Тема 2. Театр античности

Театр античности – это театр двух великих народов древности: греков и римлян. Греческий театр достиг своего расцвета в V в. до н. э. Римский театр начал свою жизнь позднее, его расцвет приходится на конец III – середину II века до н. э.

Античный театр – это одно из самых ярких проявлений античной культуры, сыгравшей основополагающую роль в развитии европейской культурной традиции. Склад античной культуры определялся общественными условиями рабовладельческой формации.

В рабовладельческом обществе все средства производства и люди находились в руках рабовладельцев. Это более высокая степень общественного строя, в нем уже произошло отделение земледелия от ремесла. Развивается товарное производство, торговля. Все это способствовало развитию культуры и искусств. Огромное наследие оставила Античность. Роды поэзии – эпос, лирика, драма родились в Греции. Античная архитектура, театр, скульптура была и остается предметами изучения на века. В эпоху Возрождения образцами для подражания для первых драматургов была литература античности. В эпоху Средневековья французские классицисты обратились к Еврипиду.

Основой греческой драматургии является мифология – собрание сказаний о сотворении мира и происхождении обычаев, о богах и героях древности. Сначала они отражали только стихийные и таинственные явления природы, а затем боги и герои становятся царями. Распад родового строя привел к созданию городов (полисов). Каждое государство представляло город и прилегающие к нему деревни. Они имели общинную собственность и у каждого был культ своего бога.

В «Поэтике» Аристотеля указывается, что трагедия и комедия возникли из импровизации: первая от запевал дифирамба, вторая от фаллических песен, распеваемых подвыпившей толпой в честь бога Диониса, который был символом плодородия. Дионис сначала выступает как бог производительных сил природы, позднее как бог вина и виноделия. Культ Диониса возник в VIII – VII веке до н.э. на севере Греции, во Фракии и затем расширился по всей Греции.

Из обрядовых игр и песен в честь Диониса выросли три жанра древнегреческой драмы: трагедия, комедия и сатировская драма (названная так по хору, состоявшему из сатиров). Трагедия отражала серьезную сторону дионисийского культа, комедия – карнавально-сатирическую. Сатировская драма представлялась средним жанром. Веселый игровой характер и счастливый конец определили ее место на праздниках в честь Диониса: сатировскую драму ставили как заключение к представлению трагедий.

Трагедии обычно обращались к темам общенародного значения. Отсюда и особенность художественной формы, стиля и языка трагедии. В греческом театре быт отсутствовал; трагедии писались стихами, диалоги были написаны ямбом, близким к разговорной речи. Хор – основной элемент трагедии, определяющий всю ее структуру. Песни хора при выходе на орхестру назывались парод. В ходе действия песни, называвшиеся стасимы (стоячая песня), выражали настроение героя. Действие заключал эксод: под звуки флейты хор уходил. Актерские игровые сцены между стасимами назывались эпсодии (идеологическая часть трагедии). Трагедия могла начинаться с парода или со сцены, исполняемой актерами, которая называлась прологом. Важное место в трагедии занимала совместно исполняемая актерами и хором сцена, которая называлась коммос (общая печальная песня). «Поэтика» Аристотеля – учение о трагедии.

Структура комедии имела свои особенности. Хор из 24 человек делился на полухоры, между ними возникал диалог. Длинный пролог задавал тему комедии. Огон – спор между главными персонажами, где происходит борьба жизни и смерти (центральная часть). Парабаза – одна или две песни хора, не связанные с сюжетом комедии (публицистическая часть). Эпсодий, эксод. Спектакль заканчивался буффонными и балаганными сценами.

В древнегреческом театре женские роли всегда исполнялись мужчинами. Один и тот же актер на протяжении пьесы играл несколько ролей. Поскольку в античном спектакле было принято музыкальное сопровождение, от актера требовалось не только хорошо читать стихи, но и петь и танцевать. Греческие актеры носили на лице маски, менявшиеся в различных ролях и даже на протяжении исполнения одной роли, если в состоянии изображаемого персонажа происходили резкие перемены. Актерам необходимо было также увеличить и свой рост: они надевали высокие кожаные сапоги на толстой подошве – котурны. Костюмы актеров соответствовали характеру постановок: для трагедий актеры облачались в длинные цветные костюмы с дорогой отделкой, комедии игрались в комедиальных масках и коротких костюмах.

Эсхил – «отец трагедии», открыл возможность более глубокой разработки трагического конфликта, усилил действенную сторону театрального представления. Вместо старой трагедии, где партии единственного актера и хора заполняли всю пьесу, родилась новая трагедия, в которой персонажи сталкиваются на сцене друг с другом и сами непосредственно мотивируют свои действия.

Софокл – великий драматург, певец афинской рабовладельческой демократии. Усовершенствовал театральную технику, ввел третьего актера, увеличил диалогические части трагедии и уменьшил партии хора.

В трагедиях Еврипида звучание героической темы снижается, но при этом еще более усиливается внимание к внутреннему миру человека и явлениям окружающей жизни. Миф становится для драматурга только основой, дающей возможность высказаться современникам.

Аристофан – «отец комедии». Писал комедии с общественно-политическим уклоном, отстаивая греческую демократию. Часто выводил на сцену в качестве героев своих комедий исторические лица: Сократа, Креонта и т. д.

Менандр. Главные особенности его комедий – искусство психологической характеристики, индивидуализация, подлинно человеческие черты у масок.

Истоки римского театра и драмы восходят, как и в Греции, к обрядовым играм, богатым карнавальными элементами. Но дальше слабых зачатков драмы развитие народного театра здесь не пошло. Это объясняется консервативным укладом римской жизни и сильным сопротивлением жрецов. В Риме не сложилось самостоятельной мифологии, поэтому римляне взяли у греков готовую литературную драму и перевели ее на латинский язык, приспособив к своим понятиям и вкусам.

Римские актеры, происходившие из среды вольноотпущенников или рабов, занимали низкое общественное положение. Они объединялись в труппу во главе с хозяином, который, по договоренности с магистратами, организовывал театральные представления и сам нередко играл главные роли. Комедии Плавта и Теренция содержат многочисленные указания на игру актеров – на их движения, позы, жесты, мимику. В III и II вв. до н. э. актеры играли, как правило, как правило, без маски, которая вошла в употребление только около I века до н. э. при знаменитом комическом актере Росции. Женские роли по-прежнему исполнялись мужчинами. Римская комедия: палиата, ателлана.

Новый этап в развитии римского театра связан с императорской эпохой. Император Август стремился превратить в отвлекающее политическое средство – театр должен прежде всего развлекать, увлекать зрелищностью. Огромным успехом пользуется мим, постепенно вытесняющий все другие виды представлений, кроме балетных. Мим эпохи империи представлял собой блестящее феерическое зрелище.

Трагедии в I – II вв. еще шли на сцене, но обычно из них исполнялись лишь отдельные лирические партии, на первый план выдвигалось вокальное мастерство актера. Дошедшие до нас трагедии римского философа-стоика Сенеки, по мнению ряда исследователей, предназначались не для постановки на сцене, а для чтения в аристократических салонах единомышленников автора.

Основные жанры и формы театра эпохи империи: пантомима, пирриха, мимы. Падение римской империи.