1. 4 Оптический стиль

OPtical ART – художественное течение, использующее различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. Оп – арт ещё называют разновидностью кинетического искусства. В визуальных композициях создается иллюзия движения неподвижного художественного объекта путем психофизиологического воздействия на зрителей. Создается иллюзия «ожившего пространства», плоскостное восприятие мира нарушается.

Как уже было сказано ранее, первые опыты влияния изображения на человеческое зрение проводились еще в конце 20 века. Но в тот период они несли только научный характер. Впервые произведения оп-арта появились лишь в 50 – е годы 20 века. Основы для этого искусства можно увидеть и в кубизме (обязательным условием для верного восприятия произведения – тесный контакт со зрителем, использование различны материалов для создания композиций), и в конструктивизме, и в минимализме (композиции плоских геометрических фигур). Поэтому оп – арт по праву считают наследником основных авангардных течений XX века. [25]

Рисунок 26 «Абстрактные геометрические орнаменты»

Оптическое искусство  – искусство зрительных иллюзий, опирающееся на особенности визуального восприятия плоских и пространственных фигур. Оптическая иллюзия изначально присутствует в нашем зрительном восприятии: изображение существует не только на холсте, но в действительности и в глазах, и в мозге зрителя.

Рисунок 27 «Пространственные оптические иллюзии»

Задача оп – арта  обмануть глаз, спровоцировать его на ложную реакцию, вызвать образ «несуществующий». Визуально противоречивая конфигурация создает н-*еразрешимый конфликт между фактической формой и формой видимой. Оп – арт намеренно противодействует нормам человеческой перцепции. Исследования психологов показали, например, что глаз всегда стремится организовать хаотически разбросанные пятна в простую систему (гештальт). В оптической живописи, напротив, простые однотипные элементы располагаются так, чтобы дезориентировать глаз, не допустить становления целостной структуры. Представителями данного вида искусства были Виктор Вазарели,  Бриджит Райли, Хесус-Рафаэль Сото, Дуарте Ибаррола, Вячеслав Колейчук, Тальман Герстнер, и др. [13].

а) б)

Рисунок 28 « Название: а) – иллюзия маленького куба в комнате или большого куба с выпеленным куском; б) – иллюзия каркаса куба»

Виктор Вазарели по праву считается идейным вдохновителем и лидером оптического искусства, он доказал, что наука может расширить границы понимания, а искусство способно выразить эти научные модели через визуальные образы. Соединяя между собой искусство и науку, Вазарели говорит: «Два творческих выражения человека – наука и искусство – сливаются воедино, чтобы создать нереальную конструкцию чувственности и современного знания».

Рисунок 29 «Этюды, В. Вазарели, 1929 год»

В своих первых работах Вазарели не делает акцнта на кенетику, но несмотря на это именно они послужили точкой отсчета для его грандиозных произведений

В конце 30-х годов Вазарели переходит от абстрактного изображения конкретных образов на чистые геометрические композиции. Он так же вдохновляется творчеством Казимира Малевича, Вальтера Гропиуса. Художник находит свой авторский стиль. [16]

Рисунок 30 «Композиции в стиле оп – арт, В. Вазарели, 1959 год»

Движение определяется ни композицией, ни объектом, считает художник, но основывается на способности зрения, которое само по себе является уникальным творцом. Опыты Вазарели приводят его к уникальной идее создания «пластической единицы» (1960 – 1965 гг). Он изобретает модульную систему комбинаторики цвета и форм, по которой можно создать любые картины. Эти системы он назвал «Alphabet Plastique» (пластический алфавит), Folklor Planetarny (планетарный фольклор).

Рисунок 31 «Планетарный фольклор, В. Вазарели, 1964 год»

Согласно системе пластического алфавита, любая картина – это своего рода модульная сетка, состоящая из пластических единиц. Последние, в свою очередь, представляют собой квадрат, в который заключена фигура, основанная на круге, квадрате или треугольнике. Вариации модулей увеличиваются согласно выбранной цветовой гамме и цветовым комбинациям фигур и модульных квадратов.

Система пластического алфавита оказалась настолько универсальной, что ее принцип охотно применялся в любых сферах дизайна. [9]

Еще одним ярким пятном в истории Op – artа стало творчество британской художницы  Бриджит Райли.

Вот, что говорила сама художница о своем решении примкнуть к течению оптического искусства: « Я не могла достигнуть желаемого через видение, распознавание и воссоздание, поэтому я перевернула саму проблему с ног на голову. Каждый знак на холсте – это самостоятельная и необходимая составляющая в серии отношений, формирующих структуру картины».

а) б) Рисунок 32 «Название: а) – «Движение в квадратах»; б) – «Лосс», Б. Райли, 1961 год»

Далее в своих работах Райли начинает вводить колоратуру. Введение цвета Райли осуществляла осторожно. Чёрно-белые картины строились на разрушении стабильных элементов. Для цвета же никакой стабильной основы найдено быть не могло, потому что восприятие цвета всегда относительно – каждый цвет влияет на соседние и сам испытывает их влияние. Со временем Райли научилась принимать эту врожденную нестабильность цвета и сделала её основой своих работ.

а) б)

Рисунок 33 «Название: а) – «Катаракта 3», 1967год; б) – «Зинг 1», Б. Райли, 1971 год»

Начиная с 1967 года, Райли всё больше использует цвет. Кроме того, она начинает использовать всё более стабильные формы - зачастую это просто вертикальные прямые или волнистые линии. Само расположение цветов на полотне создавало то ощущение движения, которое она стремилась передать. Сгруппированные цвета влияли на пространство между композициями, создавая иллюзию мимолётных проблесков других цветов, и тем самым производили эффект движения. [10]

В картинах поздних 60-х и 70-х годов Райли была главным образом озабочена реакцией зрения и эмоций на цвет. В этот период она экспериментировала с разнообразными палитрами и формами. Zing 1 представляет тему перевёртыша: перекрученные вертикальные полоски, поворачиваясь другой стороной, создают горизонтальные зоны цвета. Прищурив глаза, можно увидеть некие расплывчатые облакообразные горизонтальные области цветов: синий, зеленый, розовый.

Начиная с этого новшества, в середине 70-х Райли всё больше использует изгибы. Так расширялось ее понимание взаимосвязи между цветом и светом. В более поздних работах, Райли начала применять диагональные ромбовидные элементы, идущие слева направо и врезающиеся в вертикали, дробя плоскость картины. Цветные плоскости то приближаются, то отдаляются, образуя контрасты цвета, тона, плотности и направления. В дальнейшем этот прием все больше стилизуется. Картины становятся более лаконичными, спокойными, минималистичными. [17]

Рисунок 34 «Геометрические абстракции, Б. Райли, 2003 год»

Бриджет Райли - постоянный инноватор в своей области. Она вечно экспериментирует с очередными идеями, которые становятся новыми отправными точками. Поэтому никто не может предсказать, какие перемены принесет будущее в ее самобытное и уникальное искусство. Ее работами постоянно вдохновляются ведущие мировые дизайнеры в области моды, предметного дизайна, мебели и интерьеров. Творчество Райли универсально: ее открытия полезны во многих сферах человеческой деятельности.

Еще одним немаловажным персонажем в оптическом искусстве был наш соотечественник Виктор Фомич Колейчук. Виктор Фомич, как и многие приверженцы искусства оп – арт, испытал глубокое воздействие конструктивизма – как теоретическое, так и непосредственно-практическое, – поскольку не раз реконструировал для выставок известные лишь по фотографиям пространственные композиции А.М.Родченко и других мастеров.

Колейчук изначально соединил в своем творчестве работу художника и дизайнера, постоянно облекал свои замыслы в форму элегантных трехмерных абстракций.

Особенность его работ – это эстетизации форм технических и технологических, подчеркнуто рациональных и иррациональных по образному звучанию. Все они всегда гармоничны, благородно уравновешены, абсолютны. Поэтому пространственным конструкциям Колейчука не нужны образно – метафорические подпорки – их образность непосредственно рождается из гармоничности формы, аналогичной гармоничности природных образований. Перед нами живое развивающееся незаконченное творчество с его абсолютными достижениями, сомнительными сбоями, тупиками и новыми открытиями. [18]

Рисунок 35 «Абстрактные скульптуры, В. Колейчук»

Артистически – игровое на практике, в теоретических выкладках искусство Колейчука, напротив, отличается строгой рациональностью, умением четко формулировать практические дизайнерские цели. В переходе от фантазии к реальности, от эксперимента – к практике, от игры – к делу Колейчук также гармоничен и естественен, как и во всем остальном, за это его и называют «сыном гармонии». [18]

Рисунок 36 «Трехмерные абстракции, В Колейчук, 1973 год»