«Современная зарубежная архитектура».

Экзаменационные вопросы:

1 Градостроительные предложения Т. Гарнье

2 Творчество Ле Корбюзье.

3 А. Лоос в архитектурной практике и публицистике.

4 Творчество Франка Ллойд Райта.

. Деятельность СIАМ.

5 Творчество Вальтера Гропиуса.

6 Деятельность голландской группы Де Стиль.

. Л. Кан и монументализм в архитектуре.

7 Творчество Мис ван дер Роэ.

. Тоталитарная архитектура Италии и Германии.

8 Архитектурный экспрессионизм в XX веке.

9 Утопии и антиутопии в архитектуре 60-х гг.

10 Современная архитектура Японии.

11 Национальная архитектура в интерпретации А. Аалто.

12 "Чикагская школа" и Луис Салливен.

13 Центры сецессиона, модерна, югендстиля в Европе.

14 Деятельность Баухауза. Основные этапы формирования школы, педагогические и творческие принципы, социальная направленность.

15 Основные принципы постмодернизма в архитектуре.

16 Эволюция архитектуры позднего модернизма в США, Пятерка "белых".

. "Новый брутализм " в архитектуре.

17 Творчество А. Гауди.

18 Творчество X. П. Берлаге.

19 О. Перре и классический экспрессионизм.

20 Архитектурный экспрессионизм: А. Гауди и Э. Мендельсон.

21 Рождение концепции «органической» архитектуры и творчество Ф. Л. Райта в межвоенный период.

. Структурализм П.Рудольфа.

22 К. Танге. Метаболизм в архитектуре и градостроительстве Японии.

23 Деконструктивизм как эволюция постмодернизма.

24 Чарльз Ренни Макинтош и его школа.

25 Арт Деко как интернациональный стиль.

26 К.-Н. Леду и проблема «говорящей архитектуры».

. Концепции Р. Вентури, Ф. Джонсона.

. Деятельность Э. Мая и Б. Таута.

27 Функционализм и рационализм в архитектуре и градостроительстве предвоенного периода.

. Национальная архитектура в интерпретации А. Аалто.

28 Структурализм и необрутализм; поиски структурной и пластической выразительности в архитектуре США и Европы.

29 Футурологический бум 1950-60-хгг.

. Контркультура и антиархитектурные концепции.

. Творчество П. Солери.

. Возрождение монументализма и символизма в архитектуре 1960х гг Л. Кан, К. Рош и др.

. Жилые комплексы и градостроительные проекты Р. Бофилла и «Архитектурной мастерской.

30 Рационалистические тенденции в архитектуре к. ХIХ – н. XX вв.

31 Первые международные выставки и их архитектура.

32 Дьюдок и эволюция группы Де Стиль.

33. Антонио Сант Элиа и футуризм в архитектуре

34. Советский конструктивизм в контексте мировой архитектуры

35. Архитектура небоскребов

36. Адлер и Салливен: Аудиториум и высотное строительство

37. Конструктивный рационализм и влияние Виоле-ле-Дюка: Гауди, Орта, Гимар и Берлаге

38. Хай-тек в архитектуре ХХ века

39. Творчество Сантьяго Калатравы

40. Творчество Н. Фостерса

41. архитектура Хундертвассера

1 Градостроительные предложения Т. Гарнье и Э. Говарда

ГАРНЬЕ, ТОНИ (Garnier, Tony) (1869–1948), французский архитектор, реформатор градостроительства в духе функционализма.

Родился в Лионе 13 августа 1869. Окончил Школу изящных искусств в Париже. В 1905–1919 служил городским архитектором Лиона, разработав и частично осуществив новый генеральный план города (с 1914). Испытал влияние социалистических и анархистских идей.

Получение в 1898 «Римского приза», присуждавшегося молодым художникам, позволило ему сосредоточиться на главном своем творении – разработке плана «Индустриального города», экспонированного в 1904 и опубликованного в 1917. Гарнье предложил выстроить на плато в юго-восточной Франции город, разделенный на четыре функциональных зоны: жилую, промышленную, культурно-административную и сельскохозяйственную, обеспечив их жизнедеятельность и взаимосвязи как транспортными сетями, так и оптимальным использованием возможностей самого ландшафта – земного рельефа, солнца, воздуха и воды. Протяженные комплексы построек должны были разделяться широкими свободными пространствами; предусматривались также два разных уровня для транспортных и пешеходных маршрутов. Гарнье исключил из своего идеального города здания суда, тюрьмы и больницы, полагая, что по мере совершенствования общества нужда в них отпадет. Главным строительным материалом должен был стать железобетон. Формальная строгость комплексов (с садами на крышах в качестве главного украшения) сочеталась в проектах с выразительными архитектурно-ландшафтными контрастами и созвучиями, сближающими замысел Гарнье (в исторической перспективе чрезвычайно влиятельный) с принципами органической архитектуры.

Частицей «Индустриального города», воплощенного в жизнь наиболее точно, явился комплекс скотобоен и скотного рынка в Лионе (1908–1924). По проектам Гарнье – в духе того же, что и в плане, экономного (в смысле декора), но ритмически-масштабного и пластичного монументализма – здесь были возведены также олимпийский стадион (1913–1918), больница Гранж-Бланш (1911–1927), жилой район «Соединенных Штатов» (1920–1935), памятник погибшим в Первую мировую войну (скульптор Ж.Б.Ларривье; 1924) и ряд других построек. В Париже мастер выстроил ратушу района Булонь-Бийанкур (1931–1934). Опубликовал книгу Великие стройки Лиона (1921) и свод своих архитектурных проектов (1932).

Умер Гарнье в Рокфор-ла-Бедуль (департамент Буш-дю-Рон в юго-восточной Франции) 19 января 1948

Хоуард, Говард (Howard) Эбинизер (29.1.1850, Лондон, — 1.5.1928, Уэлин-Гарден-Сити), английский теоретик градостроительства и социолог. Жил в Нью-Йорке (1872—77) и Лондоне (с 1877). Воспринял социально-утопические идеи Р. У. Эмерсонаи Э.Беллами. Выдвинул идею созданиягородов-садов; инициатор строительства первых городов-садов: Лечуорта (1902—03) и Уэлин-Гарден-Сити (1920). В 1899 основал Ассоциацию городов-садов.

Город-сад, тип образцового города, разработанный в конце 19 — начале 20 вв. в Англии. Возникновение идеи строительства Г.-с. было связано с резким ухудшением санитарно-гигиенических условий жизни в крупных капиталистических городах. Её можно считать попыткой практического осуществления проектов социалистов-утопистов о преодолении противоположности между городом и деревней. Основные принципы организации Г.-с. были изложены в трудах английского социолога и архитектора. Э. Хоуарда. Городам-гигантам Хоуард противопоставил небольшие города с территорией около 400 га, окруженной садово-парковым поясом площадью около 2 тыс. га, и с ограниченным числом жителей (30—35 тыс.), которым обеспечивались бы удобства городской жизни и связь с природой. Более крупные центры должны были формироваться из «созвездий» малых городов. Первый Г.-с. Лечуорт (архитектор Р.Ануин) был заложен в 1902 в 55 км от Лондона, в 1920 в 32 км от Лондона был основан Уэлин-Гарден-Сити (архитектор Л. де Суассон), планировка и застройка которого получила всеобщее признание. Идея Г.-с. приобрела сторонников в ряде стран, в том числе в России, где в 1910-х гг. была сделана попытка построить в 40 км от Москвы в Кратове Г.-с. для служащих Московско-Рязанской железной дороги (архитектор В. Н. Семенов). Однако в условиях капитализма идея Г.-с. не получила значительного развития. В советском градостроительстве идеи Г.-с. нашли претворение в широком озеленении (как на территории жилых массивов, так и в общественных центрах и пригородных зонах) и усилении роли природного ландшафта, что улучшает архитектурный облик городов и способствует созданию хороших условий для жизни и деятельности людей.

2 Творчество Ле Корбюзье

ЛЕ КОРБЮЗЬЕ (Le Corbusier) (1887–1965), французский архитектор, теоретик архитектуры, художник, дизайнер. Ле Корбюзье (настоящее имя – Шарль Эдуар Жаннере) родился в Ла-Шо-де-Фон в Швейцарии 6 октября 1887. Изучал архитектуру у Й.Хофмана в Вене (1907), О.Перре в Париже (1908–1910), П.Беренса в Берлине (1910–1911). В 1922 со своим двоюродным братом Пьером Жаннере основал в Париже архитектурную мастерскую; они продолжали работать вместе до 1940. В 1920 Ле Корбюзье и поэт П.Дермэ создали авангардный полемический журнал «Эспри нуво» (издавался в 1920–1925), со страниц которого звучала пропаганда идей функционализма. В книгах К архитектуре (1923), Урбанизм (1925) и в ряде статей, напечатанных в «Эспри нуво», Ле Корбюзье сформулировал свои знаменитые Пять принципов современной архитектуры (здание на свободно стоящих опорах, свободная композиция фасада, ленточные окна, плоская крыша с террасой-садом, свободная внутренняя планировка). Эти принципы нашли свое воплощение при создании виллы «Савой» в Пуасси близ Парижа (1929), а затем общежития швейцарских студентов в университетском городке в Париже (1930–1932).

Ле Корбюзье принадлежит несколько утопических градостроительных проектов, предусматривавших организацию городской жизни в нескольких вертикальных ярусах, регулярный план города с делением на разнофункциональные зоны, строго упорядоченную посредством архитектуры и, таким образом, уподобленную работе машины деятельность людей (план «Вуазен» для Парижа и планы нового устройства Буэнос-Айреса, Алжира, Антверпена и др.). Один из таких проектов предполагал перестройку Москвы по регулярному плану, но абсолютно без учета ее исторической застройки и особенностей ландшафта. В России по проекту Ле Корбюзье было построено здание Центросоюза на Мясницкой улице (1928–1933, при участии архитектора Н.Д.Колли). Ему принадлежит также один из проектов Дворца Советов. Среди построек Ле Корбюзье 1930-х – начала 1940-х годов – здания Центра Армии спасения в Париже (1932–1933) и Министерства просвещения и здравоохранения в Рио-де-Жанейро (1937–1943, совместно с рядом других архитекторов).

В 1940-х годах Ле Корбюзье разработал систему гармонических величин, основанную на пропорциях человеческого тела, которая должна была стать отправной точкой архитектурного проектирования; она получила название «модулор». В 1948–1952 он построил в Марселе «жилую единицу» – 17-этажный дом яркой расцветки, снабженный солнцерезами, для которого предполагалась возможность автономного функционирования, однако эта идея не была осуществлена. Впоследствии им были созданы капелла Нотр-Дам-дю-О в Роншане (1950–1953); генеральный план города и административные здания в Чандигархе, столице индийского штата Пенджаб (1950–1957); Национальный музей западного искусства в Токио (1957–1959); Центр искусств Гарвардского университета в Кеёмбридже в США (1964); больница в Венеции (1965).

Ле Корбюзье принадлежит около 50 монографий и статей. Самые известные из его трудов – К архитектуре (Vers une architecture, 1923); Урбанизм (Urbanisme, 1925); Когда соборы были белыми (Quand les cathédrales étaient blanches, 1937); Три человеческих установления (Les Trois Etablissements humains, 1945). В 1918 вместе с Озанфаном он стал одним из основоположников движения пуризма в живописи.

Умер Ле Корбюзье во французском местечке Рокбрюн Кап-Мартен 27 августа 1965.

Модулор, модулёр, модюлор (франц. modulor), система пропорций, предложенная в 1940-х гг. французским архитектором Ле Корбюзьеи его сотрудниками. М. основывается на размерах и пропорциях человеческого тела (исходные величины — условный рост человека, его высота до солнечного сплетения и с поднятой рукой, принятые равными 183, 113 и 226 см), назолотом сечениии рядахФибоначчи чисел. Введение М. преследовало цели внести в современную архитектуру и художественное конструированиемодуль, основанный на измерении человека. М. последовательно использован в ряде построек самого Ле Корбюзье и оказал известное влияние на практику мировой архитектуры и особенно дизайна.

1. Дом должен устанавливаться на опорах, чтобы внизу продолжалась зеленая зона.

2. Планировка дома должна быть свободной - внутренние перегородки могут размещаться по-разному.

3. Несущая фасадная стена или, более точно,- фасад должен оформляться в зависимости от гибкой планировки.

4. Обязательным является ленточное окно, в которое сливаются оконные проемы. Таким образом, не только улучшается освещение помещений, но и формируется геометрический рисунок фасада.

5. Наверху должна быть плоская крыша-терраса с садом, которая как бы возвращает городу зелень, которую забирает объем здания.

3 А. Лоос в архитектурной практике и публицистике.

Имя архитектора Адольфа Лооса связано с борьбой против бессмысленного украшательства в искусстве. Эта борьба прошла через все его творчество. Вплоть до конца своей жизни Лоос проповедовал и в теории и на практике идею очищения искусства - теорию пуризма...

Адольф Лоос родился 10 декабря 1870 года в Брюнне (Брно) в семье резчика по камню, владевшего мастерской, и мелкопоместной дворянки. В семье было еще двое детей. Когда Адольфу исполнилось десять лет, внезапно умер отец. Мастерской стала управлять мать, женщина суровая и энергичная, требовавшая от детей беспрекословного повиновения. Это породило у сына непонимание матери, а со временем даже ненависть.

Под влиянием отца Адольф с детства «всосал дух всех ручных ремесел». Он всегда стремился в мастерскую отца, где видел тогда много интересного. Но постепенно это отношение изменилось. Вскоре Адольфа отправили в школу, где было гораздо менее интересно, нежели в мастерской. После смерти отца он закончил гимназию монастыря бенедиктинцев в Мельке-на-Дунае и отправился в Рейхенберг, где поступил в Государственную художественно-промышленную школу по классу архитектуры. В 1889 году Адольф служил в армии. Затем уехал в Вену, и в 1890 году поступил в Технический институт Дрездена, где совершенствовался в архитектуре под руководством профессора Вейсбаха. И все это - вопреки желанию своей матери, которая хотела, чтобы Адольф взял на себя руководство мастерской отца. Но его тянуло к большему, чем управление камнерезной мастерской.

Закончив в 1893 году Технический институт Дрездена, Лоос с трудом получил согласие матери на путешествие в Северную Америку, где в Филадельфии жил его дядя, часовой мастер по профессии. Мать взяла с Адольфа подписку в том, что он никогда не станет претендовать на мастерскую отца и на наследство, с этими условиями он охотно согласился. Ему не терпелось увидеть открывшуюся в Чикаго Всемирную выставку.

Пребывание Адольфа Лооса в Америке в 1893-1896 годах связано с посещением им не только Филадельфии, Чикаго, но и Нью-Йорка, Сен-Луи. Деньги у него кончились довольно быстро, он не хотел обременять своих американских родственников и добывал себе средства существования самой различной работой, вплоть до мойщика посуды в баре. Он был молод и полон сил, владел разными ремеслами, не гнушался работой паркетчика, каменщика на стройке. Он жил впроголодь, но был счастлив и жадно впитывал впечатления о жизни незнакомой страны. Лоос внимательно изучал, как строят в Америке, особенно его потрясли работы чикагских архитекторов Адлера, Салливена. Впрочем, он никогда не стремился впоследствии им слепо подражать, хотя и восхищался деловитостью и практичным подходом к делу. Лоос усвоил правило - не подражать никому, он дорожил свободой мысли.

В 1896 году Лоос возвратился на родину и обосновался в Вене. «Он научился всему, чему мог научиться. В Америке ему нечего больше делать». Первое время он работал сотрудником строительной фирмы Майредера в Вене. Одновременно он начал публиковать статьи по вопросам искусства и ремесла в газетах и в журнале Петера Альтенберга «Искусство». В эти же годы он начал проектировать новые интерьеры квартир в доходных домах.

Лоос появился в Вене в самый разгар борьбы модернистов во главе с Отто Вагнером против Консервативной линии. Он вступил в нее и «отважился с безумной храбростью открыть войну на два фронта он боролся как против историзма архитектуры Рингштрассе, так и против орнаментализма Сецессиона». Лоос первым увидел в сецессионизме показное фасадничество, «бутафорскую чисто внешнюю декоративность», которая извращала функциональный метод модерна и грозила подменить обновление архитектуры некритическими заимствованиями «новой орнаментики». Лоос принадлежал к более молодому поколению архитекторов, нежели Вагнер, и кое в чем он яснее понимал сущность «современной архитектуры», возможно, не без критического усвоения опыта американского строительству. И Лоос довольно рано сумел отыскать тот путь, который позволил более четко толковать на практике смысл изменения архитектурных форм. В 1903 году Лоос стал членом объединения «Венские Мастерские», однако возобладавший там декоративизм вызвал резко отрицательное отношение Лооса и его скорый уход из мастерских.

Эстетические воззрения Лооса - это воззрения широко эрудированного специалиста, знающего художественные и технические достижения своего времени в разных областях и умеющего ценить эти достижения. Его взгляды на искусство зависели не столько от чужих идей, сколько от собственного владения разными ремеслами - каменщика и резчика по камню, дереву, паркетчика и т.п. С 1898 года Лоос стал помещать в венской печати статьи по вопросам развития искусства и ремесла, которые в 1921 году были объединены в сборник под многозначительным названием «Сказанное в пустоту». Статьи, написанные после 1900 года, были собраны позже в сборник под не менее броским названием «Вопреки».

В довоенный период Лоос специализируется в области интерьера частных квартир, реже - делового интерьера. Только с 1910 года он начинает возводить здания, ему удается даже построить многоквартирный городской дом. Большие замыслы этой поры у мастера остались лишь в проектах отелей, магазинов, административных зданий.

Работу Лооса в области интерьера жилища отличает общая для модерна тенденция сближения облика городской квартиры и сельского жилища. Во всех интерьерах Лоос исходит из принципа объединения пространства квартиры.

Лоос передвинул центр тяжести программы «современной архитектуры» в сторону материала, почти на четверть века опередив Ф.Л. Райта, обратив внимание на такое эстетическое воздействие произведений искусства и ремесла, какое достигается «через материал и форму». В пуризме утверждается непрерывная связь функции и формы через материал.

Опередив Ле Корбюзье, еще в 1913-1914 годах Лоос выступил с разъяснением ценности традиций народного искусства - любовного, бережного отношения к труду и к материалу, к «цели» постройки, к удобствам пользования домом. В эти-то традиции и уходит своими корнями рационализм самого Лооса - это рационализм и крестьянина, и ремесленника.

В статье 1913 года «Правила для тех, кто строит в городах» Лоос попытался показать, какие уроки можно извлечь из народного искусства «Обращай внимание на формы, в которых строит крестьянин. Потому что они есть квинтэссенция прадедовской мудрости. Но изыскивай обоснование формы. Не строй живописно. Предоставь это действие стенам, горам и солнцу. Думай не о крыше, а о дожде и снеге. Будь искренен. Природа дружит только с честностью. Не бойся прослыть несовременным. Изменения старого способа строительства возможны лишь тогда, когда они означают улучшение, иначе лучше оставаться при прежнем способе».

В этих правилах, похожих на афоризмы, ясно выражен рационалистический дух творческого метода, которым руководствовался Лоос. Это функциональный метод, утверждающий великую традицию верности практическим запросам потребителя. Но как художник Лоос убежден еще в необходимости корректировать эти запросы в соответствии с эстетическим идеалом времени.

Народной традицией можно назвать и использование открытых балочных деревянных потолков в квартире. Отделка каминной ниши кирпичом - возможно, тоже прием, возникший не в изысканных жилищах аристократов.

За тридцать пять лет Адольф Лоос создал около полусотни жилых интерьеров в квартирах доходных домов репрезентативного типа. Уже в первых своих интерьерах Лоос руководствовался принципом безорнаментальности. Он отстаивал этот принцип в своих публикациях и неуклонно следовал ему на практике. Среди наиболее интересных ранних интерьеров - квартира Гуго Габерфельда (1899), квартира Леопольда Лангера (1901), собственная квартира в Вене (1903).

В относительно скромной квартире Лангера Лоосом выполнен интерьер столовой. Мастер понимал, что в современных городских квартирах неизбежно разнообразное использование одних и тех же помещений, он наблюдал это и в Америке. Столовая квартиры Лангера является одновременно и кабинетом. Она состоит из двух комнат, связанных широким открытым проемом, образовавшимся на месте убранной стены. С двух сторон комнаты находятся разные по высоте ниши. В одной из них встроен угловой камин. Для откосов оконных ниш Лоос применяет мраморную облицовку - ее легко содержать в чистоте. Белая штукатурка верхней части стен и потолка между балками в сочетании с темным тоном мрамора и красным деревом, мягкой мебелью и коврами - все это создает строгий и уютный облик жилища. Не менее интересный образец применения орнаментального декора дает богатая квартира Эмиля Левенбаха в Вене. И жилая комната, и столовая здесь представляют собой роскошные репрезентативные помещения. Жилая комната - вся в белом мраморе облицованных стен, потолок обшит деревом. Стены облицованы мрамором и в столовой, имеющей вид торжественного небольшого зала. Убранство комнаты дополняет старинная мебель.

Вплоть до конца 1920-х годов интерьеры квартир у Лооса встречаются лишь в зданиях, полностью построенных по его проектам. Специальные работы появляются вновь только в последние годы творчества. Среди этих интерьеров наиболее интересны и цельны интерьеры квартир В. Гирша (1929), Ганса и Лео Бруймелей (1930) в Пльзене (Чехословакия). Поздние интерьеры Лооса носят более рационалистический характер, из них исчезают те детали, которые играли когда-то роль целесообразной декорации. Самый ранний деловой интерьер у Лооса - магазин модной мужской одежды Л. Гольдмана на Грабене (1898) в Вене. Здесь преобладают четкие членения, ясность линий, в отличие от жилого интерьера все оборудование магазина сделано встроенным.

В 1907 году Лоос создал прекрасный образец современного кафе на Кертнердурхганг под названием «Кертнер-бар». В интерьере «Кертнер-бара» также заметно отсутствие орнаментации. Как и в «Кафе-Музеум», Лоос применил здесь материалы, облагороженные отделкой, но более дорогие. Он не использовал ничего, что напоминало бы украшение ради украшения. Балки, простенки, плоские кессоны - все это создало напряженную живописность композиции, впечатление подлинного богатства, какого не достичь с помощью орнаментации. Современники именовали это «английской элегантностью». Но Лоос никому не подражал; все, что он употребил в этом интерьере, явилось результатом его размышлений над применением материалов.

С особым блеском функциональный метод реализован у Адольфа Лаоса в теме жилища - главной в его искусстве. Ведущее место здесь занял особняк с небольшим озелененным участком. Городской многоквартирный дом у Лооса - явление редкое, и это не случайно мастер выше всего ценил удобства, моральные, санитарно-гигиенические выгоды, какие обеспечивает именно дом-особняк, а не многоквартирный дом.

При проектировании особняка Лоос не стремился к эффектной оригинальной композиции или демонстрированию состоятельности владельца, а хотел достичь экономичного решения, самого рационального соединения комнат, так называемой экономии пространства. Она создавалась благодаря вдумчивому анализу особенностей функции каждого помещения и выбору соответствующих этой функции площади, высоты комнат. Отправной точкой здесь были гигиенические соображения, но, видимо, использовался и мудрый опыт народного зодчества, в каком разумная экономия была одним из непременных условий удобного устройства жилища. Первой работой Лооса в этой области была вилла Карма на Женевском озере (1904-1906), исполненная совместно с архитектором Гуго Эрлихом. Вереницу созданных Лоосом городских домов-особняков открывает дом Штейнера в Вене (1910). Этот дом стал хрестоматийным примером истории архитектуры 20-го столетия. Он является воплощением тезиса Лооса «Не строй живописно». Автор создал проект в строго рационалистическом духе, но, тем не менее, достиг живописности. Дом Штейнера отличался аскетической оголенностью оштукатуренных фасадов плоскостей; как и беренсовский дом Обенауэра, он по формам близок к промышленным постройкам. Крупные квадратные и лежачие проемы располагались очень редко, несимметрично и были лишены обрамлений. Этот дом явился воплощением чисто функциональной концепции жилья. Его интерьер мало чем отличается от ранних интерьеров квартир Лооса, лишь более широко во внутренней отделке применено дерево, что сблизило особняк с сельским домом.

Осенью 1918 года в Австро-Венгрии была свергнута монархия и провозглашена республика. Произошло оживление надежд на улучшение жизни. Лоос вступил в свой новый период творчества с расширенным диапазоном работ, с общественными обязанностями в качестве главного архитектора поселений Венской общины. Однако и при новом республиканском режиме он быстро разочаровался в возможностях осуществления проектов поселков и жилищ массового типа. Ему оставалось одно - работа на частного заказчика, который, по крайней мере, был сговорчивее. Вот почему и в новый период творчества дом-особняк остался преобладающей темой.

В 1922 году в связи с разногласием между Лоосом и советом Венской общины зодчий сложил с себя обязанности ее архитектора и уехал во Францию, где жил до 1928 года, иногда возвращаясь в Вену. Он женился вторично на танцовщице Эльси Альтман и активно содействовал успеху ее выступлений. Мастер сблизился с дадаистами, особенно поэтом Тристаном Цара, художником Робером Делоне. У Лооса появились зарубежные заказчики.

Среди зарубежных проектов мастера выделился неосуществленный проект дома для знаменитого актера Алессандро Моисеи в Лидо ди Венеция (1923). В нем ощущается близость лоосовской схемы «пространственной планировки» к атриумным домам. Ядром, атриумом этого жилища, по мысли автора, должна стать угловая терраса второго этажа, а не закрытые помещения, как в домах Вены. Учитывая климатические условия Италии, Лоос именно террасу сделал главным помещением дома. Благодаря угловому положению террасы открывается прекрасный вид на море, улучшается проветривание связанных с террасою помещений третьего этажа, где находятся самые высокие комнаты. Кроме того, угловая терраса, с которой можно спуститься по лестнице в сад, необычайно разнообразит композицию. В проекте дома Моисеи ярче, чем в других замыслах Лооса, выражено противоречие «технически-рациональных форм» и кустарного их осуществления, возникшее в результате исключительной простоты и оголенности архитектурных элементов. Все формы в проекте дома Моисеи геометричны, близки промышленной архитектуре. Это здание легко вообразить выполненным в железобетоне, но Лоос предусматривал использование кирпича с оштукатуриванием фасадов. Заметная работа мастера - проект поселка из двадцати вилл на французской Ривьере (1923). Парижский дом поэта-дадаиста Тристана Цара (1926-1927 годах) на авеню Жюно близ Мулен-де-ла-Галетт - следующий шаг в разработке «пространственного плана».

Наиболее совершенно «пространственная планировка» выражена в трех поздних произведениях Лооса - доме Моллера в Венг, доме Мюллера в Праге и сельском доме Кунера в Пайербахе. В каждом из этих сооружений Лоос следует своим принципам свободного формирования жилого интерьера. Композиция каждого из этих зданий дает пример виртуозного использования рельефа местности, в особенности ярко это видно на примере сельского дома Кунера. Но облик городского и сельского жилищ - как внутри, так и снаружи - чрезвычайно различен. Вероятно, в конце своего творчества Лоос не стремился сблизить эти два типа жилищ, напротив, подчеркивал их различия.

Чтение лекций в Сорбонне, выставка проектов в Осеннем салоне Парижа, доклады в Штутгарте на тему «Современный поселок» и в Граце на тему «Социальный человек и его архитектура» - таков был характер работы Лооса во время его жизни во Франции, не считая работ в области архитектуры индивидуального жилища и проектирования общественных зданий. Это период громкой известности Лооса и приобретения им международного авторитета.

В связи с тяжелой болезнью к концу 1920-х годов Лоос практиковал все меньше, у него исчез слух. Как уроженец Чехословакии, в 1930 году он получил от буржуазной республики права гражданства и пенсию. В 1931 году Лоос разработал проект рабочего поселка Баби в городе Находе Северной Чехии. Рационалист и строгий ревнитель верности функциональным требованиям, Адольф Лоос не смог полностью освободиться от влияния традиционной архитектурной концепции - традиционализма. Он успешно преодолел его в области жилища и в отделке интерьеров, но в проектах общественных зданий исходил большей частью из модернизации - часто менее радикальной, чем у Вагнера, нередко оставаясь, таким образом, позади этого мастера модерна.

Последние два года жизни Лоос был тяжело болен, он лечился в санатории в Кальксбурге под Веной, где и скончался 23 августа 1933 года. В том же году прах Лооса был перевезен в Вену и захоронен на Центральном венском кладбище.

На пути «современной архитектуры» имя Адольфа Лооса давно уже стало звучать как обозначение исторической вехи. Его творческий путь начался с расцветом модерна и закончился в период расцвета функционализма, программные лозунги которого едва ли были возможны без борьбы против украшательства, какую провел Лоос. По признанию Ле Корбюзье, с появлением Лооса «кончился сентиментальный период... Лоос вычистил под нашими ногами почву, и это было генеральной чисткой - тщательной и философски логичной».

4 Творчество Франка Ллойд Райта.

Райт Фрэнк Ллойд (Wright) (1869—1959), американский архитектор и теоретик архитектуры. Основоположник органической архитектуры. Рассматривал здание как организм с единым, свободно развивающимся пространством, связанный с природной средой. Постройкам Райта («Дом над водопадом» в Пенсильвании, 1936; Музей Гуггенхейма в Нью-Йорке, 1956—59) присущи острая индивидуальность и пластичность облика.

5. Творчество Вальтера Гропиуса

Гропиус (Gropius) Вальтер (18.5. 1883, Берлин, — 5.7.1969, Бостон, Массачусетс, США), немецкий архитектор и теоретик архитектуры. Один из основоположников функционализма, последовательно разрабатывавший принципы рационализма в архитектуре. Учился в Высших технических школах Берлина и Мюнхена (1903—07), испытал влияние П. Беренса, ассистентом которого был в 1907—10. Г. стремился к выявлению конструкций и функционального назначения построек в их внешнем облике, что обусловило новизну архитектурных форм; например, ленты остекления, опоясывающие здание обувной фабрики «Фагус» в Альфельде (Н. Саксония, 1911, совместно с А. Мейером), подчёркивают лёгкость навесной стены. В административном здании на выставке «Немецкого Веркбунда» в Кёльне (1914) выразительно противопоставление кирпичных стен лёгким металлическим конструкциям и остеклению. В 1918 Г. возглавил школы прикладного и изобразительного искусства в Веймаре, объединив их под названием «Государственный Баухауз» в 1919. В период работы в «Баухаузе» одним из первых стал осваивать те возможности для создания новых форм в современной архитектуре и дизайне, которые заложены в индустриальном производстве; Г. занимался социальными проблемами зодчества, не выходя, однако, за пределы реформистских иллюзий. В серийном производстве вещей, спроектированных художником-дизайнером, в индустриальном домостроении Г. видел средство демократизации архитектуры и материально-бытовой среды, окружающей человека. После столкновения с консервативными властями Веймара Г. переводит «Баухауз» в Дессау, где строит для него новое здание (1925—26), которое имело значение манифеста выдвигаемых им принципов рационалистической архитектуры; здесь задача организации функциональных процессов диктует асимметричное размещение масс здания. В конце 20-х гг. Г. устанавливает тесные связи с мастерами сов. конструктивизма. В 1928 Г. переехал в Берлин, посвятив себя проблеме т. н. дешёвых жилищ (см. Жилище). Г. разработал приём «строчной застройки», при которой стандартные корпуса располагаются параллельными рядами (поселок Даммершток близ Карлсруэ, 1927—28), создал также несколько прототипов экономичных квартир, широко использующихся в Западной Европе. В 1934 после прихода к власти нацистов эмигрировал в Великобританию. Вместе с архитектором М. Фраем создал ряд построек (Импингтонский сельский колледж, 1936—39, и др.), способствовавших распространению функционализма в архитектуре страны. В 1937 переехал в США, в 1937—52 профессор (с 1938 руководитель) архитектурного отделения Гарвардского университета в Кембридже. Построил промышленный посёлок Нью-Кенсингтон близ Питсбурга (1941, совместно с М. Л. Брёйером), с лёгкими по конструкции домами, расположение которых подчинялось рельефу местности. В 1946 Г. организовал творческий коллектив из 8 молодых архитекторов (ТАС), проектировал с ним архитектурные комплексы зданий Гарвардского университета в Кембридже (1949—50) и университета в Багдаде (строительство начато в 1961 ); опираясь на опыт функционализма и используя новые достижения строительной техники, построил неоклассическое здание посольства США в Афинах (1957—1961), небоскрёб авиакомпании «Панамерикан эрлайнс» в Нью-Йорке (1963).

6. Деятельность голландской группы Де Стиль

«Стиль», «Де Стейл» (голл. De Stiji — стиль), авангардистское объединение голландских архитекторов и художников. Оформилось в 1917 в Лейдене на основе одноименного журнала (1917—28); распалось в 1931. Выдвигало теорию неопластицизма — идею отказа от изобразительных, общественных и познавательных задач искусства и обращения к «чистой», максимально обобщённой форме. В живописи эта теория приводила к т. н. геометрической разновидности абстрактного искусства(П.Мондриан, организатор и теоретик «С.» — Т. ван Дусбюрг, Б. ван дер Лок и др.), в архитектуре — к господству строгой математической метрики, аскетической чёткости объёмно-пространственной композиции (архитектурные проекты ван Дусбюрга, работы Я. Й. П.Ауда, Г. Ритвелда и др.), отчасти — к принципамфункционализма.

7. Творчество Мисс Ван дер РОЭ

Мис ван дер Роэ (Mies van der Rohe) Людвиг (27.3.1886, Ахен, ныне в ФРГ, — 17.8.1969, Чикаго, США). немецкий архитектор, с 1938 работал в США. В 20-е гг. — один из лидеров функционализма; в 50-е гг. выдвинул идею «универсальной архитектурной формы». Профессор образования не получил. С 1905 работал в Берлине в мастерских архитектора Б. Пауля (до 1907) и П.Беренса(1908—12). В 1930—33 директор«Баухауза»в Дессау. В 1938—58 директор факультета архитектуры Иллинойсского технологического института (Чикаго). В 10-е гг. работал в духенеоклассицизма(дом Перльса в Берлине, 1911). Для последующего творчества М. в. д. Р. решающее значение имело знакомство с произведениями Ф. Л.Райтаи Х. П.Берлаге. В 1919—24 М. в. д. Р. выступил с серией экспериментальных проектов (в т. ч. стеклянных небоскрёбов), в которых подчёркнутая чёткость навесной конструкции сочетается с экспрессивной формой объёмов. В 1926 создал в духеэкспрессионизмапамятник К. Либкнехту и Р. Люксембург в Берлине. В 1927 руководил Международной выставкой жилища в Штутгарте, где разработал генеральный план поселка Вейсенхоф. Созданный М. в. д. Р. рационалистический образец жилого дома со стальным каркасом и изменяемой внутренней планировкой послужил прототипом зданий, получивших в 30-е гг. распространение во многих странах. В дальнейшем интересы М. в. д. Р. под влиянием голл. группы«Стиль»сосредоточиваются на формально-эстетических проблемах, связанных с разработкой пространственных систем, отдельные части которых благодаря общему свободному плану образуют непрерывное динамическое единство (павильон Германии на Всемирной выставке в Барселоне, 1929; дом Тугендхата в Брно, 1930).

  Работая в США, создал архитектурный комплекс Иллинойсского технологического института в Чикаго (1942—58). Идею «универсальной формы» (т. е. единого внутреннего пространства, дающего максимум возможностей для всех последующих изменений интерьера) впервые воплощает дом Фарнсуорт в Фокс-Ривер (штат Иллинойс, 1946—50). Тот же характер павильона с прямоугольным объёмом, нерасчленённым внутренним пространством и наружным ограждением из стеклянных панелей имеет здание архитектурного факультета Технологического института (1952—56), плоская плита покрытия которого подвешена к стальным рамным конструкциям, выведенным наружу. К элементарной геометрической форме приведены объёмы высотных зданий, созданных М. в. д. Р.; их навесные стеклянные стены расчленены однородной прямоугольной решёткой металлического каркаса. Облик этих зданий, как правило, не зависит от их назначения; вариациями одной архитектурной темы являются жилые дома на Лейк Шор Драйв (1950—51) и на Коммонуэлс Променад (1957) в Чикаго, конторские здания Сигрем-билдинг в Нью-Йорке (1958), Доминион-сентер в Торонто (Канада, 1967). Простота форм этих сооружений обеспечивается сложными техническими средствами и подчас противоречит функциональной целесообразности. Последняя крупная постройка — Новая национальная художественная галерея в Западном Берлине (1968) — представляет собою призматический стеклянный объём на мощном цоколе, перекрытый ребристой стальной плитой. В поисках форм, пригодных для любой специфической функции, М. в. д. Р. пришёл к отрицанию тех прогрессивных функционалистских идей, которые развивал в 20-е гг. Свою эстетическую концепцию он связывал с философской школой неотомизма, в абстрактности простейших геометрических тел, ясности прямого угла, обнажённости конструкции, экономии выразительных средств (принцип «меньше — значит больше») он видел воплощение «абсолютной идеи», путь к созданию вечных эстетических ценностей. В 1950—60-е гг. оказал широкое влияние на архитекторов США и Западной Европы.

8. Экспрессионизм в архитектуре.

Экспрессионизм (от лат. expressio — выражение), направление, развивавшееся в европейском искусстве и литературе примерно с 1905 по 1920-е гг. Возникло как отклик на острейший социальный кризис 1-й четверти 20 в. (включая 1-ю мировую войну и последовавшие революционные потрясения), стало выражением протеста против уродств современной буржуазной цивилизации. Социально-критический пафос отличает многие произведения Э. от искусства авангардистских течений, развивавшихся параллельно с ним или сразу после него (кубизма,сюрреализма). Протестуя против мировой войны и социальных контрастов, против засилья вещей и подавленности личности социальным механизмом, а иногда обращаясь и к теме революционного героизма, мастера Э. совмещали протест с выражением мистического ужаса перед хаосом бытия. Кризис современной цивилизации представал в произведениях Э. одним из звеньев апокалиптической катастрофы, надвигающейся на природу и человечество. Термин «Э.» впервые употребил в печати в 1911 Х. Вальден — основатель экспрессионистского журнала «Штурм» («Der Sturm»).

В архитектуре (Р. Штейнер, Э. Мендельсон, Х. Пёльциг, Б. Таут и др.) Э. во многом продолжал традиции «модерна», пропагандируя применение новых конструкций и материалов, его мастера стремились к созданию органически обусловленных, как бы вырастающих из почвы форм.

Штейнер (Steiner) Рудольф (27.2.1861, Кралевич, Хорватия, — 30.3.1925, Дорнах, близ Базеля), немецкий философ-мистик, основатель антропософии. Последователь натурфилософии Гёте, редактор и комментатор его естественнонаучного сочинения в 1883—97. Испытал влияние эволюционных учений Ч. Дарвина и Э.Геккеля, позднее — «философии жизни» Ф.Ницше. В 1902 перешёл ктеософии, возглавив немецкую секцию Теософского общества; после конфликта с ним в 1913 (из-за провозглашенияКришнамуртиновым мессией) основал Антропософское общество с центром в Дорнахе (Швейцария). В условиях послевоенного кризиса учение Ш. получило распространение преимущественно в Германии; имело определённое воздействие на круги художеств. интеллигенции.Штейнер выступал также как драматург, скульптор и архитектор: выстроенный по его проекту в Дорнахе архитектурный комплекс (Гетеанум и др.) оказал значительное влияние на архитектурный экспрессионизм.Деятельность Антропософского общества преследовалась нацистами, наложившими после 1933 запрет на сочинения Ш. С 1960-х гг. происходит некоторое оживление штейнерианства в Западной Европе и США (деятельность клинико-терапевтического института в Арлесхейме, Швейцария, и др.).

Мендельсон (Mendelsohn) Эрих (21.3.1887, Алленштейн, Восточная Пруссия, ныне Ольштын, Польша, — 15.9.1953, Сан-Франциско, США), немецкий архитектор. Учился в Высшей технической школе в Мюнхене (1907—11) у Т. Фишера. В 1911—14 был близок к мюнхенской группе «Синий всадник». В 1933 эмигрировал; жил и работал в Великобритании (между 1933 и 1941), Палестине (1936—1938), США (с 1941; преподавал в Калифорнийском и др. университетах).Испытав влияние стиля «модерн», а затемэкспрессионизма, в своих первых постройках сочетал поиски островыразительных, скульптурно-пластичных архитектурных форм (то уподобленных объектам органического мира, то подчёркнуто геометризованных) со строгой функциональностью общей композиции [астрофизическая лаборатория (Башня Эйнштейна) в Потсдаме, см. илл.; шляпная фабрика в Люккенвальде, Бранденбург, 1921—23]. Со 2-й половины 20-х гг. перешёл от напряжённой динамики ранних работ к более спокойным, хотя не менее эффектным решениям, в большей мере сближаясь с функционализмом(универмаги Шоккена в Нюрнберге, 1926, Штутгарте, 1926—28, Хемнпцс, ныне Карл-Маркс-Штадт, 1929—30; Колумбусхауз в Берлине, 1929—32). Работая в Палестине (2 больницы в Хайфе, 1937; Палестинский банк в Иерусалиме, 1938), М. оказал значительное влияние на местных архитекторов. Его главные сооружения в США — госпиталь Маймонида в Сан-Франциско (1946) и синагогальный центр в Сент-Луисе (1950). В 1924 М. посетил СССР, в 1925 выполнил проект трикотажной фабрики «Красное знамя» в Ленинграде; в 1932 участвовал в конкурсе на проект Дворца Советов в Москве.

Пёльциг (Poelzig) Ханс (30.4.1869, Берлин, — 14.6.1936, там же), немецкий архитектор. Учился в Высшей технической школе в Берлине (1888—93). Преподавал в АХ в Бреслау (ныне Вроцлав, Польша; 1900—16, с 1903—директор), в Высшей технической школе в Дрездене (1916—20), в АХ (с 1920) и Высшей технической школе в Берлине (с 1924). Начинал как последователь П. Беренса(водонапорная башня в Познани, 1910; административное здание во Вроцлаве, 1911). В 10-е гг. перешёл к причудливо-романтической (химическая фабрика в г. Любань-Шлёнски, Польша, 1911—12), подчас экспрессионистической трактовке новых конструкций, свободным объёмно-пространственным композициям, неожиданным декоративным решениям интерьеров (например, оформление металлических рёбер перекрытия в виде сталактитов в Большом театре в Берлине, многоступенчатый потолок в берлинском кинотеатре «Капитоль», см. илл.). В конце 20-х гг. в творчестве П. проявились тенденции к большей монументализации форм (здание управления фирмы «И. Г. Фарбениндустри» во Франкфурте-на-Майне,1928—30). В 1932 П. создал проект Дворца Советов в Москве. Активная творческая и педагогическая деятельность П., оказавшего большое влияние на следующее поколение немецких архитекторов (Х. Шароун и др.), была прервана нацистами: после 1933 он был лишён права работать и преподавать.

Таут (Taut) Бруно (4.5.1880, Кенигсберг, ныне Калининград, — 24.12.1938, Анкара), немецкий архитектор и теоретик архитектуры. В начале 1900-х годов учился у Т. Фишера в Штутгарте. В 1931—32 жил и работал в Москве (которую посетил также в 1926). После прихода нацистов к власти был в эмиграции (с 1933 работал и преподавал в Японии, затем в Турции). Представитель функционализма, лидер архитектурной группы «Ринг», Т. в своих произведениях [многочисленные постройки в Магдебурге (главный архитектор в 1921—24), жилой комплекс в районе Бриц в Берлине (см. илл.)] одним из первых применил в строительстве стекло и бетон, разрабатывал новые типы учебных и жилых комплексов, добиваясь лаконизма композиции и чёткой дифференциации помещений; пропагандировал широкое применение цвета в архитектуре.

10. Современная архитектура Японии

В архитектутре Японии переход от дерева к железобетону начался в конце 19 века, пик нового строительства пришелся на послевоенный период, когда появились небоскребы. Архитекторы черпали вдохновение из фантастических комиксов 1950-х годов, а большие многоквартирные дома - данти - Япония позаимствовала у Советского Союза. Недостаточно четкое планирование привело к тому, что Токио стал удивительно неоднородным. Маленькие деревянные домики, зажатые со всех сторон зданиями из стали и бетона, - обычная картина для японской столицы.

Взлет экономики вызвал кэнтику буму (архитектурный бум) 1980х годов. В городе стали стремительно подниматься гигантские небоскребы. Немногие города могут похвастаться выдающимися современными зданиями, совмещающими в себе новые идеи и традиционные эстетические концепции.

Иностранные архитекторы в Токио

Список работ лучших архитекторов в японской столице похож на международный зал славы: Ле Корбюзье и Фрэнк Ллойд Райт, потрясающие японские архитекторы Тангэ Кэндзо и Андо Тадао. Знаменитый нью-йоркский мастер Рафаэль Виноли в 1996 году закончил строительство Токийского международного форума в Юракутё, представляющего собой целый город из стекла. В 1991 году неподалеку от Отяномидзу была построена Башня Века (Century Tower) по проекту англичанина Нормана Фостера; американский архитектор Питер Эйзенман руководил строительством театра Коидзуми и странного здания Нунотани в пригороде Токио Койва, которое выглядит так, будто вот-вот развалится; итальянец Ренцо Пиано спроектировал терминал Кансайского аэропорта (1994). Многие иностранные архитекторы, работавшие в Токио, гораздо более известны в Японии, чем у себя дома, где их знают лишь как дизайнеров. Британец Найджел Коутс построил удивительное здание "Уолл Билдинг" в Хиро, вызывающие украшенное ржавыми металлическими гирляндами, а француз Филипп Старк - эксцентричное здание "Флэм д'Ор" 1989. Оно выглядит как гигантский золотой перц-чили, водруженный на вершине массивного цилиндра из черного сверкающего гранита.

Японский модернизм

На 1980-е годы пришелся расцвет деятельности нескольких известных японских архитекторов, таких как Исодзаки Арата (здание "Сюкося" в Фукуоке на Кюсю, 1974-1975; Здание Токийского "Глоб театр", 1988) и выдающегося архитектора-самоучки Андо Тадао (проект "Рокко Хаузинг Ван" в Кобе 1983, модное здание "Ла Коллеционе" в Аояма, Токио 1989). Одним из самых известных архитекторов Японии считается Тангэ Кэндзо. Впервые он обратил на себя внимание после строительства спортивных сооружений для Токийской олимпиады 1964 года и здания Ханаэ Мори (1977) с фасадом из синего зеркального стекла на фешенебельном бульваре Омотесандо. Здание Токийского муниципалитета из гранита и стекла соединяющее в себе модернизм и готику, пожалуй, одно из самых известных современных сооружений в Токио. Оно находится в районе Синдзюку, где впервые после Олимпийских игр появились небоскребы. Синдзюку можно назвать центром вертикальной архитектуры.

Спиральное здание на Аояма-дори архитектора Маки Фумихико - очень светлое и изящное. В нем располагаются выставочные и зрительные залы и рестораны. В 1990 г этот архитектор построил здание Токийского спорткомплекса, которое стало в один ряд с олимпийскими сооружениями Тангэ Кэндзо. В 1995 году в парке Киба-коэн по проекту Такахико янагидзава был построен яркий эклектичный Музей современного искусства.

Тангэ Кэндзо (р. 4.9.1913, Имабари), японский архитектор. Получил архитектурное образование в Токийском университете, который окончил в 1938. Широкую известность Т. принёс построенный им мемориальный центр Мира в Хиросиме (1949—56), где проявилось характерное для Т. стремление творчески переосмыслить приёмы средневековой японской архитектуры. В 1950— 1960-е гг., испытывая влияние «нового пластицизма» Ле Корбюзьеибрутализма, создаёт произведения, отличающиеся мужественной силой образов и скульптурной выразительностью объёмов (городской зал в Курасики, 1960), использует экспрессивные возможности большепролётных конструкций («Гимназиум» в Токио, см. илл.). В 1961 опубликовал проект реконструкции Токио, предусматривающий развитие застройки города на специальных конструкциях над Токийским заливом.

11. Национальная архитектура в интерпретации Аалто.

Аалто (Aalto) Алвар Хуго Хенрик (р. 3.2.1898, Куортане), финский архитектор. Работал в Финляндии, Швеции, США и других странах. Создатель общественных зданий (Городская библиотека в Выборге, 1927—35, санаторий в Паймио, 1929—33, Дом культуры рабочих в Хельсинки, 1955—58), промышленных сооружений (в Топпиле, 1930—31, Суниле, 1936—39, Оулу, 1951—57), жилых домов (в Бремене, 1958—63), вилл, церквей, выставочных павильонов; выступает и как градостроитель (Рованиеми, 1946—48; Сяйнятсало, 1949—52). От строго геометрических форм ранних построек А. пришёл к самобытному сочетанию национальных традиций, принципов функционализмаиорганической архитектуры, к свободе и гибкости объёмно-пространственной композиции, умело вписанной в природную среду. В постройках А. богато используется дерево.

12. «Чикагская школа» Луис Салливен

Салливен (Sullivan) Луис Генри (3.9.1856, Бостон, — 14.4.1924, Чикаго), американский архитектор и теоретик архитектуры, один из пионеров рационализма. Законченного профессионального образования не получил. Работал в мастерской архитектора Ф. Фёрнесса в Филадельфии. Посещал Школу изящных искусств

в Париже (1874). С 1875 работал в Чикаго (с 1879 — в мастерской инженера Д. Адлера, с 1881 — его компаньон). Первая большая совместная работа С. и Адлера — так называемый Аудиториум в Чикаго (1886—89), театральный зал, заключённый в оболочку из 10-этажных корпусов отеля и конторских помещений. Под влиянием Г. Х. РичардсонаС. тяготел к сочетанию рациональной логики и романтической фантазии. Разрабатывая новый тип сооружения — высотное здание, С. выявлял эстетические принципы каркасной конструкции, стремился использовать новые пропорции и ритмику, продиктованные ячеистой структурой конторского здания (Уэйнрайт-билдинг в Сент-Луисе, штат Миссури, 1890—91; Гаранти-билдинг в Буффало, 1894—95; универсальный магазин Шлесинджера и Мейера, ныне здание фирмы «Карсон-Пири-Скотт», в Чикаго, 1899—1900). В 1896 С. опубликовал статью «Высотное конторское здание с художественной точки зрения» — первое изложение его теории рационалистической архитектуры. В 1901—02 С. создал большую часть своего литературного наследства, в том числе книгу «Беседы в детском саду». В 1918 С., не выдержавший конкуренции с коммерческими фирмами, был окончательно разорён. С. — среди предтеч архитектуры 20 в. в целом, во всём многообразии её школ и течений. Так, созданная им концепцияорганической архитектурыбыла развита затем Ф. Л.Райтом. Творчество С., его афоризм «форму в архитектуре определяет функция» оказало значительное влияние на развитие европейского функционализма 1920-х гг.

13. Центры сецессиона, модерна и югенд-стиля в Европе.

Сецессион (нем. Sezession, от лат. secessio — отход, отделение, обособление), название ряда немецких и австрийских художественных обществ конца 19 — начала 20 вв., представлявших новые течения в искусстве и возникших на почве оппозиции официально признанному академизму. Наиболее известны «Мюнхенский С.», «Берлинский С.» и «Венский С.».

  «Мюнхенский С.», основанный в 1892 Ф. фон Штуком и руководимый с 1899 Ф. фон Уде, объединял преимущественно представителей немецкого варианта стиля «модерн»—югендстиля. Одним из ведущих мастеров «Мюнхенского С.» с 1893 стал архитектор, график и дизайнер П. Беренс.

  «Берлинский С.», созданный в 1899, объединял в основном художников немецкого импрессионизма(первый президент общества — М. Либерман). В 1906 общество распалось на «Новый Берлинский С.», руководимый Л. Коринтом, и «Свободный С.» во главе с Либерманом.

  «Венский С.», возникший в 1897, сгруппировал представителей австрийского «модерна», который получил название «сецессионстиль» («стиль С.», Sezessionsstil). Ядром «Венского С.» стал журнал «Вер сакрум» («Ver Sacrum», основан в 1898), бывший также органом австрийского литературного символизма(эссе Г. фон Гофмансталя, стихи Р. М. Рильке); главой и ведущим мастером в области живописи являлся Г. Климт. Характерные черты «сецессионстиля»: для живописи — мозаичная многоцветность и изощрённая орнаментальность (Климт); для графики — геометрическая ясность рисунка при его общей свободной декоративности (Климт, К. Мозер, И. М. Ольбрих, И. Хофман); для архитектуры — чёткость объёмов, ритмическая упорядоченность членений, лаконичность декора, рациональность композиционного и конструктивного решений (О. Вагнер, Ольбрих, Хофман). Отличительной особенностью «сецессионстиля» в целом (включая и декоративно-прикладное искусство) являлось тяготение его мастеров к прямолинейной орнаментике, сохранявшей геометрическую жёсткость даже в самых сложных комбинациях; отсюда «сецессионстиль» иногда называют «стилем квадрата» (Quadratstil). Деятельность «Венского С.» во многом способствовала распространению и утверждению как позитивных принципов «модерна» (в архитектуре, в книжной графике), так и его упаднических тенденций (в изобразительном искусстве — склонность к претенциозной символике, болезненной эротике, произвольное искажение форм предметного мира).

«Югендстиль» (Jugendstil), принятое в немецком искусствознании и художественной критике и применяемое обычно к немецкому искусству наименование стиля «модерн». Произошло от название мюнхенского журнала «Jugend» (1896), пропагандировавшего этот стиль.

«Модерн», стиль «модерн» (франц. moderne — новейший, современный), одно из названий стилевого направления в европейском и американском искусстве конца 19 — начала 20 вв. В Бельгии, Великобритании и США оно известно как «новое искусство» (Art Nouveau), в Германии — «югендстиль» (Jugendstil), в Австрии — «стиль Сецессиона» (Sezessionstil), в Италии — «стиль Либерти» («stile Liberty»), в Испании — «модернизм» (modernismo). «М. » возник в условиях кризиса буржуазной культуры как один из видов неоромантического протеста против антиэстетичности буржуазного образа жизни, как реакция на господство позитивизма и прагматизма. Эстетика «М.» развивала идеи символизмаи эстетизма, «философии жизни» Ф.Ницше. «М.», по мысли ряда его теоретиков (бельгиец Х. К. ван де Велде, опиравшийся на социалистические утопии У.Морриса), должен был стать стилем жизни нового, формирующегося под его воздействием общества, создать вокруг человека цельную эстетически насыщенную пространственную и предметную среду, выразить духовное содержание эпохи с помощью синтеза искусств, новых, нетрадиционных форм и приёмов, современных материалов и конструкций. Наиболее последовательно «М.» осуществил свои принципы в узкой сфере создания богатых индивидуальных жилищ. Но в духе «М.», стремившегося стать универсальным стилем своего времени, строились и многочисленные деловые, промышленные и торговые здания, вокзалы, театры, мосты, доходные дома. «М.» пытался преодолеть характерное для буржуазной культуры 19 в. противоречие между художественными и утилитарным началами, придать эстетический смысл новым функциям и конструктивным системам, приобщить к искусству все сферы жизни и сделать человека частицей художественного целого. Стремление изменить искусством мир в рамках капиталистического общества было глубоко утопичным. Практически же «М.» явился первым относительно цельным стилем художественного оформления различных сфер буржуазного быта.

  «М.» противопоставил эклектизму 19 в. единство, органичность и свободу развития стилизованной, обобщённой, ритмически организованной формы, назначение которой — одухотворить материально-вещную среду, выразить тревожный, напряжённый дух переломной эпохи. Период становления «М.» (рубеж 19—20 вв.) отмечен национально-романтическими увлечениями, интересом к средневековому и народному искусству. Для этого этапа характерно возникновение художественно-ремесленных мастерских (прообразами их были мастерские У. Морриса, 1861, и «Выставочное общество искусств и ремёсел», 1888, в Великобритании), часто противопоставлявших себя капиталистической индустрии: «Объединённые художественно-ремесленные мастерские» (1897) и «Немецкие мастерские художественных ремёсел» (1899) в Германии; «Венские мастерские» (1903) в Австрии; мастерские в Абрамцеве(1882) и Талашкине (около 1900) в России. Зрелый «М.» (конец 1900-х и 1910-е гг.) приобрёл черты интернационального стиля, основанного на применении принципиально новых художественных форм. Быстрому распространению «М.» способствовали журналы «Revue blanche» (1891, Париж), «The Studio» (1893, Лондон), «The Yellow Book» (1894, Лондон), «Jugend» (1896. Мюнхен), «Deutsche Kunst und Dekoration» (1897, Дармштадт), «Ver Sacrum» (1898, Вена),«Мир искусства»(1898/99, Петербург).

  В противоположность эклектизму с его интересом к достоверности воспроизведения отдельных деталей исторических и национальных стилей «М.» хотел возродить дух стилевого единства художественных организмов, присущий средневековому или народному искусству, общность и взаимовлияние всех видов искусства. Это предопределило появление нового типа художника — универсала, соединившего в одном лице архитектора, графика, живописца, проектировщика бытовых вещей и часто теоретика. Идея синтетического, цельного произведения искусства (Gesamtkunstwerk) ярче всего воплощена в архитектуре интерьеров, лучшие образцы которых отличаются ритмической согласованностью линий и тонов, единством деталей декора и обстановки (обои, мебель, лепнина, панели, арматура светильников), целостностью однородного перетекающего пространства, усложнённого и расширенного зеркалами, многочисленными дверными и оконными проёмами, живописными панно.

  Архитектура «М.» была первым шагом в архитектурном развитии 20 в. Она искала единства конструктивного и художественного начал, вводила свободную, функционально обоснованную планировку, применяла каркасные конструкции, разнообразные, в том числе новые, строительные и отделочные материалы (железобетон, стекло, кованый металл, необработанный камень, изразцы, фанера, холст). Свободно размещая в пространстве здания с различно оформленными фасадами, архитекторы «М.» восставали против симметрии и регулярных норм градостроительства. Богатейшие возможности формообразования, предоставленные новой техникой, они использовали для создания подчёркнуто индивидуализированного образного строя; здание и его конструктивные элементы получали декоративное и символически-образное осмысление. Наряду со стремлением к необычным живописным эффектам, динамикой и текучей пластичностью масс, уподоблением архитектурных форм органическим природным явлениям (постройки А. Гауди в Испании, В. Орта и Х. К. ван де Велде в Бельгии, Ф. О. Шехтеля в России) существовала и рационалистическая тенденция: тяготение к геометрической правильности больших, спокойных плоскостей, к строгости, порой даже пуризму (ряд построек И. Хофмана, И. Ольбриха в Австрии, Ч. Р. Макинтоша в Шотландии, поздние работы Шехтеля). Некоторые архитекторы начала 20 в. предвосхищали во многом функционализм, стремились выявить каркасную структуру здания, подчеркнуть тектонику масс и объёмов (ряд построек О. Вагнера в Австрии, П. Беренса в Германии, О. и Г. Перре во Франции).

  Основным средством выражения в стиле «М.» является орнамент, который не только украшает произведение, но и формирует его композиционную структуру. В интерьерах бельг. архитекторов изящные линейные плетения, подвижные растительные узоры рассыпаны по стенам, полу и потолку, концентрируются в местах их сопряжения, объединяют архитектурные плоскости, активизируют пространство. Бесконечно текущие, то плавно, то взволнованно извивающиеся, чувственно-сочные линии декора несут духовно-эмоциональный и символический смысл, сочетая изобразительное с отвлечённым, живое с неживым, одухотворённое с вещным.

  У мастеров венского «М.» — И. Хофмана, И. Ольбриха, — в работах шотл. группы «Четверо» во главе с Ч. Р. Макинтошем строго геометричный орнамент варьирует мотивы круга и квадрата. Несмотря на провозглашенный отказ от подражания историческим стилям, художники «М.» использовали линейный строй япон. гравюры, стилизованные растительные узоры Эгейского искусства и готики, элементы декоративных композиций барокко, рококо, ампира.

  Для «М.» характерно взаимопроникновение станковых и декоративно-прикладных форм искусства. Орнамент «М.», во всех видах искусства структурно организующий плоскость, и своеобразный ритм его гибких линий сложились в графике. Литография, ксилография, искусство книги достигли в этот период высокого подъёма. Среди ведущих графиков «М.»: англичанин О. Бёрдсли, немцы Т. Т. Хейне, Г. Фогелер, швейцарец Ф. Валлоттон, голландец Я. Тороп, норвежец Э. Мунк, в России — А. Н. Бенуа, К. А. Сомов; мастера плаката — французы А. Тулуз-Лотрек, Э. Грассе, чех А. Муха, австриец К. Мозер. В живописи и скульптуре «М.», неразрывно связанный с символизмом, стремился создать самостоятельную художественную систему, но был вместе с тем своего рода переходом от традиционных форм 19 в. к условному языку новейших европейских течений. В этом важным импульсом послужила деятельность т. н. понт-авенской школы во главе с П. Гогеном. Картины и панно «М.» рассматривались как элементы интерьера, его пространственной и эмоциональной организации. Поэтому декоративность стала одним из главных качеств живописи «М.». Характерно часто встречающееся в ней парадоксальное сочетание декоративной условности, орнаментальных ковровых фонов и вылепленных со скульптурной чёткостью и осязаемостью фигур и лиц первого плана (Г. Климт в Австрии, Ф. Кнопф в Бельгии, М. А. Врубель в России). Выразительность живописи достигалась сочетанием больших цветовых плоскостей («наби»во Франции, Л. С. Бакст в России, Э. Мунк в Норвегии), тонко нюансированной монохромией (Врубель, Бенуа). Поэтика символизма обусловила интерес к символике линии и цвета, к темам мировой скорби, смерти, эротики, к миру тайны, сна, легенды, сказки. Динамика и текучесть формы и силуэта характерны для скульптуры (бельгиец Ж. Минне, немец Г. Обрист) и для произведений декоративно-прикладного искусства, уподобляющихся феноменам природы с их органическими внутренними силами (керамические и железные изделия А. Гауди; металлические ограды метро Э. Гимара, стеклянные изделия Э. Галле, украшения Р. Лалика во Франции; стеклянные сосуды Л. К. Тиффани в США, мебель Х. ван де Велде); тяготение к конструктивности, чистоте линий, лаконизму форм проявилось в мебели Ч. Р. Макинтоша, И. Хофмана, И. А. Фомина.

14. Деятельность Баухауза. Основные этапы формирования школы, педагогические и творческие принципы, социальная направленность.

«Баухауз» (Bauhaus), Высшая школа строительства и художеств, конструирования (Hochschule fur Bau und Gestaltung), учебное заведение и архитектурно-художественное объединение в Германии. Основана в 1919 архитектором В. Гропиусомв Веймаре, в 1925 переведено в Дессау, в 1933 упразднено фашистами. Руководители «Б.», опираясь на эстетикуфункционализма, ставили целью выработать универсальные принципы современного формообразования в пластических искусствах; они стремились к комплексному художественному решению современной материально-бытовой среды, развивали у студентов способность эстетически-творческого осмысления новых материалов и конструкций, учили осознавать специфическую красоту функционально обусловленных форм предметов, создаваемых в условиях современного машинного производства. В «Б.» главным звеном учебного процесса была трудовая практика студентов в производственных, художественных и проектных мастерских, где, наряду с работами этюдно-учебного характера, создавались архитектурные проекты (в том числе типовые проекты жилых домов), образцы массовой промышленной продукции (главным образом мебели, ламп, тканей), произведения декоративной живописи и пластики. Преподавательскую и творчески-экспериментальную работу в «Б.» вели крупные архитекторы-функционалисты (В. Гропиус, Х. Мейер, Л. Мис ван дер Роз), пионеры современногодизайна(И. Иттен, Л. Мохой-Надь), а также некоторые художники-авангардисты (П. Клее, В. В. Кандинский, Л. Фейнингер, О. Шлеммер). Теоретическая и практическая деятельность «Б.» сыграла важную роль для утверждения принциповрационализмав мировой архитектуре 20 в. и становления современногохудожественного конструирования. В области изобразительного искусства «Б.» был, в сущности, центром мирового формализма. Его теоретики и главные вдохновители выражали ошибочные взгляды на природу и задачи искусства, отрицали идейность искусства, отрицали реализм.

15. Основные принципы постмодернизма в архитектуре.

ПОСТМОДЕРНИЗМ в архитектуре и изо-искусстве , совокупность тенденций в художественной культуре второй половины 20 в., связанных с радикальной переоценкой ценностей авангардизма. Утопические устремления прежнего авангарда сменились более самокритичным отношением искусства к самому себе, война с традицией - сосуществованием с ней, принципиальным стилистическим плюрализмом. Постмодернизм, отвергая рационализм "интернационального стиля", обратился к наглядным цитатам из истории искусства, к неповторимым особенностям окружающего пейзажа, сочетая все это с новейшими достижениями строительной технологии. Изо-творчество постмодернизма (ранним рубежом которого стал поп-арт) провозгласило лозунг "открытого искусства", которое свободно взаимодействует со всеми старыми и новыми стилями. В этой ситуации прежнее противостояние традиции и авангарда утратило свой смысл.

В 1960-1980-е гг. в мировой архитектуре сформировалось новое интернациональное направление – постмодернизм. Его появление отвечало общему стремлению изменить сложившуюся к середине ХХ века историческую и культурную ситуацию. От авторитарности в политике и искусстве – от тоталитаризма, диктовавшего главенство системы и формы над индивидуальными потребностями, было осуществлен переход к демократии в широком смысле этого слова. Отказ от типовых проектов, рассчитанных на усредненного потребителя и ставивших собственные условия личности привел к т.н. ситуации постмодернизма, сомнению в возможности жанрового единства.

Зарождение этого направления произошло в СЩА. Благодаря эмиграции мастеров модернизма в эту страну в 1930-1940-е гг., его развитие здесь оказалось непрерывным и достигло апогея в 1950-е гг. Так, в Америке накопилась наибольшая эмоциональная усталость от модернизма и протест против него стал особенно резким, что привело к созданию идеологии и практики постмодернизма.

Роберт Вентури. Дом, построенный для матери архитектора, 1961-1964 гг

Впервые обоснование новой концепции было представлено в монографии профессора истории архитектуры Йельского университета Роберта Вентури в 1966 г. «Сложность и противоречия в архитектуре». Он увидел в архитектуре не только «машину для жилья» Ле Корбюзье, но необходимость сложности, «опирающейся на все богатство и многозначность современного опыта, включая и опыт, присущий искусству». При этом он предлагал сохранить функционально-конструктивную основу здания, но наложить на нее говорящую и противоречивую декорацию, взятую из любого архитектурного стиля.

      

Слева: архитектор Роберт Вентури, Колледж Оберлин, ставший знаковым для постмодернизма объектом. Справа: Здание, спроектированноеархитектором Кишо Курокава. Курокава был одним из лидеров японского метаболизма и автором концепции симбиоза.

Для постмодернизма характерно не только использование отдельных деталей исторических стилей, но и целых систем: строительной техники, принципов построения композиции. Таким образом, функциональные проблемы отходят на второй план и главенствует эстетический принцип. Но он окрашен не любованием, а напряженностью и иронией.

 

Впоследствии Кишо Курокава также испытал на себе влияние постмодернизма, однако в его трактовке постмодернизм причудливым образом сопрягается с органической архитектурой

Вэто же время в другом крупнейшее архитектурном центре середины ХХ в. –Японии – осуществляются попытки создания нового метапринципа в архитектуре: подчинения простейшей единице зданий и городов благодаря ее повторению на всех уровнях всех структур. Метаболизм проявил себя только в некоторых постройках, но для градостроительства остается актуальным до настоящего времени - он предложил универсальную систему развития города, изначально учитывающую его стремление к свободному распространению.

Кишо Курокава. Стадион в городе Ойто, Япония

Ведущие архитекторы следовали неоспоримой для них идее о слиянии конструктивистской европейской основы с традиционным японским пониманием пространства и фактуры, тем более, что функциональное начало отвечало всей истории японской архитектуры.

На это фоне выделяется творчество Арата Исодзаки, изначально близкого к метаболистическому направлению, но пришедшего к постмодернизму. При этом черты новой архитектуры заметны уже в его ранних произведениях.

17. Творчество А. Гауди

Гауди, Гауди-и-Корнет (Gaudi у Cornet) Антонио (26.6.1852, Реус, близ Таррагоны, — 10.6.1926, Барселона), испанский архитектор. Жил в Барселоне с 1868, учился в Высшей технической школе архитектуры. В причудливых по формам постройках Г. (главным образом в Барселоне) — в церкви Саграда Фамилия (1884—1926), где переосмыслена в мистическом духе композиция готического собора, и в домах стиля «модерн» (Каса Батло, 1905—07; Каса Мила, 1905—10) — смело изогнутые объёмы и конструктивные новшества (параболические арки, наклонные опоры, облегчённые своды) создают эффект фантастических, как бы вылепленных от руки, криволинейных форм.

18. Творчество Х.П. Берлаге

Берлаге (Berlage) Хендрик Петрюс (21.2.1856, Амстердам, — 12.8.1934, Гаага), голландский архитектор. Основоположник современной голландской архитектуры. Б. построил здание Биржи в Амстердаме (1897—1903); черты национально-романтического стиля (подчёркнутая массивность здания с асимметрично поставленной башней, большие плоскости кирпичных стен) сочетаются здесь с функциональной обусловленностью плана и смелостью конструктивного решения; огромный зал перекрыт стеклянной кровлей, опирающейся на лишённые декора стальные фермы. Стремление Б. к простоте, рациональности и геометрической строгости композиции более последовательно проявилось в планах расширения Амстердама (1902—17) и реконструкции Гааги (1908—09) и в поздних постройках (Муниципальный музей в Гааге, 1916—35).

19. О. Перре и классический эспрессионизм

Перре (Perret) Огюст (12.2.1874, Брюссель, — 4.3.1954, Париж), французский архитектор. Учился в Школе изящных искусств в Париже у Л. С. Бернье и Ж. Гюаде. Профессор Специальной школы архитектуры в Париже (с 1928). Почётный президент Международного союза архитекторов (с 1948). Одним из первых начал строить целиком железобетонные здания. Стремясь эстетически осмыслить каркасные системы (обращаясь при этом к мотивам фахверковых готических построек), П. добивался полного соподчинения архитектурной формы и конструкции (жилой дом на улице Франклина, 1903; гараж на улице Понтьё, 1905—1906, разобран в 60-е гг.; театр на Елисейских полях, 1911—13; церковь Нотр-Дам в Ле-Ренси, 1922—23; все — в Париже). Решая преимущественно утилитарные задачи, П. придавал промышленным объектам предельную простоту и рациональность [доки в Касабланке, 1915; завод в Монтатере (департамент Уаза), 1920; завод в Иссуаре (департамент Пюи-де-Дом), 1939]. Попытки совместить рациональные конструктивные приёмы с неоклассической стилистикой, появившейся в работах П. в 20—30-е гг., привели в дальнейшем к сухости форм [комплекс Центра атомных исследований в Сакле (департамент Эссонн), 1947—53]. В последние годы жизни П. приступил к осуществлению крупных градостроительных проектов (застройка разрушенной части Гавра, начата в 1947).

Вместо фантазии поставьте реальность, сознание, рассудок... нереальное чувство, воображение... Никакой сухой практичности, никакой боязни пространства... Фантазию, в которой присутствуют пространство, свет и цвет. Э. Мендельсон

Истоки экспрессионизма

Экспрессионизм в архитектуре представляет собой ветвь общего экспрессионистического направления в искусстве, объединившего литературу /Ф. Кафка/, музыку /А. Скрябин, А. Шёнберг, Г. Малер/, кино /Р. Вине, Р. Райнер/, изобразительные искусства /В. Кандинский, К. Кольвиц, П. Клее/. Если в литературе и музыке экспрессионизм сформировался в самом начале века, то в архитектуре его первые яркие проявления относятся к 1919?1922 rr.

Они первоначально проявляются в компоновке сценографических пространств, особенно в интерьерах фильмов Р. Вине: динамичные декорации с неожиданными и таинственными источниками света, наклонными стенами и каскадами ведущих в никуда лестниц. Всё это формировало эмоциональную, полу мистическую атмосферу действия. После всемирного успеха фильма Р. Вине "Кабинет доктора Калигари" /1920 г/ это направление в искусстве сценографии удостоилось термина "калигаризм".

Экспрессионистическим архитектурным произведениям присуща подчёркнутая эмоциональная выразительность композиции, иногда достигаемая за счёт заострённости, гротескности, нарочитой деформации привычных архитектурных форм, либо вообще отказа от них с формированием композиции по принципам скульптуры.

Центром возникновения архитектуры экспрессионизма в 1920-х гг. становится Германия, а её ведущими мастерами ? Э. Мендельсон /1887- 1953/, Г. Шарун /1893-1972/, Г. Пёльциг /1969-1926/, Г. Хёринг /1882-1958 гг./.

Наиболее ярким в этот период было творчество Э. Мендельсона, осуществившего к началу 1930-х гг. большинство своих крупных произведений.

Символом экспрессионизма в архитектуре стало построенное им в 1921 г здание астрофизической лаборатории в Потсдаме, более известное под названием "Башня Энштейна". Оно запроектировано как своеобразное здание?скульптура с пластичными монолитными железобетонными формами, почти исключающими ортогональные сопряжения. В архитектуре башни её объёмная форма явно преобладает над решением внутренних пространств.

Другим ярким примером здания?скульптуры периода раннего экспрессионизма служит "Гётенеум" в Дарнахе /1923-1928 гг./ ? здание штаб-квартиры антропософов. Автором проекта был не архитектор, а философ Р. Штайнер - основатель антропософской школы

Последователи

В 1920-е - начале 1930-х гг. Э. Мендельсон проектирует и строит много гражданских, промышленных и многофункциональных объектов в Берлине, Хёмнице, Штутгарте, Бреслау, Ленинграде и др. городах. В этих сугубо коммерческих объектах, где объёмно-планировочная структура жестко предопределена функционально-технологическими требованиями, Мендельсон не отказывается от экспрессионистических решений композиции, заявленных им в 1919-1920-м гг. эскизными проектами разнообразных сооружений.

Используя, подобно функционалистам, современные ему конструкции /каркас, ленточные окна, плоские крыши и пр./, он отрицает их композиционный аскетизм. В отличие от ортогональных, монохромных решений модернистов, Мендельсон использует контраст ортогональных форм с криволинейными, динамичную асимметрию, выделяя объёмом или формой угловой участок или торец здания, вводит в композицию башенные объемы /чаще с вписанной в них лестницей/, применяет полихромные решения фасадов с контрастами цвета и фактуры отделочных материалов фасадов.

Эти приёмы в разнообразных вариантах были им применены для зданий многоэтажных универмагов в Штутгарте, Бреслау, Хёмнице. Наиболее ярко эти композиционные приемы отражены в многофункциональном здании с кинотеатром "Универсум" /ныне театр Шаубюне/, построенном Мендельсоном на Курфюрстендамм в Берлине в 1926 - 1928 гг.

Два концентрических подковообразных объёма /зрительного зала и опоясывающего его фойе/ поставлены на столбчатые опоры и контрастны: нижний ? большего диаметра? имеет по всей протяженности ленточные окна, верхний? глухой. Контрастны они и по цвету облицовки. Но наибольший контраст предусмотрен автором между низкими и криволинейными объёмами и высокой башней ? плоской пластиной, врезанной в этот объём. При этом башня своей светлой облицовкой контрастирует с темными тонами облицовки цилиндрических объёмов.

Монотонным протяженным объёмам промышленных зданий /шляпная фабрика в Люкенвальде под Берлином, или белильного цеха текстильной фабрики в Ленинграде/ динамизм придавала врезка в основной объём технически обусловленных башенных объёмов.

К середине 1930-х гг. экспрессионизм уходит с архитектурной сцены, чтобы в 1950-1970-х гг. проявится вновь; очень яркими произведениями, как архитекторов старшего /Ле Корбюзье, Г. Шарун/, так и среднего /Э. Сааринен, О. Нимейер, И. Утцон/ поколений. С 1950-х гг. направление получает наименование неоэкспрессионизма

Неоэкспресионизм

Самым знаменитым произведением неоэкспрессионизма становится капелла в г. Роншане /Франция/, построенная в 1950-55 гг. по проекту Ле Корбюзье. Её композиция навеяна образами первых молитвенных домов /шатров/ ранних христиан. Железобетонная прихотливо изогнутая плита покрытия перекликается с образом шатрового навеса, а нерегулярная форма наружных стен с кажущимися случайными по форме и расположению световыми проёмами способствует созданию иррационального внешнего облика и внутреннего пространства, отвечающей мистической программе храма.

Следует отметить, что и до и после капеллы в Роншане экспрессионистический подход к культовому зодчеству различных конфессий в ХХ в. достаточно распространён. Этому способствует, как назначение храмов, так и возможность свободной компоновки архитектурных форм, объёмов и пространств, достичь которую позволяет очень простая функциональная схема культовых зданий, а также расцвет железобетонных конструкций с их исключительным разнообразием и пластичностью форм, что сделало железобетон ведущим материалом культового зодчества. Характерный пример - католический храм в Такарацука /Япония/, построенный в 1967 г. по проекту архитекторов Мурано и Мори.

Авторы скомпоновали воедино храм и высокую трехгранную колокольню. Храм венчает железобетонный карниз очень большого выноса и пластичной формы. Криволинейный карниз, изгибаясь перетекает на колокольню. Дополнительную экспрессию облику здания придает отклонение от вертикали наружных стен. Внутреннему пространству храма экспрессию придает его сужение к алтарю и скрытые в уступах между пилонами светопроёмы.

В профессиональном отношении наиболее интересны объекты, в которых применены новые выразительные средства, полученные за счёт использования и выявления эстетического потенциала, присущего новым конструкциям. Здесь встречаются два подхода. Первый - своеобразный по терминологии проф. Курта Зигеля "конструктивистский формализм", второй - тектоническая трактовка новой конструктивной формы.

При первом, подходе новые конструкции используют чисто декоративно, ориентируясь на выразительность непривычной геометрии пространственных конструкций вне связи с существом их статической работы, а иногда и вопреки ей, компонуя ложно тектоническую форму. Наиболее яркий и знаменитый пример первого подхода ? Оперный театр в Сиднее /арх. Й. Утцон./

Конструктивистский формализм

На проектирование театра в Сиднее был объявлен международный конкурс, программа которого предусматривала, что "здание театра должно стать одним из значительных сооружений в мире". Для возведения театра отводилась территория на оконечности полуострова, выдающегося в Тихий океан /Тасманово море/. Таким образом, силуэт театра должен был играть активную роль в панораме города и с воды, и с суши.

Й. Утцон получил первую премию на конкурсе и заказ на строительство театра. Он расположил здание театра на высокой платформе и увенчал его грандиозными вспарушенными железобетонными оболочками различных размеров и расположенных под разными углами к горизонту. Эти конструкции придали сооружению сугубо стилизованный силуэт парусника.

В панораме города со стороны океана высоко поставленное здание приобретало экспрессию и становилось в какой-то степени зданием ? символом нового общества и государства, сформировавшегося на территории Австралии, не имеющего глубоких исторических корней и самостоятельных художественных традиций. В образном плане такое проектное решение в наибольшей степени отвечало условиям конкурса и принесло победу Утцону.

Однако техническое решение проекта было чисто формалистическим: оболочковое покрытие трактовалось автором, как строительная скульптура ? вне инженерной логики. В результате конструкция оказалась не только не логичной, но и не обеспечивала устойчивости здания в целом. Было истрачено несколько лет на исследование и разработку надёжной конструкции покрытия с изменением форм, размеров и наклона "парусов", прежде чем оказалось возможным осуществить его в натуре. При этом конструкция только имитирует форму оболочек, будучи по существу стоечно-балочной. Осуществление проекта растянулось на двадцать лет, а реальная стоимость театра - в двадцать раз выше сметной

Тектоническая трактовка новой конструктивной формы

Подход, при котором учитывается тектоника более плодотворен, будучи основан на композиционном освоении новой строительной техники и её формообразующих возможностей, он может дать изменение привычного облика самых распространённых конструкций, например, вместо вертикальных применить наклонные наружные стены, что стало возможным при введении вместо несущих навесных конструкций стен, или др. приёмы.

Наиболее часто среди таких приемов используют уменьшение ширины здания или только его опор к основанию - приём, неизбежно обеспечивающий экспрессионистический эффект. Технически такое решение сформировалось столетие назад при внедрении двух- и трех шарнирных арок и рам /например, шарнирных опор рам перекрытия галереи машин в Париже /1889 г./.

В архитектуре применение этого решения привело к возникновению композиций, противоречащих сложившемуся веками тектоническому образу надёжности и устойчивости сооружения, когда с увеличением нагрузки оно расширяется к основанию. Эталоном устойчивости в зодчестве служил образ египетской пирамиды. Резким контрастом этому канонизированному образу с 20-х гг. начинает практиковаться приём установки здания на отдельные пилоны или опоры, часто сужающиеся к основанию /вило- или Ч- образные/ и отрывающие здание от него.

При полной технической надёжности этот приём вызывал эмоцию тревоги его образом "стрессового состояния конструкции" /по выражению проф. Л. Б. Великовского/? при концентрированной передаче всей нагрузки от здания к основанию через несколько точечных опор малого сечения. В связи с такой эмоциональной выразительностью архитектурная тема V- образной опоры получила многовариантную разработку в архитектуре неоэкспрессионизма во второй половине ХХ в.

Это двух- и трехзубые плоские формы /опоры многоэтажных офисов в Рио-де-Жанейро и Белу-Оризонте в Бразилии по проектам О. Нимейера/, пластичные формы опор в здании Секретариата ЮНЕСКО в Париже /арх. Б. Зерфюсс, М. Брейер, инж. П.-Л. Нерви/, трехветвые пространственные опоры в проекте здание неаполитанского вокзала /арх. Э. Кастилиони/.

Однако наиболее экспрессивной стала тема опирания здания на основание через одну точку. Впервые этот прием был предложен арх. И. Леонидовым в его дипломном проекте здания института В.И. Ленина в Москве

В комплекс этого сооружения включён стеклянный шар - амфитеатр, опёртый на одну точку, устойчивость которого обеспечивают внешние растяжки.

Во второй половине ХХ в. эта идея реализуется в виде "опрокинутой" пирамиды - пирамиды, установленной на свою вершину. Первым таким реализованным проектом стало здание художественного музея в Каракасе /арх. О. Нимейер/, выполненное в виде опрокинутой пирамиды, установленной на краю крутого обрыва, что усугубило экснрессионистичность композиции и позволило автору назвать свою работу "памятником для будущих поколений" /1956 г./.

Спустя год арх. Эшоуре, Робби и Ваген применят форму опрокинутой, пирамиды для главного павильона Канады - "бельведера Котомавик" на Экспо-57 в Монреале.

Позже О. Нимейер вернётся к теме зрительно неустойчивой формы здания: на площади Трех властей в центре новой столицы Бразилии /1957- 1962/, он возводит здание Палаты представителей в виде чаши /сферического сегмента/, контрастной сферическому куполу здания Сената. Палата представителей опёрта малым основанием на каркасный стилобат, общий для нее и Сената. Ту же композиционную идею Нимейер применил в проекте музея Земли, Воды и Космоса.

Идея здания - шара, предложенная И. Леонидовым, не только получает реализацию в конце ХХ в, но и достаточно широко эксплуатируется /стеклянное и металлическое здания-шары в комплексах Дефанс и парка Ла Виллетт в Париже/

Поиск новой выразительности

Естественно в неоэкспрессионизме соответствующий поиск новой выразительности относится и к композиции внутренних пространств, так эффектно осуществленный Ле Корбюзье в здании капеллы в Роншане. В светском зодчестве с этой точки зрения особенно интересны работы арх. Г. Шаруна, осуществлённые в Германии после Второй мировой войны. Г. Шарун нашел экспрессионистический ход даже к решению такой нормативно детерминированной формы, как многоэтажный, и многоквартирный дом.

В своём жилом комплексе "Ромео и Джульетта" в Штутгарте /1956-1960 rr. он создал нетривиальную объёмно-пространственную форму зданий. Здание "Джульетта" имеет подковообразный план и каскадно меняющуюся высоту /5, 8, 12 этажей/, а односекционное башенное 20- этажное здание "Ромео"- план сложной многоугольной формы. Усложнённость объёмной формы имела эстетические и функциональные цели - индивидуализация внешнего облика и развитие периметра наружных стен.

Благодаря последнему, достигнуто улучшение освещенности, ориентации и интерьера квартир. Сами квартиры при этом получили двухстороннюю ориентацию /даже однокомнатные/, а комнаты - неординарные формы в плане /трапециевидные, пяти- и шестиугольные/, с центральными и угловыми окнами, оригинально скомпонованными балконами и лоджиями

Таким образом, Г. Шарун создал в скромных по размерам квартирах интересные индивидуальные внутренние пространства, стимулирующие жильцов к сотворчеству, при компоновке и оборудовании собственного жилища.

Такие приёмы компоновки многоэтажных многоквартирных домов Г. Шаруй в последствии развивал и совершенствовал в проектах последующих жилых комплексов - Ролленберг в Берлине /1969-1971 гг./ и "Салют" в Штутгарте/1965/.

Однако вершиной творчества Шаруна стал комплекс крупнейших общественных зданий в районе Тиргартен в центре Берлина - филармонии /1952-1963 гг./ н Государственной библиотеки /1967-1976 гг./ Ядром композиции здания филармонии является большой зал для симфонической музыки на 2200 мест. В компоновке зала Шарун проявил себя подлинным новатором. Вопреки традиции он разместил оркестровую эстраду в центре зала и расположил слушателей на каскадно поднимающихся вокруг оркестра секторах амфитеатра, вовлекая слушателей в активное сотворчество. Как характеризовал это решение сам автор; "Форма аудитории подсказана идеей ландшафта. Имеется в виду долина, в глубине которой размещен оркестр, окруженный поднимающимися "виноградниками". В этом ландшафте небом служит потолок. Его форма подсказана требованиями акустики...

Звук не вступает в аудиторию с её узкого конца, он поднимается в середине с пола и опускается на слушателей. Здесь всё служит одной цели?познанию музыки". В зале чрезвычайно удачно совмещено решение эстетических и функциональных задач: экспрессия архитектурных форм - многогранного шатрового покрытия, каскадов лестниц и "виноградников" амфитеатров, подвесных акустических щитов разнообразных форм, удачное освещение - создают приподнятое праздничное настроение у слушателей, пришедших в этот "зал Калигари" на встречу с музыкой. Залу филармонии дают восторженную оценку, как выдающиеся музыканты, так и мировая архитектурная критика.

0 нём писали: "Внутреннее пространство филармонии принадлежит к числу немногих больших архитектурных достижений нашей эпохи, это шедевр современной архитектуры" /Ю. Йодике/; "филармония является одним из сложнейших архитектурных произведений, когда-либо реализованных" /Н. Певзнер/; "никакая другая архитектура не кажется столь счастливо обслуживающей концертное зрелище результатами совершенной функциональности, несмотря на то, что она, во всяком случае в своих исходных посылках не является "функционалистической".

Внешняя форма здания филармонии представляет собой гармоничную компоновку нескольких обьёмов, исключающую ортогональность их спряжений или одинаковую высоту стен. Разная высота стен продиктована их сложными спряжениями с шатровым покрытием. Эмоциональный эффект композиции усугубляют нетрадиционные цвет, материал и фактура наружных стен. Стены центрального, сужающегося к низу самого высокого объёма, облицованы анодированными в золотой цвет алюминиевыми листами, а пониженных обстраивающих объёмов - серебристым алюминием.

Здание Государственной библиотеки входит в ансамбль с филармонией благодаря колористическому единству: применению тех же золотых и серебряных стен, при различных объёмных формах этих зданий.

Интерьеры библиотеки с открытым доступом к книгам, свободной связью между отделами, посвященными различным отраслям знаний, уютным размещением рабочих мест читателей в интимных небольших взаимосообщающихся пространствах не оставляют посетителя равнодушным. Здесь Шарун формирует у посетителя необходимую, но другую, чем в филармонии, эмоциональную реакцию. Читатель получает не только функционально дозированное, но и "эмоционально заряженное" пространство, располагающее к углублённой умственной деятельности.

Длительный путь развития экспрессионизма подтвердил его возможности повысить выразительность современной архитектуры, особенно, при проектировании крупных индивидуальных объектов, играющих ответственную градостроительную роль. Неоэкспрессионизм, опираясь во многом на достижения функционализма, внёс в него индивидуализирующее и эмоциональное начало. При этом достижению эстетического эффекта в архитектуре неоэкспрессионизма в значительной степени способствовало умелое использование выразительных особенностей новой техники

21. Рождение концепции «органической» архитектуры и творчество Ф.Л. Райта в межвоенный период.

В 1894 году он покидает контору Салливена и Адлера и начинает работать самостоятельно. За короткое время он строит ряд жилых домов, в которых отразилось своеобразие его творческого почерка. Здание, вписанное в природу, его внешний облик, вытекающий из внутреннего содержания, отказ от традиционных законов формы — вот характерные признаки свойственного ему архитектурного языка, который можно определить понятием органической архитектуры. Этот термин уже появлялся у Салливена, который обозначал им соответствие функции и формы, им он пользовался в своих трудах по архитектуре, чтобы отмежеваться от господствовавшего в то время эклектизма. Понятие органической архитектуры очень многозначно и едва ли поддается точному определению, однако к подражанию органическим формам оно никакого отношения не имеет.

Правильнее истолковать его так: архитектор должен творить так, как это делает природа. Это значит: «Решение каждой проблемы заложено в сущности самой проблемы». Для Райта это, прежде всего, означало включение архитектуры в природное окружение, применение таких естественных природных материалов, как дерево и камень, внимательное отношение к потребностям людей и их чувствам.

Рис. 2. Дом Солнечного полукруга (Solar Hemicycle).

Все эти новые тенденции получили прекрасное выражение в построенном в 1948 году жилом доме Джекобса (Solar Hemicycle) в Мидлтоне (шт. Висконсин). Этот дом является ярким образцом органической архитектуры.

22. К. Танге Метаболизм в архитектуре и градостроительстве.

Метаболистическая архитектура

Японцы привыкли к неразрывности традиции, одной из основ устойчивости нашей цивилизации.

Поэтому и концепция метаболистической архитектуры восходит к истокам японской строительной традиции, предлагая алгоритм ее изменения.

Безусловно, непросто кратко определить все то, о чем я размышлял, создавая эту теорию. Для меня в понятии «метаболизм» самым важным была возможность перестройки сооружения и замены его составляющих в соответствии с требованиями, которые предъявляет наш быстроизменяющийся мир.

Движение метаболистов не было данью моде и не создавалось мною для того, чтобы стать ее законодателем. В Европе это движение превратилось в модное течение, а в нашей стране, основанной на древних традициях, оно получило иное развитие. Для Японии это был вопрос будущего нашей цивилизации. Поэтому необходимо было учитывать, будет ли нужна Японии наша концепция. При этом мы верили, что такой подход к архитектуре и вообще к построению нового мирного общества будет полезен для развития и других стран.

Вообще, в Японии всегда уделялось особое внимание законам эволюции животного и растительного мира. Поэтому природные закономерности стали одной из основ архитектурного метаболизма. Возможно, по похожим биологическим законам должна развиваться и архитектура. Современные технологии позволяют реализовывать самые смелые проекты, поэтому есть надежда, что опыт метаболистов найдет свое применение и в ХХI веке.

Видение, предсказание

Архитектура, в которой не заложена способность к предсказанию, видению, не имеет будущего.

Откуда в архитектуре появилось перспективное видение? Из культуры – истории страны, места, общества, веками сложившегося образа жизни.

Люди «запрограммированы» на развитие, а программа развития не терпит хаоса. Поэтому необходима методология. В дизайне она так же важна, как компас на корабле, который нужен для того, чтобы проложить правильный путь и безошибочно ему следовать. Если в дизайне нет методологии, то, сколько бы ни была привлекательной форма, ее очень трудно будет воплотить в жизнь. Перспективное видение можно иными словами назвать идеалом, выраженным в современных конструкциях, с применением новых технологий, соответствующим требованиям сегодняшнего дня. Если многие восхищаются красивой формой здания, то методологию его создания можно считать успешной. Без метода и логики в архитектуре наступает хаос, ее становится трудно понять. В данном случае творческий процесс превращается в обычное создание коллажа, что оказывается совсем не сложно, благо мы живем в век компьютеров. Однако некоторые обосновывают свои коллажи тем, что чем меньшей ясностью обладает произведение, тем больше в нем искусства. Я бы прокомментировал такой подход выражением «продать муху по цене слона». Считаю, что предельно сложные профессиональные аспекты надо делать понятными простому человеку.

Для построения любой методологии нужно подтверждение гипотез, составляющих ее основу.

Свои размышления постараюсь объяснить на нескольких примерах.

Международный конференц-центр в киото Конкурсный проект, 1965 г.

Можно ли понять пространственное устройство сооружения без указателей и создать план, предельно понятный для простого человека?

Без ясной планировки архитектурный замысел труден для восприятия. Поэтому в проекте Международного конференц-центра в Киото все функции разделены по уровням – есть этаж делегаций, этаж туристов, этаж обслуживающего персонала и так далее. Посетитель сразу понимает функциональное предназначение того или иного уровня.

В зданиях подобного типа многие отдают главенство большому залу заседаний, где, как им кажется, решаются основные вопросы. Однако это слишком просто, чтобы быть истиной. Наиболее важные беседы и встречи проходят в пространствах вокруг главного зала – в фойе и коридорах. Там происходит самое интересное, поэтому пресса всегда находится именно там. Если этого не понимать, коэффициент полезного действия от проведенных конференций будет невысок. В данном проекте было найдено пространство, в котором вращается столь необходимая информация.