Описание

На картине изображена девушка, одетая в жёлтый наряд. В левой руке она держит пару катушек с нитками и аккуратно втыкает булавку в подушечку, на которой делает кружево. «Кружевница» - самая маленькая и самая необычная картина из всех работ Яна Вермеера (24.5 см x 21 см).

Художник изобразил девушку сидящей напротив белой стены. По всей видимости Вермеер это сделал, чтобы зритель не мог отвлечься от центральной фигуры девушки на другие предметы, изображённые на заднем фоне. Как и с картинами «Астроном» и «Географ», Вермеер тщательно продумал композицию «Кружевницы» перед тем, как он её создал. При создании картины художник, возможно, использовал камеру-обскуру, так как можно увидеть много оптических эффектов, применяемых в фотографии, например: размытый передний план^[1]. Вермеер предложил необычной для голландской живописи эпохи барокко способ глубины резкости, достигаемой благодаря визуализации участков холста, находящиеся вне фокуса .

В «Кружевнице» художник изобразил разные элементы, которые составляют образ девушки, а также предметы и материалы, с которыми она работает, в абстрактной манере. Руки девушки, её кудри, а также глаза и нос изображены в абстрактной манере, нетипичной для живописи эпохи барокко, в которой жил и работал Ян Вермеер. Кроме того, красные и белые кружева показаны на картине, как будто слитые от шитья на подушечке. Эти «размытые» нитки резко контрастируют с точностью кружева, с которым работает девушка.

28. Искусство периода образования русского централизованного государства (основные черты, логика развития, представители)

Москва культурным центром. Она впитывает культурные достижения удельных княжеств, вольных городов, вошедших в состав Московской Руси. "В XVI в. во всех областях культуры замечается стремление объединить и собрать накопленные ранее ценности, подчинить создаваемое на окраинах надзору из центра, добиться единообразия в творчестве.С женитьбой Ивана III на греческой принцессе Софье в Москву прибыли греческие и фряжские (итальянские) мастера. Иван III держал их у себя как "мастеров", поручая им строение крепостей, церквей и палат, литье пушек, чеканку монет. Особой известностью пользовался итальянский архитектор Аристотель Фиораванти, построивший в Московском Кремле Успенский собор и Грановитую палату.Важной особенностью культуры XVI в. является усиление роли народной крестьянской культуры, связь с которой можно отметить в разных областях — архитектуре, иконописи, музыке деревянной, сельской, и в русской миниатюре того времени. Народные элементы чувствуются в храме Василия Блаженного, в шатровом стиле архитектуры.На протяжении XVI—XVII столетий в русском искусстве постепенно формируются возрожденческие тенденции: развитие индивидуального начала в творчестве, постепенное освобождение личности из-под власти средневековой корпоративности.Искусство Древней Руси следует определенным каноном, прослеживающимся и в архитектурных формах, и в иконографии –в живописи.Опираясь на вековые традиции восточно –европейского искусства, русские мастера сумели создать собст-венное национальное искусство.

29. Архитектура Московского Кремля. Успенский собор (Аристотель Фиорованти). Архангельский собор (Алевиз Новый). Благовещенский собор. Грановитая палата. Кремлевские укрепления.

В 1367 году, при великом князе Дмитрии Донском, деревянные стены Кремля заменяются стенами и башнями из местного белого камня. С этого периода в летописях часто встречается название — «Москва белокаменная». Во второй половине XV века Московский Кремль перестраивается под руководством итальянских зодчих, в частности, Пьетро Антонио Солари. В качестве основного материала для строительства был выбран обожженный кирпич. Многие здания, включая церкви, были спроектированы и возведены итальянскими мастерами. По замыслу зодчих центром кремля стала Соборная площадь с расположенными на ней Успенским собором, Благовещенским собором , Грановитой палатой,Архангельским собором и колокольней.При Иване III были заложены «Портомойные ворота» со стороны Москва реки. В 1508—16 годах на месте современнойКрасной площади был вырыт ров, вода в который поступала из реки Неглинной. Кремль становится неприступной крепостью, окружённой водой со всех сторон.В XVII—XIX веках идёт активное строительство светских зданий, и кремлёвский ансамбль получает логическое завершение. В1635—36 годах строится Теремной дворец, примыкающий к Грановитой палате. В XVII веке башни Кремля получают ярусные и шатровые завершения, приобретя современный облик.

УСПЕНСКИЙ СОБОР

Успенский собор стоит на месте построенного Иваном Калитой в 1326-1327 годах первого каменного собора Москвы. Построил Успенский собор приглашенный Иваном III итальянский архитектор Аристотель Фиораванти. Собор возведен в 1475-1479 годах по образцу Успенского собора XII века в старинном русском городе Владимире. Это подчеркивало преемственность Москвы по отношению к одному из древних центров русской земли. Главный вход в храм расположен со стороны соборной площади. Широкая лестница завершается порталом из трех полукруглых арок. Вход в здание как бы охраняют архангел Михаил и ангел-хранитель; выше в арки вписаны фигуры святых. Над ними - изображение богоматери с младенцем. Эти многоцветные фрески исполнены неизвестными русскими художниками XVII века. Внутри центральная часть собора отделена от алтаря пятиярусным иконостасом. На протяжении столетий в Успенском соборе накапливались иконы, созданные русскими живописцами. Древнейший памятник прикладного искусства в соборе - его южные двери на них золотом по черному лаку написаны 20 изображений на библейские темы.

БЛАГОВЕЩЕНСКИЙ СОБОР

В юго-западной части Соборной площади расположен изящный девятиглавый с золотыми куполами Благовещенский собор. Собор строился в1484-1489 годах псковскими мастерами как домовая крепость великого московского князя. Первоначально храм был небольшой и венчался тремя главами. В 60-х годах XVI века были возведены четыре одноглавые церкви (приделы) над галереями собора и две ложные - таким образом, собор превратился вдевятиглавое сооружение. В 70-х годах XVI века для Ивана Грозного пристроили паперть с высоким белокаменным крыльцом. С дворцом собор соединялся специальным переходом. Собор построен в традициях раннемосковского зодчества. Но так как его строили псковитяне, то, естественно, здесь присутствуют черты псковской архитектуры: восьмигранник под центральным барабаном, оригинальные пояски на главах и много других декоративных элементов. C площади в храм ведут два входа с высокими крыльцами. Входят в собор через северное крыльцо и попадают в галерею, стены которой расписаны фресками на библейские темы. В простенках, на склонах сводов и на пилястрах изображены в полный рост античные философы и писатели: Аристотель,Фукидид, Плутарх, Гомер, Вергилий и другие - в то время на Руси образованные люди были знакомы с их произведениями. Из галереи через портал, украшенный белокаменной резьбой, можно попасть в центральную часть храма. Самой большой ценностью собора является иконостас. Иконы в иконостасе расположены в пять рядов. Третий ряд называется «праздничным» - на его иконах изображены различные христианские праздники. Семь икон с левой стороны ряда (кроме четвертой, она написана неизвестным псковским мастером XVI века) - «Благовещание», «Рождество Христово», «Сретение», «Крещение», «Преображение»,

«Воскрешение Лазаря» и «Вход в Иерусалим» - принадлежат кисти Андрея Рублева. Остальные иконы в этом ряду иконостаса - «Тайная вечерня», «Распятие», «Положение во гроб», «Сошествие в ад», «Вознесение», «Сошествие святого духа», «Успение»- выполнены художником Прохором с Городца .Главный ряд иконостаса - деисусный (от греческого слова «деисус»- моление). Он расположен ниже праздничного. Основная тема ряда - заступничество святых(они изображены в полный рост) за простых смертных перед богом. Большинство икон этого ряда (кроме «Архангела Михаила» и «Апостола Петра») написано Феофаном Греком. Немалый интерес представляет и стенопись собора,выполненная в 1508 году артелью художников, возглавляемой Феодосием, сыном прославленного Дионисия. Здесь есть и традиционные мотивы,и новые, характерные для XVI века. Большое место в росписи занимают сюжеты на тему Апокалипсиса (справа и слева отиконостаса на сводах под хорами и на арках, поддерживающих хоры). Помимо библейских сюжетов в росписи стен можно видеть сугубо светскиемотивы - изображение византийских императоров и русских князей (столбы центральной части храмаи пилястры). У западной стены, согласно обычаю, устроены хоры для царицы и царских детей. Очень необычно выглядит пол собора. Во времена ИванаГрозного пол был выложен плитками из драгоценной агатовидной яшмы. Над выходом из собора обращает на себя вниманиенастенная роспись с изображением Спаса Нерукотворного, выполненная известны русским живописцем XVII века Симоном Ушаковым.

АРХАНГЕЛЬСКИЙ СОБОР

Архангельский собор был построен в 1505-1509 годах приглашенным из Италии архитектором Алевизом Новым в традициях русского зодчества, но его богатая отделка носит черты итальянского Возрождения. Постройка началась при Иване III и была закончена при его сыне, великом князе Василии Ивановиче. До этого здесь находился древний Архангельский собор, сооруженный еще Иваном Калитой в 1333 году в память избавления Москвы от сильного голода. В начале XVI века его из-за тесноты разобрали и освободили место для постройки более обширного храма. Стены собора завершаются закомарами. Закомары украшены белокаменными раковинами, а фасады - пилястрами с капителями, карнизами и высоким белокаменным цоколем. Снаружи стены собора делятся на два яруса горизонтальным поясом, что придает ему вид двухэтажного гражданского здания. Венчают собор пять куполов. Центральный купол был позолочен, боковые покрашены серебряной краской. С восточной стороны к собору в конце XVI - начале XVII века были пристроены две одноглавые церковки - «святого Уана» и«Иоанна Пpедтечи». На севере и западе собор украшают резные белокаменные порталы в стиле итальянского Возрождения. С южной, западной и северной сторон были крытые галереи, сломанные в XVIII веке (сохранилась галерея только с южной стороны). В конце XVIII века с северной стороны архитектором М.Ф.Казаковым был пристроен в готическом стиле портал, разобранный в 1920году. С юго-западной стороны к собору примыкает каменная палатка. Ее возвели в 1826 году на месте бывшей «судной избы Архангельских вотчин», в которой чинился суд над оброчными крестьянами, не уплатившими податей. Подвалы этой избы сохранились до наших дней. Во время нашествия Наполеона на Москву французы устроили в Архангельском соборе винный склад, а алтарь использовали как кухню. Все ценности собора были расхищены. После разгрома наполеоновских войск собор восстановили в прежнем виде. Кроме дневного света, собор освещается девятью позолоченными паникадилами, сделанными в XVII веке. Архангельский собор еще со времен Ивана Калиты был усыпальницей великих московских князей и царей. Самая древняя гробница - Ивана Калиты, умершего в 1342 году, - находится у южной стены собора. Погребения в соборе продолжались до Петра I. Исключением является захоронение императора Петра II, умершего в Москве от черной оспы в 1730 году. Всего в соборе 54 захоронения или 46 гробниц (есть гробницы с двумя и тремя захоронениями). Гробницы представляют собой надгробия из белого камня. На них вырезаны надписи славянской вязью о времени и именипохороненного князя или царя. В соборе похоронены Дмитрий Донской и Иван III (гробницы у южной стены), Иван Грозный и его сыновья (гробницы вюжном алтаре) и другие деятели русской истории. У правого юго-восточного столба помещается рака сынаИвана Грозного - царевича Дмитрия, останки которого перенесены в собор царем Василием Шуйским в 1606 годуиз Углича. Над гробницей была сделана резная белокаменная позолоченная сень. В 1955 году ее реставрироваликак памятник истории и прикладного искусства начала XVII века и вернули ей первоначальный вид.

ГРАНОВИТАЯ ПАЛАТА

Грановитая палата - одна из немногих сохранившихся частей царского дворца, построенного в конце XV века Иваном III, его парадный тронный зал. Это самое древнее из каменных гражданских зданий Москвы. Она построена в 1487-1491 годах русскими мастерами под руководством итальянских архитекторов Марко Руффо и Пьетро Антонио Солари.Здание палаты с четким силуэтом простого прямоугольного объема отличается необычным убранством главного фасада. Он облицован четырехгранным белымизвестняком (отсюда и название), начинающимся от подклетного этажа и заканчивающимся ниже карниза. Сама Палатапредставляет собой огромный квадратный зал с крестовыми сводами, опирающимися на центральный столб. Величественный и просторный зал высотой 9 метров освещается 18 окнами, расположенными с трех сторон, а вечером - 4 круглыми массивными люстрами. Они сделаны в XIX веке из бронзы по образцу древних новгородских паникадил. Площадь пола Грановитой палаты равна 495 квадратных метров. Во второй половине XVI века Грановитая палата была украшена стенописью на церковно-библейскиетемы. В Грановитой палате на протяжении столетий отмечались многие крупные события в жизни Русскогогосударства, она являлась парадным тронным залом. В ней принимались иностранные послы, торжественно объявляли наследников русского престола,заседали Земские соборы, на одном из которых более 300 лет назад был решен вопрос о воссоединении Украины с Россией. Здесь отмечались победы русских войск.Так, Иван IV праздновал здесь взятие Казани в 1552 году, а Петр I отмечал в 1709 году Полтавскую победу, а в 1721 году - заключение Нишбадтского мира, завершившего Северную войну.

Стены и башни Кремля

Существующие стены и башни были построены в 1485—1516 годах. Общая протяжённость стен — 2235 м, высота от 5 до 19 м, толщина — от 3,5 до 6,5 м.[10] В плане стены образуют собой неправильный треугольник. Верх стены украшен зубцами в форме ласточкиного хвоста, всего зубцов по верху стены — 1045. Большинство зубцов имеет щелевидные бойницы. В стенах устроены широкие, перекрытые арками амбразуры. С наружней стороны стены гладкие, с внутренней оформлены арочными нишами — традиционный приём, призванный облегчить и упрочить конструкцию сооружения.[10]

Вдоль стен расположено 20 башен. 3 башни, стоящие в углах треугольника, имеют круглое сечение, остальные — квадратное. Самая высокая башня — Троицкая, она имеет высоту 79,3 м.

Большинство башен выполнено в едином архитектурном стиле, приданном им во второй половине XVII века. Из общего ансамбля выделяется Никольская башня, которая в начале XIX века была перестроена впсевдоготическом стиле.

В 1485—1516 годах строительство стен Кремля возглавляли зодчие Антон Фрязин, Марко Фрязин,Пьетро Антонио Солари и Алевиз Фрязин Старый. Кирпичные стены ставились по линии белокаменных, с небольшим отступлением наружу. Начиная от Спасской башни территория Кремля была увеличена в восточном направлении. Первой в 1485 году с южной стороны была заложена Тайницкая башня, а уже через пять лет вся южная часть крепости была построена. Для строительства стен и башень использовался крупный (30х14х17 см или 31х15х9 см.) кирпич весом до 8 кг каждый. Из кирпича выкладывались лицевые стенки, которые заполнялись белым камнем. Самые высокие стены были возведены вдоль Красной площади, где отсутствовала естественная водная преграда.[10]

Всходы на стены имели Спасская, Набатная, Константино-Еленинская, Троицкая, Боровицкая, Благовещенская и Петровская башни.[10] Изначально внутри стены через все башни имелся сквозной проход, перекрытый цилиндрическими сводами. Большая часть прохода была со временем засыпана строительным мусором, сохранился участок между Константино-Еленинской и Набатной башнями. Существовали также тайники и проходы под стенами, в ряде случаев выходившие далеко за линию укреплений.[11]

В начале XVIII века Неглинная была отведена дальше от стен. Для установки новых пушек на башнях были растёсаны бойницы. Тогда же сгорели изначально существующие тёсовые кровли стен. В 1702—1736 годах для постройки Арсенала была разобрана часть стены, позднее восстановленная. В 1771—1773 годах для строительство Кремлёвского дворца по проекту В. И. Баженова также разбиралась часть южной стены между Беклемишевской и Благовещенской башнями, которая позднее была восстановлена. В 1802—1805 годах осуществлялся капитальный ремонт башен, в ходе которого почти все отводные стрельницы были разобраны. Война 1812 года нанесла стенам тяжёлый урон, особенно пострадали Никольская башня, башни и стены вдоль Неглинной. Ремонт и восстановление уреплений проводились с 1817 по 1822 годы. В ходе ремонтных работ к внешнему облику Боровицкой и Водовзводной башен были добавлены псведоготические детали декора.

В 1866—1870 годах была проведена реставрация стен и башен Кремля архитекторами Н. А. Шохиным,П. А. Герасимовым, Ф. Ф. Рихтером, которые стремились придать постройкам их первоначальный вид. В процессе реставрации с Боровицкой башни исчезли псевдоготические декоративные детали, однако многие элементы подлинных деталей стен и башен Кремля были утрачены и заменены неточными копиями.[11] Ущерб башням и стенам был нанесён в ходе переделок второй половины XIX века в ходе приспособления их помещений под хозяйственные нужды.

Пострадавшие в ходе революции Никольская и Беклемишевская башни были отремонтированы в 1918 году. Обследование и частичная реставрация стен проводилась в 1931—1936 годах. В 1935—1937 годах на пяти башнях были установлены рубиновые пятиконечные звёзды. Следующая реставрация стен и башен Кремля проводилась в 1946—1953 годах, в ходе которой были очищены и отремонтированыпрясла стен, восстановлены бойницы и парапеты, раскрыты детали на ряде башен, верхи Спасской, Троицкой и Никольской башен обиты листовой медью. В состав реставрационной комиссии входили видные учёные и реставраторы: И. Э. Грабарь, В. Н. Лазарев, М. В. Алпатов, П. Д. Корин, Д. П. Сухов и другие.

30. Московская школа живописи, представители (Грек, Дионисий, Рублёв, Ушаков) (анализ работ по выбору)

Вторая половина XIV– XV вв.– это время расцвета иконописи. Как известно, православие крепче и глубже всего было воспринято славянами на художественно-эстетическом уровне. Иконы пришли на Русь из Византии и обрели здесь чрезвычайно плодотворную среду. Своеобразный «иконоцентризм» средневековой русской культуры выразился в том, что сложные мировоззренческие проблемы отображались у нас не столько в словесной форме, богословами, сколько иконописцами в художественных образах. Любая икона – «особый вид церковного предания в красках и образах», по определению отца Сергия Булгакова. Икона удивительно полно выразила особенности русского православия, которое отличается радостным, светлым характером мирочувствования. Именно в ней русским художникам удалось полностью отразить характер страны и народа, подняться до высот мировой культуры. С середины XIV и до конца XV в. жили и творили корифеи иконописи Феофан Грек, Андрей Рублёв и Дионисий.

Дионисий — ведущий московский иконописец (изограф) конца XV — начала XVI веков. Считается продолжателем традиций Андрея Рублёва.Определяющими признаками его творческого метода стали увлечение внешней стороной в ущерб психологической разработке образа человека, «готизация палеологовских форм», проявившаяся в сверхудлинненых фигурах (1:10 и более) в знаменитой росписи храма Ферапонтова монастыря (начало XVI в.), высветление и тонкая нюансировка колорита, подчеркивание воздушной пространственности, стремление к изощренной красоте. Дионисий создал высокий стиль, является непревзойденным мастером и «хозяином» цвета, тонов необычайно светлых и чистых. Для него особенно характерны многофигурные сцены, праздничные картины многонародных торжеств, темы славы и величаний, отличающие Дионисия от мастеров предыдущей эпохи.

Симон Ушаков

Ушаков происходил, вероятно, из посадских людей и, по-видимому, очень рано получил основательную подготовку к своей специальности, так как, будучи всего 22-х лет от роду, был принят в царские «жалованные» (то есть получавшие постоянное содержание) мастера Серебряной палаты при Оружейном приказе. Здесь прямыми его обязанностями было «знаменить», то есть делать рисунки для разных предметов церковной утвари и дворцового обихода, преимущественно для золотых, серебряных и эмалированных изделий, расписывать знамёна, сочинять узоры для рукоделий, чертить карты, планы и т. д. Усердно исполняя подобные работы, он писал, кроме того, образа для двора, церквей и частных лиц, причём приобрёл вскоре известность лучшего на Москве иконописца.

Икон, писанных Ушаковым, дошло до нас довольно много, но большинство их искажено позднейшими записями и реставрациями. Как на сохранившиеся лучше других и особенно любопытные, можно указать на иконы: Благовещения, в которой главное изображение окружено композициями на темы акафиста Пресвятой Богородицы (находится в церкви Грузинской Божьей Матери, в Москве), Владимирской Богоматери с московскими угодниками (там же), святого Феодора Стратилата (у могилы царя Фёдора Алексеевича, в Архангельском соборе), Нерукотворного Спаса (в соборе Троице-Сергиевой лавры), Сошествие Святого Духа (там же) и на икону-портрет царей Михаила Фёдоровича и Алексея Михайловича (в Архангельском соборе). Эти произведения, равно как и другие работы Ушакова свидетельствуют, что он был человек весьма развитый по своему времени, художник талантливый, прекрасно владевший всеми средствами тогдашней техники. В отличие от принятого в то время правила «писать иконы по древним образцам», Ушаков не относился равнодушно к западному искусству, веяние которого вообще уже сильно распространилось в XVII веке на Руси. Оставаясь на почве исконного русско-византийского иконописания он писал и по древним «пошибам», и в новом так называемом «фряжском» стиле, изобретал новые композиции, присматривался к западным образцам и к натуре, стремился сообщать фигурам характерность и движение.

31. «Троица» А.Рублёва (замысел, воплощение)

«Троица»—икона Святой Троицы, написанная Андреем Рублёвым в XV веке, самое знаменитое из его произведений и одна из двух приписываемых его кисти работ (включая фрески во Владимире), чьё авторство, как считают учёные[2], достоверно принадлежит ему. Является одной из самых прославленных русских икон.

Икона представляет собой доску вертикального формата. На ней изображены три ангела, сидящие за столом, на котором стоит чаша с головой тельца. На фоне представлены дом (палаты Авраама), дерево (дуб Мамврийский) и гора (гора Мориа). Фигуры ангелов расположены так, что линии их фигур образуют как бы замкнутый круг. Композиционным центром иконы является чаша. Руки среднего и левого ангелов благословляют чашу. В иконе нет активного действия и движения — фигуры полны неподвижного созерцания, а их взгляды устремлены в вечность. По фону, на полях, нимбах и вокруг чаши заделанные следы от гвоздей оклада.Именно рублевская икона, как считают в настоящий момент учёные, как нельзя лучше соответствовала этим представлениям. Стремясь раскрыть догматическое учение о Св. Троице, Рублев отказывается от традиционных повествовательных деталей, которые традиционно включались в изображения Гостеприимства Авраама. Нет Авраама, Сарры, сцены заклания тельца, атрибуты трапезы сведены к минимуму: ангелы представлены не вкушающими, а беседующими. «Жесты ангелов, плавные и сдержанные, свидетельствуют о возвышенном характере их беседы». В иконе всё внимание сосредоточено на безмолвном общении трёх ангелов.«Формой, наиболее наглядно выражающей представление о единосущии трех ипостасей Св. Троицы, в иконе Рублева становится круг — именно он положен в основу композиции. При этом ангелы не вписаны в круг — они сами образуют его, так что взгляд наш не может остановиться ни на одной из трех фигур и пребывает, скорее, внутри того пространства, которое они собой ограничивают. Смысловым центром композиции является чаша с головой тельца — прообраз крестной жертвы и напоминание об Евхаристии (силуэт, напоминающий чашу, образуют также фигуры левого и правого ангелов). Вокруг чаши, стоящей на столе, разворачивается безмолвный диалог жестов».

32. Жанр парсунного портрета 17 в.

Парсу́на— ранний «примитивный» жанр портрета в Русском царстве, в своих живописных средствах находившийся в зависимости от иконописи.Первоначально синоним современного понятия портрет вне зависимости от стиля, техники изображения, места и времени написания, искажение слова «персона», которым в XVII веке назывались светские портреты.Парсуна появляется в переходный период русской истории, во время преобразования средневекового мировоззрения и формирования новых художественных идеалов. Первые русские парсуны создаются, скорее всего, мастерами Оружейной палаты Московского Кремля в XVII веке. Во второй половине XVII века парсуна часто пишется на холсте в технике масляной живописи, хотя манера исполнения продолжает содержать иконописные традиции.Русской парсуне близки произведения украинской, белорусской, польской, литовской портретной живописи XIV—XVII веков, часто также относимые к парсунным.В парсуне портретное сходство передаётся весьма условно, часто используются атрибуты и подпись, позволяющие определить изображённого.На сегодняшний день парсуну по изображённым на них персоналиям и техники живописи, можно разделить на следующие категории:Надгробные портреты, темпера на доске Парсуны маслом на холсте:с изображением царей;с изображением князей, стольников, дворян и т. д.

33. Шатровое зодчество (основные черты стиля, примеры)

Шатровые храмы при грандиозной внешней составляющей несли на себе и глубокую смысловую нагрузку. Символические значения храмов осмысливаются и понимаются учеными по-разному. Например, считается, что шатровый храм представляет собой архитектурную модель пути к Небесному Царствию и является местом соединения земного квадрата (символа тварного мира) с небесным кругом (символом вечности).

В Древней Руси памятниками служили специально воздвигавшиеся кресты, часовни и в особых случаях храмы. Чаще всего сооружение храмов-памятников было связано с военными победами. Так, в память о победе над татаро-монголами на Куликовом поле (1380) был построен храм Рождества Богородицы в Бобреневском монастыре под Коломной. Знаменитый Покровский собор на Красной площади в Москве, больше известный как храм Василия Блаженного, был воздвигнут по повелению Ивана Грозного в честь победы русских полков над Казанским ханством в 1552 г. Шатровые храмы при грандиозной внешней составляющей несли на себе и глубокую смысловую нагрузку. Символические значения храмов осмысливаются и понимаются учеными по-разному. Например, считается, что шатровый храм представляет собой архитектурную модель пути к Небесному Царствию и является местом соединения земного квадрата (символа тварного мира) с небесным кругом (символом вечности). В шатровом храме квадрат четверика есть символ Земли (как и в пирамиде). Восьмерик на четверике - универсальное число направлений пространства, но это еще и восьмиконечная звезда, символ Богородицы и сакральное число будущего века - "дня восьмого". А шатер, венчающий храм, есть небесный конус пути к Богу, место соединения земного с небесным.Каждый шатер имел свой собственный силуэт, а дополнительные украшения и пристройки еще больше подчеркивали своеобразие того или иного памятника. Так, мастер, строивший во второй половине XVI в. Преображенскую церковь в подмосковном селе Остров, украсил ее шатер несколькими рядами "вспенивающихся" кокошников, количество которых равно 144-м. В церкви во имя митрополита Петра в Переславле Залесском (1585) шатер ясно отделен от мощного широкого основания здания. В 1603 г. по распоряжению царя Бориса Годунова в Борисовом городке под Можайском был выстроен самый большой шатровый храм во имя святых Бориса и Глеба. Он был на 9 метров выше храма в Коломенском и достигал 74 метров.Появлялись после запрещения шатровые храмы и в провинции. Однако московские зодчие такой вольности позволить себе уже не могли и в дальнейшем использовали полюбившийся шатер только для завершения колоколен.

Шатровое зодчество XVI-XVII вв., черпающее свое начало в традиционной русской деревянной архитектуре, является уникальным направлением русского зодчества, которому нет аналогов в искусстве других стран и народов. Шатровые храмы Московского государства - неповторимый вклад России в мировую культуру.

34. Нарышкинское и строгановское барокко, примеры

На рубеже 17-18 веков в России расцвел самобытный архитектурный стиль, которому можно дать обобщенное название «русское допетровское барокко». Это абсолютно своеобразное, уникальное национально-русское явление. Прямых аналогий среди мировых архитектурных стилей у него нет, несмотря на заморское название барокко.

Если подходить с большой дотошностью, то можно сказать, что в допетровском барокко искусствоведы вычленяют:Голицынское барокко;Нарышкинский стиль;Строгановское барокко;Сибирское барокко.Стиль допетровского барокко, как яркий, причудливый цветок, питают корни русской художественной традиции: деревянной резьбы, вышивки, декоративных изразцов.

нарышкинское барокко- условное название стиля русской архитектуры кон. 17 – нач. 18 в. Наиболее характерные постройки этого стиля были возведены в московских и подмосковных усадьбах бояр Нарышкиных.В нарышкинском барокко соединились традиции древнерусского белокаменного узорочья и новые веяния, заимствованные из западноевропейской архитектуры. Для зданий этого стиля характерны нарядность, декоративность, светская жизнерадостность, мажорная цветовая гамма – контрастное сочетание красных стен и белых резных деталей. В постройках нарышкинского барокко начинают широко применяться элементы ордера (декоративные фронтоны, полуколонны, пилястры, арки), а также украшения в виде раковин и волют. В ярусной, пирамидальной композиции зданий (над нижним кубом-четвериком возвышаются один или несколько уменьшающихся восьмигранных объёмов – восьмериков) выражено ощущение их плавного восхождения ввысь. Просторные галереи-гульбища с широкими лестницами связывают постройки с окружающим пространством. В стиле нарышкинского барокко в Москве были возведены также церковь Воскресения в Кадашах (1687–1713, архитектор С. Турчанинов), церковь св. Бориса и Глеба в Зюзино (1688–1704), Сухарева башня (1692—95, архитектор М. И. Чоглоков), заново украшены в кон. 17 в. палаты Троекуровых и Аверкия.

Строгановский стиль — название стилистического направления русской архитектуры кон. XVII — нач. XVIII в., свойственного постройкам, возведенным по заказу промышленника Григория Дмитриевича Строганова(1656—1715).От наиболее радикальных памятников московского бароккострогановские постройки отличает сохранение традиционного для русского храма пятиглавого силуэта, на который наносится крайне пышный и дробный, словно вылепленный от руки барочный декор.

•Введенский собор в Сольвычегодске (1689-93, освящен в 1712)

•Казанская церковь в г. Устюжне (1694)

•Смоленская церковь в селе Гордеевке (1694-97 гг.)

•Рождественская церковь в Нижнем Новгороде (1696—1703, пострадала от пожара 1715, освящена в 1719)

Помимо этих четырёх заказов собственно Строгановых, к строгановскому направлению нередко относят стилистически близкие памятники культового зодчества — церковь в селе Ныроб, собор в Верхотурье, церковь Николы «Большой крест» в Москве (ок. 1680) и даже надвратную Иоанно-Предтеченскую церковьТроице-Сергиевой лавры (1693-99), а также один памятник гражданского зодчества — палаты Строгановых в Усолье.

35. Классицизм - значение и определение понятия термина. Основные черты классицистической архитектуры. Архитекторы классицизма: Мансар, Перро, Лево, Блондель, Ленотр, Габриель, Суфло (Франция), Джонс, Рен, Вуд, Кент, Джиббс (Англия), Тессин Младший (Швеция)

Классици́зм— художественный стиль и эстетическое направление в европейском искусстве XVII—XIX вв.В основе классицизма лежат идеи рационализма, которые формировались одновременно с такими же идеями в философии Декарта. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное, неизменное — в каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.Классицизм устанавливает строгую иерархию жанров, которые делятся на высокие (ода, трагедия, эпопея) и низкие (комедия, сатира, басня). Каждый жанр имеет строго определённые признаки, смешивание которых не допускается.Главной чертой архитектуры классицизма было обращение к формам античного зодчества как к эталону гармонии, простоты, строгости, логической ясности и монументальности. Архитектуре классицизма в целом присуща регулярность планировки и четкость объемной формы. Основой архитектурного языка классицизма стал ордер, в пропорциях и формах близкий к античности. Для классицизма свойственны симметрично-осевые композиции, сдержанность декоративного убранства, регулярная система планировки городов.Архитектурный язык классицизма был сформулирован на исходе эпохи Возрождения великим венецианским мастером Палладио и его последователем Скамоцци. Принципы античного храмового зодчества венецианцы абсолютизировали настолько, что применяли их даже при строительстве таких частных особняков, как вилла Капра. Иниго Джонс перенёс палладианство на север, в Англию, где местные архитекторы-палладианцы с разной степенью верности следовали заветам Палладио вплоть до середины XVIII века.

Француз Жак-Жермен Суффло при строительстве в Париже церкви Сен-Женевьев продемонстрировал способность классицизма организовывать обширные городские пространства. Массивное величие его проектов предвещало мегаломанию наполеоновского ампира и позднего классицизма. В России в одном направлении с Суффло двигался Баженов. Французы Клод-Никола Леду и Этьен-Луи Булле пошли даже дальше в сторону разработки радикального визионёрского стиля с уклоном в абстрактную геометризацию форм. В революционной Франции аскетический гражданский пафос их проектов был мало востребован; в полной мере новаторство Леду оценили только модернисты XX века.Эстетика классицизма благоприятствовала масштабным градостроительным проектам и приводила к упорядочиванию городской застройки в масштабах целых городов. В России практически все губернские и многие уездные города были перепланированы в соответствии с принципами классицистического рационализма. В подлинные музеи классицизма под открытым небом превратились такие города, как Санкт-Петербург, Хельсинки, Варшава, Дублин, Эдинбург и ряд других. На всём пространстве от Минусинска до Филадельфии господствовал единый архитектурный язык, восходящий к Палладио. Рядовая застройка осуществлялась в соответствии с альбомами типовых проектов.

Тессин Младший

Никодемус Тессин (швед. Nicodemus Tessin) — имя двух шведских архитекторов, выходцев из Померании, отца (1615—1681) и сына (1654—1728), которые создали скандинавское барокко — самую сдержанную, лаконичную разновидность этого стиля, основанную на освоении наследия Мансара и Бернини.

В основных работах Тессинов — королевском дворце в Стокгольме, загородной усадьбе Дротнингхольм, Кальмарском соборе, Троицкой церкви в Карлскруне, Готторпском замке — чувствуется преклонение перед Палладио и, соответственно, влияние зарождающегося классицизма. Эстетика Тессинов послужила одним из источников петровского барокко. Известно, что Тессин-младший разработал неосуществлённый проект Андреевского собора в Петербурге.

36. Дворцово-парковые ансамбли регулярного стиля. Общий обзор.

"РЕГУЛЯ́РНЫЙ ПАРК", "РЕГУЛЯ́РНЫЙ СТИЛЬ"— тип парка и стиль планировки, оформления садов, основанные на правилах геометрии, принципах симметрии, регулярности и прямой линейной перспективы. "Регулярные парки" можно рассматривать в общем контексте исторического развития геометрического стиля. Сады с ясной геометрической планировкой (иногда в виде лабиринта) существовали в древней Месопотамии, Египте, Персии, Китае и Японии. Однако стиль европейского "регулярного парка" восходит к эпохе Итальянского Возрождения, когда, согласно эстетике нарождающегося Классицизма, архитекторы стремились осуществить идеал абсолютной геометрической гармонии. Поэтому закономерно, что один из первых ренессансных проектов "регулярного сада" для Дж. Ручеллаи во Флоренции разрабатывал Леон Баттиста Альберти (1404—1472), основоположник архитектурной теории эпохи Возрождения и теории композиции в живописи.

37. Классицизм в живописи. Проблематика.Творчество Н.Пуссена и К.Лоррена .

Классицизм в живописи представляет собой, прежде всего, единение современного мира для художника с античным наследием. В произведениях живописи противопоставлялся разум человека силам природы, общественное – личному. Как и другие отрасли искусства, классическая живопись обобщает образы. Причем на главный план выставляется идея первичности потребностей большинства.Классическая живопись приобрела более академичные черты. Ученики академий, молодые художники, юные дарования большую часть своего времени проводили в прекрасных античных залах. Они делали наброски, глядя на римские и греческие статуи, увлеченно занимались антиковедением. .В начале XVII века для знакомства с наследием античности и Возрождения в Рим стекаются молодые иностранцы. Наиболее видное место среди них занял француз Никола Пуссен, в своих живописных произведениях, преимущественно на темы античной древности и мифологии, давший непревзойдённые образцы геометрически точной композиции и продуманного соотношения цветовых групп. Другой француз, Клод Лоррен, в своих антиквизированных пейзажах окрестностей «вечного города» упорядочивал картины природы путём гармонизации их светом заходящего солнца и введением своеобразных архитектурных кулис.Холодно-рассудочный нормативизм Пуссена вызвал одобрение версальского двора и был продолжен придворными художниками вроде Лебрена, которые видели в классицистической живописи идеальный художественный язык для восхваления абсолютистского государства «короля-солнца».Пуссен был особенно силен в пейзаже. Воспользовавшись результатами, достигнутыми в этом роде живописи болонской школой и проживавшими в Италии нидерландцами, он создал так называемый «героический пейзаж», который, будучи компонован сообразно правилам уравновешенного распределения масс, при своих приятных и величественных формах служил у него сценой для изображения идиллического золотого века. Пейзажи Пуссена проникнуты серьёзным, меланхолическим настроением. В изображении фигур он держался антиков, через что определил дальнейший путь, по какому пошла после него французская школа живописи. Как исторический живописец, Пуссен обладал глубоким знанием рисунка и даром композиции. В рисунке он отличается строгой выдержанностью стиля и правильностью.Лоррен, в отличие от Пуссена, выходил за рамки метафизического (читай — академического) пейзажа. В его работах всегда важен свет. Он — первый, кто исследовал проблему солнечного освещения, утреннего и вечернего; первый, кто серьёзно заинтересовался атмосферой, её светонасыщенностью. Его работы оказали влияние на развитие европейского пейзажа, в частности, на Уильяма Тёрнера (нач. XIX века).

Никола Пуссен

Пастухи Аркадии

Удивленные пастухи стараются прочесть полустертую надпись и понять кто этот «я»? Где находится Аркадия? На карте действительно существует такое место – это горное место на юге Греции. В древности жители Аркадии были, в основном, пастухами или охотниками. Римские и греческие поэты воспринимали Аркадию не просто как местность, а как символ гармонии человека и природы. Вергилий называл её страной блаженства и описывал жизнь пастухов как воплощение счастливой беззаботности. Пасторальные мотивы были в большой моде и у европейских аристократов – современников Пуссена. Они даже называли себя пастухами, а свои дворцы, где разыгрывали сценки из деревенской жизни, хижинами.  Возможно герои картины Пуссена, жители беззаботной Аркадии, при виде одинокой могилы впервые задумались о том, что человек смертен. Один пастух внимательно вчитывается в надпись, другой, задумавшись, склонил голову, третий, показывая на каменное надгробие, вопросительно и тревожно смотрит на свою спутницу. Её фигура спокойна и величественна, женщина философски относится к смерти, понимая её неизбежность. Этот персонаж воплощает элегическое настроение, которое, вероятно, и хотел выразить Пуссен своей картиной. Композиция полотна проста и упорядочена, все подчинено законам классической красоты: холодный цвет неба и теплые тона переднего плана, красота обнаженного человеческого тела на фоне камня. Все это вызывает ощущение покоя и душевного равновесия. 

Аркадия – это воспоминание о юности, о покинутых родных местах, где человек был счастлив? Многие поэты переводили эти слова так: «И я тоже был в Аркадии», имея ввиду: «И я тоже был молод и беззаботен». Людовик четырнадцатый, наверное, тоже тосковал о веселой юности, глядя на любимую картину кисти Пуссена.

Существует еще одна довольно мрачная трактовка. Бесстрастная женская фигура это сама смерть и надпись сделана от её имени. «Я, смерть, есть даже в Аркадии». Тень от руки пастуха на могильной плите напоминает косу, постоянный атрибут смерти. Недаром в первом варианте «Аркадских пастухов» на надгробии лежит череп. Возможно, Пуссен хотел разрушить безмятежное настроение героев и заставить их задуматься о грядущих страданиях. Если верить современным охотникам за тайнами, картина Пуссена – это мистическое послание потомкам древней династии, восходящей к самому Иисусу Христу. А Аркадия это отсылка к городу Арк, где династия хранит Священный Грааль. Поздняя версия картины Пуссена могла появиться, чтобы уточнить зашифрованное послание. Как было на самом деле неизвестно. Два столетия спустя был возведен монумент по мотивам картины, но почему то изображение дано в зеркальном отображении, а латинское выражение заменено набором букв. Расшифровать загадочные буквы пытались многие, в их числе и Чарльз Дарвин, но удалось разобрать только три слова: «Пуссен хранит ключ».

38. Барокко и рококо: общее и особенное

Баро́кко— характеристика европейской культуры XVII—XVIII веков, центром которой была Италия. Стиль барокко появился в XVI—XVII веках в итальянских городах: Риме,Мантуе, Венеции, Флоренции. Эпоху барокко принято считать началом триумфального шествия «западной цивилизации». Барокко противостояло классицизму и рационализму. Барокко родилось в конце XVI века в Италии, но прошло немногим более половины столетия, и стихия этого яркого, роскошного стиля охватила Францию, а за ней и большинство стран Европы.Барокко свойственны контрастность, напряжённость, динамичность образов, аффектация, стремление к величию и пышности, к совмещению реальности и иллюзии, к слиянию искусств (городские и дворцово-парковые ансамбли, опера, культовая музыка, оратория); одновременно — тенденция к автономии отдельных жанров (кончерто гроссо, соната, сюита в инструментальной музыке).

Рококо́ — стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века (во время регентства Филиппа Орлеанского) как развитие стиля барокко. Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, личному комфорту. Наивысшее развитие в архитектуре стиль получил вБаварии.Основные элементы стиля: рокайль — завиток и картель — забытый ныне термин, применявшийся для наименования рокайльных картушей.

39. Представители рококо в живописи: Ватто, Буше, Фрагонар (анализ работ по выбору)

Ведущие представители живописи рококо.

Рококо имеет право на существование как стиль уже и потому, что оно дало новые грани, новое развитие выразительным средствам искусства. К представлению жизни как красочной феерии стремятся художники первой половины – середины XVIII века (сноска). Идеалы рококо наиболее полно воплотились в полотнах западноевропейских мастеров “галантных праздненств” Жана Антуана Ватто, Франсуа Буше, истинных представителей чувственного и галантного XVIII века Жан Оноре Фрагонара, Николы Ланкре, Помпео Джироламо Батони, Ш Ж Натуара. Художники эпохи рококо уводящие своих персонажей от реальной действительности и проблематики в мир интимных отношений, пикантных ситуаций, как нельзя лучше отразили кризис феодализма с его нарядными и пышными празднествами.

Жан Антуан Ватто

Предвестием этого направления в искусстве, но и явлением значительно более глубоким, не укладывающимся в рамки какого-то одного направления, был художник Жан Антуан Ватто, создавший в искусстве свой, неповторимый образ. Ватто нашел себя, свою тему, когда приехал в Париж: это так называемые галантные празднества - аристократическое общество в парке, музицирующие, танцующие, праздное; живопись, в которой как будто нет ни действия, ни сюжета, - сцены беспечной жизни, переданные с утонченной грацией. Все это увидено как бы со стороны тонким, чуть ироничным наблюдателем с налетом меланхолии и грусти. Колорит Ватто - одно из сильнейших качеств его дарования - построен на тонких нюансах серых, коричневых, бледно-сиреневых, желто-розовых тонов. В картинах Ватто никогда нет чистого тона. Как в цвете даны все тончайшие оттенки любовного чувства. В 1717 году художник создал одно из самых больших произведений "Паломничество на остров Цитеру" (см. Приложение 3). В этой картине отражена тончайшая палитра чувств, которая прежде всего создана самим цветом. Но все это не любовь, а игра в любовь, театр. Театральность характерна для всего искусства XVШ в., и для Ватто особенно. Он не скрывает театрального приема в композиции. Искусство театра не только было модно в век Ватто, театром была вся жизнь общества, которое пишет художник. Ватто вообще очень близко знал актерский быт и не раз писал актеров итальянской и французской комедии. Делакруа называл технику Ватто изумительной, объединившей Фландрию и Венецию. В самом конце жизни Ватто создал свою последнюю работу - это вывеска антикварной лавки, которая так и называется "Лавка Жерсена" (см. Приложение 4). В ней он возможно хотел показать, как быстротечна "слава мира", как коротка власть и сама жизнь, а вечно лишь одно искусство.

40. Просветительский классицизм. Ж.-Л. Давид («Клятва Горациев», «Смерть Марата»)

В основе классицизма лежат идеи рационализма, которые формировались одновременно с такими же идеями в философии Декарта. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное, неизменное — в каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.

Жак Луи Давид .Среди членов этих семей были архитекторы, подрядчики строительных работ, и в их среде поощрялась рано проявившаяся у Жака Луи страсть к рисованию. Они даже служили моделями для его ранних портретов. Стремясь получить хорошее профессиональное образование, Давид поступает учеником в Королевскую Академию живописи и скульптуры и начинает заниматься у одного из ведущих мастеров исторической живописи раннего неоклассицизма Жозефа Мари Вьена. Педагогическая система последнего была основана на изучении античного искусства, Рафаэля, братьев Карраччи, Микеланджело, требовании достижения в живописи «правды» и «величия». Вьен несколько лет провёл в Италии, был увлечен античностью.Давид обучался во Французской академии в Риме, где изучал античное искусство и творчество мастеров эпохи Возрождения.

«Смерть Марата»— картина французского художника Жака Луи Давида, является одной из самых известных картин, посвященных Великой Французской Революции.Картина была крайне популярна, существует несколько авторских повторений.Картина повествует о судьбе Жана Поля Марата, журналиста радикальной газеты «Друг народа», лидера якобинцев. Марат был одним из наиболее ярых сторонников якобинского террора. Заболев кожной болезнью, Марат не выходил из дома и, чтобы облегчить свои страдания, принимал ванны.13 июля 1793 года он был заколот ножом в своей квартире дворянкой Шарлоттой Корде.В руке Марата зажат листок с текстом: «13 июля 1793, Мари Анна Шарлотта Корде — гражданину Марату. Я несчастна, а потому имею право на вашу защиту». На самом деле Марат не успел получить эту записку — Корде убила его раньше. Надпись на деревянной тумбе – не более чем авторское посвящение: «МАРАТУ, Давид».

41. Живопись венецианского барокко. Дж.-Б. Тьеполо. Городской пейзаж (Каналетто, Б. Белотто, Ф. Гварди).

Искусство барокко в Венеции – это ни антитеза «золотого века», а скорее его послесловие.Один из самых богатых городов мира – Венеция удивительным образом сочетала героизм с изнеженностью нравов, истинную религиозность с принятием чувственности. И именно эта своеобразная цельность натуры венецианцев и отразилась в живописи венецианского барокко.Искусство барокко – это искусство трагичной эпохи, которая жаждала тягаться с величием древних, но не могла обладать ясностью античного мировосприятия. Дух мятежности и разлада, религиозных войн и костров инквизиции – вот что омрачало души всех итальянцев. Венецианцы же, где религиозная мысль была несколько независима, практически единственные, сумели сохранить чувство человеческого достоинства и не принимали непосредственное участие во всех европейских трагедиях. И лучшие умы Венеции, оставаясь зрителями своей страшной эпохи, избегли необходимости лукавить и унижаться, но при этом не впали в другой смертный грех – гордыню.

Джова́нни Батти́ста Тье́поло — крупнейший художник итальянского рококо, мастер фресок и гравюр, последний великий представитель венецианской школы.В юности Тьеполо учился живописи у венецианского художника Грегорио Ладзарини, но искусствоведы отмечают, что наиболее сильное влияние на него оказали Себастьяно Риччи, Паоло Веронезе иДжованни Баттиста Пьяцетта. В возрасте 19 лет Тьеполо выполнил свой первый живописный заказ — картину «Принесение Исаака в жертву».В 1717 году молодой художник покинул мастерскую Ладзарини и вступил в гильдию живописцев Фралья. С 1726 года по 1728 год Тьеполо работал по заказу Дионисио Дельфино, аристократа из Удине, расписывая фресками капеллу и дворец. Это принесло ему известность и новые заказы — Тьеполо сделался модным живописцем. В последующие годы он много писал в Венеции, а также в Милане,Бергамо.К 1750 году к венецианскому живописцу пришла общеевропейская известность, и с 1750 года по 1753 год он создал свою центральную работу — фресковое убранство Вюрцбургской резиденции. Возвратившись в Италию, Тьеполо был избран президентом Падуанской академии.В 1761 году испанский король Карл III пригласил Тьеполо в Мадрид, где художник оставался до конца своей жизни. Тьеполо скончался в испанской столице 27 марта 1770 года.

Городской пейзаж или урбанизированый—эквивалент городского ландшафта. Разница определений состоит лишь в том, что первое касается крупных урбанизированных городов, а второе — маленьких. В урбанизированный дизайн входят конфигурация встроенных форм и промежуточное пространство. В изобразительном искусстве урбанизированный (городской) ландшафт — художественное представление, в таких сферах как живопись, графика.

Франче́ско Гва́рди —итальянский художник, видный представитель венецианской школы ведутистов.Сын художника, в четырехлетнем возрасте потерял отца. Художниками были его братья, художником стал и его сын Джакомо. Оценённый по достоинству лишь в эпохуимпрессионизма, Гварди долго находился в тени знаменитых мастеров венецианской ведуты Антонио Каналя, прозванного Каналетто, и его племянникаБернардо Беллотто, также носившего это прозвище. Однако Гварди был художником, писавшим не только городские виды, но и фигурные станковые картины, где им было сделано немало ценного. Считается одним из последних представителей классической венецианской школы живописи.

42. Русский классицизм. Истоки, образы, примеры.

Русский классицизм — архитектурный стиль, распространённый в России во второй половине XVIII—XIX веках. Особенностью русского классицизма являлось эклектическое сочетание в одном произведении разностилевых элементов, отход от жёстко регламентированных приёмов и форм классицизма.В раннем русском классицизме сохранялась пластика и динамика форм, присущих барокко и рококо, появились классические типы дворца-усадьбы и крупного жилого дома, ставшие образцами строительства загородных дворянских усадеб и парадной застройки российских городов. В результате крупного градостроительства на рубеже XVIII—XIX веков возникли городские ансамбли центра Петербурга и Москвы, застраивающейся после пожара 1812 года. К этому же стилю относятся ансамбли городских центров Костромы, Твери, Ярославля.Постройки в стиле русского классицизма:Аничков дворец;Музей-заповедник Царское Село;Софийский собор;Казанский собор (Санкт-Петербург).

43. Русская архитектура 18.в. Тенденции развития Растрелли, Ринальди, Трезини, Баженов, Казаков, Львов, Старов, Коробов, Кокоринов, Камерон, Кваренги, Захаров. Общий обзор.

В XVIII в. свое новое развитие получила архитектура.В области градостроительства был совершен переход от радиально-кольцевой к регулярной планировке, для которой характерны геометрическая правильность, установление единых правил и приемов застройки и оформления. Все это нашло воплощение в строительстве Петербурга.Господствующим архитектурным стилем в первой половине XVIII в. было барокко. Для барокко характерна монументальность построек, сочетавшаяся с пышностью, блеском, великолепием, эмоциональной приподнятостью. Это достигалось за счет изогнутых линий фасадов и общего плана зданий, обилия колонн, декоративных лепных украшений и скульптур, создававших светотеневые эффекты.Крупнейшим мастером барокко в России был В. В. Растрелли — итальянец по происхождению, который в России обрел свою вторую родину. Им были возведены Зимний дворец и Смольный монастырь в Петербурге, дворцы в Царском Селе и Петергофе, ряд дворцов для петербургской вельможной знати, Андреевская церковь в Киеве и др.Во второй половине XVIII в. на смену пышному, яркому барокко пришел строгий и величественный классицизм. Для классицизма характерны ясность формы, логика мысли, простота и в то же время монументальность, утверждавшие мощь и силу государства, ценность человеческой личности, освобожденной от догм средневекового мировоззрения. В его основе лежит обращение к законам классической архитектуры Греции и Рима. Классицизм предусматривал строгую симметричность планировки, выделение главных частей здания, четкость вертикальных и горизонтальных линий.Петербург принимал «строгий, стройный вид». Во второй половине XVIII в. архитектор И. Е. Старое построил здание Таврического дворца, В. И. Баженов — Каменноостровский дворец и Арсенал, А. Ф. Кокоринов и Ж. Б. Валлен- Деламот — Академию художеств, А. Ринальди — Мраморный дворец, Ю. М. Фельтен — набережную Невы и решетку Летнего сада, Д. Кваренги — Академию Наук и другие здания.

Васи́лий Ива́нович Баже́нов — российский архитектор, художник, теоретик архитектуры и педагог, представитель классицизма, масон. Член Российской академии (1784 год).

Церковь Владимирской иконы Божией Матери — знаменитый памятник русской псевдоготики XVIII века в селе Быково Раменского района Московской области.