27.Голландская жанровая живопись 17 в.

Середина XVII века — время наивысшего подъема голландской пейзажной живописи. В сороковых—пятидесятых годах достигает полного расцвета творчество Гойена, ведущего художника раннего голландского пейзажа. В это же время зреет и крепнет, чтобы в 1660-х годах развернуться в полную мощь, гений Якоба ван Рейсдаля. Произведениями Гойена завершается один этап развития голландского пейзажа, появление картин Рейсдаля знаменует собой начало другого — нового. Обладая первоклассными работами обоих художников, так же как и других пейзажистов XVII в., эрмитажное собрание дает полное представление об отличительных особенностях развития пейзажной живописи Голландии.

Правдивый показ человека и окружающего его мира - определяющие черты искусства этой небольшой, но мощной буржуазной республики, занявшей в XVII в. одно из первых мест в экономической и культурной жизни Европы. Любовь простого человека к своей родине, путем долгой героической борьбы, отвоеванной у испанцев в эпоху нидерландской революции, нашла свое выражение в развитии реалистического пейзажа. Голландия дала многих прекрасных художников, сделавших изображение природы своей специальностью. Нигде в XVII в. пейзажная живопись не получила такого развития, как в этой маленькой стране.

С неослабевающим интересом передавали художники незатейливые виды родной природы: холмистые гряды дюн, далекие просторы широко разлившихся рек с раскинувшимися на их берегах городами, проходящие у хижин проселочные дороги. Скромные картины пейзажистов заняли прочное место в обстановке голландских домов, украсив, наряду с портретами, стены уютных комнат. Параллельно с пейзажем развивается и жанровая живопись. В бытовых картинах первой половины 17 века особенно распространены изображения веселящейся компании, где действующими лицами являются представители военной среды, проводящие время за курением, игрой в триктрак или ухаживанием за женщинами. Внимание художников обращено преимущественно на внешнюю сторону, позы, костюмы. В середине века, когда отзвуки вооруженной героической борьбы замирают и роль военного люда становится менее заметной, бравурные ноты исчезают, типаж и сюжеты меняются.

28.Испанское ис-во 16-18 века краткая харастиристика.Нидерланды.

До второй половины XVI в. Испания была художественной провинцией, ее живопись известна в основном по работам слабых подражателей мастерам эпохи Возрождения. Большинство испанских художников настороженно (а порой и неприязненно) воспринимали античное наследие, считая его чуждой языческой культурой, которая ничему не может научить христианского мастера. Деятельность испанских живописцев жестко контролировалась инквизицией. Тем не менее почти все великие мастера Испании творили именно в конце XVI— XVII вв.

Открывает золотой век испанской живописи Эль Греко (1541—1614) — испанский живописец греческого происхождения. Главный мотив творчества Эль Греко — религиозные картины, исполненные для церквей, монастырей, госпиталей Толедо, Мадрида и других городов. Эль Греко работал также в жанре портрета, художник создал галерею изображений своих знаменитых современников. Искусство Эль Греко, близкое религиозной поэзии испанских мистиков XVI в., проникнуто художественным субъективизмом. В его картинах грани между землёй и небом стираются; пропорции человеческих фигур неестественно вытягиваются. Эль Греко был чрезвычайно популярен при жизни. Однако его поздние работы, в которых воображение художника принимает причудливые, ирреальные формы, не были поняты современниками. В XVII—XIX вв. творчество Эль Греко было забыто и заново открыто лишь в начале XX в.

Одним из самых крупных художников эпохи барокко был Хусепе де Рибера (1591—1652), последователь итальянского мастера Микеланджело да Караваджо, представителя реалистического направления в европейской живописи XVII в. По рождению испанец, Рибера большую часть жизни провел в Неаполе, где стал придворным живописцем испанских вице-королей. Рибера создавал картины на библейские и евангельские сюжеты, писал сцены из жизни святых, особое внимание уделяя темам отшельничества и полным драматизма сценам мученичества. Создал серии «Апостолы» и «Нищие философы», писал портреты, картины на античные сюжеты, жанровые сцены. При жизни был чрезвычайно популярен, пользовался покровительством испанского короля. Творчество Риберы принадлежит одновременно итальянскому и испанскому искусству, поскольку его стиль, богатый и сложный, стал отправной точкой в развитии неаполитанской школы, а благодаря многочисленным произведениям, привезенным в Испанию, он оказал огромное влияние и на большинство испанских художников.

В XVII в. в Севилье, одном из крупнейших центров испанской культуры, работал испанский живописец Франсиско де Сурбаран (1598—1664). Почти всю свою жизнь художник работал по заказам монастырей, поэтому большинство его произведений написано на религиозные сюжеты. Особенно характерны для Сурбарана композиции на темы из житий святых, трактованные как сцены монастырского быта. Полотна Сурбарана во многом перекликаются с работами Эль Греко, хотя по стилю живописи это совершенно разные художники. Так же как Эль Греко, Сурбарана интересовала прежде всего тайна мистического общения человека с Богом. Сурбаран обращался также и к светским жанрам: он известен как большой мастер натюрморта и портретист, автор мифологических и исторических полотен (хотя последние намного слабее его религиозных композиций). При жизни Сурбаран достиг громкой славы, удостоился звания главного живописца города Севильи. Однако последние свои годы художник окончил в забвении и нищете.

Вершиной испанской живописи XVII в. по праву считается творчество Диего Веласкеса (1599—1660). Никто из современников не мог сравниться с ним по широте художественных интересов и виртуозности кисти. Живописец увлеченно изучал античную историю и культуру, итальянское Возрождение и современное ему барокко. Сохранив национальную самобытность, Веласкес впитал в себя все богатство европейской художественной традиции. В ранний период творчества Веласкес создал галерею картин, изображающих сцены из народной жизни, героями которых были нищие и служанки, бедные торговцы и уличные музыканты. В возрасте двадцати четырех лет Веласкес стал придворным живописцем короля Филиппа IV и оставался им до конца жизни. Художник писал портреты королевских особ и придворных, королевских карликов и шутов, своих друзей и учеников. Известен также как автор мифологических и религиозных композиций, исторической картины «Сдача Бреды», являющейся одним из самых значительных произведений европейской живописи в историческом жанре. В последние годы жизни Веласкес создал самые знаменитые свои картины — «Менины» («Фрейлины») и «Пряхи». Творчество Веласкеса — одно из ярчайших явлений мирового реалистического искусства.

Нидерланды. Нидерландская школа живописи (Рогир ван дер Вейден, Гус, Босх, Брейгель Мужицкий, Губер и Ян ван Эйки).В конце 14в. Здания возводились из кирпича и черепицы. Внутри голландские домики напоминали корабельные каюты.Образ жизни голландцев оказал значительное влияние на культуру и ис-во Нидерландов.Голландцы низводили всякую идеализацию до степени портрета. Их не смущали жирные мышцы толстого флагмандца или дебелые формы его супруги. В их картинах не было места грустной мечтательности,поискам заоблачных идеалов,диким порывам стростей.Приметом изобр. В нидерландской живописи стали сельские праздники и мелочные лавочки.Портрет в голландской живописи был доведён до высшей степени совершенства. Ис-во Голландии не было религиозным и монархическим.

Рогир ван дер Вейден

Его трагическое искусство было исполнено взволнованности. С 40-х годов 15 века в нидерландской живописи усилились элементы драматического действия.

"Евангелист Лука, рисующий мадонну".

Узорчатость для художника важнее объемности. Он прекрасный рисовальщик. Достиг признания при жизни. Занимал должность живописца г.Брюсселя.

"Снятие с креста".

Гус.Человек замечателен для Гуса только силой своего личного чувства. При этом Гуса влекут чувства трагические. Пример - образ св. Женевьевы ("Оплакивания").

Алтарь Портинари. В закрытом виде алтарь строг и сумрачен. В раскрытом виде - люли и взволнованные ангелы образуют вокруг Марии духовную среду. В алтаре Портинари Гус старается выразить свою веру в душевные возможности человека.

В "Рожденье" художник придает человеческому чувству вселенские черты. В последней работе "Смерть Марии" ощущается кризис творчества Гуса - утрата единства человека и мира. Отчаяние апостолов беспросветно.

30 .Живопись Фландрии. №29 Северное возраждение Возрождение представляло собой международное явление, охватившее, помимо Италии, где оно выразило себя с наибольшей силой, также Нидерланды, Германию, Францию, Испанию. Сегодня появился специальный термин «Северное Возрождение», который описывает особенности Ренессанса в других странах Европы. Весьма важной особенностью Северного Возрождения было то, что оно происходило в период Реформации, а также то, что в культуре народов этих стран в силу исторических причин отсутствовало такое обилие памятников античности, как в Италии»'. Немецкое Возрождение стало завершением духовного и социального кризиса, который длился полвека и сильно изменил средневековую Германию. С творчеством трех художников — Грюневальда, Дюрера иГольбейна Младшего— связан «золотой век» немецкой живописи. Не обладая цельностью итальянского Ренессанса, немецкое Возрождение развивалось в хронологически короткий период и не имело своего логического продолжения. Выдающимся представителем Возрождения в Германии был живописец и мастер гравюры Дюрер. Считается, что Дюрер был равно одарен как живописец, гравер и рисовальщик; рисунок и гравюра занимают у него большое, подчас даже ведущее место. Наследие Дюрера-рисовальщика, насчитывающее более 900 листов, по обширности и многообразию может быть сопоставлено только с наследием Леонардо да Винчи. Он блестяще владел всеми известными тогда графическими техниками — от серебряного штифта и тростникового пера до итальянского карандаша, угля, акварели Как и для мастеров Италии, рисунок стал для него важнейшим этапом работы над композицией, включающим в себя эскизы, штудии голов, рук, ног, драпировок. Это инструмент изучения характерных типов — крестьян, нарядных кавалеров, нюрнбергских модниц. Дюрер оказал огромное влияние на развитие немецкого искусства первой половины XVI века. Величайший мастер гравюры в Европе, Дюрер прославился своим циклом работ на темы «Апокалипсиса» Он — единственный мастер Северного Возрождения, который по направленности и многогранности своих интересов, стремлению овладеть законами искусства, разработке совершенных пропорций человеческой фигуры и правил перспективного построения может быть сопоставлен с величайшими мастерами итальянского Ренессанса. Пору расцвета искусства немецкого Возрождения часто называют «эпохой Дюрера». Семнадцатый век был временем создания национальной художественной школы живописи Фландрии. Как и в Италии, официальным господствующим направлением здесь стало барокко. Однако фламандское барокко во многом существенно отличается от итальянского. Барочные формы наполнены здесь чувством клокочущей жизни, и красочного богатства мира, ощущением стихийной силы роста человека и природы. В рамках барокко в большей мере, чем это было в Италии, получают развитие реалистические черты. Крупнейшим художественным центром Фландрии со второй половины 16 в, стал Антверпен. В начале 17 в. на основе реалистической традиции старонидерландской живописи и под воздействием караваджизма во Фландрии развивается новое художественное направление.Рубенс. Главой фламандской школы живописи был Питер Пауль Рубенс (1577—1640). Всесторонне одаренный, блестяще образованный, Рубенс был художником огромного творческого размаха, бурного темперамента. Прирожденный живописец-монументалист, талантливый дипломат, владеющий несколькими языками, ученый-гуманист, он пользовался почетом при княжеских и королевских дворах Мантуи, Мадрида, Парижа, Лондона. Художник кипучего воображения, Рубенс был создателем колоссальных патетических композиций. Динамичность форм, сила пластического воображения, торжество декоративного начала составляют основу его творчества. Вместе с тем искусство Рубенса в основе своей реалистично. Свежесть восприятия жизни и стремление придать всему изображенному убедительность правды составляют существо его произведений. Герои античных мифов, христианских легенд, современные ему исторические деятели и люди из народа живут в его полотнах неутомимой жизнью, воспринятые как часть могучей природы, в тесной взаимосвязи с которой они находятся. 30 .Живопись Фландрии. Семнадцатый век был временем создания национальной художественной школы живописи Фландрии. Как и в Италии, официальным господствующим направлением здесь стало барокко. Однако фламандское барокко во многом существенно отличается от итальянского. Барочные формы наполнены здесь чувством клокочущей жизни, и красочного богатства мира, ощущением стихийной силы роста человека и природы. В рамках барокко в большей мере, чем это было в Италии, получают развитие реалистические черты. Крупнейшим художественным центром Фландрии со второй половины 16 в, стал Антверпен. В начале 17 в. на основе реалистической традиции старонидерландской живописи и под воздействием караваджизма во Фландрии развивается новое художественное направление.Рубенс. Главой фламандской школы живописи был Питер Пауль Рубенс (1577—1640). Всесторонне одаренный, блестяще образованный, Рубенс был художником огромного творческого размаха, бурного темперамента. Прирожденный живописец-монументалист, талантливый дипломат, владеющий несколькими языками, ученый-гуманист, он пользовался почетом при княжеских и королевских дворах Мантуи, Мадрида, Парижа, Лондона. Художник кипучего воображения, Рубенс был создателем колоссальных патетических композиций. Динамичность форм, сила пластического воображения, торжество декоративного начала составляют основу его творчества. Вместе с тем искусство Рубенса в основе своей реалистично. Свежесть восприятия жизни и стремление придать всему изображенному убедительность правды составляют существо его произведений. Герои античных мифов, христианских легенд, современные ему исторические деятели и люди из народа живут в его полотнах неутомимой жизнью, воспринятые как часть могучей природы, в тесной взаимосвязи с которой они находятся.

35Французский классицизм..Классицизм - искусство могучее и глубокое, любимое французским народом и выразившее его гений. Оно выдвинуло огромных художников, прославивших Францию на весь мир, и, как всякое великое искусство, осталось жить в веках. И закономерно, что в центре этого искусства оказался театр. Трагедия Корнеля и Расина комедия Мольера, актерское искусство замечательных мастеров сцены - Мондори и Шанмеле, Бошато и Флоридора - явление французской культуры эпохального значения. Пьер Корнель в "Сиде", "Горации", "Родогюне" и других драмах создал трагедию больших чувств, благородных и сильных характеров, обобщивших героические черты французского народа времен походов Тюренна и Конде. Герои и героини Корнеля - Родриго, Химена, Родогюна и другие - мужественны и смелы, верны нравственному долгу и отечеству. В трагедиях "Никомед" и "Пертарит" звучат свободолюбивые мотивы. В поэзии, живописи, зодчестве достижения классицизма также были велики. Дидактическая поэма Никола Буало "Поэтическое искусство" ("L'art poetique"), во многом перекликающаяся с эстетикой Ронсара, призывавшая "лелеять мысль в стихах", провозглашавшая единство правды и красоты (le beau est le vrai) и направленная против легковесного и вычурного "прециозного" искусства, этого пересаженного во французскую почву маньеризма "sans couleurs, sans force et sans vie" ("Без красок, без силы, без жизни" (известное выражение Дидро)), представляла одно из наиболее выдающихся произведений этого жанра. Но Буало не был единственным. Классицизм выдвинул и других теоретиков - Шаплена, Фйлибена, аббата Дюбо.В изобразительно-пространственных искусствах достижения классицизма также были велики и увенчались созданием эстетических ценностей непреходящего значения. Франция заслуженно гордится такими прекрасными сооружениями, как возвышенно-поэтический и величавый ансамбль Версаля с парком или Луврский дворец, созданные трудом и талантом таких мастеров, как Клод Перро, Жирардон, Ленотр, Лево. Аллегорические полотна Никола Пуссена на античные, библейские сюжеты и пейзажи Клода Лоррена, несмотря на печать некоторой абстрактности, отмеченной еще Гёте, отличались господством самой высокой поэзии, мощного интеллектуального начала. В области рисунка, ясного и законченного, исполненного изящества, и стройной, уравновешенной композиции их приобретения были особенно велики. Приведем доказательство от противного.

32.Творчество Фидия(490-430гг. до н.э.). — один из лучших представителей классического стиля, и о его значении достаточно сказать, что он считается основоположником европейского искусства, наряду с Поликлетом один из двух самых значительных и авторитетных мастеров древнегреческой скульптуры эпохи классики. Родился в Афинах, где и провел большую часть творческой жизни. Руководил работами по художественному убранству Акрополя, исполнив колоссальную бронзовую статую Афины Промахос («Победительницы в битвах»), воздвигнутую здесь около 456 до н.э. в ознаменование победы над персами. Самые знаменитые работы Фидия — Зевс(Статуя Зевса в Олимпии — одно из семи чудес Древнего Мира) и Афина Парфенос(«Афина Парфенос». 438 г. до н. э. Была установлена в афинском Парфеноне, внутри святилища и представляла собой богиню в полном вооружении) были выполнены в хрисоэлефантинной технике — золото и слоновая кость. Фидий и возглавляемая им аттическая школа скульптуры (2-й пол. 5 в. до н. э.) занимали ведущее место в искусстве высокой классики. Это направление наиболее полно и последовательно выражало передовые художественные идеи эпохи. Так было создано искусство, «синтезирующее всё то прогрессивное, что несли в себе работы ионических, дорических и аттических мастеров ранней классики до Мирона и Пэония включительно».

33.Творчество Поликлета Мастер бронзовой скульптуры. Поликлет был не только ваятелем, но и теоретиком искусства. Он написал "Канон" о пропорциях человека. Основные работы: "Дорифор", "Диадумен", статуя "Раненая амазонка" (спокойная поза, несколько капель крови на правом боку), колосс "статуя Геры" для храма в Аргосе.ПОЛИКЛЕТ из Аргоса (5 в. до н.э.), древнегреческий скульптор и теоретик искусства, прославившийся статуями атлетов, а также своим учением о пропорциях. Наряду с Фидием один из двух лучших мастеров греческой скульптуры эпохи классики.Родился, вероятнее всего, на острове Аргосе (на это указывает Платон в своем Протагоре); там же и учился (у скульптора Агелада Аргосского, который, по преданию, учил и Фидия). Период его активного творчества приходится на 440–410-е годы до н.э. Ни одно из его подлинных произведений не сохранилось, однако лучшие из них (и чаще всего упоминаемые в античных источниках, прежде всего, в Естественной истории, или Естествознании, Плиния Старшего, 1 в. н.э.) известны по достаточно качественным и достоверным римским копиям. Это, в первую очередь, знаменитейшая его скульптура, Дорифор (Копьеносец, ок. 440–435 до н.э.), а также Диадумен (юноша, завязывающий повязку победителя; ок. 423–419 до н.э.); до нас дошло более 30 римских копий каждой из них. При явной разнице в характерах, – по словам Плиния, Поликлет создал Диадумена «изнеженным юношей», а Дорифора «мужественным мальчиком», – оба проникнуты строгой гармонией, выраженной как в общей компоновке стоящих фигур (по принципу хиазма, то есть такого изображения, где тяжесть

34.Скульпторы Лисипп и Скопас.Лисипп (ок. 390 – ок. 300 до н.э.), древнегреческий скульптор, родился в Сикионе (Пелопоннес).. Основную массу его произведений составляли преимущественно бронзовые статуи, изображающие богов, Геракла, атлетов и других современников, а также лошадей и собак. Лисипп был придворным скульптором Александра Македонского. Колоссальная статуя Зевса работы Лисиппа стояла на агоре Тарента. Другие статуи Зевса были воздвигнуты Лисиппом на агоре Сикиона, в храме в Аргосе и в храме Мегар, причем последняя работа представляла Зевса в сопровождении Муз. Изображение стоявшей в Сикионе бронзовой статуи Посейдона с одной ногой на возвышении имеется на сохранившихся монетах; копией с нее является напоминающая изображение на монетах статуя в Латеранском музее (Ватикан). Созданнная Лисиппом на Родосе фигура бога Солнца Гелиоса изображала бога на запряженной четверкой колеснице, этот мотив использовался скульптором и в других композициях. Имеющиеся в Лувре, Капитолийских музеях и Британском музее копии, на которых изображен Эрот, ослабляющий тетиву на луке, восходят, возможно, к Эросу работы Лисиппа в Феспиях. Находившаяся также в Сикионе статуя изображала Кайрос (бог удачи): бог в крылатых сандалиях сидел на колесе, его волосы свешивались вперед, однако затылок был лысым; копии статуи сохранились на небольших рельефах и камеях. Геракл – излюбленный Лисиппом персонаж. Колоссальная сидящая фигура Геракла на акрополе Тарента изображала героя в мрачном настроении после того, как он очистил Авгиевы конюшни. Созданные Лисиппом портреты Александра превозносили за соединение двух качеств. Во-первых, они реалистически воспроизводили внешность модели, включая необычный поворот шеи, а во-вторых, здесь явственно выражался мужественный и величественный характер императора. Фигура, изображавшая Александра с копьем, по-видимому, послужила оригиналом как для гермы, ранее принадлежавшей Хосе-Никола Азара, так и для бронзовой статуэтки (обе находятся теперь в Лувре). Другие портреты работы Лисиппа включали портрет Сократа (наилучшими копиями, возможно, являются бюсты в Лувре и Музео Национале делле Терме в Неаполе); портрет Эзопа; еще существовали портреты поэтессы Праксиллы и Селевка. Вместе с Леохаром Лисипп создал для Кратера группу, изображавшую сцену львиной охоты, на которой Кратер спас Александру жизнь.Еще одно портретное изображение атлета работы Лисиппа – найденный в Дельфах мраморный Агий (находится в музее Дельф); такая же подпись, что и под ним, обнаружена также в Фарсале, однако там статуи не найдено. В обеих надписях перечисляются многие победы Агия, предка фессалийского правителя Даоха, который и заказал статую, причем на надписи из Фарсала Лисипп указан как автор работы. Статуя, найденная в Дельфах, стилем напоминает Скопаса, на которого, в свою очередь, оказал влияние Поликлет. Поскольку сам Лисипп называл своим учителем Дорифора Поликлета (от угловатых пропорций которого он, однако, отказался), вполне возможно, что на него оказал влияние и его старший современник Скопас.. Скопас (греч. Σκόπας, Skopas); ок. 395 г. до н. э. — 350 г. до н. э.) — древнегреческий скульптор и архитектор эпохи поздней классики, представитель новоаттической школы. Один из первых мастеров греческой классики, отдавший предпочтение мрамору, практически отказавшись от применения бронзы, излюбленного материала предшествующих мастеров, в частности Мирона и Поликлета. Среди дошедших до нас произведений Скопаса самым значительным считается фриз мавзолея в Галикарнасе с изображением амазономахии (создан совместно с Бриаксисом, Леохаром и Тимофеем; фрагменты — в Британском музее). Многие работы Скопаса известны по римским копиям («Потос», «Молодой Геракл», «Мелеагр», «Менада»). Отказавшись от традиционного для греческой классики стиля, основанного на идее гармонии и спокойствия, Скопас ввел в изобразительное искусство тему душевных переживаний, борьбы страстей. Для этого он использовал динамическую композицию и новаторские выразительные приемы лепки портретов (глубоко посаженные глаза, морщины и т. п.).

35 Мирон (греч. Μύρων) — греческий скульптор середины V в. до н. э. из

Елевфер, на границе Аттики и Беотии. Скульптор эпохи, предшествовавшей непосредственно высшему расцвету греческого искусства (конец VI — начало V в.). Древние характеризуют его как величайшего реалиста и знатока анатомии, не умевшего, однако, придавать лицам жизнь и выражение. Он изображал богов, героев и животных, причём с особенной любовью воспроизводил трудные, скоропреходящие позы. Наиболее знаменитое его произведение «Дискобол», атлет, намеревающийся пустить диск, — статуя, дошедшая до нашего времени в нескольких копиях, из которых лучшая сделана из мрамора и находится во дворце Массими (итал. palazzo Massimi) в Риме. А у копии, находящейся в Британском музее, голова расположена неправильно.

Наряду с этой статуей древние писатели упоминают с похвалами об его изваянии Марсия, сгруппированного с Афиной. Об этой группе мы получаем понятие также по нескольким поздним её повторениям. Из изображений животных, исполненных Мироном, более других славилась «Тёлка », в похвалу которой писались десятки эпиграмм. За самыми незначительными исключениями, произведения Мирона были бронзовые.

Недавно найденный египетский папирус сообщает, что Мирон создал статуи атлета Тиманта, победителя Олимпиады в 456 г. до н. э., и Лициния, победителя в 448 и 444 гг. до н. э. Это помогло установить время жизни скульптора. Мирон был современником Фидия и Поликлета, учителем его считается Агелад.

В честь Мирона назван кратер на Меркурии.

36 Чимабуэ Джованни (Cimabue Giovanni) (1240 — 1302) — флорентийский художник, один из главных возродителей итальянской живописи после ее продолжительного средневекового застоя. Родился в 1240 г., умер в 1302 г. До его времени живопись в Италии оставалась застывшей в оковах византийского стиля, повторяла одни и те же исстари установившиеся типы изображений, соблюдала одни и те же условности в рисунке, колорите и технических приемах, пренебрегая наблюдением природы и не давая художникам возможности выказывать их индивидуальное чувство. В первых своих иконах Богоматери, из которых одна, бывшая во флорентийской церкви С.-Тринита, Ч. является еще вполне византийцем; но вскоре в его произведениях старинные, традиционные композиции и фигуры стали более оживленными, привлекательными и величественными, а краски более свежими, изящными и натуральными. Мадоннакапеллы Ручеллаи в церкви C.-Мариа-Новелла Богоматерь в этом образе представлена на золотом фоне, сидящей на роскошном троне с Младенцем-Христом на коленях; шесть коленопреклоненных ангелов помещены у трона, потри с каждой стороны, один над другим. Лик Мадонны еще византийского типа, с тонким и длинным носом, миндалевидными глазами, высокими бровями и маленьким ртом; но в этих чертах уже проглядывает выражение кротости и умиления. Лицо Младенца — такое же не детское, как на всех вообще иконах того времени; но в данном ему движении виден мотив, подмеченный художником в натуре. Общая композиция торжественна, не лишена изящества, а ангелы могут быть даже названы созданиями высокой красоты. Простые и светлые краски приближаются в телесных частях к естественным цветам, и вся техника живописи значительно лучше тогдашней византийской. Две другие замечательные Мадонны Ч. находятся в Луврском музее, в Париже, и в Лондонской национальной галерее: первая, происходящая из церкви С.-Франческо в Пизе, окружена рамой с медальонами, в которых написаны изображения 24-х святых; вторая, представляющая Богоматерь в полуфигуре, первоначально принадлежала флорентийской церкви С.-Кроче. "Положение в гроб", к сожалению, пострадавшие до такой степени, что содержание их едва различимо. В конце своей жизни Ч. занимался производством в апсиде Пизанского собора мозаики, изображающей Спасителя с предстоящими Ему Богоматерью и Иоанном Крестителем, но успел окончить только две из этих фигур: третья, фигура Пресвятой Девы, исполнена позже (в 1321 г.) пистойцем Вицинусом.

37. Мазаччо Гвиди (MasaccioGuidi) (1401-1428), Итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения, продолжил художественные искания Джотто. «В умении распределять свет и тени, в создании четкой пространственной композиции… Мазаччо намного превосходит Джотто. Кроме того, он первым в живописи изображает обнаженное тело и придает человеку героические черты, возвеличивая человека в его мощи и красоте», – пишет Л. Любимов. Мазаччо родился 21 декабря 1401 года в местечке Сан-Джованни-Вальдарно недалеко от Флоренции Самое раннее из сохранившегося творческого наследия Мазаччо – картина, написанная около 1424 года для церкви Сант-Амброджо, «Мадонна с младенцем и со св. Анной». Уже здесь он смело ставит те проблемы (композиция, перспектива, моделировка и пропорции человеческого тела), над решением которых будут работать художники на протяжении всего XV столетия. 19 февраля 1426 года в Пизе Мазаччо приступил к созданию за невысокую оплату большого алтарного полиптиха для капеллы, принадлежавшей нотариусу Джулиано ди Колино дель и Скарси в церкви пизанского монастыря Санта-Мария дель Кармине. Его части ныне рассеяны по музеям и собраниям разных стран мира. Основным трудом всей жизни художника были росписи капеллы Бранкаччи К бесспорным шедеврам Мазаччо принадлежит «Чудо со статиром», «Изгнание из рая», а также «Св. Петр, исцеляющий больных своей тенью» и «Св. Петр и св. Иоанн, раздающие милостыню» – фрески из капеллы Бранкаччи, их будут изучать и на них учиться Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело.

38. Джотто ди Бондоне (GiottodiBondone) (1266 или 1267–1337), итальянский живописец. Представитель Проторенессанса. Порвав со средневековыми канонами, внес в религиозные сцены земное начало, изображая евангельские легенды с небывалой жизненной убедительностью. Фрески капеллы дель Арена в Падуе (1305-1308) и церкви Санта-Кроче во Флоренции (ок. 1320-25) поражают внутренней силой и величием образов, тектоничностью композиции. Автор проекта колокольни собора во Флоренции. Согласно источникам 14 в. учился у Чимабуэ. Работал во Флоренции, Риме (ок. 1300), Падуе (ок. 1305-08), Неаполе (ок. 1328-33), Милане (ок. 1335-36) и других городах Италии. В 1327 вместе со своими учениками записался в цех флорентийских живописцев. В 1334 был назначен руководителем строительства флорентийского собора и его колокольни (кампанилы; к моменту его смерти был возведен ее первый ярус). Использовав ряд известных в его время приемов — угловые ракурсы, упрощенную, т. н. античную, перспективу, он сообщил сценическому пространству иллюзию глубины, ясность и четкость структуры. Одновременно он разработал приемы тональной светотеневой моделировки форм при помощи постепенного высветления основного, насыщенного красочного тона, что позволило придать формам почти скульптурную объемность и в то же время сохранить сияющую чистоту цвета, его декоративные функции.

39 Леона́рдо ди сер Пье́ро да Ви́нчи (итал. Leonardo di ser Piero da Vinci, 15 апреля 1452, село Анкиано, около городка Винчи, близ Флоренции — 2 мая 1519, замок Кло-Люсэ, близ Амбуаза, Турень, Франция) — великий итальянский художник (живописец, скульптор, архитектор) и учёный (анатом, математик^{[источник не указан 61 день]}, физик^{[источник не указан 61 день]}, естествоиспытатель), один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения, яркий пример «универсального человека» (лат. homo universalis) — идеала итальянского Ренессанса. Он опередил своё время на несколько веков. Явив собою идеал ренессансного «универсального человека», Леонардо осмысливался в последующей традиции как личность, наиболее ярко очертившая диапазон творческих исканий эпохи.Нашим современникам Леонардо в первую очередь известен как художник. Кроме того, не исключено, что Да Винчи мог быть и скульптором: исследователи из университета Перуджи — Джанкарло Джентилини и Карло Сиси — утверждают, что найденная ими в 1990 году терракотовая голова является единственной дошедшей до нас скульптурной работой Леонардо да Винчи^[11]. Однако сам Да Винчи в разные периоды своей жизни считал себя в первую очередь инженером или учёным. Он отдавал изобразительному искусству не очень много времени и работал достаточно медленно. Поэтому художественное наследие Леонардо количественно не велико, а ряд его работ утрачен или сильно повреждён. Однако его вклад в мировую художественную культуру является исключительно важным даже на фоне той когорты гениев, которую дало Итальянское Возрождение. Благодаря его работам искусство живописи перешло на качественно новый этап своего развития. Предшествующие Леонардо художники Ренессанса решительно отказывались от многих условностей средневекового искусства. Это было движения в сторону реализма и многое уже было достигнуто в изучении перспективы, анатомии, большей свободы в композиционных решениях. Но в плане живописности, работы с краской, художники были ещё достаточно условны и скованы. Линия на картине четко очерчивала предмет, и изображение имело вид раскрашенного рисунка. Наиболее условным был пейзаж, который играл второстепенную роль. Леонардо осознал и воплотил новую живописную технику. У него линия имеет право на размытость, потому что так мы её видим. Он осознал явления рассеяния света в воздухе и возникновения сфумато — дымки между зрителем и изображенным предметом, которое смягчает цветовые контрасты и линии. В итоге реализм в живописи перешёл на качественно новую ступень.Самая известная работа «Мона Лиза»

40 Боттичелли Сандро (прозвище Botticelli означает «бочонок»), итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения, представитель флорентийской школы. Сандро Боттичелли — один из самых ярких художников итальянского ренессанса Учился живописи у монаха Филиппо Липпи и перенял у него ту страстность в изображении трогательных мотивов, которою отличаются исторические картины Липпи. Оригинальная же черта собственного таланта его состоит в наклонности к фантастическому. Он один из первых внес в искусство своего времени античный миф и аллегорию, и с особенной любовью работал над мифологическими сюжетами, особенно эффектна его Венера, которая нагая плывет по морю в раковине, и боги ветров осыпают ее дождем из роз, и гонят раковину к берегу.

Лучшим творением Боттичелли считают начатую им в 1474 г. стенную живопись в Сикстинской капелле Ватикана. Боттичелли, говорят, был приверженцем Савонаролы. Согласно преданию, уже в старческом возрасте он сжёг свою юношескую картину на костре тщеславия. Несмотря на то, что позднее папа римский отлучил Савонаролу от церкви, Боттичелли больше не изображал обнажённую женскую натуру. «Рождение Венеры» стало последней такой картиной. Усердно изучал Данте; плодом этого изучения явились гравюры на меди, приложенные к вышедшему в свет во Флоренции в 1481 г. изданию дантова «Ада» (издание Магны).

Выполнил множество картин по заказам Медичи. В частности расписал знамя Джулиано Медичи, брата Лоренцо Великолепного. Боттичелли прославился своим тонким эстетическим вкусом и такими произведениями, как «Благовещение» (1489—1490), «Покинутая» (1495—1500) и т. д. В последние годы своей жизни он не писал картин, Сандро Боттичелли похоронен в фамильной гробнице в церкви Оньисанти.

41Тициан Вечеллио (1477—1576) — итальянский живописец эпохи Возрождения. Имя Тициана стоит в одном ряду с такими художниками Возрождения, как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль. Тициан писал картины на библейские и мифологические сюжеты, прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и римские папы, кардиналы, герцоги и князья.

. Его жизнеутверждающее искусство отличается многогранностью, широтой охвата действительности, раскрытием глубоких драматических конфликтов эпохи. Интерес к пейзажу, поэтичность, лирическая созерцательность, тонкий колорит роднят ранние работы Тициана (так называемая “Цыганская мадонна”, Музей истории искусств, Вена; “Христос и грешница”, Художественная галерея, Глазго) с творчеством Джорджоне; самостоятельный стиль художник начал вырабатывать к середине 1510-х годов, после знакомства с произведениями Рафаэля и Микеланджело. Спокойные и радостные образы его картин отмечены в этот период жизненным полнокровием, яркостью чувств, внутренней просветленностью, мажорный колорит построен на созвучии глубоких, чистых красок (“Любовь земная и небесная”, около 1514-1516, Галерея Боргезе, Рим; “Флора”, около 1515, Уффици; “Динарий кесаря”, 1518, Картинная галерея, Дрезден).

Тициану не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции. Тициан прожил долгую жизнь. До последних дней он не прекращал работать. Свою последнюю картину, «Оплакивание Христа», Тициан написал для собственного надгробия. Художник скончался от чумы в Венеции 27 августа 1576, заразившись от своего сына, ухаживая за ним.

42 Тинторе́тто (1518—1594) — живописец венецианской школы позднего Ренессанса. Своё прозвище Тинторетто он получил по профессии отца, бывшего красильщиком (tintore). Очень рано обнаружив необыкновенную способность к живописи, он поступил в ученики к Тициану и под его руководством делал столь быстрые успехи, что этот мастер, как гласит предание, не захотел держать его дольше у себя, предугадывая в нём опасного себе соперника. Наиболее замечательны картины Тинторетто, относящиеся к первой поре его деятельности: «Грехопадение Адама и Евы», «Убийство Авеля», «Поклонение золотому тельцу», «Страшный Суд». Ещё с большей яркостью, чем живопись масляными красками, выражают искусство Тинторетто его фресковые работы, дававшие его фантазии простор для развития обширных и сложных композиций и позволявшие ему пускать в полный ход свою смелую, широкую фактуру.

43 Пьеро́ де́лла Франче́ска (итал. Piero della Francesca); ок. 1420—1492 гг., итальянский художник и теоретик, представитель Раннего Возрождения. Пьеро (Пьетро) ди Бенедетто деи Франчески, известный более под именем Пьеро делла Франческа (по имени матери, «…ибо она осталась беременной им, когда его отец и её муж умер…»)^[1] Произведения отличают величественная торжественность, благородство и гармония образов, обобщённость форм, композиционная уравновешенность, пропорциональность, точность перспективных построений, исполненная света мягкая нарядная красочная гамма.

По словам Вазари, он был приглашён папой Николаем V в Рим для работ в Ватикане, затем, в 1451 г., поступил на службу к герцогу Сиджизмондо Малатеста, в Римини, где написал, между прочим, в церкви Сан-Франческо замечательный по благородной простоте композиции и по точности рисунка образ Святого Сигизмунда («Св. Сигизмунд с Сиджизмондо Малатеста»), в котором особенно хороши портрет заказчика (герцога) и архитектурное окружение. Около этого же времени исполнены им фрески в церкви св. Франциска в Ареццо, изображающие легенду об обретении Креста Господня, 1452—1465 гг. в главной капелле базилики. Этот цикл, вдохновлённый «Золотой легендой», стал не только самым значительным произведением художника, но и одним из шедевров живописи эпохи Ренессанса. (См. Базилика Сан-Франческо в Ареццо).

Работая в своём родном городе, он написал масляными красками образ «Матерь Милосердия, с предстоящими ей святыми» и пределлу к нему со сценами Страстей Господних, для местного общества Делла Мизерикордиа, и фреску «Воскресение Христово» в Палаццо Коммунале.

• 1458 г. «Воскресение Христа» в Палаццо Коммунале, Борго-Сан-Сеполькро. На этой фреске «…Христос кажется непрерывно поднимающимся из гроба и словно бы на глазах вырастающим до сверхчеловеческой величины.»^[2]

• В 1469 г. он был призван ко двору герцога Федерико в Урбино, где, по заказу этого государя, исполнил картину «Бичевание» в ризнице урбинского собора (в Урбинской галерее).

Одна из самых загадочных картин Пьеро, напоминающая диптих по своей композиции, где в левой части сцена бичевания, а в правой трое беседующих мужчин. Существует три версии возможного сюжета, изображенного на картине. Самая распространенная версия, убеждает что перед нами бичевание Иисуса Христа перед Пилатом (во многих источниках эта картина упоминается именно как «Бичевание Христа», «Бичевание Спасителя»), согласно другой версии это Св. Мартин, папа римский VII в., (Рим в то время входил в состав Византийской империи), который был вызван в Константинополь на суд, осуждён и впоследствии принял мученическую смерть. По третьей версии это сон Бл. Иеронима. «Иерониму однажды приснилось, что он подвергся бичеванию за чтение язычника Цицерона… три фигуры на заднем плане – два человека и ангел с босыми ногами – «обсуждают отношение между классической и патристической литературой, как это отразилось в истории сна Иеронима». ^[3]

• после 1472 г. Портрет герцога Федерико Монтефельтро и герцогини Баттисты Сфорца, его супруги.

• ок.1472 — 1474 гг. Алтарь Монтефельтро (Мадонна со святыми и герцогом Урбинским), написан также по заказу Федериго да Монтефельтро, реквием в честь умершей жены, находится в пинакотеке Брера, Милан.

Считается, что Федерико заказал эту роспись в честь рождения наследника престола Гвидубальдо, за которой вскоре последовала смерть его супруги Баттисты Сфорца (в 1472 г.) и этим алтарным образом, хотел обеспечить протекцию всему своему роду. Реставрация и недавние исследования показали, что первоначальный размер картины был уменьшен, а художник намеревался включить в композицию больше архитектуры и пространства, сделав её более воздушной. В центре Мадонна на троне со спящим Иисусом, далее слева направо: Иоанн Креститель, Св. Бернардин, Св. Иероним (в образе монаха-отшельника, бьющий себя камнем в грудь), Св. Франциск (показывающий стигматы), Св. Пётр Мученик (с раной на голове) и Иоанн Богослов. Позади них архангелы, а впереди коленопреклоненный сам Федерико да Монтефельтро. Сейчас уже трудно разгадать все возможные аллегории в этой картине, такие как страусиное яйцо, символизирующее непорочное зачатие, новую жизнь, является и эмблемой рода Монтефельтро, спящий Иисус на руках Мадонны одновременно и символ материнства и символ смерти, что ещё больше подтверждает возможный траурный оттенок этой работы.

44 Рафаэ́ль Са́нти (итал. Raffaello Santi, Raffaello Sanzio, 24 марта 1483 — 1520) — итальянский живописец, график и архитектор, представитель флорентийской школы. Яркий представитель Высокого Возрождения, с классической ясностью и возвышенной одухотворенностью воплотивший жизнеутверждающие идеалы эпохи. Все его картины кажутся легкими и воздушными.Ранние произведения ("Мадонна Конестабиле", ок. 1502-1503) проникнуты изяществом, мягким лиризмом. Земное бытие человека, гармонию духовных и физических сил прославил в росписях станц (комнат) Ватикана (1509 — 1517 года), достигнув безупречного чувства меры, ритма, пропорций, благозвучия колорита, единства фигур и величественных архитектурных фонов.Многочисленные изображения Богоматери ("Сикстинская мадонна", ок. 1513), художественные ансамбли в росписях виллы Фарнезина (1514 — 1518 года) и лоджиях Ватикана (1519, с учениками). В портретах создан идеальный образ человека Возрождения ("Б. Кастильоне", 1514 — 1515).

Проектировал собор св. Петра, строил капеллу Киджи церкви Санта-Мария дель Пополо (1512 — 1520 года) в Риме.Основные работыДиспута,Афинская школа,Мадонна в кресле,Сикстинская Мадонна, 1513, Галерея старых мастеров, Дрезден.,Портрет Бальдассаре Кастильоне,Фрески «Парнас» и «Афинская школа», Ватикан,Месса в Больсене,Мадонна с младенцем и Иоанном Крестителем,Капелла Киджи, Рим,Триумф Галатеи,Положение во гроб,Афинская школа. Фреска,Портрет папы Льва Х,Обручение Марии,Три грации

Разносторонне одаренный художник, архитектор и скульптор, Рафаэль считался по праву также выдающимся рисовальщиком в итальянском искусстве. Первоначальное обучение он прошел у своего отца, Джованни Санти. В дальнейшем учился у Перуджино, от которого воспринял умение передать состояние духовной просветленности человека, поиски идеального начала в женском образе. Позже во Флоренции, соприкоснувшись с творениями Микеланджело и Леонардо, Рафаэль учился у них анатомически правильному изображению человеческого тела. В 25 лет художник попадает в Рим, и с этого момента начинается период наивысшего расцвета его творчества: он выполняет монументальные росписи в Ватиканском дворце (1509—1511), среди которых безусловный шедевр мастера — фреска «Афинская школа», пишет алтарные композиции и станковые картины, отличающиеся гармоничностью замысла и исполнения, работает как архитектор (некоторое время Рафаэль даже руководит строительством собора св. Петра). В неустанных поисках своего идеала, воплощающийся для художника в образе Мадонны, он создает самое совершенное свое творение — «Сикстинскую Мадонну» (1513), символ материнства и самоотречения.

45 МИКЕЛАНДЖЕЛО Буонарроти (Michelangelo Buonarroti) (1475-1564), итальянский скульптор, живописец, архитектор, поэт. С наибольшей силой выразил глубоко человечные, полные героического пафоса идеалы Высокого Возрождения, а также трагическое ощущение кризиса гуманистического миропонимания в период Позднего Возрождения. Монументальность, пластичность и драматизм образов, преклонение перед человеческой красотой проявились уже в ранних произведениях («Оплакивание Христа», ок. 1497-98; «Давид», 1501-04; картон «Битва при Кашине», 1504-06). Роспись свода Сикстинской капеллы в Ватикане (1508-12), статуя «Моисей» (1515-16) утверждают физическую и духовную красоту человека, его безграничные творческие возможности. Трагические ноты, вызванные кризисом ренессансных идеалов, звучат в ансамбле Новой сакристии церкви Сан-Лоренцо во Флоренции (1520-34), во фреске «Страшный суд» (1536-41) на алтарной стене Сикстинской капеллы, в поздних вариантах «Оплакивания Христа» (ок. 1550-55) и др. В архитектуре Микеланджело господствуют пластическое начало, динамический контраст масс (библиотека Лауренциана во Флоренции, 1523-34). С 1546 руководил строительством собора св. Петра, созданием ансамбля Капитолия в Риме. Поэзия Микеланджело отличается глубиной мысли и высоким трагизмом.

46 Микела́нджело да Карава́джо (итал. Michelangelo Merisi de Caravaggio; настоящее имя Микеланджело Меризи Караваджо) 28 сентября 1573^[1] Милан — 18 июля 1610 Гроссето, Тоскана) — итальянский художник, реформатор европейской живописи XVII в., один из крупнейших мастеров барокко.

Драматическая жизнь Караваджо, полная приключений, соответствовала бунтарскому духу его творческой натуры. Уже в первых выполненных в Риме работах: «Маленький больной Вакх» (ок. 1591, Рим, галерея Боргезе), «Мальчик с фруктами» (ок. 1593, там же), «Вакх» (ок. 1593, Уффици), «Гадание» (ок. 1594, Лувр), «Лютнист» (ок. 1595, Эрмитаж), он выступает как смелый новатор, он бросил вызов главным художественным направлениям той эпохи — маньеризму и академизму, противопоставив им суровый реализм и демократизм своего искусства. Герой Караваджо — человек из уличной толпы, — римский мальчишка или юноша, наделённый грубоватой чувственной красотой и естественностью бездумно-жизнерадостного бытия; герой Караваджо предстает то в роли уличного торговца, музыканта, простодушного щёголя, внимающего лукавой цыганке, то в облике и с атрибутами античного бога Вакха.

Эти жанровые по своей сути персонажи, залитые ярким светом, вплотную придвинуты к зрителю, изображены с подчеркнутой монументальностью и пластической ощутимостью.

Не чуждаясь нарочито натуралистических эффектов, особенно в сценах насилия и жестокости («Жертвоприношение Исаака», ок. 1603, Уффици; «Юдифь и Олоферн», ок. 1596, собрание Коппи (сейчас выставляется в Палаццо Барберини), Рим), Караваджо в ряде других картин того же периода находит более глубокую и поэтически значительную трактовку образов («Отдых на пути в Египет», ок. 1595 и «Кающаяся Мария Магдалина», ок. 1596, галерея Дория-Памфили, Рим).Период творческой зрелости (конец XVI — первое десятилетие XVII вв.) открывает цикл монументальных полотен, посвященных св. Матфею (1599—1602, церковь Сан-Луиджи-деи-Франчези, капелла Контарелли, Рим). В первом и самом значительном из них — «Призвание апостола Матфея», — перенеся действие евангельской легенды в полуподвальное помещение с голыми стенами и деревянным столом, сделав его участниками людей из уличной толпы, Караваджо в то же время выстроил эмоционально сильную драматургию великого события — вторжения света Истины в самые низы жизни. «Погребной свет», проникающий в темное помещение вслед за вошедшими туда Христом и св. Петром, высвечивает фигуры собравшихся вокруг стола людей и одновременно подчеркивает чудесный характер явления Христа и св. Петра, его реальность и одновременно ирреальность, выхватывая из темноты лишь часть профиля Иисуса, тонкую кисть его протянутой руки, жёлтый плащ св. Петра, в то время как фигуры их смутно проступают из тени.

Во второй картине этого цикла — «Мученичество св. Матфея» — возобладало стремление к более бравурному и эффектному решению. Третья картина — «Св. Матфей и ангел» (впоследствии находилась в берлинском Музее императора Фридриха и погибла во время Второй мировой войны) — была отвергнута заказчиками, шокированными грубым, простонародным обликом апостола. В алтарных картинах «Мученичество св. Петра» и «Обращение Савла» (1600—1601, Санта-Мария-дель-Пополо, капелла Черази, Рим) Караваджо находит баланс между драматической патетикой и вызывающими натуралистическими деталями. Ещё более органично соединяет он подчеркнуто плебейский облик персонажей и глубину драматического пафоса в скорбно-торжественных алтарных картинах «Положение во гроб» (1602—1604, Ватиканская пинакотека) и «Успение Марии» (1605—1606, Лувр), вызвавших восхищение молодых художников, в том числе Рубенса (по его настоянию «Успение Марии», отвергнутое заказчиками, было куплено герцогом Мантуи).

Патетические интонации свойственны и выполненному в изгнании алтарю «Семь дел милосердия» (1607, Монте делла Мизерикордия, Неаполь), написанному с огромной живописной энергией. В последних работах — «Казнь Иоанна Крестителя» (1608, Ла Валетта, собор), «Погребение св. Лючии» (1608, Санта Лючия, Сиракузы), «Поклонение пастухов» (1609, Национальный музей, Мессина) доминирует необъятное ночное пространство, на фоне которого смутно проступают очертания строений и фигуры действующих лиц. Искусство Караваджо оказало огромное влияние на творчество не только многих итальянских, но и ведущих западноевропейских мастеров XVII века — Рубенса, Йорданса, Жоржа де Латура, Сурбарана, Веласкеса, Рембрандта. Караваджисты появились в Испании (Хосе Рибера), Франции (Трофим Биго), Фландрии и Нидерландах (Геррит ван Хонтхорст, Хендрик Тербрюгген,

Юдит Лейстер) и других странах Европы, не говоря о самой Италии (Орацио Джентилески, его дочь Артемизия Джентилески).

47 Рембрандта Харменса ван Рейна (1606—1669) Художник поднял изобразительное искусство на новую ступень, обогатив его небывалой жизненностью и пси­хологической глубиной. Рембрандт создал новый живописный язык, в котором главную роль играли тонко разработанные приемы светотени и насыщенный, эмоционально напряженный колорит. Духовная жизнь человека стала отныне доступной изображению средствами реалисти­ческого искусства. Рембрандт выступил новатором во многих жанрах. Как портре­тист, он явился создателем своеобразного жанра портрета-биографии, где долгая жизнь человека и его внутренний мир раскрывались во всей своей сложности и противоречивости. Как исторический жи­вописец, он претворил далекие античные и библейские легенды в со­гретый высоким гуманизмом рассказ о реальных земных человеческих

чувствах и отношениях. Середина 1630-х годов — время наибольшей близости Рембрандта к

общеевропейскому стилю барокко, пышному и шумному, насыщен­ному театральным пафосом и бурным движением, контрастами света и тени, противоречивым соседством натуралистических и декоратив­ных моментов, чувственности и жестокости. В барочный период написано «Снятие с креста» (1634). Картина иллюстрирует евангельскую легенду о том, как Иосиф Аримафейский, Никодим и

Другие ученики и близкие Христа, получив разрешение Пилата, сняли ночью тело Христа, завернули его в бога­тую плащаницу и похоронили.

Другим важным достижением этой картины явилось использование света для достижения цельности многофигурной композиции. Три главных момента легенды — снятие с креста, обморок Марии и расстилание плащаницы — освещены тремя различными источниками света, ин­тенсивность которых убывает сообразно с уменьшением значения сцены. Начало нового периода в жизни и творческой деятельности масте­ра было отмечено двумя важными событиями, которые произошли в 1642 году: безвременной смертью Саскии, горячо любимой жены, оставившей ему годовалого сына, и созданием картины «Ночной до­зор»— большого группового портрета амстердамских стрелков, самого знаменитого произведения мастера. Семейная трагедия и завершение ответственного заказа поставили Рембрандта перед сложными проблемами личной и творческой жизни. Художник выходит из этого кризиса возмужавшим и умудренным. Его искусство становится серьезнее,собраннее и глубже, а главное, в нем все явственней проступает интерес к внутренней жизни человека, к тому, что творится в его душе. В тесной связи с эволюцией творчества Рембрандта в 1640-е годы следует рассматривать и одно из главнейших произведений худож­ника — «Даная». На создание обра­за Данаи Рембрандта вдохновила его первая любовь — Саския. Но через десять лет, как по­казали новейшие исследования, художник,неудовлетворенный перво­начальным решением, существенно перерабатывает образ

главной ге­роини. Моделью для окончательного варианта картины послужила ему, по-видимому, Гертье Диркс, молодая вдова.Творчество Рембрандта 1650-х годов отмечено прежде всего дости­жениями в области портрета. Внешне портреты этого периода отли­чаются, как правило, большим размером, монументальными формами. спокойными позами. Модели обычно сидят в глубоких креслах, поло­жив на колени руки и повернувшись прямо к

зрителю. Светом выде­лены лицо и кисти рук. Это всегда пожилые, умудренные долгим жиз­ненным опытом люди — старики и старухи с печатью невеселых дум па лицах и нелегкого труда на руках. Подобные модели давали худож­нику блестящие возможности показать не только внешние приметы преклонного возраста, но и духовный облик человека. В собрании Эр­митажа эти работы хорошо представлены незаказными портретами:«Старик в красном», «Портрет тарушки» и «Портрет старика еврея.К середине 1660-х годов Рембрандт завершает свое самое проник­новенное произведение — «Возвращение блудного сына». Его можно рассматривать как завещание Рембрандта-человека и Рембрандта-художника. Именно здесь идея всепрощающей любви к человеку, к униженным и страждущим — идея, которой Рембрандт служил всю свою жизнь,— находит наивысшее, совершеннейшее воплощение. И именно в этом произведении мы встречаемся со всем богатством и разнообразием

живописных и технических приемов, которые вырабо­тал

48 Иеро́ним Босх (около 1450—1516) — нидерландский художник, один из крупнейших мастеров Северного Возрождения, считается одним из самых загадочных живописцев в истории западного искусства. В родном городе Босха Хертогенбосе открыт центр творчества Босха, в котором представлены копии его произведений. Искусство Босха всегда обладало громадной притягательной силой. Прежде считалось, что «чертовщина» на картинах Босха призвана всего лишь забавлять зрителей, щекотать им нервы, подобно тем гротескным фигурам, которые мастера итальянского Возрождения вплетали в свои орнаменты. Современные учёные пришли к выводу, что в творчестве Босха заключён куда более глубокий смысл, и предприняли множество попыток объяснить его значение, найти его истоки, дать ему толкование. Одни считают Босха кем-то вроде сюрреалиста XV века, извлекавшего свои невиданные образы из глубин подсознания, и, называя его имя, неизменно вспоминают Сальвадора Дали. Другие полагают, что искусство Босха отражает средневековые «эзотерические дисциплины» — алхимию, астрологию, чёрную магию. Третьи стараются связать художника с различными религиозными ересями, существовавшими в ту эпоху. Его техника называется "а ля прима". Это метод масляной живописи, при котором первые мазки создают окончательную фактуру. На основании результатов современных исследований творчества Босха искусствоведы относят к сохранившемуся наследию Иеронима Босха 25 картин и 8 рисунков.Картины — это триптихи, фрагменты триптихов и отдельные, самостоятельные картины. Лишь 7 творений Босха подписаны. История не сохранила оригинальных названий картин, которые дал своим творениям Босх. Известные нам названия закрепились за картинами по каталогам. Исследователи до сих пор не могут уверенно говорить о творческой эволюции и хронологии произведений Босха, так как ни на одном из них нет даты, а формальное развитие творческого метода не представляет собой поступательного движения, и подчинено собственной логике, предполагающей приливы и отливы.

Основные работы: Извлечение камня глупости. 1475-1480. Семь смертных грехов. 1475-1480. Распятие с донатором. 1480-1485. Несение креста. 1490-1500. Св. Иоанн Креститель в пустыне. 1504-1505. Св.Христофор. 1504-1505. Св. Иероним за молитвой. ок. 1505. Увенчание терновым венцом. 1508-1509. Увенчание терновым венцом. ок. 1510. Блудный сын. ок. 1510.

49.Питер Пауль Ру́бенс (28 июня 1577— 30 мая 1640) — плодовитый фламандский живописец, как никто другой воплотивший подвижность, безудержную жизненность и чувственность европейской живописи эпохи барокко. Творчество Рубенса — органичный сплав традиций брейгелевского реализма с достижениями венецианской школы. Хотя на всю Европу гремела слава его масштабных работ на мифологические и религиозные темы, Рубенс был также виртуозным мастером портрета и пейзажа.Многочисленность подписанных Рубенсом работ свидетельствует о том, насколько большую помощь художнику оказывали его ученики, среди которых — такие виртуозы, как Якоб Йорданс и Франс Снейдерс. В 1620-е гг. произведения мастерской Рубенса наводнили не только Испанские Нидерланды, но и всю Европу. Зачастую он представлял клиентам миниатюрный гризайльный эскиз будущего холста и, получив их одобрение, доверял его исполнение подмастерьям. Рубенс никогда не стеснялся подражать тем из предшественников, которые восхищали его, и особенно Тициану с Брейгелем. Первое десятилетие его творчества представляет картину трудолюбивого и методичного освоения достижений художников XVI века. Благодаря такому подходу он освоил все жанры ренессансной живописи и стал самым универсальным художником своего времени. Композиционные решения Рубенса отличаются исключительным разнообразием (диагональ, эллипс, спираль), богатство его красок и жестов никогда не перестаёт удивлять. Вполне соответствуют этой жизненности и грузные женские формы, так называемые «рубенсовские», которые могут оттолкнуть современного зрителя своей несколько тяжеловесной телесностью.В 1610-е гг. Рубенс разрабатывает новые для фламандской живописи формы, в частности, жанр охотничьих сцен, которые проникнуты страстной динамикой зрелого барокко («Охота на крокодила и гиппопотама»). В этих работах вихрь композиционного движения сносит ограничения, традиционно налагаемые на художников линией и формой. Рубенсовские мазки поражают смелостью и свободой. Его непревзойдённое искусство владения кистью очевидно и в многометровых композициях 1620-х годов, и в точных, лёгких, подвижных мазках небольших работ последнего периода. Портреты:Автопортрет с Изабеллой Брант, 1609; Дочь Клара, 1618 ,Елена Фурман («Шубка», ок. 1638) Основные работы: «Похищение Ганимеда», 1611 «Четыре философа», 1611—12., «Коронация Марии Медичи», 1625 «Охота на гиппопотама», 1618 «Сад любви», 1632 «Самсон и Далила», 1609

50 Веласкес Диего (1599–1660), великий испанский живописец, оставил яркий след в истории мирового изобразительного искусства. Успех сопутствовал художнику на протяжении всей жизни. Он приобрел известность еще в юности. Совсем молодым человеком (ему не было еще 25 лет) Веласкес оказался при дворе испанского короля Филиппа ІV должности придворного живописца, которую отправлял до конца своих дней. Король благоволил мастеру, доверяя ему, помимо собственно живописной работы, и исполнение массы других - в том числе и дипломатических - поручений. Это не помешало Веласкесу создать целый ряд выдающихся портретов, на которых он запечатлел королевскийх особ и знатных аристократов, а также печальных шутов и уродцев, развлекавших в те времена сильных мира сего. Во время своего второго визита в Италию художник написал портрет папы римского, за что был буквально обсыпан наградами. Не будет преувеличением сказать, что портреты кисти Веласкеса стали визитной карточкой целой эпохи. В творческом наследии мастера мы обнаружим множество знаменитых картин, отличающихся смелостью реалистических наблюдений, психологической точностью, обостренным чувством гармонии и насыщенностью колорита. Первым среди испанских художников Веласкес был посвящен в рыцари, что явилось знаком признания его заслуг перед родиной и искусством. Ранние полотна севильского периода в основном были созданы в жанре бодегонов (исп. bodegon — трактир). В основном это были натюрморты, кухонные сцены, трактирные зарисовки. («Завтрак», около 1617—1618; «Старая кухарка», около 1620; «Завтрак двух юношей», «Водонос», около 1621). В похожем стиле написаны и несколько религиозных картин этого же периода — «Поклонение пастырей», «Поклонение волхвов» (1619); «Христос в доме Марфы и Марии» (около 1620).

Прежде всего в них ощущается внимательное изучение молодым Веласкесом караваджистского искусства, многие образцы из которого были доступны в Севилье. А также долгое пребывание в мастерской Пачеко: работа с натуры, тщательность рисунка, точность сходства с моделью.

Придворный живописец

В мадридский период мастерство художника совершенствуется. Он обращается к редким для испанской живописи античным сюжетам («Триумф Вакха, или Пьяницы», 1628—1629, «Кузница Вулкана», 1630), а также историческим — «Сдача Бреды» (1634).

Портреты, созданные Веласкесом в 1630—1640 годах, принесли ему заслуженную славу мастера этого жанра. Хотя в портретах Веласкеса обычно отсутствуют жесты и движение, они необычайно реалистичны и естественны. Фон подобран так, чтобы максимально оттенять фигуру, цветовая гамма строгая, но оживляется тщательно подобраными сочетаниями цветов. Веласкесу удавалось в портрете передать характер человека, показать противоречивость черт его характера.

Наиболее известны портреты дона Хуана Матеоса (1632), генерала Оливареса (1633), конный портрет короля Филиппа III (1635), папы Иннокентия X (1648).

Портретам позднего периода творчества Веласкеса в большой степени свойственен артистизм и психологическая завершённость (инфанта Мария Тереза, 1651; Филипп IV, 1655—1656; инфанта Маргарита Австрийская, около 1660).

51.ЭЛЬ ГРЕКО (El Greco) (ок. 1541–1614), испанский художник греческого происхождения, родился на острове Крит, находившемся в то время под властью Венеции; его настоящее имя – Доменико Теотокопули. Учился у иконописцев на Крите, а ок. 1565 переехал в Венецию. Здесь он учился у Тициана и художника-миниатюриста Джулио Кловио. На его творчество оказали влияние произведения Микеланджело, а также Тинторетто, Веронезе и других, менее значительных венецианских мастеров. В Риме в 1570 он поступил на службу к кардиналу Фарнезе. В 1576, привлеченный известием о строительстве Эскориала, Эль Греко предпринял путешествие в Испанию. Однако испанскому королю пришлась не по вкусу новизна и необычность искусства Эль Греко, и художник отправился в Толедо, где прожил с 1577 вплоть до самой смерти 7 апреля 1614.

Оказавшись сначала в орбите влияния Тициана и Микеланджело, а затем вступив на путь маньеризма, Эль Греко стал провозвестником искусства барокко. Стремление выйти за пределы обыденного человеческого опыта роднит его с испанскими мистиками – поэтом Хуаном де ла Крусом, св. Терезой и св. Игнатием Лойолой. Именно поэтому Испания стала благодатной почвой для творчества Эль Греко, которое, в свою очередь, было с готовностью усвоено испанским искусством. Со временем научные знания и занятия математикой стали приобретать все большее значение в его творчестве. Это помогает датировать поздние работы мастера. Параболы, гиперболы и эллипсы, направленные вовне и уходящие в глубину бесконечного иллюзорного пространства его картин, служат символическим обозначением связи земного мира с потусторонним. Последние произведения мастера – вершина его творческих поисков. Удлиненные фигуры изгибаются и мерцают подобно языкам пламени, свободные от земного притяжения; в этих образах Эль Греко сумел выразить идею духовного растворения человека в Боге. Сюжеты его произведений, проникнутых глубоким религиозным чувством, варьировались мало, но оттенки их интерпретации менялись вместе с изменением стиля мастера.

Крупнейшие работы Эль Греко: образы для алтаря церкви Санто Доминго эль Антигуо (1577–1579, Толедо); Мученичество св. Маврикия (1580–1582, Эскориал); Похороны графа Оргаса (1586–1588, церковь Санто Томе, Толедо); образы для главного алтаря церкви коллегии Марии Арагонской в Мадриде (1596–1600); главный алтарь госпиталя Каридад в Ильескасе (1603–1604); Распятие (1596, Прадо); Воскресение (1608–1610, Прадо); Портрет инквизитора Ниньо де Гевара (ок. 1600, Нью-Йорк, музей Метрополитен) и Вид Толедо (ок. 1610, там же).

52. А́льбрехт Дю́рер(21 мая 1471 — 6 апреля 1528) — немецкий живописец и график, признан крупнейшим европейским мастером ксилографии и одним из величайших мастеров западноевропейского искусства Ренессанса. Дюрер родился в Нюрнберге, в семье ювелира, приехавшего в этот немецкий город из Венгрии в середине XV века. Его отец, Альберехт Дюрер-старший, был золотых дел мастер. Поначалу отец старался увлечь сына ювелирным делом, но обнаружил у сына талант художника. В возрасте 15 лет Альбрехт был направлен учиться в мастерскую ведущего нюрнбергского художника того времени Михаэля Вольгемута. Там Дюрер освоил не только живопись, но и гравирование по дереву и меди.. В 1495 Дюрер снова возвращается в родной город и в течение последующих десяти лет создаёт значительную часть своих гравюр, ставших сейчас знаменитыми.В 1520 художник предпринимает путешествие в Нидерланды, где становится жертвой неизвестной болезни, мучившей его затем до конца жизни. В 1515 году Дюрер выполнил три знаменитые гравюры на дереве, с изображением карт южного и северного полушарий звёздного неба и восточного полушария Земли. Карта звёздного неба Дюрера, которая стала первой в истории отпечатанной типографским способом, была подготовлена, вероятно, к 1512 году. Набросок карты с градусной сеткой, по-видимому, сделал Стабий. По этим данным, по свидетельству Иоганна Доппельмайра, Хейнфогель «прилежно изготовил на плоскости» расположение звёзд, «привлекая применявшийся еще в то время каталог неподвижных звезд Птолемея, которое затем Альбрехт Дюрер снабдил надлежащими фигурами… и для пользы любителей астрономии представил в гравюре на дереве вверху На географической карте Дюрера, также выполненной в сотрудничестве с И. Стабием и К. Хейнфогелем, изображён «Старый Свет» — Европа, Азия и Африка, то есть те же области, которые были картографированы Птолемеем. Сам Дюрер также принимал участие в многолетней подготовке издания Географии Птолемея на латинском языке, которую вёл В. Пиркгеймер. В географической карте Стабия-Хейнфогеля-Дюрера для передачи шарообразности Земли была применена перспективная проекция с точкой зрения, находящейся вне глобуса на расстоянии утроенного диаметра, из которой точки земной поверхности спроектированы на плоскость чертежа. Разработкой методов проектирования. Дюрер интересовался уже как художник. Карта является, кроме того, и несомненным образцом искусства гравюры. По краям карты приведены мастерские изображения нескольких дующих на Землю ветров Скончался Альбрехт Дюрер 6 апреля 1528 года у себя на родине в Нюрнберге.

53. 57Ян ван Эйк (1385 или 1390—1441) — фламандский живописец раннего Возрождения, мастер портрета, автор более 100 композиций на религиозные сюжеты, один из первых художников, освоивших технику живописи масляными красками.

Родился в Северных Нидерландах. Учился у старшего брата Хуберта, с которым работал до 1426 г. Начал свою деятельность в Гааге при дворе голландских графов. С 1425 г. он — художник и придворный герцога Бургундского Филиппа III Доброго, который ценил его как художника и щедро оплачивал его работы. В 1427—1428 гг. в составе герцогского посольства Ян ван Эйк отправился в Испанию, затем в Португалию. В 1427 г. посетил Турне, где был принят с почётом местной гильдией художников. Вероятно, встречался с Робером Кампеном, либо видел его работы. Работал в Лилле и Генте, в 1431 г. приобрёл дом в Брюгге и прожил там до самой смерти.Ван Эйка считают изобретателем масляных красок, хотя на самом деле он лишь усовершенствовал их. Но именно после него масло получило всеобщее признание, масляная техника стала традиционной для Нидерландов; в XV в. пришла в Германию и во Францию, оттуда — в Италию.Самое крупное и знаменитое произведение ван Эйка — Гентский алтарь, созданный, возможно, совместно с братом Хубертом. Ян ван Эйк выполнил его по заказу богатого гентского бюргера Йодока Вейдта для его семейной капеллы в 1422—1432 гг. Это грандиозный многоярусный полиптих из 26 картин с изображением 258 человеческих фигур.

Среди шедевров Яна ван Эйка «Мадонна канцлера Ролена», а также портрет купца, представителя банкирского дома Медичи, Джованни Арнольфини с женой — так называемый «Портрет четы Арнольфини». Ян ван Эйк умер в Брюгге в июле 1441 г. (дата похорон — 9 июля 1441).

Имел несколько учеников, в числе них — Петрус Кристус.Его работы: «Богоматерь канцлера Ролена»,

«Богоматерь каноника ван дер Пале», «Богоматерь в церкви».Портрет Молодого Мужчины, «Портрет человека в красном тюрбане», портрет Маргареты ван Эйк, жены художника; Портрет Ювелира, Святой Иоанн Евангелист (1432), Мадонна с Читающим Ребенком (1433), Портрет Николло Альбергати (ок. 1435), Портрет Мужчины с Гвоздикой (ок. 1435). 

54 Николя́ Пуссе́н (1594 — 19 ноября 1665)— основатель французского классицизма, знаменитый французский исторический живописец и пейзажист.

Родился в Нормандии, первоначальное художественное образование получил на своей родине, а потом учился в Париже, под руководством Кентена Варена и Ж. Лаллемана.Его покровители в лице кардинала Франческо Барберини и кавалера Кассиано дель-Поццо, для которого были написаны им «Семь таинств». Благодаря серии этих превосходных картин, Пуссен в 1639 г. был приглашён кардиналом Ришельё в Париж, для украшения Луврской галереи.

Людовик XIII возвёл его в звание своего первого живописца. В Париже Пуссен имел много заказов, но в 1642 г., Пуссен покинул Париж и вернулся в Рим, где и жил до самой своей смерти.

Пуссен был особенно силен в пейзаже. Воспользовавшись результатами, достигнутыми в этом роде живописи болонской школой и проживавшими в Италии нидерландцами, он создал так называемый «героический пейзаж», который, будучи компонован сообразно правилам уравновешенного распределения масс, при своих приятных и величественных формах служил у него сценой для изображения идиллического золотого века. Пейзажи Пуссена проникнуты серьёзным, меланхолическим настроением. В изображении фигур он держался антиков, через что определил дальнейший путь, по какому пошла после него французская школа живописи. Как исторический живописец, Пуссен обладал глубоким знанием рисунка и даром композиции. В рисунке он отличается строгой выдержанностью стиля и правильностью. Ему принадлежит та заслуга, что благодаря любви к классицизму, которую он умел внушить своим соотечественникам, на некоторое время был приостановлен развившийся у французских художников вкус к вычурному и манерному. К лучшим историческим картинам Пуссена, из которых большая часть хранится в Луврском музее, в Париже, должны быть отнесены:

«Всемирный потоп», «Смерть Германика», «Взятие Иерусалима», «Тайная вечеря», «Ревекка», «Жена-блудница», «Моисей младенец», «Поклонение золотому тельцу», «Иоанн Креститель, крестящий в пустыне» и «Аркадские пастухи».