Взаимосвязь основных цветов rgb и смук
Каждый из трех базовых цветов модели CMYK получается в результате вычитания из белого цвета одного из базовых цветов модели RGB. Так, например, голубой (cyan) получается вычитанием красного из белого, а желтый (yellow) — вычитанием синего. Напомним, что в модели RGB белый цвет представляется как смесь красного, зеленого и синего максимальной яркости. Тогда базовые цвета модели CMYK можно представить с помощью формул вычитания базовых цветов модели RGB следующим образом: Cyan = RGB - R = GB = (0,255,255) Yellow = RGB - В = RG = (255,255,0) Magenta = RGB - G = RB = (255,0,255) Заметим, что: RGB = (0,0,0) - черный цвет RGB = (255,255,255) - белый цвет Обратите внимание, что сложение базовых цветов CMYK дает в результате черный: Cyan + Yellow + Magenta = RGB-R-B-G = (0,0,0) Вычитание из белого всех базовых цветов CMYK дает белый
Вычитание цвета соответствует поглощению его краской. Например, голубая (cyan) краска поглощает из падающего на нее белого света красную составляющую, а все остальное отражает. Этот отраженный свет наш глаз и воспринимает как голубой. Белый лист бумаги потому кажется нам белым, что он отражает практически весь падающий на него белый свет. С другой стороны, черные предметы почти ничего не отражают, а почти весь свет поглощают. Основные цвета рассмотренных выше моделей RGB и CMYK находятся в зависимости, которую можно представить графически с помощью следующего рисунка:
Каждый цвет расположен напротив дополняющего его и между цветами, с помощью которых он получен. Чтобы усилить какой-либо цвет, необходимо ослабить дополняющий цвет, расположенный на противоположной стороне круга. Например, чтобы усилить желтый (Yellow), надо ослабить синий (Blue). На круге цветов желтый расположен между зеленым (Green) и красным (Red). Сложение этих цветов цветов дает желтый (Yellow).
Следует отметить, что не все цвета модели CMYK могут быть представлены в модели RGB и наоборот. В количественном отношении цветовой диапазон CMYK меньше цветового диапазона RGB. Это обстоятельство имеет принципиальное значение, а не обусловлено только физическими особенностями монитора, печатающего устройства или красок и холста.
Файлы, ориентированные непосредственно на полиграфию, можно перевести в модель CMYK. Естественно, оттенки, выходящие за рамки цветового диапазона CMYK, при таком переводе пропадут, восстановить их уже не удастся. Кроме того, при переводе файла в формат CMYK мы получим файл на треть большего размера, чем он был в RGB: ведь добавляется еще один канал цветовой информации.
Про формулу CMYK уже говорилось, что она создана под нужды полиграфии. Каждый из четырёх каналов этого пространства определяет, с какой интенсивностью будет наноситься на бумагу одна из четырёх красок; у этого пространства тоже существуют модификации, упрощающие стандартизированную цветную печать. Существуют сложные механизмы пересчёта цвета каждого пикселя из одной формулы в другую, и иногда нужно особо внимательно приглядываться и следить за тем, чтобы при таком конвертировании получить приемлемый результат. Вот как, к примеру, изменяются цвета при конверсии из RGB в CMYK:
Как видите, разница налицо, поэтому необходимо внимательно контролировать процесс конверсии, чтобы результат был максимально приближен к оригиналу.
Колорит в живописи.
Это важнейший элемент в художественной форме, служащий раскрытию образного содержания произведения. Термин «колорит» - от латинского слова колер, что означает цвет, краска.
Колорит в живописи – характер взаимосвязи всех цветов в произведении. Его цветовой строй, как одно из средств правдивого изображения действительности.
Но на протяжении 16 веков шел спор, «что главное?» - форма или цвет в живописи. Художники эпохи Возрождения разделили на 2-е школы: флорентийская – линеарная школа и живописно-колористическая школа, представителями которой были Тициан, и Джорджоне и др.
Французский художник Венгр, считал, что цвет в живописи является второстепенным. Но несмотря на это, история искусств дает нам многочисленные примеры, такие как использование цвета как активного элемента построения художественного образа. В произведениях Рембрандта, Тициана, Серова, Сурикова, Коровина, Врубеля активно используется колорит для взращивания художественного замысла.
В 19 веке в основе теории колорита и художественной практики лежала идея подражания природе. Мастером колорита считался тот художник, который мог передать цветовой тон освещенных предметов и придать гармонию цветовым сочетаниям живописного произведения. Колорит выражает неповторимое мировосприятие художника, его эстетического взгляда и в некотором виде, общую художественную культуру эпохи. Основу колорита составляют цветовые и тональные отношения: тон, полутона, тональность, гаммы и оттенки.
История настенной живописи.
Первые рисунки на стенах были сделаны за долго до н.э. При раскопках находили различные символы и изображения, начерченные выдавленные на стенах пещер. Древние люди в местах своего обитания постоянно оставляли какие-либо знаки, которые до сих пор не удается расшифровать. На рисунках чаще всего изображались какие-либо ритуалы, различные пляски, хороводы возле костра. Изображалась охота, бои и т.д. По размерам эти изображения были довольно маленькими, т. К их трудно было рисовать, но иногда встречались галереи рисунков на одну или несколько тем. Причем могли рисоваться целыми поколениями. Позднее, в Древнем Риме и Древней Греции стали появляться фрески. Они рисовались художниками на стенах императорских дворцов и считались элементом роскоши. Чем качественнее она выполнена, тем дороже дворец. По количеству и размеру фресок можно было узнать многое о человеке, живущем в этом дворце. Чаще всего это были Боги, размер фресок до нескольких десятков метров, но далеко не каждый человек мог себе позволить иметь хотя бы одну фреску, т.к. они очень дорого стоили, из-за трудности их выполнения. Мастеров было немного, технология выполнения была практически одинакова: на построенную стену накладывался специальный тонкий слой особенного вещества, который изготавливался из глины. Затем, после высыхания, на него наносится слой полироли для придания блеска, особой роскоши. Затем, художник начинал писать картину красками, используя кисти. Иногда на выполнение одной картины уходило несколько месяцев. Позднее настенная живопись практически вымерла. Люди перестали использовать стены в качестве носителя информации. Для этого они придумали более удобные и компактные устройства, например, холст.
Техника фрески
Фреска - ("fresco" - свежий) - техника монументальной живописи водяными красками по сырой, свежей штукатурке. Грунтовка и закрепляющее (связующее) вещество представляют собой одно целое (известь), поэтому краски не осыпаются.
Техника фрески известна с античных времен. Однако, поверхность античной фрески полировалась горячим воском (смесь фрески с живописью восковыми красками - энкаустикой). Главная трудность фресковой живописи в том, что художник должен начать и закончить работу в тот же день, пока сырая известь не высохла. Если же необходимы поправки, нужно вырезать соответствующую часть известкового слоя и накладывать новый. Техника фрески требует уверенной руки, быстрой работы и совершенно четкого представления о всей композиции в каждой ее части.
Техникой фрески исполнено большинство старинных памятников монументальной живописи: стенная роспись в Помпеях, в христианских катакомбах, романском, византийском и древнерусском искусстве.
Еще в античные времена определяющее значение в интерьере стали иметь окна и стены. Обитатели античных вилл щедро покрывали их мозаикой или росписью. Широко известен, так называемый, помпейский стиль фресковой росписи. Средневековый интерьер сохраняет эту же тенденцию - роскошь стенного и напольного убранства. Традиции передавались в веках, и в период Возрождения украшать интерьеры фресковой росписью стало очень модным. Для апартаментов новой эпохи качество красоты, богатства и пышности становилось немаловажным.
Достаточно вспомнить знаменитую Камеро дельи Спози-спальню во дворце мантуанского герцога Людовика Гонзага. Главное украшение этой комнаты – фресковый цикл великого художника раннего Возрождения Андреа Мантенья, посвященный сценам жизни хозяина дворца, правителя Мантуи.
Фресковая отделка стены приобрела совершенно особое значение в интерьерах ренессансных палаццо. Великолепие помещений достигалось не за счет богатой мебели, а благодаря декоративному украшению стен, потолка и пола. Фресковая роспись в современном интерьере, частном или общественном, как декоративная стенная живопись или как дорогая картина на стене, вновь очень актуальна, популярна и престижна.
Секрет удивительной прелести древних фресок невозможно разгадать. Но можно позволить себе радость обладания и созерцания великого искусства прошлого, далекого и близкого.