21. Выдающиеся скульпторы Коненков,Вера Мухина. Выдающиеся мастера живописи Петров-Водкин,Кончаловский,Нестеров ,Сарьян

Выдающиеся скульпторы

Серге́й Тимофе́евич Конёнков (1874 — 1971) — знаменитый русский (советский) художник, скульптор. Народный художник СССР (1958). Герой Социалистического Труда (1964). Лауреат Ленинской (1977) и Сталинской премии третьей степени (1951).Ещё до революции Конёнкова называли «русским Роденом».(Роден- французский скульптор)

Биография

Конёнков родился 28 июня (10 июля) 1874 года в селе Караковичи (ныне Ельнинского района Смоленской области) в крестьянской семье. Учился в МУЖВЗ, а позднее в Высшем художественном училище Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге у профессора В. А. Беклемишева. Дипломная работа Конёнкова «Самсон, разрывающий узы» показалась слишком революционной и по распоряжению чиновников Академии художеств была уничтожена.

В 1897 году посещает Францию, Италию, Германию. В конце XIX века выступил с реалистической скульптурой «Камнебоец».

Революционные события 1905 года застали Конёнкова в Москве. Под впечатлением событий, он создаёт цикл портретов участников боёв на Пресне («Рабочий-боевик 1905 года Иван Чуркин»).

Конёнков оформляет кафе Филиппова на Тверской (1905), создаёт барельеф «Пиршество» (1910).

В 1912 году посещает Грецию и Египет.

Конёнков работает над «лесной серией», в которой широко использует дерево, применяя различные приёмы обработки. Для него лес — это воплощение стихийных сил природы, символ красоты. Он творчески переосмысливает образы старинных преданий, использует приёмы народной резьбы. К серии принадлежат такие работы как «Старенький старичок» (1909), «Старичок-полевичок» (1909), «Стрибог» (1910), «Вещая старушка» (1916), «Дядя Григорий» (1916), «Нищая братия» (1918).

Прообразом лица, изображённого в скульптуре «Вещая старушка», Конёнкову послужила чрезвычайно популярная в 1915—1916 годах русская сказительница былин и сказов М. Д. Кривополенова, простая пинежская крестьянка, удивившая Россию своим природным талантом.

Параллельно с «лесным циклом» Конёнков работает над «греческим циклом» (работы «Юноша» и «Горус»).

Конёнков одним из первых среди русских скульпторов рубежа 19-20 веков обращается к изображению обнажённого женского тела. Его работы часто выдержаны в традициях русского народного искусства, деревянной резьбы. («Крылатая» (1913), «Жар-птица» (1915), «Кариатида» (1918).

Скульптор поддержал Октябрьскую революцию, участвовал в реализации плана «монументальной пропаганды». Его стремление к монументальности стало преобладающей тенденцией в искусстве тех лет. Поиски новых форм отразились в работах 1918—1919 годов: барельефе «Павшим в борьбе за мир и братство народов» для Кремлёвской стены и памятнике «Степан Разин» для Красной площади. В 1923 году принимал участие в оформлении Всероссийской сельскохозяйственной и кустарно-промышленной выставки в Москве.

В 1922 году Конёнков женится на Маргарите Ивановне Воронцовой, а в конце 1923 года они отправляются в США для участия в выставке русского и советского искусства. Предполагалось, что поездка продлится только несколько месяцев, однако возвращение на родину состоялось только через 22 года. Основное местожительства и работы в этот период — Нью-Йорк.

В 1928—1929 годах Конёнков совершает поездку в Италию, где встречается с А. М. Горьким и работает над его портретом. В Риме проходит его персональная выставка.

К американскому периоду творчества относятся рисунки Конёнкова, связанные с размышлениями на темы Библии, «Апокалипсиса». Художник изображает Христа, пророков и апостолов, создаёт эскизы к космогониям.

В 1935 году администрация Принстонского университета заказала Сергею Конёнкову бюст учёного А. Эйнштейна. Великий физик с уважением относился к творчеству русского скульптора, но с ещё большим вниманием — к жене Конёнкова, Маргарите. Маргарита была также знакома с Робертом Оппенгеймером, «отцом американской атомной бомбы».

Во время Второй мировой войны Конёнков был членом Комитета помощи России. Получили известность письма пророческого характера (от имени свидетелей Иеговы), которые накануне войны Конёнков писал И. В. Сталину [1] [2] [3].[неавторитетный источник?]

По личному приказанию И. В. Сталина в 1945 году был зафрахтован пароход «Смольный», на котором Конёнкова и все его работы перевезли в СССР. Многие авторские гипсы были затем переведены в материал.

Скульптор получил мастерскую на улице Горького в Москве.

В 1965 году в здании Московского дома художника на Кузнецком Мосту состоялась выставка работ Конёнкова, приуроченная к 90-летию со дня его рождения.[4]

Сергей Конёнков автор портретов И. С. Тургенева, В. В. Маяковского, К. Э. Циолковского, Н. Д. Зелинского, памятников А. С. Пушкину, Л. Н. Толстому, В. И. Сурикову, надгробия М. М. Пришвину.

Скульптор также выполнил обещание, данное Горькому во время их встречи в Италии, и создал портрет внучки писателя Марфы, её дочери Нины и матери — Надежды Алексеевны Пешковой, объединив их в цикл «Три возраста» (скульптурные портреты «Марфинька» и «Ниночка»).

В галерее портретов особое место занимают изображения композиторов, в том числе И. С. Баха и Н. Паганини.

Из невоплощённых работ — проект памятника Александру II.

Сергей Конёнков похоронен в Москве на Новодевичьем кладбище (участок № 8).

Награды и премии

Герой Социалистического Труда (1964)народный художник РСФСР (1955)народный художник СССР (1958)

действительный член АХ СССР (1954)Ленинская премия (1957) — за скульптуру «Автопортрет»

Сталинская премия третьей степни (1951) — за скульптурные портреты «Марфинька» и «Ниночка»

два ордена Ленина (1955, 1964)Почётный гражданин Смоленска (1964)

Работы

Кора, 1912 Купальщица, 1917 Нищая Братия, 1917

Автопортрет ."Весь мир насилья мы разрушим..."Голова спящей Ф. М. Достоевский Женский торс Камнебоец Колхозница Портрет сказительницы Марфинька Нике Греческий патриот Рабочий-боевик 1905 года Скрипач Ф. Г. Ромашков Самсон Сон. 1913 г. Старичок-полевичок А. П. Чехов Ф. И. Шаляпин

Ве́ра Игна́тьевна Му́хина (1889—1953) — русский (советский) скульптор. Народный художник СССР (1943). Действительный член АХ СССР (1947). Лауреат пяти Сталинских премий (1941, 1943, 1946, 1951, 1952). С 1947 года по 1953 год — член Президиума АХ СССР.

Краткая биографическая справка

Вера Игнатьевна Мухина родилась 19 июня (1 июля) 1889 года в Риге в купеческой семье. Детские и юношеские годы — с 1892 по 1904 год провела в Феодосии. Здесь будущая художница получила первые уроки рисунка и живописи. Окончив гимназию и переехав в Москву, училась живописи в студиях известных пейзажистов К. Ф. Юона и И. И. Машкова.

В 1912—1914 годы жила в Париже, где посещала Академию Гранд Шомьер, обучаясь у известного французского скульптора-монументалиста Э. А. Бурделя. Позже путешествовала по Италии, изучая скульптуры и живопись периода Ренессанса. В 1918 году вышла замуж за военного врача Алексея Замкова. В 1923 году вместе с А. А. Экстер оформила павильон газеты «Известия» на первой Всероссийской сельскохозяйственной и кустарно-промышленной выставке в Москве.

Вера Игнатьевна Мухина участвовала в реализации Ленинского плана монументальной пропаганды. И была признана выдающимся мастером XX века после того, как монумент «Рабочий и колхозница» был представлен в Париже на Всемирной выставке 1937 года. Композиция завершала советский павильон, спроектированный архитектором Б. М. Иофаном.

Позднее, в 1939 году монумент был установлен недалеко от северного входа на Выставку достижений народного хозяйства (ВДНХ). С 1947 года скульптура является эмблемой киностудии «Мосфильм».

Некоторые проекты В. И. Мухиной остались неосуществлёнными, в том числе памятники Я. М. Свердлову, В. И. Ленину и челюскинцам. Памятник Максиму Горькому, предназначавшийся для Москвы, был установлен в Нижнем Новгороде.

Вера Игнатьевна Мухина скончалась 6 октября 1953 года.

Похоронена в Москве на Новодевичьем кладбище (участок № 2).

Награды и премии

Сталинская премия первой степени (1941) — за скульптурную группу «Рабочий и колхозница» на ВСХВ (1937);

Сталинская премия второй степени (1943) — за скульптурные портреты полковников Б. А. Юсупова и И. Л. Хижняка (1942);

Сталинская премия первой степени (1946) — за скульптурный портрет академика А. Н. Крылова;

Сталинская премия второй степени (1951) — за скульптурную группу «Требуем мира!» (с соавторами);

Сталинская премия первой степени (1952) — за памятник М. Горькому в Москве;

народный художник СССР (1943);

орден Трудового Красного Знамени (1938);

орден «Знак Почёта» (1945);

орден «За гражданские заслуги».

Интересные факты

После присоединения Латвии к СССР в 1940 над Статуей Свободы в Риге нависла угроза сноса, и только благодаря вмешательству Веры Игнатьевны Мухиной, памятник удалось сохранить.[1]

Вере Мухиной приписывается авторство дизайна гранёного стакана советского образца. Документального подтверждения этому нет, но весь период творчества В. И. Мухиной, действительно связан с работой на Ленинградском экспериментальном заводе художественного стекла, где скульптор выполнила большое количество творческих работ (скульптуры и декоративно-прикладных предметов).

Работы скульптора В. И. Мухиной в Москве

Скульптура «Рабочий и колхозница» рядом со Всесоюзным Выставочным Центром;

Скульптура «Наука» — установлена у здания МГУ;

Скульптуры — «Хлеб» и «Урожай» около Водного стадиона;

Скульптуры — «Океан» и «Вода» в Лужниках;

Памятник П. И. Чайковскому у здания Московской консерватории;

Памятник Максиму Горькому у Белорусского вокзала;

Памятник Максиму Горькому у Института мировой литературы;

Семь надгробий на Новодевичьем кладбище[2].

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин

(1878–1939), русский художник, теоретик искусства и писатель.

Родился в Хвалынске (Саратовская губерния) 24 октября (5 ноября) 1878 в семье сапожника; сумел получить художественное образование при поддержке местных купцов. Учился в классах живописи и рисования Ф.Е.Бурова в Самаре (1895–1897) и Центральном училище технического рисования Штиглица в Петербурге (1895–1897). В 1905 окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где в числе его наставников был В.А.Серов. Посещал студию А.Ашбе в Мюнхене (1901) и частные академии Парижа (1905–1908). В эти же годы много путешествовал по Западной Европе и Средиземноморью, побывал в Северной Африке; позднее большое значение для него имели также крымские и среднеазиатские впечатления. Испытал разнообразные воздействия как современных (французский символизм), так и старинных (живопись Древней Руси и итальянского Раннего Возрождения) традиций. Был членом объединений «Мир искусства» и «Четыре искусства». Жил в Ленинграде, а с 1927 – в Пушкине.

Целиком в духе символизма решены уже его ранние картины, где преобладают мотивы легенды или волшебного сна (Сон, 1911; Играющие мальчики, 1911; обе работы – в Русском музее, Петербург). Монументальным свидетельством творческой зрелости явилось знаменитое полотно Купание красного коня (1912) – простой сельский сюжет превращен (благодаря плавной ритмике форм и звучному локальному колориту) в поэтическое обобщение о судьбах России. Так же воспринимаются картины Мать (1913) и Девушки на Волге (1915). В своих новаторских монументально-декоративных работах (росписи в храме Василия Златоверхого в Овруче, 1910, Морском Никольском соборе Кронштадта, 1913, росписи и витраж в Троицком соборе города Сумы, 1915) Петров-Водкин выступает как замечательный мастер «церковного модерна». Религиозные мотивы порой одухотворяют и его светские композиции (1918 год в Петрограде (с фигурой Богоматери с Младенцем на первом плане), 1920; все картины – в Третьяковской галерее).

В 1910-е годы складывается особая художественно-теоретическая система Петрова-Водкина, где главную роль играет принцип «сферической перспективы», который позволяет ему, изображая натуру в ракурсах сверху и сбоку, передавать ощущение «земли как планеты». По-своему «планетарны», монументально-значительны даже его натюрморты (Селедка, 1918, Русский музей), портреты же воспринимаются как масштабные духовные вехи своего времени (Автопортрет, 1918; А.А.Ахматова, 1922; оба портрета – в Третьяковской галерее). Искренний «попутчик» революции, мастер создал эпически-идеализированные образы Гражданской войны (После боя, 1923, Центральный музей Вооруженных сил, Москва; Смерть комиссара, 1928, Русский музей). Но картина 1919 год. Тревога (1934, там же), с питерским рабочим, которого посреди ночи вызывают в ополчение, закономерно воспринимается как предчувствие сталинского «большого террора» с его ночными арестами, а многофигурное Новоселье (1937, Третьяковская галерея) –на тему «уплотнения бывших буржуев» – как сатира на новый быт.

Петров-Водкин часто (начиная с ранних подражаний М.Метерлинку) обращался к литературе, особенно в свой поздний период. Романтически-эмоциональны, весьма самобытны по жанру его Хлыновск (1930) и Пространство Эвклида (1933) – своего рода «вымышленные автобиографии», где причудливо сочетаются черты авантюрного романа, теоретического трактата и мемуаров. Плодотворно работал также как художник театра и педагог (преподавал в школе Е.Н.Званцевой (1910–1915) и Академии художеств (1918–1933).

Умер Петров-Водкин в Ленинграде 15 февраля 1939

Картины Петрова-Водкина:

Утренний натюрморт

Берег

Девушки на Волге

Купание красного коня

1918 год в Петрограде

На линии огня

Утро

1919 год. Тревога

Селедка

Смерть комиссара

Богоматерь Умиление злых сердец

Новоселье

Весна

Кончаловский Петр Петрович

(1876-1956)

В русской живописи XX в. место П. П. Кончаловского - одно из центральных. Он был создан для живописи, ощущал мир живописно - как пиршество красок - и едва ли не олицетворял собой само это искусство.

Учился он в Харьковской рисовальной школе, затем на вечерних курсах СХПУ, в академии Р. Жюлиана в Париже (1897-98), наконец, в Высшем художественном училище при Петербургской Академии Художеств (1898-1905).

Но свой художественный мир открыл лишь в новом веке, в пору бурной ломки художественных традиций. Общество художников с озорным названием "Бубновый валет" объединило в 1910 г. молодых новаторов, не удовлетворенных пассивным, чисто зрительным отображением мира на холсте. Вытеснить это иллюзорное, недостаточно, по их ощущению, материальное восприятие другим - пластически объемным, весомым, осязательно конкретным и энергичным - они стремились, осваивая, с одной стороны, творческое наследие П. Сезанна (и отчасти В. Ван Гога), а с другой - обращаясь к искусству непрофессиональному. Их привлекла грубоватая, не ведающая школьных правил перспективы, композиционного равновесия и колористической гармонии, но зато решительная и лаконичная живопись провинциальных вывесочников и яркие росписи трактирных подносов.

Укрупнить, огрубить, но сделать каждую вещь плотной и крепкой - вот задача молодого Кончаловского в его многочисленных натюрмортах, где неслучайно фигурирует часто тот же рыночный поднос как своего рода камертон, задающий живописи необходимый уровень колористического напряжения ("Красный поднос", 1913). Цвет здесь передает не столько поверхностную раскраску, сколько саму форму и массу, материальную плоть вещей. В натюрморте "Сухие краски" (1912) тяжелые цветные порошки в прозрачных банках делают это качество цвета особенно наглядным. И человека молодой Кончаловский видел почти по-вывесочному огрубленно, цельно и мощно: "Портрет художника Г. Б. Якулова" (1910), "Семейный портрет" (1912), "Портрет матадора" (1913). Впрочем, со временем влияние примитива слабеет, уступая свободной энергии письма, подвижности кисти. В "Портрете скрипача Ромашкова" (1918) решается чисто живописными средствами задача выражения в неподвижном изображении сложного, нервного движения, самого ритма музыки, которую играет скрипач.

В работах 1920-х гг. исчезает "бубновова-летский" схематизм формы и цвета, живопись Кончаловского, оставаясь полнозвучной и яркой, обретает колористическую тонкость, сложное богатство переходов и внутренних контрастов холодного и жаркого цвета. В ней празднично сияет обнаженное тело, белеют древние стены новгородских соборов, мерцающая позолота фигурной сахарницы оттеняется глубокой зеленью темного стекла ("Зеленая рюмка", 1933). Тихая домашняя сцена в автопортрете с семьей ("Миша, пойди за пивом", 1926) разворачивается в двухметровый холст, сверкающий декоративным богатством узорных тканей. Кончаловский пишет полные жизненной энергии портреты композитора С. С. Прокофьева (1934), писателя А. Н. Толстого, за обильно уставленным лоснящейся снедью столом (1940-41), искусствоведа С. Тройницкого (1943). Лишь в громадном портрете В. Э. Мейерхольда (1938), необычайно нарядном, потому что режиссер написан на узорном фоне среднеазиатской вышивки, резким диссонансом звучит драматическая нота - страдальческое лицо человека, загнанного в тупик, ждущего гибели. Свой могучий живописный темперамент, радостное приятие жизни Кончаловский донес, сквозь все сложности жизни, до последних своих холстов.

Картины художника.

Окно. Крым. Балаклава. 1929г.

А. Н. Толстой в гостях у художника. 1940-41г.

Сухие краски. 1913г.

Индюшка с семейством. 1936г.

Сирень. 1933г.

Наташа на стуле (портрет Н.П.Кончаловской в детстве). 1910

Портрет В.В.Рождественского. 1912

Сиенский портрет. 1912

Мост. 1919

Сорренто. Сад. 1924

Натюрморт.

Город. 1912

Город Сиена. 1912

Гренада. 1910

Кассис. 1913

Корзина с рябиной. 1947

Молодые дубки. 1923

Натюрморт с бегонией. 1916

Натюрморт с красным подносом. 1910-е.

Натюрморт с фруктами. 1912

Натюрморт. Персики. 1916

Натюрморт. Фрукты. 1911

Озеро Ильмень. 1925

Пейзаж. Гора Кассис. 1913

Персики. 1919

Портрет Д.П.Кончаловского. 1909

Портрет Камушки Бенедиктовой на пестром ковре с игрушками. 1931

Портрет Хулиты Перекаччо. 1939

Портрет барона К.К.Рауша фон Траубенберга. 1911

Портрет дочери в розовом платье. 1925

Раки. 1916

Семейный портрет. 1912

Сирень в корзине. 1933

Сирень в стеклянной банке. 1952

Сухие краски. 1913

Хлебы на синем. 1913

Цветы. Дигиталис. 1910

Михаи́л Васи́льевич Не́стеров (31 мая 1862, Уфа — 18 октября 1942, Москва) — русский и советский живописец. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1942). Лауреат Сталинской премии первой степени (1941).

Биография Михаила Нестерова

Михаил Васильевич Нестеров родился в Уфе 19 (31) мая 1862 в купеческой семье. Получил высшее художественное образование в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1877–1881 и 1884–1886), где его наставниками были В.Г.Перов, А.К.Саврасов, И.М.Прянишников, а также в Академии художеств (1881–1884), где учился у П.П.Чистякова. Жил преимущественно в Москве, а в 1890–1910 – в Киеве. Не раз бывал в Западной Европе, в том числе во Франции и Италии, много работал в Подмосковье (Абрамцево, Троице-Сергиева лавра и их окрестности). Был членом «Товарищества передвижников».

Если ранние его исторические картины еще по-передвижнически сюжетно-бытописательны (Избрание Михаила Федоровича на царство, 1886, Третьяковская галерея), то позднее, как бы идя вослед В.М.Васнецову, он усиливает в своих образах фольклорные черты (За приворотным зельем, 1888, Саратовский художественный музей имени А.Н.Радищева), атмосферу религиозной легенды (Пустынник, 1888–1889, Третьяковская галерея). Под воздействием живописи французского символизма (П.Пюви де Шаванн и в особенности Ж.Бастьен-Лепаж) Нестеров подчеркивает идиллически-задушевное единство своих героев и окружающей природы. Таково знаменитое Видение отроку Варфоломею (будущему Сергию Радонежскому; 1889–1890, Третьяковская галерея), написанное близ Абрамцево, – картина, где чувством чудесного проникнуты в равной мере и фигуры, и типически-среднерусский пейзаж. С этих лет художник активно работает и в сфере религиозного монументально-декоративного творчества: росписи Владимирского собора в Киеве (1890–1895), где Нестеров выступил прямым продолжателем Васнецова; мозаики и иконы церкви Спаса-на-крови в Петербурге (1894–1897), росписи храма Александра Невского в Абастумани (1902–1904), Покровского храма Марфо-Мариинской обители в Москве (1908–1911). Здесь закрепляется традиция «церковного модерна», наполняющего канонические церковные сюжеты глубоким лиризмом.

Не приняв революции, Нестеров уединяется в творчестве. Религиозные сюжеты (где мастер варьирует прежние мотивы) допускаются лишь на «экспорт», а единственная его постреволюционная выставка (1935) носит закрытый, «спецпропускной» характер. В эти годы художнику лучше всего удается выразить себя в портретах; он пишет людей искусства и науки как своего рода подвижников творческой аскезы. Таковы Художники П.Д. и А.Д.Корины (1930), Академик И.П.Павлов (1935), Скульптор И.Д.Шадр (1934), Скульптор В.И.Мухина (1940; все работы – в Третьяковской галерее) и др. В последние десятилетия жизни Нестеров увлеченно работал над воспоминаниями, которые вышли отдельной книгой (под названием Давние дни) в год его кончины.

Умер в Москве 18 октября 1942.

Наиболее известные произведения

«Девушка в кокошнике. Портрет М. И. Нестеровой.» 1885

«За приворотным зельем», 1888

«Пустынник», 1888-89, ГТГ

«Видение отроку Варфоломею», 1889-90, ГТГ

«Дмитрий, царевич убиенный», 1889

«Под благовест», 1895, ГРМ

«На горах», 1896

«Великий постриг», 1897-98, ГРМ

«Думы», 1906

«Святая Русь», 1901-06, ГРМ

«Молчание», 1903

«Е. П. Нестерова», 1905, ГТГ

«О. М. Нестерова», 1906, ГРМ

«Осенний пейзаж», 1906

«Портрет Л. Н. Толстого», 1907

«Лисичка», 1914

«На Руси. Душа народа», 1916, ГТГ

«Философы». Портрет П. А. Флоренского и С. Н. Булгакова 1917, ГТГ

«Путник», 1921

«Мыслитель», 1921—1922

«На озере», 1922

«Монашенки», 1922

«Странник», 1922

«Старец», 1923

«Девушка у пруда. Портрет Н. М. Нестеровой», 1923

«У монастырских стен» (1925),

«Христос, благословляющий отрока», 1926,

«Гонец», 1930-е годы

«Сергий и спящий монах», 1932

«Всадники. Эпизод из истории осады Троице-Сергиевой лавры», 1932

«Страстная Седмица», 1933

«Отцы-пустынники и жены непорочны», 1933

«Портрет скульптора Веры Мухиной», 1940

«Осень в деревне», 1942, ГТГ

Мартиро́с Серге́евич Сарья́н (арм. Մարտիրոս Սարյան; 28 (16) февраля 1880, Нахичевань-на-Дону, Российская империя — 5 мая 1972, Ереван, Армянская ССР, СССР), армянский и советский живописец-пейзажист, график и театральный художник.[1]

Действительный член АХ СССР (1947), Народный художник СССР (1960). Действительный член АН Армянской ССР (1956). Герой Социалистического Труда (1965). Председатель Союза художников Армянской ССР (1947—1951). Лауреат Ленинской (1965) и Сталинской премии второй степени (1941).

Творчество Сарьяна сыграло ведущую роль в становлении национальной школы армянской советской живописи.

Биография

Мартирос Сарьян родился 16 (28) февраля 1880 года в патриархальной армянской семье в местечке Нахичевань-на-Дону («Новый Нахичеван», ныне в пределах Ростова-на-Дону).

В 1895 году закончил городское училище. С 1897 по 1904 годы учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, в том числе в мастерских В. А. Серова и К. А. Коровина. В 1901—1904 годах предпринял поездку на историческую родину, посетив Лори, Ширак, Эчмиадзин, Ахпат, Санаин, Ереван и Севан. В 1900-х годах участвовал в выставках художественных объединений «Голубая роза», «Союз русских художников», «Мир искусства», «Четыре искусства». Сильное влияние на стиль Сарьяна оказала живопись П. Гогена и А. Матисса.

С 1910 по 1913 годы совершил ряд поездок в Турцию, Египет и Иран. В 1915 году Сарьян приезжает в Эчмиадзин, чтобы помогать беженцам из Турецкой Армении. В 1916 году приезжает в Тифлис и женится на Лусик Агаян, дочери армянского писателя Г. Агаяна. Тогда же Сарьян участвует в организации Общества армянских художников и «Союза армянских художников». В том же году он оформляет изданную В. Брюсовым «Антологию армянской поэзии».

После Октябрьской революции 1917 года Сарьян приезжает с семьёй в Россию. В 1918—1919 годах М. Сарьян живёт с семьёй в Новой Нахичевани. Художник становится инициатором создания и первым директором Армянского краеведческого музея в Ростове-на-Дону. Сотрудничает с театром «Театральная мастерская».

В 1921 году по приглашению председателя Совета народных комиссаров Армении А. Мясникяна переезжает на жительство в Армению. С этих пор он посвящает жизнь изображению её природы. В числе его работ в эти годы — создание герба Советской Армении и оформление занавеса первого армянского государственного театра.

В 1926—1928 годах художник живёт и работает в Париже. Большая часть его работ, выставленных в 1928 году в парижской галерее Жерар, сгорела во время пожара на корабле при возвращении на родину.

В 1930-х главной темой Сарьяна остаётся природа Армении. Художник также пишет многочисленные портреты («Р. Н. Симонов»; «А. Исаакян»; «Автопортрет с палитрой») и яркие натюрморты («Осенний натюрморт»). Сарьян работал также как книжный график («Армянские народные сказки», 1930, 1933, 1937) и как театральный художник (декорации и костюмы к опере «Алмаст» А. Спендиарова в Театре оперы и балета им. Спендиарова, 1938—1939, Ереван; «Храбрый Назар» А. Степаняна, «Давид бек» Тиграняна, «Филумена Мартуано» Э. Де Филиппо и др.).

Мартирос Сарьян скончался 5 мая 1972 в Ереване. Похоронен в пантеоне парка им. Комитаса.

Депутат ВС СССР 2—4-го созывов (1946—1958). Депутат ВС Армянской ССР с 1959 года.

Награды и премии

Сталинская премия второй степени (1941) — за оформление оперного спектакля «Алмаст» А. А. Спендиарова

Народный художник СССР (1960)

Ленинская премия (1961)

Герой Социалистического Труда (1965)

три ордена Ленина

орден Трудового Красного Знамени

орден «Знак Почёта»

медаль «За оборону Кавказа» (1945)

медаль «За доблестный труд в Великой Отечественной войне 1941-1945 гг.» (1945)

Работы

«У колодца, жаркий день», 1908

«Зной. Бегущая собака», 1909

«Море. Сфинкс», 1908

«Идущая женщина», 1911

«Улица. Полдень»

«Константинопольские собаки»

«Натюрморт. Виноград»

«Армянка»

В армянской деревне, 1901

«Сказки и сны», цикл акварелей, 1903—1908

«Сказка», 1904

«Король с дочерью», 1904

«У подножия Арарата», 1904

«У родника», 1904

«Чары Солнца», 1905

«В ущелье Ахуряна», 1905

«Комета», 1907

«Вечер в горах», 1907

«В тени», 1908

«У колодца», 1908

«Гиены», 1909

«Автопортрет», темпера, 1909

«Фруктовая лавочка», 1910

«Финиковая пальма», темпера, 1911

«Утро. Зелёные горы», 1912

«Цветы Калаки», 1914

«Портрет поэта Цатуряна», 1915

«Гора Шамирам», 1922

«Ереван», 1923

«Горы Армении», 1923

«Армения», 1923

«Пёстрый пейзаж», 1924

«Газели», 1926

«К роднику», 1926

«Портрет архитектора А. Таманяна», 1933

Иллюстрации к сборникам «Армянские народные сказки», 1930, 1933, 1937

«Горный пейзаж», 1942

«Автопортрет с палитрой», 1942

«Апрельский пейзаж», 1944

«Бжни. Крепость», 1946

«Колхоз села Кариндж в горах Туманяна», 1952

«Груши», 1957

«Земля», 1969

«Портрет Р. Н. Симонова»

«Портрет А. С. Исаакяна»

«Цветы и фрукты»

«Долина Арарата»

и др.