3. Сложение символизма в творчестве Пюви де Шаванна и Гюстава Моро.

Пюви де Шаванн — крупнейшая фигура в области монументальной живописи конца XIX в. Был тесно связан с символизмом своей способностью к поразительной метафоре, стремлением к абстракции, что превращало его картины, по его собственному выражению, «в нечто, параллельное натуре». В 1874—98 гг. Пюви де Шаванн создает свои лучшие произведения монументальной живописи — цикл панно «Жизнь св. Женевьевы» для парижского Пантеона (бывшей церкви Св. Женевьевы). Огромные холсты представляют собой последовательный рассказ о жизни святой, однако каждый из них самодостаточен («Детство св. Женевьевы», «Св. Женевьева, снабжающая парижан продовольствием во время осады»).

Интерес Пюви де Шаванна к античности сблизил его с французскими символистами, входившими в объединение «Парнас» . Панно «Священная роща...» наиболее полно воплощает символистские представления об античности. На нём изображены музы и аллегории изящных искусств, однако сюжет пересказать почти невозможно. Персонажи пребывают в лирическом пейзаже; объём пространства обозначен условно, что характерно для художника. Изысканная композиция и словно вылепленные объёмы фигур делают картину похожей на греческий рельеф.

Творчество Пюви де Шаванна находится у истоков символизма. Художнику удалось построить в своем искусстве «новый мир, параллельный природе». В таком мире любые обыденные понятия и действия наполняются другим, возвышенным смыслом, быт становится частью Бытия, и это превращение Пьер Пюви де Шаванн сумел показать с подлинным совершенством.

Гюстав Моро

Картины Моро похожи на фантастические видения, разворачивающиеся на фоне великолепных дворцовых залов с мраморными колоннадами и тяжелыми вышитыми занавесями или пейзажей с раздробленными скалами и искривленными деревьями, выделяющимися на фоне светлых далей («Сафо», 1871—72; «Саломея, танцующая перед Иродом», 1876). Персонажи в картинах Моро словно не от мира сего. Обнаженные или одетые со сказочной роскошью, они грезят, застыв в торжественных, почти ритуальных позах, их жесты значительны и театральны («Кентавр, несущий мертвого поэта», 1890; «Гесиод и муза», 1891). Театральность, декоративность присущи многим творениям мастера, он вводит зрителя в некий таинственно-рафинированный мир, где царят собственные законы эстетики («Вдохновение», 1893)

Другое требование, которому живописец неукоснительно следует в своем творчестве, — принцип «необходимого великолепия». Юные прекрасные герои обитают в особой атмосфере цветовых феерий: «Вечер и печаль» (1882—84), «Единороги» (ок. 1885). Художник любил мерцание золота, драгоценностей и минералов и сказочные цветы.

4. Одилон Редон - концепция суггестивного искусства. Символический гротеск в творчестве д. Энсора.

Редон сперва занимался в основном графикой (рисунки углем, а с 1870 – литографии). Его черно-белые листы, «черноты» (les noirs), как он их называл, выходили в свет в виде небольших серий (В грёзе, 1879; Эдгару По, 1882; Истоки, 1883; В честь Гойи, 1885; Ночь, 1886; Гюставу Флоберу, 1889; Апокалипсис святого Иоанна, 1889; Цветы зла, 1890; Сновидения, 1891; Искушение, 1896). Идеалом мастера было нарочито-смутная и трепетная визуальная лирика, с образами-галлюцинациями, всплывающими из мглы подсознания. Эти загадочные мотивы, вроде глаза в виде воздушного шара (из цикла Эдгару По), часто сопровождаются подписями в виде целых литературных фрагментов (в данном случае – «Глаз, как странный шар, направляется в бесконечность»). В композициях доминирует тревожное, «протосюрреалистическое» отчуждение либо отрешенная мистическая созерцательность (в особенности в его христианских и буддийских сюжетах).

Параллельно Редон (особенно активно – с 1890-х годов) обращался и к цвету, к пастели и масляным краскам. Его живопись, приглушенная по тону или, напротив, переливчато-яркая, сосредоточена вокруг нескольких центральных мотивов (человеческое лицо, ставшее «ликом», цветок, глаз, лодка, биологическая метаморфоза). Среди его характерных картин и пастелей – Циклоп (1898, музей Крёллер-Мюллер, Оттерло), Зеленая смерть (1905–1910, частное собрание), Черная ваза с цветами (ок. 1909, собрание Вильдестейн), Женщина среди цветов (1909–1910, частное собрание; все три работы – Нью-Йорк).

Энсор Джеймс увлекался копированием работ художников – классиков: П. П. Рубенса, П. Брейгеля, И. Босха, А. Ватто и других. Произведения Джеймса на морскую тематику доказывают, что творчество художника Дж. Тернера, несомненно, оказало на него значительное внимание.

Энсор Джеймс – один из организаторов брюссельской группы «XX», и член антверпенского объединения «Современное искусство» с 1905 года.

Работы художника, написанные в 1879-1882 гг., довольно реалистичны, но мрачноваты, поэтому живопись этого периода специалисты называют «темной». Самые известные картины этого периода: Колористка» (1880), и «После полудня в Остенде» (1881).

Манера письма художника стала резко меняться начиная с 1883 года. Форма его пейзажей, натюрмортов и сатирических работ упрощается, цветовая гамма становится светлее, поэтому его живопись более позднего периода стала называться «светлой». Картины «светлого периода» вызывают невероятные ощущения благодаря тому, что они словно наполнены светом, который лучится сквозь туман.

Не чужды были художнику и религиозные образы, что видно на его пейзажах. Эти романтичные картины рисуют природу с любовью, ярко и необычайно эмоционально. Показательна картина «Христос, шагающий по водам» (1883): образ Христа почти не заметен на картине, но вся работа проникнута радужным сиянием, красота природы выглядит мистической и невероятно одухотворенной.

Схожи с работами Дж. Тейлора картины Энсора Джеймса «Изгнание Адама и Евы из рая» (1887, Королевский музей изящных искусств, Антверпен) и «Христос, усмиряющий бурю» (1891, Музей изящных искусств, Остенде). Последняя картина выглядит особенно удивительно благодаря чередующимся радужным полосам, которыми художник изобразил небо и море (постеры пейзажи).

Помимо пейзажей Энсора Джеймса увлекала тема карнавала: маски, марионетки. Особенно это проявилось в позднем периоде его творчества. Маски в его работах появились впервые на натюрмортах 1879 года, а с 1880 – это основной мотив его живописи и графических работ.