история искусств

МОСКОВСКИЙ УНИВЕРСИТЕТ ГОСУДАРСТВЕННОГО УПРАВЛЕНИЯ

2008/2009 уч.год

1. Важнейшие особенности древнерусского искусства.

Период с конца ХХ по ХVII в.

Искусство христианства, имело религиозный характер:

1 православная церковь курировала развитие искусства(важнейшим видом искусства была архитектура)

2 Каноничность (правило )в архитектуре, в иконописи

3 Имперсанальность - на Руси иконописцев называли богомазаник. Церковь присваивала все произведения искусства.

Первым христианским государством была Киевская Русь 988г.

Пять периодов:

1. Древняя Русь

2. 18 век

3 .1 пол. 19 века

4. 2 пол 19 века

5. конец 19 и 20 век

Важнейшие особенности древнерусского искусства

Искусство Киевской Руси, искусство эпохи феодальной раздробленности(новгородское, владимиро-суздальское),Московская худ школа( архитектура московского кремля, развитие иконописи ,ТВ. Рублева и дионисия), искусство 17 века.

1757 в Питере открыта Императорская Академия художеств( по распоряжению сената)

2 Архитектура Киевской Руси.

Начало православному искусству на русской земле было положено в конце X в. В то время мастера-греки (так называли всех византийцев, потому что они говорили на греческом языке) приезжали на Русь целыми артелями. Они возвели много великолепных храмов «на греческий манир», украшенных мозаиками, фресками, иконами. Позднее в иконописи даже возникло понятие «греческий стиль». Архитектура Киевской Руси впитывала в себя все лучшее, что создавали византийские мастера.

Все храмы Киева XI в. были возведены из плинфы (плоского квадратного кирпича) в традициях византийского зодчества. Здесь использовали особую плинфу — светло-желтую и необычайно тонкую (2,5—3 см). Одной из первых значительных храмовых построек Киевской Руси была многоглавая церковь Успения Богоматери, прозванная Десятинной, потому что князь Владимир повелел десятую часть своих доходов отдавать на устроение этого храма В ее отделке широко применялась мозаика.

Новый этап в истории зодчества Киевской Руси связан с правлением Ярослава Мудрого. В конце 1030-х — начале 1050-х гг. по его указанию был возведен собор Св. Софии (Премудрости Божьей). Для его архитектуры характерны триумфальность и праздничность

Огромный пятинефный собор соответствовал византийской конструкции крестово-купольного храма. В середине храма — крестообразное свободное пространство, увенчанное куполом. Обширные хоры опирались на мощные столбы, делившие храм на пять частей (нефов) с запада на восток. В XI в. Софийский собор был тринадцати-купольным, но позднее подвергся серьезной перестройке, и число куполов уменьшилось.

Древние фрески едва заметны на стенах собора, но мозаики так же ярки, как и много веков назад. Ими украшены главные части храма: купол — символ Церкви небесной и алтарь — символ Церкви земной.В куполе — образ Христа Пантократора. В алтаре совершается великое таинство евхаристии (от греч. eucharistia — причащение) — приобщения к Богу. Его ждут двумя рядами идущие к Христу апостолы. Их руки застыли в жесте прощения, а огромные глаза обращены к Спасителю.По церковным канонам, в небесной иерархии второе место после Христа занимает Богоматерь, заступница людей перед грозным ликом Господним. В алтаре Св. Софии на стене центральной апсиды изображена Богоматерь Оранта (от лат. orans — молящаяся) с высоко вознесенными вверх в жесте заступнической молитвы руками. Вишневый цвет ее одеяния, окутывающего голову и плечи, символизирует страдание

3. Фрески и мозаики Софийского Собора Киева.    Собор Святой Софии был построен в XI веке. Он расположен в самом центре города. Сохранились и через века дошли до нас 260 кв.м. мозаик и 3 тысячи кв.м. фресок. Вряд ли где-либо в Европе можно найти церковь, где бы сохранилось столько фресок XI века. Вокруг собора находятся монастырские строения 17 века, выполненные в архитектурном стиле украинского барокко. Внутреннее убранство собора почти не изменялось. В конце 18 века появился иконостас и в 19 веке - чугунные напольные плитки.     Святая София Киевская - это не истощаемый кладезь произведений искусства, к которому приходят историки и туристы, чтобы увидеть и полюбоваться чудом византийской и древнерусской архитектуры. Каждого, кто переступает порог собора, поражает величиной фигура в центральном апсиде - фигура молящейся Святой Девы Марии. Высота мозаики 6 метров. Мозаика составлена из каменных и стеклянных пластинок различных цветов и оттенков (около 177 оттенков разных цветов). Мозаики, на которых изображена Евхаристия и Отцы Церкви, поражают своей сбалансированностью. Центральная апсида и купол украшены мозаиками, стены собора расписаны фресками.     Архитектурные формы и роспись собора образуют неповторимое единство. Фрески как орнамент вышивки украшают стены, столбы, своды. Среди изысканной и яркой живописи можно увидеть изображения Святых и сюжеты из Евангелия. В отличие от других образцов византийской церковной живописи, которые дошли до наших времен, на некоторых фресках в соборе представлены не библейские темы, а мирские сюжеты - среди них портреты семьи Великого князя Ярослава.     Живопись XI века, которая украшает колокольню собора, изображает сцены игр, организованных в На фресках изображены мимы, жонглеры, музыканты, танцоры, дрессировщики, гонки колесниц. Более поздние фрески собора (17-19 веков) посвящены только религиозной тематике. 300 графитти на стенах собора свидетельствуют о высоком уровне грамотности Киевской Руси XI века.

4. Архитектура Новгорода XII-XIV вв.

Первая крупная постройка – дубовая церковь Софии «о тринадцати верхах», ставшая своего рода прототипом Софии Киевской и впоследствии сгоревшая - была выстроена в 989(!!!) году присланным из Киева первым новгородским епископом Иоакимом.

Таким образом, архитектурный ансамбль древнего Новгорода складывался в основном из деревянных построек. был заложен каменный храм Софии.Подобно киевскому собору, новгородская София представляет собой огромный расчлененный вереницами столбов на пять продольных нефов храм, к которому с трех сторон примыкали открытые галереи. Внешний облик храма характеризуется монолитностью и конструктивностью/стены новгородской Софии первоначально не были оштукатурены. Кладка стен в основном состояла из огромных, грубо отесанных, не имеющих квадровой формы камней. Розоватый от примеси мелкотолченого кирпича известковый раствор подрезан по контурам камней и подчеркивает их неправильную форму. Кладка эта, не скрытая под штукатуркой, придавала фасадам здания подчеркнутую мощность и своеобразную суровую красоту. организация внутреннего пространства храма, резко расчлененного на две части – нижнюю полутемную, как бы подавленную низкими сводами хор, доступную для всех горожан, и верхнюю – залитые светом роскошные полати (хоры), предназначенные только для князя входивших на полати через лестничную башню. Архитектурные формы Софии монолитнее и несколько статичнее, с пирамидальным нарастанием устремленной ввысь архитектурной композиции. Различен и характер интерьеров обоих соборов: в новгородской Софии намечается отход от сложного «живописного пространства». В соборе больше простоты и больше расчлененности, разобщенности пространственных ячеек здания, значительно строже декор. Отказ от мрамора и шифера, мозаики в пользу фресок делает интерьер новгородской Софии более суровым.В начале XII века возникает княжеский Юрьев монастырь, а чуть позже – Спасо-Нередицкий. В течение двенадцатого века князья делают ряд попыток противопоставить потерянной для них Софии новые сооружения. Еще в 1103 году князь Мстислав заложил на Городище церковь Благовещения этот древнейший после Софии храм представлял собой большую парадную постройку. пятиглавый храм Николы Георгиевский собор Юрьева монастыря/ церковь Ивана на Опоках и церковь Успения на Торгу /В основе обоих построек – упрощенный план Николо-Дворищенского собора: нет башен, вход на хоры устроен в виде узкой щели в толще западной стены.церковь Спаса Нередицы/Во второй половине двенадцатого века в Новгороде складывается новый тип храма. Вместо грандиозных небольшие и простые Решительно меняется характер интерьера. Пышные открытые полати - хоры – заменяются закрытыми / церковь Благовещения Это квадратный четырехстолпный однокупольный храм.Церковь Петра и Павла на Синичьей горе/церковь Кирилла в Кирилловском монастыре, церковь Параскевы Пятницы на Торгу, Церковь Успения на Волотовом поле.

5. Новгородская иконопись.

Ее истоки восходят к XI веку, ее первый расцвет падает на XII-XIII столетия, ее второй и наивысший расцвет захватывает поздний XIV и весь XV век, после чего начинается ее медленное угасание.      Стихия новгородской живописи - это импульсивность образа, достигнутая совсем особым цветовым строем, ярким и звонким. Новгородские художники не любят сложных, замысловатых сюжетов, им осталась чуждой головоломная символика как византийских теологов, так и западноевропейских схоластов. Они предпочитают изображать почитаемых местных святых (Флор и Лавр, Илья, Анастасия) От новгородской иконописи XI века один памятник - монументальная икона "Петр и Павел" из Софийского собора Как и все ранние иконы Новгорода, этот памятник тяготеет к кругу произведений византийской станковой живописи. Но от этих работ его отличает необычный для греческих икон большой размер (2,36 х 1,47). икона была выполнена в Новгороде. Это, в частности, объясняет быстрое развитие на новгородской почве деревянных многоярусных иконостасов, сделавшихся с XIII-XIV веков главной точкой приложения творческой энергии иконописцев. Икона Петра и Павла украшала Софийский собор, простоявший без росписи около шестидесяти лет/самыми древними являются два изображения св. Георгия: одно в рост, другое полуфигурное. Первая икона происходит из Георгиевского собора Юрьева монастыря в Новгороде. Могучая фигура святого воина четко выделялась на ныне утраченном золотом фоне. В правой руке Георгий держит копье, левой он сжал висящий у бедра меч. Из-за плеча виднеется круглый щит, прикрепленный к ремню. Величавая и торжественная фигура Георгия воплощает силу и воинскую доблесть, во многом перекликаясь с героическими образами древнерусских воинских повестей. От нее исходит дух непоколебимой твердости, той самой твердости, которая позволяла русскому воинству одерживать победы над далеко превосходившими их по численности противниками.Икона из Успенского собора, за исключением не очень многочисленных утрат, дошла до нас в хорошем состоянии сохранности. Георгий представлен по пояс. Его фигура целиком заполняет поле иконы, так что руки почти вплотную касаются обрамления. На иконе из Успенского собора Георгий выступает в образе храброго и стойкого воина, покровителя ратных людей. Особенно выразительно его лицо, сочетающее в себе свежесть юности с мужественной силой. Правильный овал лица обрамлен густой шапкой коричневых волос. Большие, пристально глядящие на зрителя глаза, темные, красиво изогнутые брови, прямой нос, сочные губы - все эти черты так трактованы художником, что они придают лицу чисто архитектурную построенность Как и в древнерусской повести, так и на иконе воплощен поэтический идеал прекрасного юноши, находящегося в полном расцвете сил.Особую стилистическую группу составляют три близкие по манере письма иконы, две из которых происходят из Новгорода "Устюжское благовещение". двусторонняя икона "Спас Нерукотворный"

6. Храмовая архитектура Владимиро-Суздальского княжества.

Обширное строительство во Владимиро-Суздальской земле началось в середине XII века, в периуд княжения сына Мономаха - Юрия Долгорукого (1125-1157 гг.), построившего ряд укрепленных городов на ее юго-западной и южной границах - Дмитров, Юрьев-Польский, Переславль-Залесский и др.     В 1152 г. был построен собор в Переславле-Залесском. В этом сооружении древним мастерам удалось в простой и совершенной форме создать архитектурный образ небольшого, но монументального главного обшественно-культового здания феодального города-крепости.     Переславский собор - одно из древнейших сооружений Владимиро-Суздальской земли, выстроенное из белого камня.     Во владимиро-суздальском зодчества белый известняк стал господствующим строительным материалом и совершенно вытеснил кирпич. Владимиро-суздальские здания выложены целиком из белого камня с внутренним заполнением. Стены переславского собора состоят каждая из двух очень тщательно выложенных из тесанного камня параллельных наружных стенок, промежуток между которыми заполнен белокаменным ломом и валунами и залит известковым раствором. Внутри здания связи шли обычо и были украшены живописным орнаментом. Также интересным памятником Владимиро-Суздальской архитектуры является церковь в Кидекше (1152 г.)В церкви Кидекши на середине высоты стен помещен аркатурный пояс, причем нижняя часть лопаток до пояса в поперечном профиле по уступу с каждой стороны, а верхняя их часть над поясом - по два уступа. Наружный объем здания в его первоначальном виде был стройнее приземистого массива собора в Переславле-Залесском. Архитектура церкви в Кидекше означает по сравнению с собором в Переславле-Залесском дальнейший шаг в развитии владимиро-суздальского зодчества, постепенное усложнение архитектурной композиции и развитие своеобразных особенностей.     Эти памятники времени Юрия Долгорукого показывают, что в середине XII века в северовосточной Руси начала складываться новая архитектурная система, получившая свое блестящее развитие в строительстве Андрея БоголюбскогоПри Андрее Боголюбском (1157-1174 гг.)Андрей Боголюбский (княжение 1157-1174 гг.), крупный государственный деятель своего времени, богато застроил Владимир, превратив его в один из самых красивых городов древней Руси.   При Андрее Боголюбском был построен Успенский собор (1158-1161 гг.) во Владимире - главное здание города. Успенский собор во Владимире был самым обширным и величественным зданием Владимиро-Суздальского княжества. Его внутреннее и наружное убранство поражало современников неслыханной по тому времени роскошью, обилием позолоты и цветных тканей. Стройное и изящное белокаменное здание легко вздымало свою сверкающую золотом главу и занимало господствующее положение в архитектурном ансамбле Владимира. Недалеко от Владимира Андрей построил себе загородную резиденцию - Боголюбов, представлявшую собой окруженный земляными валами с каменными башнями замок, центральным зданием которого был большой дворец, соединенный системой каменных переходов с церковью. Перед дворцом и храмом был обширный мощенный двор, где находилась большая каменная чаша под каменным шатром на восьми колоннах.      Церковь Покрова на Нерли была выстроена в 1165 г. поблизости от Боголюбова, при впадении реки Нерли в Клязьму, на исходном пути, который вел на восток, на Волгу. Монастырская церковь Нерли отмечала подъезд к Боголюбову и Владимиру, архитектурно выделяя въезд в столицу. При Всеволоде III (1176-1212 гг.) Всеволод III "Большое гнездо" (княжение 1176-1212) при его правлении Владимиро-Суздальское княжество достигло исключительного могущества. Как в политике, так и в архитектуре Всеволод продолжал и развивал традиции предидущего времени. Он еще более расширил Владимир усилил его укрепления и продолжал строительство монументальных зданий, которые должны были сделать столицу его княжества самым красивым, богатым и мощно укрепленным городом древней Руси.       Дмитриевский собор - дворцовая церковь, построенная  в 1194-1197 гг. при княжеском дворце во Владимире - одно из лучших произведений владимиро-суздальского зодчества, занимающее наряду с церковью на Нерли выдающееся место в истории мирового искусства Дмитриевский собор, как в плане, так и в наружном объеме сходен с церковью на Нерли, но отличается более массивным и статичным объемом. В дворцовом храме получили широкое применение белокаменные резные рельефы, восходящие к народной резьбе по дереву по дереву, украшавшей жилые здания того времени. Содержание их проникнуто народными сказочными и былинными образами, которые переплетаются с мотивами христианских легенд.      В гармоничной форме Дмитрииевский собор воплощает современный ему идеал красоты и величия, проявившийся в кристаллический ясности архитектурной композиции здания, в торжественном и нарядном декоративном убранстве, в спокойной и величавой монументальности его архитектурного образа, отразившего прогрессивную идею единства русской земли.       Дробление Владимиро-Суздальского княжества на уделы после смерти Всеволода (1212 г.) и беспрерывные войны между сыновьями последнего способствовали тому, что в этот тяжелый периуд мало строили из камня.

7. Декоративная скульптура Владимиро-Суздальских храмов.

Среди многочисленных белокаменных церквей с характерной декоративной резьбой особое место принадлежит Дмитриевскому собору. внешнее убранство насыщенно и изысканно. Фасадная пластика состоит более чем из пятисот рельефов, изображающих евангельские композиции, человеческие фигуры, разнообразных зверей, птиц, фантастические существа и т. д. Почти вся поверхность покрыта сплошной каменной резьбой, где среди многообразных изобразительных мотивов преобладающим является растительный орнамент. Каменная резьба равномерно распределяется по поверхности, напоминая сплошное ковровое покрытие, она органически переплетается со всей поверхностью, благодаря чему храм уподобляется драгоценному изделию.По фасадам собора, примерно на середине высоты, проходит аркатурно-колончатый пояс, имеющий и декоративное, и символическое значение. Иконография данного декоративного мотива восходит к храму Св. Гроба, а изображения внутри аркатуры фигур святых, разного рода птиц и растений могло быть обусловлено идеей Рая ^.То, что аркатурный пояс символически связывается с "Небесным Иерусалимом", подтверждают, кроме всего прочего, изображения многочисленных мучеников, в том числе первых русских мучеников св. Бориса и Глеба. в верхнем ярусе церкви, где представлен бесконечно цветущий "Райский сад". включены также изображения фантастических существ, птиц, святых в медальоне и даже скачущих всадников - святых воинов. Образ Соломона в декоративной программе Дмитриевского собора ассоциируется с самим князем Всеволодом III, изображенным на северном фасаде. В центре этой композиции князь представлен сидящим с младшим сыном на колене, в окружении остальных сыновей, стоящих в позе поклонения. Групповой портрет княжеской семьиявлялся одновременно политически демонстративным ^.Идею прославления правящего князя и княжеского дома продолжает композиция "Полег на небо Александра Македонского" на прясле южного фасада. Таким образом, князь Всеволод выступает как защитник своей земли, своих подданных, и так же как Гагик Арцруни, за свои богоугодные деяния видит себя и своих потомков достойными высшей благодати - "Небесного Рая", где его изображение и представлено наравне с библейскими и евангельскими образами.Скульптурный декор Дмитриевского собора находит свое продолжение в интерьере, где изображены львы - охранительные символы. Примечательно, что и в храме Ахтамара часть скульптурной декорации с изображением голов животных перенесена в интерьер и имеет ту же охранительную символику.То, что скульптурное убранство Дмитриевского собора было тесно связано с его внутренним декором,В интерьере представлен "Райский сад", где элементы орнамента полностью были созвучны, а порой и в точности повторяли некоторые мотивы внешнего декора. Очевидно, что внутреннее убранство было связано с внешней каменной резьбой как тематически, так и декоративно .о чем свидетельствуют сохранившиеся фрагменты росписи.

8. Владимиро-Суздальская иконопись.

Особую страницу истории представляет собой искусство Владимиро-Суздальского княжества. Первые каменные храмы в северо-восточной Руси были построены еще князьями Владимиром Мономахом и Юрием Долгоруким. Но расцвет строительства и иконописи в этих землях связан с сыном Юрия Долгорукого Андреем Боголюбским. Боголюбский уехал из Вышгорода, забрав с собой икону Богоматери, и обосновался во Владимире на Клязьме. Привезенная им икона получила с тех пор свое современное название — Владимирская. Этот замечательный образ византийского искусства служил образцом для русской иконописи.. Успенский собор во Владимире и дворец с церковью в княжеской резиденции Боголюбове. К ансамблю Боголюбова относится и знаменитая церковь Покрова на Нерли.Строительство храмов во Владимирском княжестве продолжил брат князя Андрея Всеволод Большое Гнездо. Князь Всеволод, крещеный с именем Димитрий, привез из Фессалоник икону святого Димитрия,. Боголюбская икона Богоматери исполненная по заказу Андрея Боголюского в память бывшего ему видения. На ней Богоматерь изображена в развороте с воздетыми в молитве руками. «Деисус», некогда стоявшие на алтарных преградах (невысоких иконостасах) неизвестных храмов. Иконы горизонтальной формы с оплечными изображениями. Одна из них с обыкновенными изображениями Христа, Богоматери и Иоанна Предтечи Другая икона отличается особой иконографией, на ней представлен Спас Эммануил с двумя архангелами. Символическое изображение Христа юным исполнено Божественного величия и силы. Здесь изображение Эммануила следует понимать как образ Христа Искупительной Жертвы, предвечно уготованной для спасения людей. Лики поклоняющихся архангелов выражают тихую скорбь. Высочайший уровень иконописи и классическая ориентация строго выдерживались князьями-заказчиками на протяжении расцвета северо-восточной Руси. Своеобразным стремлением к декоративности выделяется оглавная икона «Спас Златые Власы». Это благородный образ в позднем комниновском стиле с изящными чертами лика, написанными по золоту волосами и обилием декоративных деталей в виде орнаментальных кругов на нимбе и одежде Спасителя. Небольшая икона «Явление Архангела Михаила Иисусу Навину», Редким памятником, выполненным в технике золотой наводки по меди, являются западные и южные врата собора Рождества Богородицы в Суздале. Создание их относится в концу 12 века, а в 1225 году они были установлены в отстроенном заново соборе. Вся поверхность западных врат разбита на клейма с изображениями сцен из Евангелия, а также истории реликвий связанных с Богоматерью. В частности на них имеется древнейшее изображение Покрова Богоматери — праздника, установленного только на Руси при Андрее Боголюбском. Южные врата содержат изображения деяний архангела Михаила

9. Творчество Феофана Грека.

Феофан Грек (около 1340 года - после 1405 года) - византийский (греческий) живописец, работавший в России во второй половине XIV - начале XV веков. Вместе с Андреем Рублевым и Прохором-с-Городца расписал старый Благовещенский собор Московского Кремля. До Москвы много работал в Новгороде, где, кроме икон, оставил фрески в церкви Спаса Преображения. Работы отличаются монументальностью, внутренней силой и драматической выразительностью образов, свободной живописной манерой. 

иконописец и живописец, один из лучших художников Св. Руси. Для творчества Феофана Грека характерны эмоционально-драматическая трактовка образов, динамичная композиция, сдержанный колорит, пластичность изображений, подчеркнутая смелым и точным наложением световых бликов.

Феофан расписал церковь Спаса на Ильине (Новгород, 1378), Архангельский (1399) и старый Благовещенский соборы Московского Кремля (1405, вместе с Андреем Рублевым и Прохором с Городца). Работал также в Серпухове, Н. Новгороде, возможно, в Коломне и в Переславле. Яркую характеристику Феофана Грека содержит послание Епифания Премудрого Кириллу Тверскому.

Феофану приписывают иконы деисусного чина Благовещенского собора в Московском Кремле — “Спас”, “Богоматерь”, “Иоанн Предтеча”. При его участии исполнялись и другие иконы этого иконостаса. Он создал в Москве мастерскую, которой приписывают иконы “Богоматери Донской” с “Успением” на обороте (1380 или 1392), “Преображение” из Переславля-Залесского и инициалы “Евангелия Кошки” (ок. 1392).

10. Творчество Андрея Рублева.

(около 1340/1350 —1428,) —мастер московской школы иконописи, книжной и монументальной живописи XV века. Русской православной церковью канонизирован в 1988 г. в лике преподобного. Святая Троица (1410)Биографические сведения о Рублёве крайне скудны: скорее всего, родился он в Московском княжестве (по другим сведениям - в Новгороде) воспитывался в семье потомственных иконописцев, принял монашеский постриг икона, подписанная «Андрей Иванов сын Рублёв»; она поздняя и подпись явно поддельная, но, возможно, является косвенным свидетельством того, что отца художника действительно звали Иваном.Творчество Рублёва сложилось на почве художественных традиций Московской Руси; он был хорошо знаком также с византийским и южнославянским художественным опытом. Рублёв скончался во время морового поветрия в Москве, в Андрониковом монастыре, где выполнил свою последнюю работу по росписи Спасского собора. Спас из Звенигородского чина, рубеж XIV—XV веков

возвышенное понимание духовной красоты и нравственной силы человека. Эти качества присущи иконам Звенигородского чина («Спас», «Апостол Павел», «Архангел Михаил», где лаконичные плавные контуры, широкая манера письма близки приёмам монументальной живописи.Традиционный библейский сюжет Рублёв наполнил глубоким богословским содержанием. Отойдя от традиционной иконографии, он поместил в центре композиции единственную чашу, а её очертания повторил в контурах боковых ангелов.. основной идеи «Троицы» — самопожертвования как высочайшего состояния духа, созидающего гармонию мира и жизни.В 1405 Рублёв совместно с Феофаном Греком и Прохором с Городца расписал Благовещенский собор Московского Кремля (фрески не сохранились), а в 1408 Рублёв совместно с Даниилом Чёрным и другими мастерами — Успенский собор во Владимире «Страшный суд», Апостол Павел 1410—1420

иконы — «Владимирская богоматерь» (около 1409, Успенский собор, Владимир), «Спас в силах» (1408, Третьяковская галерея), часть икон праздничного чина («Благовещение», «Рождество Христово», «Сретение», «Крещение», «Воскрешение Лазаря», «Преображение», «Вход в Иерусалим» — все около 1405) Благовещенского собора Московского Кремля (иконостас этого собора, согласно новейшим исследованиям, происходит из Симонова монастыря), часть миниатюр «Евангелия Хитрово» (около 1395 года, Российская государственная библиотека, Москва).Творчество Рублёва является одной из вершин русской и мировой культуры. Совершенство его творений рассматривается как результат особой исихастской традиции

11. Московский Кремль. История, стены и башни.

Моско́вский Кре́мль — древнейшая часть Москвы, главный общественно-политический, духовно-религиозный и историко-художественный комплекс столицы, местопребывание Президента Российской Федерации . Расположен на высоком, левом берегу Москвы-реки — Боровицком холме, при впадении в неё р. Неглинной. В плане Кремль — неправильный треугольник Южная стена обращена к Москве-реке, северо-западная — к Александровскому саду, восточная — к Красной площади. Выделен как самостоятельная административная единица

Кремль служил как укрепление посёлка, возникшего на Боровицком холме, мысе при впадении р. Неглинной в Москву-реку. На территории современного Кремля были построены первые укрепления общей протяжённостью около 700 метров. Во время монголо-татарского нашествия Кремль был разрушен.построены стены и башни из дуба.В Кремле находилась самая древняя московская церковь — Собор Спаса на Бору, или собор Спас-Преображения Храм был уничтожен .Здесь были погребены московские князья и княгини, пока роль усыпальницы не перешла к Архангельскому собору для мужчин и Вознесенскому монастырю (также разрушенному) для женщин. В результате сооружения Кремлёвского дворца в период 1830 — 40 храм Спаса оказался вписанным во внутренний двор ДворцаДругим древнейшим сооружением был Чудов монастырь находился в восточной части территории Кремля .Во второй половине XV века Московский Кремль перестраивается с участием итальянских зодчих и обретает в значительной мере свой современный вид. Центром его стала Соборная площадь с расположенными на ней Успенским собором, Благовещенским собором, Грановитой палатой, Архангельским собором— (усыпальницей русских князей и царей) и колокольней Ивана Великого.Кремля перестраиваются: новые стены и башни выше и толще прежних, облицовываются красным кирпичом. В 1508—16 на месте современной Красной площади был вырыт ров, вода в который поступала из реки Неглинной. Кремль становится неприступной крепостью, окружённой водой со всех сторон.В XVII—XIX идёт активное строительство светских зданий, и Кремлёвский ансамбль получает логическое завершение. В строится Теремной дворец, примыкающий к Грановитой палате. В 1812 Москва и Кремль были захвачены армией Наполеона. Отступая, Наполеон приказал заминировать и взорвать кремлёвские здания. Несмотря на то, что большинство зарядов не взорвалось, урон был значительным. В разное время его проекты разрабатывали архитекторы В. И. Баженов, М. Ф. Казаков, Н. А. Львов, В. П. Стасов. Но только проекту К. А. Тона в суждено было воплотиться в жизнь. По его же проекту в было построено здание Оружейной палаты.С приходом Советской власти Кремль стал одним из символов нового строя. двуглавые орлы, венчавшие главные башни Кремля: Спасскую, Никольскую, Троицкую, Боровицкую и Водовзводную, были заменены на звёзды из рубинового стекла (построен небом. С этого же года вводится запрет на проживание на территории Кремля

Архитектура Кремля

Тайницкая, Первая безымянная, Вторая безымянная, Петровская, Беклемишевская башни (слева направо). Над стенами возвышаются Большой кремлёвский дворец, купола Архангельского собора и колокольня Ивана Великого.

Стены и башни Кремля

Существующие стены и башни были построены в 1485 — 95. Вдоль стен расположено 20 башен. 3 башни, стоящие в углах треугольника, имеют круглое сечение, остальные — квадратное. Самая высокая башня — Троицкая, она имеет высоту 80 м.

Большинство башен выполнено в едином архитектурном стиле, приданном им во второй половине XVII века. Из общего ансамбля выделяется Никольская башня

В 1806 году башня была капитально перестроена архитектором А. И. Руска: прежняя надстройка была заменена готическим верхом с ажурными украшениями. Эти украшения, а также четыре башенки по углам нижнего четверика, являются главными отличиями Никольской башни от других башен Кремля.

.

12. Архитектурный ансамбль Соборной площади Кремля.

Соборная площадь Московского Кремля Купола кремлевских соборов

Архитектурный ансамбль Соборной площади Московского Кремля сложился на рубеже XV-XVI веков.

В ансамбль площади входят постройки как светского, так и культового характера. Архитектурный облик каждого здания в значительной степени определен его назначением и ролью в этом ансамбле. Благовещенский собор был личным, домовым храмом московских великих князей. Он входил в комплекс дворцовых зданий, а его северозападная галерея служила входом во дворец. Собор был возведен в 1484-1489 годах псковскими мастерами на древнем подклете церкви XIV века. Увенчанный тремя главами и окруженный со всех сторон галереями, храм представлял собой цельную, изящную композицию. В XVI веке, при Иване Грозном, Благовещенский собор стал личным царским храмом. Его украшению уделялось большое внимание. После пожара 1547 года собор был заново расписан, для него было специально создано и привезено из разных русских городов множество икон и других христианских святынь. Напротив Благовещенского собора располагается собор Архангела Михаила. Он был возведен в 1505-1508 годах на месте храма XIV века итальянским архитектором Алевизом НовымАрхангельский собор впервые был расписан при Иване Грозном. Эта стенопись сохранилась лишь фрагментарно. В 1652-1666 годах большая группа художников, в которую входили лучшие царские живописцы и крупнейшие провинциальные мастера, заново расписала храм, повторив сюжетную канву живописи XVI века. Долгие годы эти фрески находились под слоями поздних росписей XVIII-XIX веков. Во время научно-реставрационных работ 1953-1955 годов эти красочные наслоения были удалены и открыта хорошо сохранившаяся живопись XVII века. Поражает ее яркая цветовая гамма и декоративность.Особенностью стенописи Архангельского собора является то, что не вся она посвящена сюжетам из "Священного писания". В нее включены условные изображения более шестидесяти реальных исторических лиц. В своеобразной портретной галерее представлена история Русского государства "в лицах" от княжения Ольги и Владимира киевских и до времени Ивана Грозного.Отдельную группу составляют изображения московских великих князей от Ивана Калиты до Ивана III, тех, что были погребены в соборе. Помещенные в нижнем ярусе стен надгробные изображения князей как бы образуют торжественное церемониальное шествие. Каждый образ имеет индивидуальную характеристику. Над княжескими фигурами в круглых медальонах помещены изображения святых, благословляющих князей. Сохранность интерьера собора, высокая историческая и художественная ценность представленных в нем произведений искусства, тесная связь с отечественной историей - все это превратило Архангельский собор Московского Кремля в редчайший памятник русской культуры.

13. Творчество Дионисия.

Дионисий - русский живописец и иконописец. Продолжатель традиций А. Рублёва, самый значит, представитель московской школы кон. XV в. Характерной чертой его искусства были узкие, элегантные фигуры, тонкий, уверенный рисунок и часто светлые, прозрачные краски. Рисовал фрески в Пафнутьевом монастыре (1467 -1477) в Боровске, писал в моек. Успенском соборе (1481 - 1482), где работал вместе с иконописцами Тимофеем, Конём и Ярезом. Работал в Иосифо-Волоцком монастыре (1484 — 1486), а со своими сыновьями Феодосием и Владимиром писал фрески и иконы в Ферапонтовом монастыре (1500 - 1502). Создал (1500) знаменитую икону «Крещение».

ДИОНИСИЙ (ок. 1440 — после 1502), иконописец и живописец, один из величайших художников Святой Руси.

Дионисий расписывал Рождественский собор Пафнутиева Боровского монастыря (1467-76); написал иконы для иконостаса Успенского собора Московского Кремля; иконы и фрески соборной церкви Иосифо-Волоколамского монастыря (после 1485). В иконах и фресках Дионисия по сравнению с искусством эпохи Андрея Рублева проявляются единообразие приемов, черты праздничности и декоративности, перед которыми несколько отступает психологическая выразительность образов. Иконам Дионисия с их тонким рисунком и изысканным колоритом, с сильно вытянутыми грациозными фигурами присущи нарядность и торжественность (“Богоматерь Одигитрия”, 1482; “Спас в силах”, “Распятие”, обе 1500; иконы для Ферапонтова монастыря, 1500-02, совместно с сыновьями Владимиром и Феодосией). Дионисию приписывают также иконы “Митрополит Петр в житии” (Успенский собор Московского Кремля), “Митрополит Алексий в житии” и ряд др. работ. Созданные Дионисием с сыновьями росписи собора Ферапонтова монастыря близ г. Кириллова (1500-02) принадлежат к числу наиболее совершенных образцов русского средневекового монументального искусства, где в стройной и цельной системе росписей органично решены идейно-образные и декоративные задачи. Эти росписи отличаются слитностью с архитектурой и красотой подчиненных плоскости стены композиций, с изящными, как бы лишенными тяжести фигурами и холодной колористической гаммой, преобладанием светлых оттенков.

14. Процесс «обмирщения» в искусстве XVII века.

Смута XVII века нанесла страшный удар по государственности, экономике и культуре страны. Тем не менее, Россия не только быстро оправилась, но и начала столь же быстро крепнуть. Именно тогда она стала территориально крупнейшей державой в мире

Видимо, собственно "обмирщали" архитектуру, живопись и литературу все же зодчие, художники, писатели, хотя делали они это чаще всего на купеческие деньги, неизбежно вынужденные в своих творениях в той или иной степени отражать вкусы и запросы посадского населения, его представления об окружающем мире и красоте. Одним из самых характерных внешних признаков нового этапа развития культуры России стало возведение, кроме храмов, каменных зданий светского назначения, сооружавшихся теперь не только феодальной знатью, но и представителями зажиточного купечества. Подклет использовался для хранения товаров, а южный придел Никиты Воина стал семейной усыпальницей этого известного купеческого рода, происходившего из Ярославля. Внутреннее оформление завершили к середине 1650-х годов уже после смерти Г. Л. Никитникова его внуки, кое-что доделывал и правнук по линии дочери – Иван Григорьевич Булгаков. Образа заказывались самым известным иконописцам того времени, в том числе Иосифу Владимирову ("Сошествие Святого Духа") и изографу Оружейной палаты Симону Ушакову ("Великий архиерей", "Спас Нерукотворный" и другие). В храме долгие годы находилась и знаменитая икона "Древо Государства Московского" ("Похвала Богоматери Владимирской"), которую также создал "государев зограф Пимин зовомый Симон Ушаков". При росписи стен мастера первыми в России использовали в качестве образцов (скорее, иконографических схем) гравюры из Библии Пискатора, незадолго до того изданной в Голландии, а на одной из фресок изобразили групповой портрет семейства Никитниковых. В середине XVII века в Москве на Ваганькове появился каменный дом с высокими "голландскими щипцами", также заметно выделявшийся на фоне окружающей застройки. Он принадлежал именитому гостю Алмазу (Ерофею) Ивановичу Иванову (? – 1669) из рода Чистых, происходившего из посадских людей Вологды. Торговавший с восточными странами и знавший несколько иностранных языков, этот купец со временем стал думным дворянином и начальником Посольского приказа. В составе российских посольств Алмаз Иванов выезжал в Речь Посполитую и Швецию. Возможно, его зарубежные впечатления в какой-то мере сказались на архитектуре дома. Рядом со своими двухэтажными каменными палатами у Покровских ворот член Гостиной сотни Михаил Семенович Сверчков возвел в 1696-1698 годах в стиле "нарышкинского" барокко храм Успения на Покровке. Немногим ранее на Берсеневке (ныне Берсеневская набережная Москвы-реки) по заказу государева дьяка Аверкия Степановича Кириллова (1622-1682), выходца из купеческой среды, были выстроены из большемерного кирпича новый дом и храм святителя Николая Чудотворца. Строильная книга 1657 года говорит об этом так: "На том ево огороде, подле ево Аверкиева двора построена ево Аверкиева полата вновь". Член голландского посольства Николаас Витсен, побывавший в Москве в 1665 году, писал: "Я посетил Аверкия Степановича Кириллова, первого гостя, которого считают одним из самых богатых купцов. Он живет в прекраснейшем здании; это большая и красивая каменная палата, верх из дерева. Во дворе у него собственная церковь и колокольня, богато убранные, красивый двор и сад. Обстановка внутри дома не хуже, в окнах немецкие разрисованные стекла (витражи). Короче – у него все, что нужно для богато обставленного дома: прекрасные стулья и столы, картины, ковры, шкафы, серебряные изделия и т. д. Он угостил нас различными напитками, а также огурцами, дынями, тыквой, орехами и прозрачными яблоками, и все это подали на красивом резном серебре, очень чистом. Не было недостатка в резных кубках и чарках. Все его слуги одеты в одинаковое платье, что не было принято даже у самого царя. Он угощал нас очень любезно, беседовал о недавно появившейся комете; русские об этом рассуждают неправильно. Он показал нам книгу предсказаний будущего, переведенную на русский язык, будто в ней истинные предсказания, и спросил мое мнение об этом". Как видим, элементы "обмирщения" и проникновения иностранных влияний налицо. В каменном жилом строительстве от столичного купечества не отставали именитые торговые люди провинциальных центров. В рассматриваемый период несколькими примечательными купеческими особняками украсился Псков. Самый, пожалуй, известный из них принадлежал Сергею Ивановичу Поганкину. До сих пор там стоят "Поганкины полаты". Неподалеку – купеческие дома Меншиковых, Русиновых, Трубинских, Ямских. Они, как правило, двухэтажные, каменные, с третьим деревянным этажом и складскими помещениями в виде клетей и подклетей. Из двух больших палат состоял дом купцов Пушниковых в Нижнем Новгороде. В Калуге сохранился нарядно декорированный двухэтажный дом купца К. И. Коробова. Купеческие каменные палаты XVII века известны и в небольшом городе Гороховце под Владимиром, и в Чебоксарах. Специального рассмотрения заслуживает вопрос о роли московских "торговых иноземцев" (Виниус, Келдерман, Марселис и другие) в приобщении русских к западноевропейской культуре. Все вышеописанное, без сомнения, в значительной степени способствовало "обмирщению" русской культуры, то есть проникновению и росту в ней сугубо светских элементов.

15. Творчество Симона Ушакова.

царский изограф

Он освободил русскую иконопись от застоя

Архимандрит Августин (Никитин)

К сожалению, сведений о жизни Симона Ушакова до его поступления на государственную службу нет.

Именно в это время, когда в Москве шла борьба сторонников и противников западного влияния в русской церковной живописи, в 1664 г., Симон Ушаков был переведён в иконописцы Оружейной палаты-школа русской иконописи

. Надо было появиться иконописцу, наделённому новаторским дарованием, чтобы новым исканиям была обеспечена победа. И этот человек явился в лице знаменитого "царского изографа" Симона Ушакова.Роль Симона Ушакова в утверждении стиля московской школы искусства, ставшего общенациональным русским стилем, трудно преувеличитьОн был художником и ремесленником, чертёжником и рисовальщиком, живописцем и иконописцем.

Самое раннее датированное произведение Симона Ушакова — икона "Богоматерь Владимирская" Это копия иконы Владимирской Божией Матери XII в., находившейся в Успенском соборе Московского Кремля. икона "Великий Архиерей "Спас Нерукотворный

Имеются свидетельства того, что Симону Ушакову приходилось часто иметь дело с памятниками греческого искусства. Он списывал привезённую в Россию копию иконы Иверской Божией Матери, его ученики писали Страстную икону Божией Матери, сам он дважды писал икону Божией Матери Киккской — новый для Руси образ, пришедший с острова Кипр и широко распространённый на греческом Востоке. Гравёр и рисовальщик

Симон Ушаков освободил русскую иконопись от застоя, дал ей возможность развиваться на чисто национальной основе. Он первый сделал попытку сблизить иконопись с живописью, посмотрел на иконопись как на искусство. Если царствование Алексея Михайловича в значительной степени подготовило реформы Петра I, то в области церковного искусства подготовителем реформ был Симон Ушаков, выявивший задачу русской иконописи. Он воспитал плеяду талантливых художников-иконописцев, которые своим творчеством разнесли славу русского церковного искусства далеко за пределы России.

16. Искусство парсуны.

Парсуна - (искаженное слово “персона”, от лат. persona — личность, лицо) — термин обозначающий произведения русской станковой портретной живописи 16-го — 17-го в.в. Первые парсуны , исполнявшиеся как иконы на досках, характерны плоскостным изображением (парсуны Федора Иоанновича, М.В.Скопина-Шуйского). В дальнейшем парсуна преодолевает иконописную условность в сторону реалистической передачи сходства и психологических черт портретируемого, наполняется объемом и светотенью. Со второй половины 17-го века парсуны исполнялись на холсте масляными красками. Развитие искусства парсуны знаменовало начало русской реалистической портретной живописи.

17. И. Никитин – основоположник русского портрета в живописи XVIII века.

Творчество И. М. Никитина. Основоположником национального портретного

жанра в России явился Иван Максимович Никитин (род. около 1690 - ум. 1741).

Мы плохо знаем биографию этого художника, но даже скудные сведения

показывают, что она была необычной. Сын священника, он первоначально пел в патриаршем хоре, однако позднее оказался преподавателем математики в

«Антиллерной школе» (будущей Артиллерийской академии). О рано пробудившемся в нем увлечении изобразительным искусством стало известно Петру I, и Никитина направили стипендиатом в Италию, где ему довелось обучаться в академиях Венеции и Флоренции. Вернувшись из-за рубежа и возглавив русскую реалистическую школу, живописец всю жизнь оставался верен идеалам петровского времени. В правление Анны Иоановны он примкнул к оппозиционным кругам и поплатился сибирской ссылкой, возвращаясь из которой (при воцарении Елизаветы Петровны) умер в дороге. Талант Никитина виден уже в самых ранних работах, например в портрете любимой сестры Петра I - Натальи Алексеевны, выступавшей в качестве

покровительницы зародившегося на Руси придворного театра. Полотно,

обнаруживая техническую неумелость автора (особенно бросается в глаза

деревянная жесткость складок бархатной мантии), вместе с тем правдиво

передает облик царевны, какой ее знали близкие люди, - дебелой,

стареющей. Ее явно болезненная полнота усугубляется землистым цветом кожи. «Портрет Напольного гетмана» Оно строго по композиции, форма лепится мягко, цвет полнозвучен, а теплый фон создает ощущение реальной глубины. Образ подкупает простотой, необычной для искусства начала столетия. Хотя на гетмане парадная одежда, богато расшитая позументами, чувствуется, что ему привычнее обстановка походов, нежели аудиенций. Его мужественное лицо задублено ветром и солнцем; лишь светлеет, выделяясь, лоб, нетронутый загаром под прикрывавшей его в походах шапкой. Глаза, привыкшие вглядываться в равнинные дали, испытующе смотрят из-под чуть воспаленных, покрасневших век. «Напольный гетман» воспринимается сегодняшним зрителем как образ

мужественного человека - современника художника, который также выдвинулся не в силу родовитости, а благодаря неустанному труду и способностям. Отметив достоинства Никитина, следует, однако, оговорить, что внутренняя характеристика изображаемого человека достигалась живописцем лишь в том случае, если характер портретируемого был, как говорится,«написан на лице» резко и определенно. Творчество Никитина решало в принципе начальную проблему портретного жанра - показ неповторимости индивидуального внешнего облика людей.

18. Развитие русского парадного портрета в творчестве А. Антропова.

1716 - 1795 Алексей Петрович Антропов

явственно прослеживается преемственность между живописцами-пенсионерами эпохи Петра I и художниками второй половины XVIII века. Лучшие достижения мастера проявились в портретистике. родился в семье «слесарного мастера» Оружейной палаты.

А.П. Антропов пишет эскиз к портрету Петра III (1762, ГТГ) и три больших парадных портрета государя: один для Святейшего Синода , другой для Правительствующего Сената и третий портрет императора в обстановке военного лагеря, находившийся в Зимнем дворце. Тогда же по ходатайству бывшего члена Синода, архимандрита Троице-Сергиевого монастыря Лаврентия Хоцятовского А.П. Антропов создает уменьшенный и усеченный вариант портрета Петра III. Однако новый император процарствовал лишь полгода и был свергнут своей женой Ц Екатериной II. Конечно, она не собиралась предоставлять место при дворе художнику, живописавшему ненавистного супруга.

много копийных портретов царицы главным образом с оригиналов иностранных художников, например, портрет императрицы Екатерины II копия с С. Торелли, а портрет Екатерины II

реалистическая правдивость ограничивается еще главным образом физическим сходством глубина человеческой психики для него еще закрыта все же произведения Антропова знаменуют ощутимый сдвиг русского искусства к реализму, зачатки которого относятся еще к петровскому времени.

Антропов скончался от горячки и похоронен в Александро-Невской лавре, для которой он в свое время писал иконы и портреты.

19. Камерный портрет в искусстве XVIII века. Творчество Ф. Рокотова.

Рокотов был родом из крепостных крестьян подмосковного имения Воронцово, принадлежавшего князю П. И. Репнину.

"Портрета неизвестного молодого человека в гвардейском мундире" "Кабинет И. И. Шувалова». он становится известен Двору, большой парадный "Портрет Петра III" получает звание адъюнкта. К лучшим работам раннего периода творчества Рокотова относится "Портрет Екатерины II в коронационном наряде" служивший своеобразным эталоном, с которого выполнялись копии, и портрет фаворита императрицы Григория Орлова .Парадные портреты Рокотова обладают декоративной красотой, мастерским рисунком. пишет и ряд интимных портретов, чаще всего мужских. В них ощущается большой интерес к своеобразию внешнего облика человека, индивидуальности характера. Выразительны портреты умного изысканного вельможи И. Г. Орлова.

Москва, куда приехал Рокотов, в ту пору отличалась большей свободой творчества по сравнению с официальным Петербургом. В Москве развертывается деятельность крупнейшего русского просветителя Н. И. Новикова, там работает талантливый драматург А. П. Сумароков, известный поэт М. М. Херасков создает литературный кружок молодежи. В этой просвещенной, передовой среде формируется мировоззрение Рокотова, которое достаточно четко начинает проявляться в его творчестве с конца 60х годов.

Именно в это время складывается своеобразная, "рокотовская" манера живописи, его индивидуальный творческий почерк. Чаще всего мастер пишет овальные портреты, причем форма холста подчеркивает общий ритмический строй произведения. То удаляя, то приближая фигуру, Рокотов дает ее в легком повороте, как правило, - погрудно. Даже незначительные, сдержанные движения модели связаны с состоянием человека. В рокотовской характеристике образа очень важны выразительность глаз и мимика, причем художник не стремится к конкретной передаче настроения, скорее он хочет создать ощущение неуловимости, мимолетности чувств человека.

Его работы удивляют нежной, утонченной красотой цветовой гаммы. Колорит, в основу которого обычно берутся три цвета, благодаря переходам выражает богатство и сложность внутренней жизни портретируемого. Художник своеобразно использует светотень, выделяя лицо и как бы растворяя второстепенные детали.

Эти черты рокотовского творчества наиболее цельно проявились в женских портретах, занимавших особое место в искусстве XVIII века. В пору своего творческого расцвета живописец создает галерею прекрасных женских образов: А. П. Струйской (1772), В. Е. Новосильцевой.

20. Левицкий – крупнейший русский портретист II половины XVIII века. Дми́трий Григо́рьевич Леви́цкий (около 1735—1822) — русский^[2] живописец украинского^[3] происхождения, академик, мастер парадного и камерного портрета.

Дмитрий Левицкий родился около 1735 года на Украине, в Киеве в семье священника Г. К. Левицкого (настоящая фамилия Нос, или Носов), известного также как художник-гравёр. Учился изобразительному искусству у отца и у живописца А. П. Антропова (с 1758 года). Предположительно участвовал вместе с отцом в росписи Андреевского собора в Киеве (середина 1750-х гг.).

Около 1758 года Левицкий переехал в Санкт-Петербург. Учился в Академии Художеств. С 1779 г. преподавал в портретном классе Академии Художеств.

Оказал сильное влияние на становление художников П. И. Соколова, В. Л. Боровиковского и Г. Угрюмова.

Левицкий скончался 4 (16) апреля 1822 г. в Петербурге.

21. Творчество Э. Фальконе.

1 декабря 1716 года - 24 января 1791 годаНачало формы

Конец формы

Фальконе известен в первую очередь как автор монумента Петру I в Санкт-Петербурге, равных которому в мировой скульптуре немного. был сыном простого столяра. Учителем и близким другом Этьена был Жан-Луи Лемуан, скульптор короля, крупный участвовал в работах по украшению Версальского парка, где впервые увидел произведения выдающегося французского ваятеля Пьера Пюже. Почти всю жизнь Фальконе провел в Париже, глину и мрамор, читает и размышляет; он нежен и колок, серьезен и шутлив; он философ, который ничему не верит и хорошо знает, почему». При всем том у Фальконе был круг верных друзей. Фальконе было уже двадцать восемь лет, когда при поступлении в Королевскую академию в 1744 году он впервые представил свою гипсовую группу «Милон Кротонский». Хотя она была холодно принята как Академией, так и общественной критикой, за эту работу Фальконе приняли в Академию в качестве «назначенного». Звание академика он получил только спустя десять лет, в 1754 году, за перевод этой группы в мрамор. Это было не только почетное звание, оно давало определенные привилегии - право на королевские заказы, получение ежегодной пенсии и бесплатной мастерской в Лувре, а также на звание дворянина. Судьба не слишком баловала мастера. Только в 1748 году ему поручили создать группу «Франция, обнимающая бюст Людовика XV». Но работа оказалась неудачной. Одной из последующих работ, исполненных Фальконе в 1752 году по королевским заказам, была мраморная статуя «Музыка». В дальнейшем по заказам дирекции королевских строений Фальконе создал еще несколько произведений. Однако по-прежнему Фальконе не пользовался королевскими милостями, хотя заслуживал их больше, чем другие. Пенсию он получил только в 1755 году. В 1753 году Фальконе принял участие в конкурсе по реконструкции и украшению церкви Св. Роха. Долгожданный успех принесло участие Фальконе в Салоне 1757 года. - «Грозящий Амур», а также «Купальщица», критики захлебывались от восторга. Не зная, которой отдать предпочтение, публика восхищалась обеими, оживленно их обсуждая. Его Амурка - это шаловливый, жизнерадостный ребенок. Улыбаясь и как бы грозя или предостерегая, он собирается совершить очередную шалость - пустить стрелу в намеченную жертву. Искренней радостью и непосредственностью веет от всего облика Амура. «Купальщицы». «Пигмалион и Галатея». Как нельзя кстати оказалось приглашение в Россию. Фальконе впечатляет идея Екатерины II - создать монумент в память Петра I. Памятник открыли 7 августа 1782 года - в столетний юбилей воцарения Петра. Екатерина послала ему две медали - золотую и серебряную, отчеканенные по случаю этого события. Вручил их ему князь Дмитрий Голицын в имении Фальконе в Шатене. Скульптор расплакался.

22. Скульптурный портрет XVIII века. Творчество Ф. Шубина. Вторая половина XVIII столетия — период высокого подъема скульптуры. Энергично развиваются все ее основные виды: рельеф, статуя, портретный бюст, наряду с монументально-декоративными становятся излюбленными и станковые произведения. Как и в живописи, особенно расцветает жанр портрета. Его высшие достижения в XVIII веке, бесспорно, связаны прежде всего с творчеством величайшего скульптора-портретиста Федота Ивановича Шубина (1740—1805). родился в семье «черносошного» крестьянина. С юных лет он овладел традиционным для тех мест косторезным мастерством. В 1759 году Шубной (Шубиным он стал именоваться, поступив в Академию) покидает родные места и направляется в Петербург, следуя примеру своего великого земляка Ломоносова. Шубин пришел в Академию будучи художником; академические же занятия выковали из него замечательного мастера скульптуры. обнаружилась замечательная одаренность Шубина именно как мастера портрета. Скульптор глубоко проник во внутренний мир человека. Шубин известен и как создатель многих бронзовых изваяний. Но полностью он выразил себя именно в произведениях из мрамора. Жизненную трепетность шубинских образов прекрасно чувствовали его современники. Недаром на памятнике, воздвигнутом над могилой мастера, о Шубине сказано: «... и под его рукою мрамор дышет...» Шубин был мастером именно бюста. С большой силой запечатлевая положительные или отрицательные свойства, скульптор избегал односторонности, умел показать противоречивость характера портретируемого.К 1774 году относится бюст генералфельдмаршала 3. Г. Чернышева, стоявшего во главе русских войск, занявших Берлин в 1760 году (мрамор, ГТГ). Это уже портрет не вельможи, а военачальника. В крупных грубоватых чертах лица — решительность; язык пластики здесь энергичнее и строже, Совсем иначе Шубин изображает другого полководца — фельдмаршала П. А. Румянцева-Задунайского Здесь он дает более приподнятый образ, чем в бюсте Чернышева, но верный своим эстетическим принципам не приукрашивает во имя героизации черты лица. Круглоликий с несколько вздернутым носом знаменитый русский главнокомандующий сохраняет в портрете свой облик, в котором нет ничего «граческого» или «римского». В 1774—1775 годах Шубиным был выполнен обширный своеобразный цикл исторических портретов. Это — пятьдесят восемь овальных мраморных рельефов, украшавших Чесменский дворец в Петербурге, а позднее переданных в Оружейную палату Московского Кремля. Выдающееся дарование Шубина неотделимо от эпохи, в которой оно сформировалось и расцвело. Его мощная реалистическая устремленность складывалась под влиянием этических и эстетических идеалов просветительства и в значительной мере связана сначала с ранним, а затем строгим этапом русского классицизма

23. Портрет на рубеже XVIII-XIX веков. Творчество В. Боровиковского.

Влади́мир Луки́ч Боровико́вский (1757—1825) — русский художник, мастер портрета и религиозной живописи.в Миргороде, в семье казака Луки Боровика. В молодости занимался иконописью под руководством отца. С 1774 г. служил в Миргородском казачьем полку.В 1788 г. Боровиковский переехал в Петербург. В столице первое время жил в доме Н. А. Львова и познакомился с его друзьями — Г. Р. Державиным, И. И. Хемницером, Е. И. Фоминым, а также Д. Г. Левицким, который стал его учителем.В конце 1790-х Боровиковский становится известным портретистом. В его творчестве преобладает камерный портрет. Боровиковский стремится к утверждению самоценности и нравственной чистоты человека (портрет «Лизыньки и Дашиньки», 1794, портрет Е. Н. Арсеньевой, 1796, и др.). В 1810-е Боровиковского привлекают сильные, энергичные личности, он акцентирует внимание на гражданственности, благородстве, достоинстве портретируемых. Облик его моделей делается сдержаннее, пейзажный фон сменяется изображением интерьера (портреты А. А. Долгорукова, 1811, М. И. Долгорукой, 1811, и др.).В свои последние годы Боровиковский вернулся к религиозной живописи, в частности написал несколько икон для строящегося Казанского собора, иконостас церкви Смоленского кладбища в Петербурге.Боровиковский умер 6 (18) апреля 1825 г. в Петербурге.

Портрет М. И. Лопухиной, 1797 Портрет князя А. Б. Куракина (1801-1802)

• Лизынька и Дашинька Портрет В. И. Арсеньевой,

• Портрет М. И. Лопухиной, Портрет Е. А. арышкиной,

• Портрет Екатерины II,

• Портрет Павла I, 1801.

• А. Б. Куракин, 1801—1802

24. Петровское барокко. Творчество Д. Трезини. Петровское Барокко — термин, применяемый историками искусства к архитектурному и художественному стилю, одобренного Петром I и широко используемый для проектирования зданий в новой российской столице Санкт-Петербурге. Ограниченный условными рамками 1697—1730 гг.. (время Петра и его непосредственных преемников) это был архитектурный стиль, в котором слились влияния итальянского барокко, раннего французского классицизма, немецкой и голландской гражданской архитектуры и ряда других стилей и направлений. Таким образом, петровское барокко не является барокко в чистом виде, и этот термин достаточно условен. Вместе с тем он безусловно отражает подспудную, еще неявную архитектурную тенденцию Петровской эпохи и помогает объяснить дальнейшую эволюцию русской архитектуры к зрелому барокко сер. XVIII столетия. Этому стилю свойственны простота объёмных построений, чёткость членений и сдержанность убранства, плоскостная трактовка фасадов.

В отличие от Нарышкинского барокко, популярного в это время в Москве , Петровское барокко представляло решительный разрыв с византийскими традициями, которые доминировали над российской архитектурой почти тысячелетие.

Церковь Петра и Павла в Новой Басманной слободе. Москва

Самым ранним образцом Петровское барокко можно условно считатать Лефортовский (Меншиковский) дворец в Москве (1697—1699 гг., архитектор Д. В. Аксамитов, перестроен 1707—1709 гг. Дж. М. Фонтана) и церковь Архангела Гавриила, в народе названная Меншикова башня (1701—07 гг., архитектор Иван Зарудный), сооружения в котором элементы «московского барокко» сочетались с ордерными деталями в оформлении фасадов.

Сохранившиеся примеры стиля Петровское Барокко в Санкт-Петербурге — Меншиковский дворец, Летний дворец Петра I, Петропавловский собор, Кикины палаты Кунсткамера «Двенадцать Коллегий». Грот в Летнем саду, не сохранился Сохранились так же Марли, Монплезир и Эрмитаж в Петергофе. И Большой дворец в Ораниенбауме и Константиновский дворец в Стрельне. Великолепным мастером своего дела слыл уроженец итальянской Швейцарии Д. Трезини. Самым знаменитым его «русским» проектом стал Петропавловский собор состоящий из необычно высокой колокольни с позолоченным шпилем и церкви-базилики. Колокольня стала в строящемся городе прекрасным высотным ориентиром в горизонтальной панораме. Подчинение церковного сооружения градостроительным задачам, строгость и сдержанность внешнего вида собора делают его приметой новой, деловой и рациональной эпохи.

Другая крупная постройка Д. Трезини — здание Двенадцати коллегий, идея создания которого принадлежит самому царю Петру I. Сооружение было возведено при участии талантливого русского зодчего М.Г. Земцова. Оно представляет собой большое административное строение, состоящее из двенадцати частей, связанных между собой галереями. Строилось это величавое, под стать петровским помыслам, сооружение почти двадцать лет, и Петр I так и не увидел результат воплощения своей мечты.

Петр I торопил своих соратников, призывая к скорейшему освоению пространства города. Несмотря на колоссальные расходы, связанные с Северной войной, он не скупясь вкладывал деньги в дорого-стоящие архитектурные проекты. В их числе строительство первого каменного Зимнего дворца на Адмиралтейском острове на углу набережной Невы и канала (позднее Зимней канавки), прорытого к реке Мойке. Со временем это строение было поглощено новым Зимним дворцом (по проекту В.В. Растрелли). В Петровском же времена по соседству с царем спешили возводить свои дома богатые вельможи. Вскоре набережная приобрела всем известное название — Дворцовая.

В это же время был заложен Александро-Невский монастырь. Его основание явилось важнейшей вехой в духовной жизни новой России. Поставили монастырь на том месте, где, как считалось, в 1240 г. князь новгородский Александр Невский разбил вражеское войско (Шведская битва), Петр I увидел в этой «связи времен» добрый знак и велел перенести мощи святого Александра, открытые в 1380 г., из Владимира в новую столицу.

Из жилых построек Петровского времени сохранился дом Петра I в его летней усадьбе на берегу Невы и Фонтанки — Летний дворец (архитекторы Д. Трезини, А. Шлютер и др.). Летняя усадьба сооружалась в 1710—1714 гг. Примыкающий к небольшому прямоугольному в плане зданию с высокой кровлей сад с фонтанами следует считать одной из первых в России регулярных парковых композиций.

В черте города были возведены многочисленные дома знатных вельмож, большая часть которых до нас не дошла. Расстраивались и пригороды Санкт-Петербурга. В первую очередь были освоены територии, прилегающие к Финскому заливу (Подзорный дворец, Екатерингоф, Стрельна, Петергоф, Ораниенбаум). В парках при дворцах появились искусственные каналы, каскады, фонтаны, многочислен-ные скульптуры

25. Творчество Ф.-Б. Растрелли – вершина развития архитектуры барокко.

родился в 1700 году в Париже, скончался в 1771 году в Санкт-Петербурге. Род Растрелли известен и древен. Дед архитектора происходил из итальянского города Флоренции, родины Данте, Петрарки, Микеланджело. Отец архитектора – знаменитый скульптор Бартоломео Карло де Растрелли, в 1716 переселившегося в Россию.

За 48 лет работы в России Растрелли создал великолепные дворцы, особняки, культовые здания, среди которых поражают смелостью архитектурных решений и масштабом: Большой дворец в Петергофе (1747 - 1752), Смольный монастырь (1748 - 1754), Екатерининский дворец в Царском Селе (1752 - 1757) и самое грандиозное творение Зимний дворец (1754 - 1762) - одно из интереснейших сооружений в стиле барокко в истории мировой архитектуры (площадь 10441 кв. м, 1050 помещений, 1886 дверей, 1945 окон, 117 лестниц). Занимавший более 20 лет пост "обер-архитектора" двора

Первой самостоятельной постройкой Растрелли был не сохранившийся дворец молдавского господаря Дмитрия Кантемира. В 1729 году сын господаря Антиох Кантемир писал: «Граф Растрелли родом итальянец, в российском государстве искусный архитектор; за младостью возраста не столько в практике силен, как в вымыслах и чертежах».

После восшествия на престол Анны Ивановны в 1730 году Франческо Растрелли стал придворным архитектором.

Зимний дворец — один из самых знаменитых барочных памятников России, построенный Франческо Бартоломео Растрелли в царствование Елизаветы Петровны. Он принадлежит к числу высших достижений отечественного зодчества XVIII века. Дворец задуман и осуществлен в виде замкнутого четырехугольника с обширным внутренним двором. Его фасады обращены на Неву, в сторону Адмиралтейства и на площадь, в центре которой Ф.Б. Растрелли предполагал поставить конную статую Петра I.

. Пышная архитектура барокко распространялась по всей России. Самые яркие творения зодчества были сосредоточены в новой столице Российского государства — в Санкт-Петербурге.

Архитектурные творения В.В. Растрелли относятся к стилю высокого барокко.

26. Архитектура классицизма. Творчество В. Баженова.

Баженов Василий Иванович 1 (12 марта) 1737 года – 2 (13) августа 1799 года

Начало формы

Конец формы

русского архитектора второй половины XVIII в., известно всему миру. Учившийся после окончания Российской Академии художеств в Париже в мастерской известного французского архитектора Шарля де Вайи, Сознательный творческий путь Баженова начался на стыке двух художественных эпох барокко и классицизма, что особым образом отразилось в его произведениях. Все его творчество пронизано просветительскими идеями, которыми жила передовая вропа того времени. Крупнейший градостроитель эпохи, Баженов в каждом своем произведении решал задачи органической связи отдельного сооружения или ансамбля с окружающей средой. Пример этого - лучший среди всех московских особняков классицизма знаменитый дом Пашкова (1784-1786), приписываемый Баженову, который по красоте и изяществу, легкости пропорций и удачному градостроительному решению может поспорить с лучшими дворцовыми сооружениями Европы Главным творением великого мастера был проект Большого Кремлевского дворца, созданный им в 1773-1775 гг. и обернувшийся большой трагедией для автора, поскольку начатое строительство так и не было осуществлено. Единственным оригинальным произведением, дающим представление о грандиозности масштабов замысла, является сохранившаяся в Музее Архитектуры уникальная авторская деревянная модель. Та же участь постигла и другой его проект - дворцово-парковый ансамбль Царицыно (1776-1785): царская усадьба осталась недостроенной. Но те сооружения ансамбля, которые дошли до наших дней, поражают гармонией уравновешенности пропорций, сочностью скульптурной пластики, раскрывающими богатую фантазию и оригинальность мышления автора. Судьба графического наследия мастера оказалась столь же трагичной: до наших дней дошло лишь небольшое количество чертежей и рисунков, каждый из которых несет на себе печать гениальности русского архитектора

27. Архитектура классицизма. Творчество М. Казакова.

Классицизм (от лат. classicus - образцовый) - художественный стиль европейского искусства XVII-XIX вв., одной из важнейших черт которого было обращение к античному искусству как высшему образцу и опора на традиции высокого Возрождения. Искусство классицизма отражало идеи гармонического устройства общества, но во многом их утрачивало по сравнению с культурой Возрождения. Конфликты личности и общества, идеала и реальности, чувства и разума свидетельствуют о сложности искусства классицизма. Художественным формам классицизма свойственны строгая организованность, уравновешенность, ясность и гармоничность образов.Для архитектуры классицизма характерны навеянные античными образцами ордерная система, четкость и геометрическая правильность объемов и планировки, выделяющиеся на глади стен портики, колонны, статуи, рельефы. Выдающимся шедевром архитектуры, соединившим классицизм и барокко в единый торжественный стиль, был дворцово-парковый ансамбль в Версале - резиденция французских королей (вторая половина XVII в.).Поздний классицизм, называемый также ампир, приобретает черты парадности и пышности, выразившиеся в архитектуре и прикладном искусстве первой трети XIX в (см. ампир). Русский классицизм во второй половине XVIII - начале XIX вв. воплотил новый, небывалый по размаху, национальному пафосу и идейной наполненности расцвет культуры архитектурные ансамбли

КАЗАКОВ, МАТВЕЙ ФЕДОРОВИЧ (1738–1812), русский архитектор. Родился в Москве осенью 1738 в семье мелкого чиновника помощник Баженова

С 1770-х годов творения Казакова во многом определяли характер новой московской архитектуры. Первым монументальным памятником классицизма в Москве явилось здание Сената в Кремле (1776–1787): треугольный по плану «храм Закона» великолепно вписался в средневековое окружение благодаря композиционной перекличке купола ротонды главного зала с кремлевскими башнями. Ротонда становится важным элементом в творчестве Казакова, определяя, в частности, композицию церкви Филиппа Митрополита (1777–1788). О барокко в обоих случаях (и в главном зале Сената, и в данном храме) напоминает пластичный архитектурный декор интерьеров. Более резкий, чем у Баженова, контраст строгой внешности здания и пышного интерьера входит в число характерных приемов Казакова.Преображая целые районы города, Казаков проектирует университет на Моховой (1782–1793, перестроен Дж.Жилярди после пожара 1812) и Голицынскую больницу на Калужской (1794–1801). Его замыслы воплощены в домах-усадьбах или городских дворцах Голицына (1770-е годы), Демидова (1779–1791), Губина (1790-е годы), Барышникова (1797–1802), разнообразных по композиции, с парадными колонными портиками. Особой роскошью декора выделяются полихромные «Золотые комнаты» Демидовского дворца в Гороховом переулке. Но наиболее совершенным среди интерьеров Казакова по праву считается Колонный зал Благородного собрания (ныне Дом Союзов, 1775), получивший свой нынешний вид – с величественной коринфской колоннадой и эффектными распалубками над верхними окнами, – в 1790-е годы. Особое место в творчестве Казакова занимает неоготика (живописный красно-белый Петровский подъездной дворец Екатерины II, 1775–1782; ныне Военно-воздушная академия имени Н.Е.Жуковского).Среди сотрудников и учеников Казакова (в 1805 его кремлевская Экспедиция получила статус архитектурного училища.Умер Казаков в Рязани

28. Классицизм в русской живописи. Творчество А. Лосенко.

В живописи главное значение приобрели логическое развертывание сюжета, ясная уравновешенная композиция, четкая передача объема, с помощью светотени подчиненная роль цвета, использование локальных цветов (Н. Пуссен, К. Лоррен).Четкая разграниченность планов в пейзажах выявлялась также с помощью цвета: передний план обязательно должен был быть коричневым, средний - зеленым, а дальний - голубым.

(1737,— 1773, Петербург) родился в семье украинского казака, рано осиротел дворе Елизаветы Петровны. Мальчик проявлял способности к живописи, проведенных в мастерской Аргунова, послужили для него весьма основательной школой. На дарование молодого художника обратил внимание И. И. Шувалов, президент только что открытой Академии трех знатнейших художеств, и в В 1760 году художник пишет портреты поэта А. П. Сумарокова и актера Я. Д. Шумского (оба в ГРМ). Авторство последней работы остается под сомнением. Видимо, к этому же времени относится известный портрет Ф. Г. Волкова.Был отправлен в пенсионерскую поездку в Париж для углубления знаний и совершенствования мастерства. «Чудесный улов рыбы» Осенью 1762 года Лосенко был вызван Шуваловым в Россию, видимо, в связи со сменой царствования и восшествием на престол Екатерины II. В этот период своего краткого пребывания на Родине он пишет портрет великого князя Павла Петровича В следующем году он вновь был отправлен Академией художеств в Париж Неслучайно он пишет в Париже «Смерть Адониса» и «Андрея Первозванного» .Стажировался в Италии, где изучал античность и копировал произведения Рафаэля. «Зевс и Фетида» Полотно «Зевс и Фетида» свидетельствует, что Лосенко уже полностью сложился как истинный «представитель классицизма», исповедующий локальный цвет, анатомическую выверенность фигур и преобладание линеарно-пластической моделировки. В итальянский период художник много внимания уделял живописным этюдам обнаженного тела; в результате появились полотна «Авель» и «Каин» В них сказалось умение точно передать анатомию человеческого тела, мастерски воспроизвести цвето-теневые оттенки, свойственные живой натуре, а также проявилось уверенное владение рисунком. По возвращению в Питер«Владимир и Рогнеда» Владимир просит прощения у пленной Рогнеды за то, что пошел войной на Полоцкую землю, убил ее отца и братьев, а ее насильно взял в жены. Перед художником стояла весьма трудная задача — не скомпрометировать ролью убийцы и насильника святого князя Владимира, крестителя Руси. Лосенко в духе патриотизма своей эпохи пытается обелить князя, показав его раскаяние. В 1773 году Лосенко начал, но не успел закончить свою вторую большую историческую картину — «Прощание Гектора с Андромахой» В ней последовательно проведены классицистические принципы как в содержании, так и в художественной организации всех ее изобразительных средств. Лосенко скончался от «водяной болезни» и был торжественно похоронен на Смоленском кладбище в Петербурге.

29. Классицизм в русской скульптуре. Творчество М. Козловского

Скульптура эпохи классицизма отличается строгостью и сдержанностью, слаженностью форм, спокойностью поз, когда даже движение не нарушает формальной замкнутости .

(1753—1802)— один из величайших русских ваятелей. — его отец был «трубачевским мастером галерного флота». скульптор учился в Академии художеств. отечественной истории. статуи Екатерины II в образе Минервы (1785, ГРМ). Он наделяет Екатерину шлемом богини мудрости Минервы и.эффектно использует мотив широкого плаща, ниспадающего красивыми складками. В 1788 году Козловский вновь направляется в Париж, Здесь им была исполнена статуя «Поликрат» в которой тема человеческого страдания и жажда освобождения подняты до трагических высот. фигура Поликрата, последнее судорожное усилие прикованной руки, лицо, охваченное смертельной мукой. волнует античная тема. «Пастушок с зайцем» Произведение это свидетельствует о глубоком и тонком проникновении в художественную культуру Древней Эллады. «Спящий амур» «Гименей», «Амур со стрелой» и др.произведения, отличающиеся утонченной оэтичностью образов. еще сильнее тяготение Козловского к героическим темам. В ином, более лирическом ключе решена скульптура «Бдение Александра Македонского» В ней с редкой законченностью и изяществом пластического выражения повествуется о воспитании в себе юным Александром выдержки и мужественности. В статуе «Яков Долгорукий» с большой силой передан образ гражданской доблести, навеянный историей родной страны. Горячий отклик у Козловского нашел легендарный переход через Альпы, совершенный в 1799 году русскими войсками под водительством Суворова. Как полагают, это событие запечатлено в его произведении «Геркулес на коне» (бронза, 1799, ГРМ, ил. 167) с помощью античного образа, который мастер использовал, даже обращаясь к современным ему событиям. Русский полководец изображен в виде всадника, напоминающего греческого атлета уверенно восседающего на скачущем коне. Скала и поток олицетворяют Альпы и Рейн, змея — побежденного врага. Эти черты условности и гиперболичности сродни высокому слогу торжественных строф оды Державина, воспевающей подвиги Суворова. Высшее художественное достижение Козловского—памятник А, В. Суворову в Петербурге (1799-1801, ил. 168). В нем нет портретности в буквальном смысле слова. По художественному совершенству и сило выражения патриотической идеи среди произведений Козловского выделяется «Самсон, разрывающий пасть льва» (1801 — 1802, ил. 165). Большая эмоциональная насыщенность произведений Козловского и лодкупающе строгое благородство вкуса, столь далекие от той холодной абстрактности и схематизма, к которым придут эпигоны классицизма в середине XIX века, характерны не только для скульптурных, но и для графических работ Козловского. Дошедшие до нас рисунки натурщиков, а также многофигурные композиционные экскизы позволяют считать Козловского наряду с Лосенко одним из лучших рисовальщиков XVIII века.

30. Творчество И. Мартоса – вершина развития скульптуры классицизма.

В десять лет Ивана отправили в Петербургскую академию художеств. Учился Мартос первоначально в классе орнаментальной скульптуры у Луи Роллана. Затем его воспитанием занялся Никола Жиле .был послан на пять лет продолжать обучение в Риме,

Наиболее ранние из дошедших до нас работ скульптора - портретные бюсты семьи Паниных. Надгробия для Мартоса стали главной сферой его деятельности на многие годы. (С.С. Волконской и М.П. Собакиной.)

Все чаще Мартос обращается в своих работах к круглой скульптуре, делая ее главным элементом надгробных сооружений, стремясь в пластике человеческого тела передать душевные движения, эмоции.

Создавал произведений общественного характера, и прежде всего городских памятников.Огромный барельеф «Истечение Моисеем воды в пустыне», исполненный скульптором, украшает аттик восточного крыла выступающей колоннады Казанского собора.

Именно одним из членов петербургского Вольного общества в 1803 году было внесено предложение о сборе пожертвований на постановку памятника Минину и Пожарскому в Москве. «Но гений Мартоса, - писал «Сын Отечества», - всех счастливее и по изящнейшему произведению своему всех превосходнее изобразил памятник Спасителям России. Проект его удостоен Высочайшего одобрения». Однако работа над памятником из-за финансовой стороны вопроса затянулась. Фактически началась она только в 1812 году, «в то время, когда предлежала великая работа вновь спасать Отечество подобно тому, как Минин и Пожарский ровно за двести лет тому назад спасали Россию».

Мартос изображает момент, когда Минин обращается к раненому князю Пожарскому с призывом возглавить русское войско и изгнать поляков из Москвы. В памятнике Мартос утверждает ведущее значение Минина, который наиболее активен в композиции. Стоя, он одной рукой как бы вручает Пожарскому меч, а другой показывает ему на Кремль, призывая встать на защиту отечества.

Изображая своих героев подобно древним мастерам и сохраняя большую долю условности и идеализации, Мартос вместе с тем стремится отметить их национальное своеобразие. Античная туника Минина, надетая поверх портов, несколько походит на русскую вышитую рубаху. Волосы его подстрижены в скобку. На щите Пожарского изображен Спас.

«Открытие памятника Минину и Пожарскому 20 февраля 1818 года превратилось в народное торжество. Этот памятник был первым в Москве, поставленным не в честь государя, а в честь народных героев.

позднего периода творчества Мартоса является памятник Ришелье в Одессе (1823 - 1828), выполненный в бронзе.

Мартос умер в 1835 году.

31. Романтический портрет. Творчество О. Кипренского.

Кипренский, Орест Адамович (1782—1836) — русский живописец портретист, рисовальщик.

Внебрачный сын крепостной, Кипренский был отдан в семью Швальбе — дворового человека бригадира Дьяконова. В 1788 году получил вольную и был определен в Воспитательное училище при петербургской Академии художеств, где проучился до 1803 года у Г.И. Угрюмова и Г.Ф. Дуайена, с 1812 года — академик.

Работал как портретист в Москве, Твери и Петербурге, преподавал. В 1816—1823 годах совершенствовался в Италии и Франции. В 1828 году уехал в Италию: работал в Риме, Неаполе, Флоренции, Милане.

Крупнейший мастер романтического портрета, автор ряда графических и живописных портретов современников.

32. Романтический пейзаж. Творчество С. Щедрина.

32. Переход от романтизма к реализму в творчестве В. Тропинина

В.А.Тропинин родился 30 марта 1776 года в селе Карповка Новгородской губернии в семье крепостных. В 1798-1804 годах учился в Академии художеств по классу С.С.Щукина. В 1823 году, после получения вольной, определен Советом Академии в "назначенные" за представленные работы: "Кружевница", "Старик - нищий" и "Портрет гравера Е.О. Скотникова", а в 1824 году удостоен звания академика Ранний период творчества Тропинина связан с Подолией, где находилось имение графа И.И.Моркова, владельца художника. Вынужденный прервать обучение в Академии, Тропинин самостоятельно развивал свое мастерство, постоянно работая с натуры. Портретные этюды детей графа Моркова отличает легкая тональность, с теплотой и серьезным отношением к миру детства исполнен "Портрет сына художника А.В. Тропинина" (около 1818 г.). Пейзаж "Свадьба в селе Кукавке". "Мальчика с жалейкой

С 1820-х годов жизнь художника была всецело связана с Москвой. Он создает портреты деятелей русской культуры, людей различного общественного положения. Атрибуты, бытовые детали, пейзажный фон раскрывают привычки и род занятий портретируемого, например, в "Портрете Карла Брюллова" (1836) или "Портрете Ю.Ф. Самарина" (1846), вносят романтический или сентиментальный акцент, как в "Портрете А.И.Барышникова" "Кружевница" (1823), "Золотошвейка" (1826), "Пряха". Простота и правдивость удачно сочетаются в них с миловидной грацией натуры. образы "стариков", "ремесленников", "слуг

"Автопортрет на фоне окна с видом на Кремль". Важную часть наследия Тропинина составляют его рисунки, в особенности карандашные портретные наброски, выделяющиеся острой характерностью наблюдений. В 1969 году в Москве был открыт Музей Тропинина и московских художников его времени.

32. Крестьянская тема в творчестве А. Венецианова.

Венецианов Алексей Гаврилович (1780 - 1847)

Художник-живописец, мастер бытового жанра, произведений на тему крестьянской жизни, портретист, литератор.

Алексей Венецианов был первым художником в истории русского искусства, который не только изображал быт крестьян, крестьянские жанры, но и создал поэтический образ крестьянской России, создал единство русского человека и окружающего гармонического мира.

Он пишет произведения маленького размера, традиционно - еще со времен малых голландцев - предназначенные для украшения жилых помещений. Родился 7 февраля 1780 года в Москве в семье небогатого купца. Учился в частном московском пансионе. Особый интерес он проявлял к портрету. Самая ранняя из сохранившихся работ - "Портрет матери, А. Л. Венециановой" В 1807 году Венецианов переселился в Петербург, поступил на службу. Одновременно он серьезно занялся занялся живописью - брал уроки у Боровиковского, копировал в Эрмитаже картины старых мастеров. В 1811 году "Автопортрет" доставил автору первое академическое звание назначенного, а "Портрет К. И. Головачевского, инспектора Академии художеств, с тремя воспитанниками" - звание академика.Помимо портретной живописи Венецианов успешно занимался графикойПосле успеха картины "Гумно", купленной у художника за значительную сумму, он решил употребить вырученные деньги "на обучение молодых бедных людей" по новому методу. Ученики мастера - в ряде случаев крепостные - жили и учились у него бесплатно. Школа попеременно функционировала в Сафонкове и в Петербурге, получая некоторую поддержку Общества поощрения художников. Официальные академические круги относились к деятельности Венецианова неодобрительно. В период двадцатилетнего существования школы Венецианов испытывал всЕ большие материальные затруднения, безуспешно изыскивая средства на ее содержание. Попытки получить место преподавателя в Академии художеств или в Московском Училище живописи и ваяния окончились неудачей. Умер Венецианов внезапно, от несчастного случая в дороге - опрокинувшиеся на крутом поворота сани нанесли ему смертельный удар.

АЛЕКСЕЙ ГАВРИЛОВИЧ ВЕНЕЦИАНОВ. НА ПАШНЕ. ВЕСНА.