? Вдвоем они отправились к Третьякову. Как трава, подрезанная взмахом косца, говорит художник, старушка повалилась на пол перед картиной. И час и другой она стояла на коленях и молилась на изображение сына.

Художник обещал написать портрет Васи и выслать в деревню и свое обещание выполнил. И годы прошли, завершает он рассказ, а эта простая деревенская женщина в ее убогом наряде встает перед ним во всем величии человеческой души, материнской любви и самоотречения.

Трогательная эта история одновременно рисует и самого художника и облик людей, которые были ему в искусстве и в жизни всего дороже. Всей душой он сочувствовал таким, как эта мать-крестьянка, и умел понять чистоту ее натуры и ее нравственную высоту. И случай, который им пересказан, тем глубже заставит нас ощутить смысл картины. Сюжет, который весь вылился в обиду за этих детей - с малых лет подневольных, с малых лет лишенных детства. Всего неотразимее в картине лица и глаза детей, в которых все запечатлено: одиночество, усталость, напряжение непосильного труда. Тема обездоленного детства пройдет через все творчество художника, и, быть может, это самое горькое, о чем он думал, чем поверял свое несогласие с бесчеловечием современной ему жизни.

Однако рядом с такими замечательными произведениями, порой являются у Перова картины, странно задуманные и неудачно исполненные, например "Божия Матерь с Христом у житейского моря" и "Выгрузка извести на Днепре".

Получив в 1871 году место профессора в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и примкнув к товариществу передвижных художественных выставок, Перов в первые, и следовавшие затем годы, продолжал писать портреты и жанровые картины в прежнем роде, но уступающие его предшествовавшим работам; чем далее, тем все сильнее и сильнее увлекался он более возвышенными, по его мнению, задачами - пытался быть живописцем религиозных и аллегорических сюжетов ("Христос в Гефсиманском саду", "Снятие со креста", "Распятие", "Весна" и другие) и, наконец, пристрастился к темам из отечественной истории ("Плач Ярославны", "Первые русские христиане", "Поволжские хищники", "Пугачевцы", "Никита Пустосвят"). В этих последних произведениях Перова еще просвечивает его талант, но уже не так ярко, как в былое время; за ними нельзя не признать некоторых достоинств, но вообще они слишком изысканы по композиции, мелодраматичны и свидетельствуют, что в создании их участвовал больше ум, чем художественное чувство их автора.

Вторая половина десятилетия окрасилась для Перова одиночеством, болезнью и лихорадочным творчеством. В 1875 году живописец последний раз участвует в экспозиции передвижников, а в 1877-м он, в течение многих лет казначей Товарищества передвижных художественных выставок, отчитавшись до копейки, выйдет из его состава.

Влияние Перова на реалистическую живопись 70-х годов огромно. Оно отнюдь не ограничивалось рамками жанровой живописи. Достижения Перова в области психологического анализа были равно значительны и для живописи исторической и для портрета.

Под конец своей жизни Перов пустился в литературу и напечатал в газете "Пчела" за 1875 год и в "Художественном Журнале" Н. Александрова за 1881 - 1882 гг. несколько рассказов из быта художников и свои воспоминания.

Он умер от чахотки в с. Кузминках, неподалеку от Москвы, 29 мая 1882 года.

Иван Крамской — бунтарь и вдохновитель русского искусства, один из основателей Товарищества, на первую выставку представил три портрета - живописцев Ф.А.Васильева и М.К.Клодта и скульптора М.М.Антокольского .

Эти произведения были итогом исканий художника на первом этапе самостоятельного творчества. Монохромная масляная живопись с ее способностью передавать тонкие светотеневые градации, белое обрамление, словно имитирующее поля фотографической карточки,- все должно было довести до логического завершения намеченную в графической серии линию использования в живописи выразительных средств, которые многим в ту эпоху казались прерогативой фотографии.

Крамской представляет на суд публики произведения, в которых индивидуальность человека воплощена с глубиной, фотографии в те годы недоступной, но исключая цвет - важнейшее выразительное средство живописи. Кисть художника, не пренебрегая ни одной деталью, выявляет индивидуальность каждого из портретируемых так, как может это сделать лишь человек, обладающий способностью заглянуть в самую душу другого человека.

Кроме портретов, Крамским на выставке предствалена картина «Русалки» (на сюжет из повести Н.В.Гоголя «Майская ночь», 1871). Картина стоила Крамскому немалого труда, Сохранились эскизы, наглядно показывающие, как постепенно художник отходил от иллюстративного метода, искал средства живописного воплощения поэзии лунной ночи. Крамской так и не сумел добиться результата, который удовлетворил бы его самого: «Все стараюсь в настоящее время поймать луну. Говорят, впрочем, что частица лунной ночи попала-таки в мою картину, но не вся. Трудная штука - луна». Крамской ищет вдохновения в реальной прелести украинской ночи. Именно в эти годы в сознании Крамского формируется понимание живописного образа как олицетворения тех или иных представлений, сложившихся в народном сознании.

Иван Николаевич Крамской родился в уездном городе Острогожске Воронежской губернии. Он был внуком и сыном писаря городской управы. Фотограф Я.Данилевский резко изменил тихое течение жизни, взяв Ивана к себе ретушером. Вместе с Данилевским в 1856 г. Иван пустился в странствие по городам России и со временем добрался до Петербурга. Здесь он был принят в лучшую столичную фотографию А.И.Деньера. А осенью 1857 г. Крамской был принят в Академию художеств. Иван был одним из тех молодых людей, которые поступили учиться «от сохи», и поэтому не только получал художественное образование, но и стремительно наверстывал упущенное. Двадцатилетний юноша читал Гегеля, Лессинга, Шопенгауэра, Прудона, Байрона, Гейне, Гомера, Диккенса.

Обладая выдающимся талантом живописца, Крамской успешно учился в Академии и в 1863 году за картину «Моисей источает воду из скалы» получил золотую медаль.

Весьма вероятно, что, не будь Крамского, не было бы и 9 сентября 1863 года: талантливые молодые художники рассеялись бы, прошли бы незамеченными, постоянно теснимые и гонимые всесильным академизмом. Ум и энергия Крамского объединили их всех в одно целое, дали их намерениям одну общую, определенную цель, выработали для них учение, за которое можно было стоять, на которое можно было ссылаться.

За два месяца до бунта в Академии, в сентябре 1863 года, Крамской поступил преподавателем рисунка в школу при Обществе поощрения художников.

На его уроках, происходивших раз в неделю по воскресеньям, было всегда полно, и каждое его слово ученики слушали затаив дыхание. Там с ним познакомился только что приехавший из провинции юный Репин, который готовился к поступлению в Академию художеств. Крамской сразу же заметил талант своего нового ученика и пригласил юношу бывать у него дома.

С 1870 года начинается портретный период творчества Крамского. Портретов написал Крамской на своем веку огромное множество, между ними очень многие - создания истинно великолепные, изумительные по жизненности, по правде, по глубокой характеристике. Первым идет портрет поэта Шевченко (1781) - портрет, ярко показавший всю силу таланта и оригинальности Крамского; затем прекрасные портреты его товарищей: Антокольского, барона М.К. Клодта, Васильева . В 1873 году им написано было два портрета с графа Льва Толстого. Долго знаменитый автор «Детства и отрочества» не соглашался дать списать портрет с себя, но когда Крамской приехал к нему в Ясную Поляну и внушил ему большую симпатию своей натурой, личностью, беседами, - он, наконец, дал свое согласие.

В отличие от многих его соратников, Крамского не тянуло к рассказу в живописи, он увлекался философскими и психологическими задачами. Это с особой ясностью сказалось в целой серии портретов крестьян, написанных на протяжении 1870-х — первой половины 1880-х годов. Именно портреты самое ценное в его творческом наследии, хотя он часто жаловался, что они мешают ему писать картины. В портретах проявился дар Крамского-психолога, умного и проницательного.

Никакая книга, ни описание, ничто другое не может так цельно рассказать о человеческой физиономии, как ее изображение. Художник стремился не только к живости, но к постижению души, характера, следов прожитой жизни. Вот почему его «Полесовщик», «Крестьянин с уздечкой», «Мина Моисеев», «Созерцатель» и другие безымянные изображения, которые иногда просто называются «портрет крестьянина», не менее значительны, чем сюжетная картина из крестьянской жизни.

Одна из самых известных работ Крамского, «Христос в пустыне», была написана в 1872 году для одной из передвижных выставок. В мрачный, дикий ландшафт каменистой пустыни словно вросла неподвижная фигура сидящего человека. Замысел художника понятен думающему зрителю: не простую иллюстрацию к евангельскому эпизоду видели они перед собой, а картину-символ, воплотившую проблему выбора жизненного пути, вставшую перед честными русскими людьми в 70-х гг. XIX в. Жертвовать ли собой ради борьбы за справедливость, за высшие идеалы, или поддаться чувству самосохранения, замкнуться в личном благополучии? Вся жизнь и творчество Крамского — ответ на этот вопрос.

Одна из самых известных работ Крамского - портрет «Неизвестная» (1883). Эта картина до сих пор волнует критиков и зрителей своей загадочностью. Кто изображен на портрете? Неизвестно, даже сам художник ни в дневниках, ни в письмах ни разу не обмолвился о картине ни словом, ни намеком.

На протяжении всей жизни ярко проявлялись революционно-демократические настроения Крамского: он всегда открыто выступал против академической школы и часто несдержанно отзывался о своих собратьях по Товариществу, что повлекло за собой несколько острых конфликтов. В последние годы жизни, уже страдая от сердечной болезни, художник сетовал, что все от него отвернулись. На протяжении многих лет рядом с Иваном Крамским была его «ангел-хранитель», жена Софья.

Смерть настигла Крамского за работой: 24 марта (5 апреля) 1887 года он работал над портретом доктора Раухфуса и вдруг упал. Смерть была быстрой, его не спасло даже присутствие врача, который ничем не успел помочь.

Человек глубоко добродетельный, Крамской отличался прямым характером, максималистской непримиримостью и стремлением во что бы то ни стало отстоять собственные идеи.

Действуя не только кистью, но и пером (Крамской написал немало ценных для искусства критических статей), художник оказал значительное влияние на развитие демократического искусства в России.

Значительное место на первой выставке занимала русская реалистическая пейзажная живопись, ярким представителем которой был Иван Шишкин.

На первой выставке он представил пейзажи «Вечер», «Сосновый лес» (рисунок) и «Березовый лес». В этих работах Шишкин - еще на пути становления своего живописного мастерства.

В картине «Вечер» мы видим: сгущающиеся сумерки над дорогой, с идущими по ней крестьянками, изгородь, освещенная последними лучами солнца, где-то вдалеке – поле, еще не тронутое наступающей тьмой. Полотно «Березовый лес» открывает нам уголок русского леса, где небольшой ручей отражает синее небо и изящные березки вокруг. В своих живописных рассказах художник с особым вниманием изображает каждый листочек и травинку, почву, на которой они растут, как бликуют пятна солнечного света в кронах и на траве.

Начиная с 1-й Передвижной выставки, в течение всех двадцати пяти лет Шишкин участвовал на выставках своими картинами, дающими возможность сегодня судить об эволюции мастерства пейзажиста.

В 1872 году в письме к Васильеву Крамской, отмечая, с суровой беспристрастностью, некоторую ограниченность, присущую в те годы творчеству Шишкина, определил место и значение этого художника для русского искусства: "...он все-таки неизмеримо выше всех, взятых вместе, до сих пор... Шишкин – верстовой столб в развитии русского пейзажа, это человек – школа, но живая школа".¹ 7

Иван Иванович Шишкин родился в 1832 году в г. Елабуге. Он был младшим сыном в купеческой семье. Отец его интересовался историей родного края, археологией, хотел дать сыну хорошее образование. Будущему художнику было двенадцать лет, когда отец отвез его в Казань, в гимназию. Но гимназию юноша бросил, а профессию художника избрал против воли родителей. С 1853 по 1856 год он учится в Московском Училище живописи и ваяния.

В 1856 году, окончив Училище, художник едет в Петербург и поступает в Академию художеств, чтобы дальше совершенствовать свое мастерство. Иван Иванович выделялся среди учеников блестящими способностями, и уже через три месяца после поступления живописец обратил на себя внимание пейзажными рисунками. В 1857 Шишкин за картину «В окрестностях Петербурга» и за рисунки, выполненные в Дубках летом, получает две Малые серебряные медали. В 1858 году этюд «Сосна на Валааме» удостаивается серебряной медали, а картина «Вид на острове Валааме. Местность Кукко», которая демонстрировалась на выставке в Академии в 1860 году, была удостоена Большой золотой медали.

Шишкин с трудом добивается права посвятить первый пенсионерский год путешествию по России. Шишкина тянет в самое сердце России, на Волгу, на Каму, в родную Елабугу, окруженную в то время густыми лесами.

В 1862 он все же едет в Западную Европу.

В течение трех лет он жил в Швейцарии и Германии. В 1865 году художника за картину «Вид в окрестности Дюссельдорфа» избирают в академики.

Возвращение в Россию знаменует начало формирования Шишкина как художника-реалиста и патриота, сложение его манеры, его индивидуального творческого лица Вступление на путь реализма для Шишкина было сознательным актом, делом творческого выбора.

Лето 1866 года живописец проводит в Москве и работает в Братцеве. А в 1867 году Шишкин отправляется на остров Валаам.

В 1867 году художник пишет картину «Рубка леса», с которой в творчестве Шишкина стала главной тема русского леса. Он первый открыл зрителю тайны старого бора, пахнущего мхом, смолой и земляникой, еловые чащи, поросшие папоротником, маленькие лесные полянки в буйном цветении летних трав.

Шишкин уверен, что природа, которую он изображает, прекрасна и значительна и не требует для своего изображения нарочитых, эффектных приемов. Мотивы его пейзажей предельно просты и естественны.

Летом 1868 года Шишкин получает благословение отца на венчание со своей кузиной Евгенией Александровной Васильевой.

В сентябре 1868 года художник представил в Академию художеств две картины, за которые он был представлен к ордену.

Летом 1869 года Шишкин готовится к выставке в Академии художеств. Художник пишет несколько картин, среди которых выделяется произведение «Полдень. В окрестностях Москвы».

В начале 1872 года на конкурсе, организованном Обществом поощрения художеств в Петербурге, Шишкин представил произведение «Мачтовый лес в Вятской губернии». Это полотно было приобретено Третьяковым для его картинной галереи.

1 – Ф.Мальцева «Мастера русского пейзажа. Иван Шишкин»

Став одним из учредителей Товарищества передвижных художественных выставок, Шишкин принимал участие в выставках Товарищества передвижников начиная с первой передвижной выставки, прошедшей в 1873 году и в течение последующих 25 лет.

За полотно «Лесная глушь», написанное в 1872 году, Шишкин наконец получает звание профессора Академии художеств.

В апреле 1874 года умирает первая жена художника Евгения Александровна, а затем — маленький сын. Поддавшись тяжелым личным переживаниям, живописец на некоторое время бросил творческую деятельность и уехал в деревню, где пристрастился к алкоголю. Но все же через некоторое время Шишкин смог вернуться к жизни, и уже в 1875 году на 4-й Передвижной выставке художник выставил ряд картин, наибольший успех из которых имело произведение «Родник в сосновом лесу».

Вскоре художник женился во второй раз. Избранницей Шишкина стала его ученица — девушка по имени Лагода талантливая художница, во многом перенявшая методы своего учителя. Однако через некоторое время Шишкин опять остался вдовцом. Его вторая жена умерла в возрасте тридцати одного года, оставив ему двух дочерей.

В 1870-х годах художник увлекается офортом - техникой глубокой печати, которая позволяла свободно рисовать без каких-либо физических усилий. Этот метод стал для Шишкина самостоятельной и важной областью творчества.

В течение всей жизни живописец периодически посещает свою малую родину — Елабугу. В 1878 году, после одной из таких поездок появляется одно из самых известных произведений художника – картина «Рожь».

С конца 1870-х годов Шишкин становится самым известным русским пейзажистом. В 1880-е годы художник создает много пейзажей, в сюжетах которых обращается к теме русской природы. Среди его произведений этого периода следует отметить картины «Ручей в лесу (На косогоре)» (1880), «Заповедник. Сосновый бор» (1881), «Сосновый лес» (1885), «В сосновом лесу» (1887). Кроме картин, художник в этот период пишет большое количество этюдов.

Наибольшую известность среди всех картин Шишкина получило произведение «Утро в сосновом лесу», написанное в 1889 году. Художник словно подсмотрел одну из тайн векового бора, но не потревожил его обитателей, живущих своей потаенной от человека жизнью. Суровость этой почти таежной глуши смягчена не только ребячьей возней медвежат, но и прелестью красок леса, как бы пронизанных голубоватыми отсветами. Эта картина для многих русских людей стала символом родины, безмятежного детства, наполненного ожиданием чудесного.

В 1894-95 годах Шишкин возглавлял пейзажную мастерскую Высшего художественного училища при Академии художеств.

Достойным завершением богатого творческого пути Шишкина стало произведение «Корабельная роща», написанное в 1898 году. Это самая крупная в творчестве Шишкина картина является последним, завершающим образом в созданной им галерее, символизирующей великолепие русской природы.

Художник умер 8 марта 1898 года. В свои 66 лет он находился в полном расцвете творческих сил. В его мастерской стояла только что начатая картина «Лесное царство».

Художник Лев Каменев на первой выставке показал два пейзажа: "Туман. Красный пруд в Москве осенью" и "Летняя ночь". Обе картины имели значительный успех.

В газете Санкт-Петербургские ведомости В.В. Стасов, этот "громкоговоритель эпохи", как его тогда называли, в статье "Передвижная выставка" 1871 года писал об этих картинах художника: "Обе чрезвычайно поэтичны, обе чудесно написаны. Быть может, еще лучше Летняя ночь, где эффект нежно освещенных луною тоненьких облаков, маленький залив между густых куп лесных, мелькающие огоньки в стороне, пасущееся стадо лошадей вдали – все это бесподобно в высшей степени". 2

Лев Львович Каменев родился в 1833 году в городе Рыльске Курской губернии в семье мелкого торговца. Детство и юность художника прошли в Астрахани, где он учился в местной гимназии, но не окончил ее, так как отец нуждался в помощнике и взял сына к себе в лавку.

1 – Ф.С. Рогинская «Товарищество передвижных художественных выставок»

Льву пошел 21-й год, когда он в 1854 году уехал в Москву и поступил в Училище живописи, ваяния и зодчества. Одновременно с ним воспитанниками училища были будущие знаменитости И.И. Шишкин и В.Г. Перов.

1858 году Л.Л. Каменев получил звание неклассного художника. Из числа тех, кто не был выпускником Академии художеств, его удостаивались лишь те, кто сдал соответствующие экзамены и представил конкурсные работы.

В том же году Каменев вступил в члены Московского общества любителей художеств. Тут он сразу начал принимать активное участие в модных тогда Периодических выставках. На них лучшие картины получали денежные премии и прекрасно раскупались.

Летом 1858 года Каменев уезжает на остров Валаам, где в то время писал этюды его товарищ по училищу И.И. Шишкин. На Валааме молодые художники работают в непосредственной близости друг от друга, что способствует их дружескому сближению.

В следующем году Каменевым закончены два замечательных пейзажа – "Старый дуб" и "Пейзаж с избушкой".

В 1860 году Каменев заканчивает "Пейзаж с рекой". В этом же году Каменев успешно участвует в выставке Московского училища живописи, ваяния и зодчества. В представленных там работах критикой была отмечена способность молодого художника "похищать у природы тайну ее обаяния".

Начало периода обретения художником зрелости и творческой самостоятельности, отхода от невольной подражательности можно датировать 1861 годом, когда были написаны такие работы, как два полотна с незатейливым названием "Пейзаж", а также "Закат на реке Мологе".

В 1863 году при содействии Общества любителей художеств Каменев отправился на два года за границу. Там он посещает музеи изобразительных искусств, мастерские художников.

В Германии Л.Л. Каменев написал свои известные работы "Тевтобургский лес" (1864) и "Вид в окрестностях Дюссельдорфа" (1865).

В 1865 году Петербургское общество поощрения художников учредило ежегодные конкурсы с выдачей денежных премий за лучшие произведения жанровой и пейзажной живописи. В этом же году состоялся первый конкурс. Победителями в нем стали: по разряду жанровой живописи В.Г. Перов за картину "Крестьянские похороны", а по разряду пейзажной – Л.Л. Каменев за картину "Песчаная отмель".

В 1867 году Каменев получает звание классного художника 3-й степени, что еще больше приближает его к званию академика.

В 1869 году за пейзажи "Зимний вид из окрестностей Москвы" и "Вид из окрестностей села Поречье", Каменев получил звание академика. Последняя картина была удостоена первой премии на конкурсе Общества любителей художеств.

Произведения Каменева почти никогда не подчеркивают документальность изображаемого мотива, хотя всегда привязаны к конкретной местности. В своих пейзажах Каменев достигает поэтической обобщенности образа природы, в них проявляется свойственная художнику глубоко лирическая интерпретация полюбившегося ему мотива. Мягкая колористическая гамма не очень богатого регистра, ясность композиции усиливают царящее в лучших полотнах Каменева настроение светлой задумчивости. Он любит вводить в картины природы фигурки людей - крестьянского мальчика, рыбака у песчаной осыпи высокого берега, - а также изображения домашних животных - коня или коровы-буренки.

Мягким и тонким лириком, несмотря на "веления времени", остается Каменев и в 1870-е годы. В 1872 году Каменев пишет ряд пейзажей, среди которых следует выделить две большие удачи. Это "Жатва" и "Пейзаж с рекой".

С конца 1860-х годов художник много работал под Москвой, в частности в Саввинской слободе под Звенигородом. Эти места недаром зовут подмосковной Швейцарией.

Тут в живописнейших местах Подмосковья расположен старинный Саввино-Сторожевский монастырь. Красоту монастыря дополняет и усиливает особенность его месторасположения: он виден отовсюду, находясь на горе Сторожи (Сторожевой горе) при впадении реки Сторожки в Москву-реку.

В этих живописных местах художником были написаны такие его известные полотна, как "Саввина слобода близ Звенигорода. Дождь", 1879; "Вид из окрестностей села Поречье", 1869; "Саввино-Сторожевский монастырь под Звенигородом", 1877; "Саввинский посад под Звенигородом", 1879; и другие.

В последние годы жизни художник почти безвыездно живет в этих местах, в Саввиной слободе, живет одиноким, полунищим бобылем, снимая половину крестьянской избы.

В 1884 году Каменев пишет последнюю свою значительную картину "Ручей", за которую он получил первую премию Общества поощрения художеств за 1884 год.

Последний раз на выставке Товарищества Каменев выступал в 1884 году - пейзажем «Ручей» и другими работами.

О последнем периоде в жизни Каменева известно мало. Видимо, в связи с болезнью ("пил горькую") в 1880-е годы он почти не принимает участия в выставках. Навещал его по-соседски молодой Константин Коровин, приезжавший часто с братом поработать в этих живописных местах.

В своих мемуарах Коровин передает горькие слова старшего друга: "Я горя хватил досыта. Вот один остался. Двух жен схоронил. Одна-то ушла. Кому надо, и правду сказать. Вот в деревне все нужду мыкаю. Здесь схоронил двоих детей. Давно. Захворали, померли…"

Но думается, что главная причина душевного надлома и, как следствие, "русской болезни" лежала глубже. Лейтмотивом сетований "старика" было ощущение непонятости, ненужности, невостребованности его таланта. ¹

Однажды все же его "закат печальный" скрасился "улыбкою прощальной" последнего успеха: одна из картин Каменева была куплена государем Александром III.

Вскоре, 14 (26) января 1886 года, он скончался. Ему было всего 53 года. Умер художник в нищете и одиночестве, но остался в истории русского пейзажа живописцем тонкого лирического дарования.

Один из первых российских художников, объединивших жанровую картину с эпических пейзажем, Михаил Константинович Клодт был представлен на I Передвижной выставке двумя работами: "Полдень" и "Вид в Киеве".

Критика того времени отмечала: "На передвижной выставке лучшие пейзажи принадлежали профессору барону М.К. Клодту и г. Саврасову" ¹

Михаил Константинович Клодт (барон Клодт фон Юргенсбург появился на свет в Петербурге 30 декабря 1832 года (11 января 1833 года). Родился он в художественно одаренной семье: его отец, Константин Карлович Клодт, занимался гравюрой по дереву; дядя, Петр Карлович Клодт, был одним из лучших скульпторов.

В раннем детстве Михаил Константинович чуждался сверстников, был молчалив и нелюдим. Восемнадцати лет от роду, Михаил Клодт в 1851 году поступил в Академию художеств.

В Академии художеств Клодт проучился с 1851 по 1858 год. В 1853 году за одну из своих ученических работ Михаил Константинович удостаивается серебряной медали второй степени и становится стипендиатом Общества поощрения художников. А еще через год молодой художник награждается Академией золотой медалью второй степени за картину "Вид на острове Валаам". Картина была выставлена на академической выставке 1857 года и имела там большой успех. И, наконец, в 1858 году М.К. Клодт за картину "Вид в имении Загезаль близ Риги" награждается большой золотой медалью первой степени и правом на заграничную командировку сроком на три года.

В мае 1858 года художник-медалист в качестве пенсионера Академии отправляется в Швейцарию – "для совершенствования живописного мастерства".

Срок пребывания М.К. Клодта за границей должен был закончиться в июне 1862 года. Но русскому художнику на чужбине было не по душе – ему хотелось домой. И вот в 1860 году Михаил Константинович, окончательно измаявшись, обращается в Академию художеств с письмом-прошением: "Прошу разрешения вернуться в Россию, чтобы заняться в остальное пенсионерское время исполнением видов с натуры по России". М.К. Клодт был первым из русских пенсионеров за границей, официально обратившимся в Совет Академии с такой просьбой.

1 – Ф.С. Рогинская «Товарищество передвижных художественных выставок»

В том же 1860 году М.К. Клодт пишет пейзаж "Вид в Нормандии" исключительно ради отчета перед Академией. Получилась типично академическая работа: холодная, сухая, хотя и хорошо скомпонованная, и тщательно исполненная.

В январе 1861 года М.К. Клодт, получив от Академии долгожданное разрешение, возвращается в Россию. Михаил Константинович приезжает на родину, полный творческих планов.

По заграничным впечатлениям он написал картины "Баркасы на берегу во время отлива. Бретань", "Вид в долине реки Аа в Лифляндии" и "Ночной вид в Нормандии. Рыбаки". Все эти работы были тщательные по исполнению, но, как и его пейзаж 1860 года "Вид в Нормандии", были написаны в духе холодного академизма в сочетании с романтическими мотивами. Впрочем, работы молодого художника Академию вполне устроили, и в 1862 году Михаил Константинович получил звание академика; также Академия продлила ему срок пенсионерства еще на один год.

Никогда больше Михаил Константинович не обращался в своем творчестве к заграничной тематике. Начиная с 1863 года, абсолютно все полотна художника были посвящены изображению родной природы.

Работая в Орловской, а затем Тульской и Смоленской губерниях, М.К. Клодт создает один за другим свои чисто российские пейзажи: "Большая дорога осенью" (1863), "Дубовая роща" (1863), "Вид в Орловской губернии" (1864) и другие. И эти "отечественные" картины, в отличие от "заграничных", пишутся уже не безразлично, а от всей души и для души. Михаил Константинович наконец-то находит и свою заветную тему, и свою долгожданную музу – в лице России.

Михаил Константинович тщательнейшим образом прорабатывал каждую деталь картины, добиваясь скрупулезной точности. Неудивительно, что при таком щепетильном отношении к творчеству работа у Михаила Константиновича продвигалась крайне медленно и тяжело.

Михаил Константинович, несмотря на трудности в быту, продолжал много и упорно работать. В 1864 году за картину "Вид в Орловской губернии" он получил звание профессора. Будучи профессором, М.К. Клодт имел теперь право на преподавание в Академии, что могло бы существенно улучшить его материальное положение. Но штатной должности для него в то время не нашлось.

Весной 1866 года, после смерти жены и матери, М.К. Клодт уехал на Орловщину. Михаил Константинович снова с головой ушел в работу.

К концу 1860-х годов живописный талант М.К. Клодта достиг зрелости. Михаил Константинович был вполне состоявшимся художником – со своей темой, своим взглядом на мир и своим почерком.

В конце 1860-х годов М.К. Клодтом были написаны такие замечательные полотна, как "Лучи солнца" и "Закат солнца в Орловской губернии" (1867), "Русская деревня" и "Аллея в березовой роще" (1867). Словом, Михаил Константинович находился в состоянии творческого подъема, между тем как его финансовые дела все больше и больше шли на спад.

В декабре 1870 года М.К.Клодт входит в состав Товарищества передвижных художественных выставок. С первой выставки Товарищества вся дальнейшая художественная деятельность М.К. Клодта 1870-х годов тесно связана с передвижниками. Именно в это время он создает свои лучшие полотна, которые по праву вошли в сокровищницу русского изобразительного искусства: "Лесная даль в полдень" (1878), "Вечерний вид в деревне. Орловская губерня" (1874), "Рожь" (1877) и другие.

Показанная на 1-й Передвижной выставке в Москве, картина «На пашне» (1871) принадлежит к числу не только лучших произведений Клодта, но и к наиболее значительным пейзажным произведениям 1870-х годов. В ней наиболее отчетливо определились характерные особенности индивидуального изобразительного языка Клодта. Здесь проявляется пристрастие Клодта к определенному формату картин, в котором протяженность в длину значительно больше, чем было принято, превышает высоту. Этот формат дает возможности для панорамного разворота пространства, для более широкого, чем обычно, воспроизведения конфигурации местности. Здесь особенно ощущается и характерная для картины Клодта своеобразная стереоскопичность изображения, подчеркнута отчетливая видимость предметного мира.

В 1873 году Клодт был зачислен в Академию художеств на профессорский оклад. Решение М.К. Клодта служить в Академии художеств на "жаловании" было сродни его решению прервать свое заграничное пенсионерство и вернуться в Россию. Этот поступок ставил Михаила Константиновича в двойственное положение: с одной стороны, он был активным передвижником, а с другой стороны, служа в Академии художеств, теперь находился "по ту сторону баррикады". Неудивительно поэтому, что начальство Академии, мягко говоря, недолюбливало Михаила Константиновича за его строптивый нрав и независимость суждений.

М.К. Клодт был профессором Академии до 1886 года.

Разрыв М.К. Клодта года с Товариществом передвижников произошел в январе 1880 гоа. Поводом для разрыва послужила статья в газете "Молва", в которой М.К. Клодт весьма жестко раскритиковал пейзажи А.И. Куинджи.

Третьего января 1880 года в правление Товарищества передвижников поступило заявление от М.К. Клодта с прошением исключить его из числа членов Товарищества, но с пожеланием участвовать на его выставках в качестве экспонента. Четвертого марта 1880 года М.К. Клодт перестал быть членом ТПХВ.

Последним значительным произведением М.К. Клодта стала его картина "На пашне в Малороссии", написанная еще до выхода из Товарищества и показанная на выставке 1879 года.

После выхода из Товарищества М.К. Клодт почти не выставлялся.

Здоровье его расшатывалось все сильнее. На занятия в Академию он приходил неопрятный, в мятой и грязной одежде. Кончилось все тем, что его уволили из Академии, вначале с "оставлением за штатом", а в 1894 году уволили уже окончательно, назначив мизерную пенсию.

О последних годах жизни М.К. Клодта мало что известно. В последний раз М.К. Клодт как художник упоминается в 1897 году, в связи с открытием юбилейной выставки Товарищества, на которую были приглашены все старые передвижники.

16 (29) мая 1902 года Михаил Константинович Клодт умер.

Владимир Аммон, будучи уже зрелым художником, на первой выставке передвижников, выступил, как экспонент, с картиной «На опушке леса. Полдень» (1871). Тихий жаркий летний день, деревья, словно приглашают укрыться в их тени. Деревенские парень и девушка о чем-то беседуют на опушке. Как и в других его работах, здесь условно- романтический пейзаж, характерный для академической школы, приобретает конкретные реалистические черты.

Владимир Аммон (Аммонт) родился в 1826 году в Москве в семье немецкого предпринимателя, потомка французского гугенотского семейства, Фердинанда (Фёдора) Готлиба Аммона.

Художественное образование Владимир Федорович получил в Москве: вначале в Рисовальной школе графа Строганова, затем в Московском училище живописи и ваяния. Природные способности и стремление стать мастером сделали из молодого человека достойного представителя пейзажной живописи — направления в русском изобразительном искусстве, которое во второй половине XIX века совершит стремительный бросок к вершинам этого жанра.

Пейзажи В.Ф. Аммона (а он часто называл их по-русски видами) привлекали внимание не только любителей, но и авторитетов из Академии художеств: в 1850 году живописец получает за работу «Вид Академии наук и Дворцовой набережной в Петербурге» звание художника.

Полотно Аммона "Вид в Коломенском", написанное еще в 1854 году, представляется очень характерным для слагающейся демократической школы. В сбившихся в кучу строениях вместе с прижавшимися к ним купами деревьев, в плетнях, очерчивающих приусадебные огороды, в необозримых полях и огромных просторах небес над ними - во всем этом есть очень тонко понятое, пережитое и прочувствованное своеобразие русского пейзажа.

В 1859 году за картину «Вид в окрестностях Москвы» ему присваивают звание академика.

Полотна «Вид Симонова монастыря»(1854), «Вид в Воронежской губернии» (1855), «Вид Киева»(1856), «Деревня на берегу реки»(1867), «Дорога у реки» (1872), «Пруд» (1874) — лишь малая часть из наследия В.Ф. Аммона.

С 1871 по 1875 В.Ф. Аммон принимал участие в передвижных выставках «Товарищества передвижных художественных выставок», положительно оценив их создание. Вначале живописец появлялся на них в качестве экспонента, а затем стал и членом Товарищества.

В соответствии со своими талантом и мастерством В.Ф. Аммон способствовал развитию национального изобразительного искусства, и хотя прожил не слишком долгую жизнь – остался в памяти потомков, как изумительный живописец-пейзажист, предтеча лирического пейзажа настроения.

Ушел из жизни В.Аммон в 1879 году. Похоронен в семейном захоронении Аммонов на Введенском кладбище в Москве.

Один из членов-учредителей Товарищества передвижных художественных выставок, Сергей Аммосов принимал в этих выставках деятельное участие: с 1871 по 1886 год на них появилось 17 аммосовских пейзажей и несколько этюдов.

Чистые, ясные пейзажи С.Н. Аммосова, художника неброской красоты «кусочков» среднерусских просторов .О том, как воспринимали современники пейзажи Аммосова, можно судить по отзывам печати. Так, по мнению одного из рецензентов, пейзажи Аммосова были встречены сочувственно зрителем потому, что в них природа была показана "просто, знакомо, понятно". ¹

Наряду с пейзажами Подмосковья он показывал на выставках виды Волги и Оки. На 3-й, 4-й и 7-й выставках Аммосов выступал с работами, написанными под впечатлением пребывания в Оренбурге.

Родился Сергей Николавеич Аммосов 24 мая 1837 года в Москве. По окончании курса в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, удостоен в 1864 году от Академии Художеств звания художника. За выставленные на академических выставках картины, Аммосов получил: в 1869 году — звание классного художника третей степени («Въезд в деревню Кутузово после дождя»), в 1870 году — второй степени («Опушка леса в окрестностях Москвы») и, наконец, в 1872 году — первой степени («Полтавское поле»). Сергей Аммосов окончил Московское училище живописи и ваяния. Среди его учителей был А.К. Саврасов.

Картины С.Н. Аммосова (Дерево у ручья, 1859; Лесная поляна, 1869; Осень, 1871; Перед грозой, 1874; Сжатое поле, 1876; Ока. Песчаный берег, 1885) пользовались уважением зрителей не только благодаря мастерству живописца, но и ясно просвечивающей в них любовью автора к родной природе.

В дальнейшем наряду с пейзажами Подмосковья он показывал на выставках виды Волги и Оки. На 3-й, 4-й и 7-й выставках Аммосов выступал с работами, написанными под впечатлением пребывания в Оренбурге.

В картине "Оренбургская степь" (1875) сказывается характерное и для других передвижников, соприкасающихся с жизнью нерусских народов России, вдумчивое, сочувственное отношение к ним. Интересно рассказывает замысел этой картины Шкляревский (в связи с 4-й Передвижной выставкой): "Желтый, сыпучий песок здесь так же сух и бесплоден, как он был, вероятно, и во времена Тамерлана ... В бесконечной дали синеют отроги Уральского хребта ... Степной ветер, прошедший всю Туркестанскую область, наполняет воздух мельчайшей пылью ... Какой-то улус, перекочевывая с одного места на другое, вступил на изображенное перед нами пространство. Весь правый угол картины занят овечьим стадом, до того покрытым пылью» ¹

Согласно этому описанию, картина должна производить впечатление безысходности, а между тем, в движении людей и животных ощущается покой. Это объясняется тем, что для всех них пустыня родной дом. Художник стремится раскрыть глубокие связи человека с природой.

В 1886 году С.Аммосов ушел из жизни, до последнего дня оставаясь верным творческой деятельности передвижников. В самой непритязательности мотивов, в том, как художник избегая всего внешне эффектного, воплощает привычные и повседневные для русского глаза образы родной природы, - во всем этом есть и новизна, и твердость, и смелость.

В передвижническое движение Алексей Петрович Боголюбов вступает, будучи широко известным не только историографом флота, но и мастером больших композиций, где тема моря переплетается с жанровыми мотивами, мастером пейзажа.

1 – Ф.С. Рогинская «Товарищество передвижных художественных выставок»

Родился А.П. Боголюбов 28 марта 1824 г. в селе Померанье (Новгородская губерния). Мать Боголюбова, Фекла Александровна, была дочерью знаменитого писателя А.Радищева. С 1832 по 1834 г. учился в Александровском кадетском корпусе (Царское Село), а продолжил обучение в Морском кадетском корпусе в Санкт-Петербурге. В 1841 г. Боголюбов закончил учебу и поступил на флотскую службу, во время которой побывал в разных странах: Голландии, Португалии, Англии, острове Мадейре.

В 1849 г. поступает в Академию художеств по рекомендации К.Брюллова. Алексей Петрович оканчивает Академию художеств с большой золотой медалью, получает аттестат 1-й степени на звание классного художника и право заграничной командировки. Одновременно с этим он получает отставку от службы и назначение художником-маринистом Главного морского штаба.

В 1854-60 годах А.П. Боголюбов работал в мастерских известных художников Женевы, Парижа и Дюссельдорфа, посетил Турцию, Швейцарию, Италию и другие страны. В 1858 году за виды Константинополя, Рима и Шильонского замка на Женевском озере был удостоен звания академика, а в 1861 году – звания профессора живописи. За свою жизнь создал немало знаменитых на весь мир картин и полотен.

В 1860-х гг. Боголюбов совершил три поездки по Волге. Великая река произвела огромное впечатление на Боголюбова своей красотой и необъятностью вод. Здесь он пишет неповторимые пейзажи, где охватывает широкие пространства, уделяя большое внимание состоянию погоды и освещению. Вместе с тем в 1861-65 гг. Алексей Петрович занимается в Императорской Академии художеств с пейзажистами в качестве «свободного профессора без жалования». Среди его учеников – И.И. Шишкин. А в 1871 году Боголюбов становится членом Совета Императорской Академии художеств.

В 1850-70-х гг. Боголюбов Алексей Петрович по заказу Главного морского штаба выполняет серии батальных картин. В этих работах точно переданы, прорисованы исторические подробности сражений, детали оснастки кораблей. Бесспорно, эти картины навсегда останутся драгоценными документами о героическом прошлом русского флота.

Пейзаж “Лунная ночь на реке”, в отличие от волжских этюдов 1861 года, — новый этап в творчестве художника. Сохраняя многое от перспективной живописи, Боголюбов все более приближается к реализму, используя богатую цветовую гамму и находя точные светотеневые соотношения.

1870—1871 годы художник проводит в Париже и, получив заказ, занимается росписью русской посольской церкви. К этому времени относится пейзаж “Лес в Вёле”. Если в полотнах “Ярмарка в Амстердаме”, “Ипатьевский монастырь” Боголюбов решал видовые задачи и более всего склонялся к описательному изображению и предметности, то в этом пейзаже мы явственно различаем черты другой линии его творчества, развивавшейся параллельно с первой, академической. Элементы нового отношения к пейзажу еще в большей степени заметны в одном из самых очаровательных по простоте и задушевности пейзажей — “Вёль. Двор фермы. Осень”.

Нормандские этюды подготовили художника к созданию картины “Устье Невы” (1872), которая в творчестве Боголюбова стала этапной. Даже современники хорошо понимали, что “сличая и припоминая виденное уже нами, вышедшее из-под кисти Боголюбова, нельзя не сознаться, что его “Устье Невы” во многом представляет заметный шаг вперед. Прежде всего, поражает здесь свобода и простота концепции”. Высоко отозвался об этой картине И.Н. Крамской: «Широкая даль Невы, светлые силуэты зданий Петербурга, освещенные суда и песчаная отмель реки, изображенные на этом полотне, полны жизни и правды. Безыскусственность и простота сюжета, глубокая реалистическая убедительность и смелый живописный прием, использованный Боголюбовым, приводят его “к решениям, близким передвижническому пейзажу”. ¹

С передвижниками Боголюбова сближала верность принципам реалистического искусства. Но в истории русского пейзажа он занимает несколько особое положение. Даже в национальных по теме и содержанию полотнах Боголюбова всегда преобладает пассивно-созерцательное начало.

1 – Ф.С. Рогинская «Товарищество передвижных художественных выставок»

При всей изобразительной достоверности живописный и эмоциональный строй картин Боголюбова имеет мало общего с русским пленэрным пейзажем 70-х годов, в котором в эти годы все более утверждаются мотивы, выражающие социальные настроения русского общества.

С 1873 г. Боголюбов, страдающий болезнью сердца, зимой живет в Париже, возвращаясь в теплое время года в Россию. Во Франции вокруг него собираются молодые художники — В. В. Верещагин, В. Д. Поленов, И. Е. Репин, К. А. Савицкий, И. П. Похитонов. По его инициативе в 1877 г. в Париже было основано Общество взаимного вспомоществования русских художников. Боголюбов помогал также организовывать в столице Франции выставки русского искусства. Во Франции художник продолжает плодотворно работать, он пишет пейзажи и марины, передавая с помощью образов природы свои чувства и эмоции («Суда в гавани Дьепп», 1870-е, «Вель (Франция)», 1874). Также лиричны и эмоциональны пейзажи, написанные живописцем на родине («Пруд в Петровском-Разумовском», 1870-е).

К началу 1880-х гг. Боголюбов — признанный мастер и широко известный художник. Замечательны его пейзажи, созданные в этот период («Вид Саратова с Соколовой горы», «Москва-река у Звенигорода», 1880-е).

Не оставляет Боголюбов и морскую тематику. Его марины убедительны и реальны, в них почти всегда присутствуют люди — это рыбаки в лодках; художники, выполняющие этюды на берегу; семьи, прогуливающиеся по набережной. Человек в его пейзажах неотделим от природы, он сливается с ней и живет ее жизнью.

В его творческом наследии множество набросков, путевых зарисовок и станковых рисунков. Мастерски владел художник техникой офорта, литографии, акварели. Активный участник Товарищества передвижных художественных выставок.

В 1885 г. Боголюбов открывает в Саратове Художественный музей, экспозицию которого составила собранная им большая коллекция картин русских и зарубежных художников, а также коллекция предметов прикладного искусства. Музей был назван в честь знаменитого деда художника. Уже после смерти Боголюбова, в 1897 г., при музее открылось Рисовальное училище.

В 1893 г. Боголюбов стал действительным членом Академии художеств. В 1895 г. он написал книгу «Воспоминания», а в 1896 г. — «Записки моряка-художника».

Алексей Петрович Боголюбов умер 26 октября 1896 года в Париже. За свою долгую жизнь Боголюбов создал около 3 000 произведений живописи, акварели и рисунка. Многие из них находятся в крупнейших музеях России и зарубежья.

Творческий путь Боголюбова - замечательный пример самоотверженного труда и преданности своему делу. Начав работать в период, когда пейзаж еще считался второстепенным жанром, когда процветали пейзажи с эффектным освещением, красивыми замками и развалинами, Боголюбов через свой полувековой творческий путь уверенно пронес и сохранил большое и глубоко реалистическое искусство.

Имя Карла Гуна - российского исторического, жанрового, портретного живописца, акварелист, академик, профессора исторической живописи, члена Совета Императорской Академии художеств значится среди основателей передвижных выставок и целого философско-идеологического движения передвижничества, при этом, что на всех этапах своей творческой биографии он не отошел от академической традиции. Уже на I выставке он представляет свои работы, а с 1873 г. Гун становится членом Товарищества передвижных Художественных выставок

Карл Фёдорович Гун родился под Ригой в Зассегале (по другим данным - в местечке Мадлиена) в семье учителя церковно-приходской школы и церковного органиста.

Общее образование получил в рижской соборной школе. Приехав в 1850 г. в Санкт-Петербург, Карл поступил рисовальщиком к литографу Паппе, где стали счастливо реализовываться его природные склонности к рисованию. Годом позже юноша начинает посещать вечерние рисовальные классы Академии художеств в качестве вольнослушателя.

Через два года Гун был принят в ученики Академии . Во время прохождения академического курса получил четыре серебряных медали за успехи в рисовании и живописи и малую золотую медаль за написанную в 1860 г., по конкурсу, картину: "Олимпийские игры".

В 1861 году получил звание классного художника 1-й статьи и большую золотую медаль за программу: «Великая княгиня Софья Витовтовна на свадьбе Василия Темного».

Вскоре после того отправился в город Елабугу для исполнения образов для иконостаса тамошней Покровской церкви, совершил поездку по Вятской и Костромской губерниям, где написал множество этюдов, зарисовок сцен народной жизни, традиций и костюмов, проживающих в них народностей.

Художник делал зарисовки татарских и русских деревень, строительства мечети, дома муллы, вотяцкой винокурни. Он оставил для потомков изображение Святого ключа и развалин Чертова городища. Благодаря академической выучке с точностью и тщательностью педанта Гун делал зарисовки народных костюмов. По этим зарисовкам сегодня можно изучать национальные одежды не только татар, но и русских, марийцев, удмуртов, чувашей, мордвы, цыган.

Работы "Елабужского альбома" Карла Гуна строго документальны, поскольку написаны с натуры. Почти во всех зарисовках указаны названия населенных пунктов, а в некоторых есть даже фамилии. Все датировано по месяцам. Есть автографы людей, которых он рисовал.

С альбомных листов художника перед нами разворачиваются картины народной жизни – «Базарная площадь в Елабуге», «Ярмарка, Иванов день», «Дровни», «Деревня Кодряково» и другие.

В 1863 году поехал за границу, в качестве пенсионера академии. Посетив Лейпциг, Дрезден, Прагу и Мюнхен, поселился в Париже. В 1868 году в парижском салоне явилась его картина: «Канун Варфоломеевской ночи», обратившая на себя внимание. Будучи потом прислана в Санкт-Петербург, она доставила художнику звание академика и была приобретена Государем Императором, тогда еще Наследником Цесаревичем.

Возвратившись снова в Париж, написал картины: «Дети с котятами», «Больное дитя», «Цыганка ловит в тамбурин брошенную ей монету», «Голова средневекового рыцаря» и «Итальянка с цветами». За последнюю - академия возвела его в звание профессора.

По возвращении своем в 1872 году в Россию, он был избран в члены совета академии и назначен профессором-преподавателем в ней. В том же году сделал поездку внутрь России.

В Петербурге им окончено несколько работ, начатых за границей, и написаны портреты бывшего директора морского училища Римского-Корсакова, госпожи Солдатенковой, рожденной Филипсон, и княгини Барятинской; плафон на главной лестнице Аничковского дворца (Улетающая Ночь и появляющаяся Аврора); образа святой Анны Пророчицы и Благовещения, для Государыни Императрицы; «Нагорная проповедь» и «Явление воскресшего Христа святой Марии Магдалине» для православной церкви, построенной графом фон Дервизом в Лугано, и некоторые другие.

В 1874 г. у Гуна обнаружились признаки чахотки, и, по совету врачей, он отправился в чужие края искать спасения от болезни в климате, более благодатном, чем петербургский.

В заграничных произведениях передвижников отражался их всегдашний интерес к народной жизни, стремление воплотить в искусстве, прежде всего, общечеловеческие черты. Картина «Попался!» экспонировалась на пятой выставке передвижников, ставшей последней прижизненной выставкой произведений живописца.

Сердце художника не могло больше бороться с туберкулезом и остановилось. Гун скончался в Давосе (Швейцария) в январе 1877 года, прожив всего 47 лет.

Посмертная выставка его картин была устроена в 1878 г. при VI выставке передвижников по инициативе Крамского и при самом деятельном его участии, на ней экспонировались живописные и графические работы Гуна, его рисунки из путевых альбомов.

Гун должен быть причислен к лучшим живописцам русской школы. Он не был наделен пылкою и находчивой фантазией, но обладал значительной наблюдательностью, прекрасно знал рисунок и отличался сильным и гармоничным колоритом.

На первой передвижной выставке художник Василий Максимов все свое творчество посвятил изображению простого народа.

Русский художник Василий Максимович Максимов родился 17(29) января 1844 года в деревне Лопино, близ Новой Ладоги в крестьянской семье. Рано остался сиротой, после чего в 1855 году пошел обучаться в иконописную мастерскую в Петербурге, где получил первые уроки живописи.

В 1863 году Максимов поступил в Петербургскую Академию Художеств. С 1864 года стал членом Художественной артели П.А. Крестоносцева, которая просуществовала немногим более года. В этот период Максимов написал картину "Больное дитя" (1864), которая была удостоена золотой медали Академии Художеств.

Окончив Академию Художеств в 1866 году, художник отказался от конкурса на большую золотую медаль, получив звание классного художника 3-й степени.

Максимов отправился в Тверскую губернию в деревню Шубино. Там он устроился на должность домашнего учителя рисования в имение Голенищевых-Кутузовых. Летом 1866 года художник совершил путешествие по Волге, которое оставило массу ярких впечатлений о русской деревни. Его картина "Бабушкины сказки", написанная в 1867 году, показанное на выставке Общества поощрения художников, была премирована и куплена Третьяковым для картинной галереи.

Наиболее ярко талант Максимова раскрылся в картине "Приход колдуна на крестьянскую свадьбу", написанной в 1875 году. В этом произведении с множеством персонажей, отмечено глубокое знание быта крестьян. Образы жениха и невесты, колдуна, выразительные типы стариков, написанные с конкретных людей, характеризуются большой жизненной правдой. Сами крестьяне, позировавшие Максимову, говорили ему: "Ты наш, если и напишешь, то не для смеху".

После художник продолжил близкую для него тему быта русской деревни. В эти годы Максимов написал серию картин, посвященных жизни крестьян: "Слепой хозяин" (1884), "Бедный ужин" (1879), "Аукцион за недоимки" (1880), "Лихая свекровь" (1893), "Заем хлеба" (1882), "У своей полосы" (1891). В картине "Больной муж" (1881) он изобразил больного деревенского мужика и его несчастную жену, склонившуюся у икон.

В произведении "Семейный раздел", написанном в 1876 году, Максимов изобразил дележ имущества между родными братьями, показав разложение патриархального быта в пореформенной деревне, где с одной стороны господствует алчность, а с другой - беззащитность и кротость. Наиболее сильно это выразилось в противопоставлении женских образов: обездоленной младшей невестки и жадной и вздорной жене старшего брата.

Среди наиболее значительных произведений Максимова стоит отметить картину "Всё в прошлом", написанную в 1889 году. В этой картине видны ностальгия по дореформенным временам, мотив вымирающих "дворянских гнезд". Здесь изображена сцена в заброшенном поместье, с заколоченным барским домом, теперь лишь напоминающем о лучших временах бывшей хозяйке, перебравшейся в крестьянский домик, которая отдыхает в кресле под его окнами вместе со старой крестьянкой. Картина имела большой успех и много раз была повторена художником.

После этого в жизни Максимова наступает период угнетающей нужды и лишений. Художник продолжал рисовать сцены крестьянского быта и почти не находил заказчиков и покупателей. Незадолго до смерти Максимов начал картину "Прощеное воскресенье", но так ее и не успел закончить: бедность и болезни сломали художника. Он умер 18 ноября (1 декабря) 1911 года. Однако в истории русской живописи Максимов навсегда займет достойное место как «летописец» крестьянской жизни.