Лекция 5. Декоративно-прикладное искусство эпохи возрождения

В рукописях, спасенных при падении Византии, в вырытых из развалин Рима античных статуях перед Западом предстал новый мир — греческая древность; в Италии наступил невиданный расцвет искусства, который явился как бы отблеском классической древности, и которого никогда уже больше не удавалось достигнуть. Как в Византии, так и в средневековой Европе художник почитался ремесленником и сам скромно считал себя таковым; его место было на низших ступенях социальной иерархии, и личность его стушевывалась перед заказчиком, церковью или светской властью.

Творить по-своему каждому художнику стало возможным лишь со времен Возрождения, когда человеческая личность была высоко вознесена в общем сознании и творческая индивидуальность художника стала привлекать внимание всех, кого радовало его искусство. Именно в эту эпоху безличное, покорное общей единой направленности цеховое мастерство уступило место индивидуальному творчеству. В это время не существовало разделения искусства на собственно искусство и искусство прикладное. И то и другое обозначались словом «ars». Разделение искусства на «чистое» и прикладное возникло значительно позже, только в век промышленного переворота.

Художники подчинялись цеховой структуре. Иногда они не имели своих цехов: известны случаи, когда архитекторы и скульпторы входили в цех каменщиков, а живописцы — в цех аптекарей, поскольку им приходилось изготавливать и смешивать краски. Единство профессий художника и инженера сохранялось вплоть до эпохи Возрождения. Органическая связь технического творчества с художественным была характерным признаком Ренессанса и определяла особенности формообразования всей предметной среды. В это время формообразование носит уже рациональный, планомерный характер. Предметы зарождаются сначала на бумаге, в виде проектов, и лишь затем по этим проектам выполняются в материале. В своем трактате «О зодчестве» Леон Батиста Аль-берти (1404—1472) сформулировал эстетическое кредо эпохи Возрождения — синтез красоты и пользы. Основная идея произведения, а также и главное требование к каждому созидаемому объекту у Альберти — органичное соединение красоты и пользы, в котором польза осмысливает красоту, а красота одухотворяет пользу. Для эстетики второй половины XVI в. характерна идея противопоставления замысла произведения его художественному воплощению. Возникают понятия художественного своеобразия, необычайности замысла, артистичности исполнения, подчеркивается роль фантазии и свободы творчества.

Итак, новым этапом в истории мировой культуры стала художественная культура Возрождения, основу которой составляет принцип гуманизма — утверждение достоинства и красоты реального человека, разума и воли, творческих сил (взамен схолластики и церковного образования). Этот термин означает теперь светскую власть, образованность, науку, в противоположность богословию. Зарождение эпохи Ренессанса (Возрождения) в Италии относится к XIV в. То время принято рассматривать, как закат средневековья и начало нового времени.

Классическим очагом культуры этой эпохи была только Италия, где ясно выделяются периоды:

• «проторенессанса» (предвестия Возрождения) конец XIII в.,

• раннего Возрождения кончается в 90-х гг. XV в.,

• высокого Возрождения заканчивается к 30-м гг. XVI в,

• позднего Возрождения до конца XVI в

В различных областях Италии складываются местные школы живописи, выдвигающие художников, чьи творческие искания венчают гении мирового значения — Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Тициан (рис. 5.1)

Леонардо да Винчи	Микеланджело Буонарроти	Тициан (Тициано Вечеллио)	Рафаэль

Рисунок 5.1 – Великие художники эпохи Ренесанса

Медичи основывают во Флоренции Платоновскую академию, создают одну из крупнейших библиотек мира, в которой собраны древние рукописи. В связи с ведущимися раскопками в Помпеях и Геркулануме наступает всеобщее увлечение коллекционированием предметов античности, распространившееся во всей Европе. К этому же времени относится возникновение первых художественных музеев.

Эстетический идеал Ренессанса — образ универсального человека, создающего самого себя, был не столько прямым отражением эпохи, а скорее ее великой мечтой, обращенной к грядущим векам.

Несмотря на приверженность искусства эпохи Возрождения к современному и земному, реальному отображению мира, оно продолжало, избегая современных сюжетов, пользоваться античной мифологией, поэтому содержание произведений искусства приобретало черты героического, вечного. Стремление к познанию реального мира и восхищение им привели к отображению в искусстве самых различных сторон действительности и сообщили наиболее выдающимся творениям художников определенную значимость и величественность.

Человек новой эпохи стремится к духовной свободе и автономии личности. На смену вере приходит знание, основанное на опыте, творчество художников становится все более многогранным; они уже подписывают свои произведения и пользуются плодами известности и славы.

Искусство Возрождения приобрело большую роль в общественной жизни, стало насущной потребностью людей. Стремительный рост, подъем стали характерны для всех видов искусств.

В XV в. ремесла достигли высокого уровня развития. Ремесленники создают свои профессиональные союзы — цехи, а в уже существовавших мастерских появляются новые подразделения. Крупными центрами ремесленного производства становятся Флоренция, Сиена, Милан. В условиях политической самостоятельности в городах зарождаются новые формы капиталистического уклада. Изменения в общественной и политической жизни общества вызвали коренные сдвиги в мировоззрении и культуре, характеризующемся интересом к человеку как мыслящей и чувствующей личности, обусловили обогащение его видов и жанров. Искусство приобрело значительную роль в общественной жизни, стало насущной потребностью людей.

Искусство Возрождения, распространяясь из Италии в другие страны Европы, под влиянием местных факторов повсюду приобретает своеобразие формы. Образуется итальянская, французская, нидерландская, немецкая, английская и испанская своеобразные разновидности ренессансного стиля.

Керамика. На интенсивное развитие керамики в эпоху Возрождения повлияли керамические изделия из арабских стран, особенно из мавританской части Испании (рис. 5.2). Под влиянием испанской керамики с оловянной глазурью в конце XIV в. в Италии стало развиваться производство подобных изделий, но уже под названием «майолика». В свою очередь, итальянская майолика оказала немалое влияние на развитие керамического промысла Германии XV в., а также Франции XVI — XVIII вв., где она стала называться «фаянс». Другим технологическим видом керамики того времени была каменная масса. Первенство в ее изобретении принадлежит немецким гончарам XIV в.

Двуручная ваза. Валенсия, конец XV в.	Альгамбрские вазы (вазы Фортуни)

Рисунок 5.2 – Испано-мавританские изделия

Главной особенностью испано-мавританского фаянса было умение мавританских мастеров наводить на фаянсы золотой отблеск, придававший глиняным предметам вид металлических. В XIV в. сведения об изделиях из Малаги встречаются у писателей, пишущих о славе, которой пользовались «позолоченные» глиняные сосуды не только в Испании, но и в других странах.

Сохранилось всего около 12 больших двуручных фаянсовых ваз XII-XIV вв. Они составляют «высокоаристократическую» группу фаянсов, которые ни с кем не роднятся и занимают в истории керамики особое место. Громадные, великолепно расписанные альгамбрские вазы имеют яйцевидный, сужающийся книзу корпус, напоминающий античный пифос. Вазы неустойчивы благодаря маленькому донышку, они служили для украшения дворцов и покоев Альгамбры. Самый ранний и прекрасный образец хранится в Эрмитаже — ваза с чудесным перламутровым отблеском известна под названием вазы Фортуни.

Италия же прославилась разнообразными и великолепными образцами майолик. Вначале майоликами там называли только испанские фаянсы, импортированные в страну, но в XVI в. это наименование стало применяться и к итальянским фаянсам. Вначале большинство итальянских фаянсов служили лишь декоративным целям, что отражалось в росписи по образцам гравюр. Декоративность и утилитарность соединились в альбарелли (рис. 5.3) — античных сосудах эпохи Возрождения.

Рисунок 5.3 – Циллиндрические кружки «альбарелло»

Особую, очень интересную группу итальянских майолик составляли scudelle di donna da parto — «судки для рожениц» (комплект тарелок различного назначения), которые дарили молодым мамам, наполнив их ритуальными яствами, и блюда для подношения даров невестам — сорре matory, т. е. «любовные чаши».

Во главе майоликового производства Италии вначале стояли города Тосканы: Фаэнца, Каффаджиоло и Сиена. В Фаэнце прославились керамисты Матгео ди Альвице и Николо Пеллипарио (рис. 5.4), а также мастерская Казапиропа, где впервые применили новый способ — роспись sopra azzupo («по голубому»): рисунок желтоватыми тонами накладывался не на белую, а на окрашенную голубым глазурь.

Блюдо с изображением «Похищения Елены»	Блюдо с изображением Геракла

Рисунок 5.4 – Керамика Николо Пеллипарио (Николо да Урбино)

Рисунок 5.5 – Изделие мануфактуры Медичи

Мастерская Каффаджиоло была своего рода придворной мануфактурой Медичи, выпускавшей большие тарелки и блюда.

Самостоятельным путем шла Сиена: помимо утвари там делали еще и изразцовые полы. Мастерская города Дерута завоевала известность, благодаря нежнейшему перламутровому оттенку своих изделий (рис. 5.6), а позднее перешла к синей растительности по белому фону. Важными центрами майоликового производства надо считать и Губбиа, где выпускались люстрированные фаянсы с красноватым фоном, и Кастель-Дуранте близ Урби-по.

Рисунок 5.7 – Джорджио Андреоли 1465-1553

Рисунок 5.6 – Керамика города Детруа

Среди изделий с металлическим отблеском произведения самого Губбио легко отличить. Зная, что предмет будет люстрирован, мастера Губбио стремились избегать чрезмерной красочности и всегда отводили в самом рисунке определенные плоскости специально для покрытия люстром. На изделиях других фабрик люстр ощущается как позднейшее добавление, нередко нарушаю­щее гармонию красок и четкость рисунка.

Первый период творчества Андреоли (1500-1518) находится под явным влиянием фаянсов Деруты (рис. 5.7). Многие майолики этого времени формованы в рельефе с целью увеличить блеск и игру люстра. Вторая стадия художественного развития мастера характеризуется введением гротескового орнамента. Около 1525 г. появляется фигурная живопись, шедевром которой считается хранящееся в Эрмитаже блюдо с тремя грациями по гравюре Марка Антонио Раймонди. Произведениями Губбио являются тарелки с орнаментальным бортом и фигурой мальчика в центральном поле.

После 1525 г. Урбино выдвигается на первое место и сохраняет главенство в течение всего XVI в. Из мастерской Урбино выходили изделия необычных форм: вазы с рельефными масками и ручками в виде сатиров, огромные «трехлопастные» холодильники (сосуды для охлаждения вина) на львиных лапах, фляги с ручками в виде переплетающихся змеек, большие овальные блюда с горельефным декором.

Сюда переселился из Кастель-Дуранте знаменитый мастер майолики эпохи Возрождения Николо Пеллипарио. Живя и работая в Урбино, он стал называть себя Николо да Урбино; здесь же он стал основателем урбинского «исторического» стиля. Примером может служить сервиз, изготовленный для Изабеллы де Эсте, супруги мантуанского герцога Франческо Гонзага, все предметы которого украшены изображениями мифологического и библейского содержания. Николо да Урбино — первый мастер, в работах которого появляется типично урбинская манера живописи: общий светлый фон, гармоничное сочетание красок, серовато-коричневые контуры, оттененные одежды и повышенная красочность. Первое датированное произведение Пеллипарио с изображением сидящего на троне короля, относящееся к 1521 г., находится в Эрмитаже.

Самая большая и влиятельная мастерская Урбино периода расцвета, родоначальником которой был Николо Пеллипарио, принадлежала семье Фонтана из Кастель-Дуранте. Из всех Фонтана наиболее известен был Орацио, выполнявший заказы для Карла V и Филиппа II. Шедевром его мастерской является аптекарская посуда Палаццо Апостолико в Лорето (рис. 5.8), к лучшим экземплярам которой относится большая ваза с изображением фигур апостолов и святых на лицевой стороне, вся остальная поверхность покрыта пейзажами.

Рисунок 5.8 - Аптекарская посуда Палаццо Апостолико в Лорето

Величайшей заслугой Фонтана было введение в живопись майолики гротескового орнамента в том виде, как его разработал Рафаэль с учениками в стенных росписях лоджий в Ватикане. Эти майолики отличались молочно-белой поливой с полихромным рисунком или серой по черному в подражание камеям.

В XVI в. прославились и фаянсы Венеции, покрытые уникальной глазурью «смальтино» (smaltino). С Флоренцией связана деятельность керамиста Луки делла Роббиа (1399 или 1400—1482). Он первым употребил технику глазурования в круглой скульптуре и рельефах.

Во Франции производство фаянса в XVI в. связывается, в первую очередь, с мастерской Сен-Поршера (рис. 5.9), производившей высококачественные изделия (известные также как «фаянсы Генриха II») цвета слоновой кости из очень чистой и тонкой глины: кувшины, чаши, солонки, подсвечники с лепными украшениями — фигурами, маскаронами (рельеф в виде маски), пилястрами.

Рисунок 5.9 - Франция, Сен-Поршер. Изделия из белой глины с инкрустацией коричневой глиной двух тонов, прозрачная свинцовая глазурь

Символом французского фаянса по праву считаются изделия Бернара Палисси (около 1510—1589 или 1590). Он разработал собственную рецептуру белой эмали и создал многочисленные декоративные произведения, выдержанные как в натуралистическом, так и в мифологическом духе (рис. 5.10). Одновременно во Франции развивается и другая технология — обжиг при низкой температуре с росписью по предварительно обожженной глазури.

Рисунок 5.10 – Керамика Бернара Палисси

После долгой и упорной работы Палисси удалось открыть секрет изготовления прозрачных, окрашенных в массе разноцветных полив желанного качества и красоты. С помощью этих красок он делал оригинальные и необычные вещи. Первоначально им была изготовлена посуда с так называемой «яшмовой» поливой. Позднее он создал фаянсы, украшенные рельефно исполненными змеями, рыбами, ракушками, травами и т. д. и названные мастером «сельской глиной» (рис. 5.11). Его любимым занятием было снимать гипсовые копии с настоящих рыб, лягушек, ужей, ящериц, раковин и украшать ими блюда и тарелки, сделанные наподобие речного берега. Эти фаянсы остались самыми популярными памятниками гения.

Рисунок 5.11 – Керамика Бернара Палисси в стиле «сельской глины»

Вскоре Палисси достиг верха славы — его изделия понравились королю, ему было пожаловано звание «королевского изобретателя сельской глины». Когда эти странные вещи вошли в моду, мастер стал делать искусственные маленькие пещеры для садов, так называемые «гроты», украшенные таким же способом, в которых все было выполнено из блестящей глазурованной глины. Гроты служили для прогулок, а также для невинных фарсов и розыгрышей. Они просуществовали в таком виде до XVIII в., пока их не вытеснила мода на все «естественное». Гроты Палисси не сохранились.

Стекло. Не менее развивающимся промыслом эпохи Ренессанса можно назвать стеклоделие. Одним из популярных центров этого вида творчества считается Венеция. Славу венецианского дутого стекла — его называли «хрустальным», сравнивая с драгоценными кристаллами природного горного хрусталя, — составляли небывалые для тех времен легкость и прозрачность (рис. 5.12). Излюбленным приемом декора у венецианских стеклодувов была филигрань — рисунок из тончайших нитей (рис. 5.13), «паянных в толщу прозрачного стекла.

Рисунок 5.12 – Типичные формы венецианского стекла

Рисунок 5.13 – Венецианское стекло с филигранью

Одной из самых трудоемких, но вместе с тем поразительной по впечатлению признана техника миллефиори (рис. 5.14), когда в поверхность сосуда вплавляются крошечные пестрые стеклянные цветочки и элементы орнаментов так, что он предстает в виде сплошного райского цветника. Это искусство, возникнув в Египте, обрело недостижимое совершенство в руках венецианских мастеров филиграни. Роспись и золочение, помимо художественной ценности, имели и другую хитроумную цель: за краской и позолотой скрыты дефекты стекла — разнообразные включения и пузырьки.

Рисунок 5.14 – Стекло с элементами миллефиори

На стекло хорошо ложатся масляные краски, но они нестойки, поэтому наиболее распространенным материалом служат эмали, или, как их еще называют, прижигаемые краски, разной степени прозрачности. После обжига они приплавляются к поверхности изделия.

В XV в. мастерство венецианских стеклодувов поднялось на недосягаемую высоту (рис. 5.15). Тайна сотворения стекла хранилась на острове Мурано, в укромной морской лагуне недалеко от Венеции. Специально созданный Совет Десяти держал прославленных мастеров как узников на острове, обеспечив себе тем самым полную монополию на производство стекла.

Рисунок 5.15 – Образцы муранского стекла

В 1516 г. братья Андреа и Доменико из Мурано создали первое зеркало из цельного хрустального стекла: они разрезали вдоль еще горячий стеклянный цилиндр и раскатали половинки на ровной медной столешнице. Получилось чистейшее блестящее зеркальное полотно. Особой разновидностью были восьмиугольные зеркала. Оправленные в бронзу или обрамленные агломератным стеклом, окрашенным лазурью, покрытым позолотой или же простой белой эмалью с вкраплениями кораллов, они декорировались завитками, картушами и маскаронами.

Рисунок 5.16 – Стеклоизделия в технике кракеляж

В конце XVI в. был изобретен кракеляж — получающиеся при опускании в воду горячего сосуда трещины на его поверхности. Изделия XVI в. приобретают мягкие очертания, отличаются простотой и легкостью (рис. 5.16). В XVII в. выделывалось агатовое, коричневое с золотыми блестками мозаичное стекло.

Металл. Несомненного развития в эпоху Возрождения достигли мастера-ювелиры. В этом также видны следы любви к античному искусству. В Древней Греции знаменитые архитекторы, скульпторы были виртуозами обработки драгоценных материалов. Мастерами эпохи Возрождения были созданы великолепные изделия: серебряные сосуды с рельефными многофигурными сценами, подвески с эмалью на рельефе, резные камни. В этих произведениях ювелирного искусства исходные свойства драгоценных материалов отступают на задний план перед стремлением подчеркнуть изысканность обработки.

Ювелирные и камнерезные изделия этого периода и стиля отмечены завершенностью композиций, фантазией, а их отделка — тщательностью проработки. В эпоху правления Медичи расцветает камнерезное искусство и искусство флорентийской мозаики. Во Франции прославилась школа лиможской эмали. В Северной Европе, в частности, в Германии, в ювелирных изделиях применяются, помимо драгоценных камней, скорлупа кокосового и других экзотических орехов, страусовые яйца, раковины наутилусов. Большой любовью в Германии пользовались жемчуг и кораллы с перламутром.

В Италии тенденции нового стиля выражаются в многочисленных изображениях, восходящих к греко-римской античности. Это не только обнаженные человеческие фигуры, но и мифологические существа: кентавры, тритоны и нереиды, выполненные в технике рельефа и круглой скульптуры. Шедевром ювелирной пластики этого рода является золотая солонка Франциска I работы Бенвенутто Челлини (Вена, Музей истории искусств). Солонка (рис. 5.17) увенчана полулежащими фигурами Нептуна с трезубцем, окруженного морскими конями, и Земли, рядом с которыми помещена перечница в виде античного храма.

«Леда и лебедь» из золота, лазурита и жемчуга	Золотая солонка Франциска I, 1540-1543 гг, Париж

Рисунок 5.17 – Ювелирные изделия Бенвенутто Челлини

Ювелирное искусство Германии переживает период подъема. В таких городах, как Нюрнберг и Аусбург, закладываются основы немецкого Возрождения (рис. 5.18). Смешение старых традиций с новыми исканиями отчетливо проявилось в прикладном искусстве, особенно в ювелирном деле.

Подсвечник. Аугсбург, 1670-1674 гг. Шеппих Иоганнес. Серебро, литье	Блюдо-лохань. Аугсбург, 1683—1684 гг. Биллер I Лоренц. Серебро, чеканка, литье, пунцирование.

Рисунок 5.18 – Ювелирные немецкие изделия эпохи Возрождения

В XVI и XVII вв. в Европе славились изделия нюрнбергских златокузнецов Ямнитцеров. Самым выдающимся из них был Венцель Ямнитцер. Им была основана собственная мастерская, в которой он в сотрудничестве с племянником и подмастерьями начал изготовлять пышные декоративные рукомойные кувшины, серебряные блюда и декоративные настольные украшения (рис. 5.19). В Оружейной палате Московского Кремля хранится единственная уцелевшая работа его талантливого брата Альбрехта — удивительный по благородству и изяществу линий хрустальный кубок в серебряной оправе. Не менее знаменит в Европе был и внук Венцеля, ювелир Кристоф Ямнитцер.

Венцель Ямнитцер, Большой ларец для драгоценностей и шкатулка Около 1585 г. Серебро, частично золоченое, перламутр, горный хрусталь, изумруды, гранаты, аметисты, топазы			Кубок хрустальный. Нюрнберг. XVI в. Мастер Альбрехт Ямнитцер.
			Кувшин с аллегорическим декором, Кристоф Ямнитцер, конец 16 века. Золото.
Тарелка серебряная, золоченая, с чеканной композицией «Фаэтон просит у Гелиоса колесницу». Нюрнберг, мастер-ювелир Кристоф Ямнитцер. Около 1600 года

Рисунок 5.19 – Ювелирные изделия семейства Ямнитцер

В XVI в. широко распространились кубки и декоративные сосуды в виде парусных кораблей (рис. 5.20) с полной оснасткой и вооружением. Из дальних заморских стран — Индии, Африки, Америки — увеличился приток экзотических материалов: слоновой кости, кокосовых орехов, страусовых яиц, перламутровых раковин. Например, в сосудах из раковин крупных морских моллюсков — наутилусов (рис. 5.21) — особенно удачно использована природная форма для передачи объема и выразительности силуэта птицы.

Некоторые виды фигурных сосудов издавна служили кубком для награждения победителя в стрелковых соревнованиях. Иногда традиция была связана не столько с обычаем употребления сосуда, сколько с желанием следовать полюбившейся форме.

		Кубок на дельфинах. Середина XVII в. Нидерланды или Италия. Раковина, бронза; гравировка, литье
Рисунок 5.20 – Сосуд в идее парусника	Рисунок 5.21 – Кубки с использованием раковин молюсков

Имперский город Нюрнберг в истории мировой культуры и искусства отмечен особой славой. Прославил город в XVI в. создатель первых в Германии скульптур из металла Петер Фишер. Здесь в семье златокузнеца родился великий Альбрехт Дюрер. Художник, гравер, скульптор, архитектор, он оказал немалое влияние на искусство серебряников не только своего города, но и всей Германии.

Король Артур. Статуя гробницы императора Максимилиана I. Бронза. 1512-1513 гг. Иннсбрук, дворцовая церковь	Рака св. Зебальда. Бронза. 1507-1519 гг. Нюрнберг, церковь св. Зебальда	Двойной кубок
Рисунок 5.22 – Металлические скульптуры Петера Фишера		Рисунок 5.23 – Работа Альбрехта Дюрера

Эмаль, достигшая больших высот в романскую и готическую эпоху, в период Ренессанса получает новое направление: выемчатая и перегородчатая техники сменяются расписными эмалями. Мастерские Лиможа продолжают занимать ведущее место. Этот вид художественного ремесла требовал большой искусности и обычно передавался из поколения в поколение мастерами, имена которых дошли до нашего времени. Начиная с 1530 г. большинство эмалей подписаны. Особенно известны имена Пенико и Лимозен, мастеров из семьи потомственных эмальеров (рис. 5.24).

Амур и Психея	Распятие

Рисунок 5.24 – Работы Леонара Лимозена

В эпоху Возрождения широко использовалась бронза, особенно в Италии. Здесь центрами бронзового литья были Венеция и Падуя. Из нее изготовлялись дверные молотки во дворцах с изображением морских божеств, канделябры, фонари, чернильницы, колокольчики, а также медали и плакетки. Антонио Пизанелло завоевал широкую известность своими портретными медалями (рис. 5.25).

медаль Альфонсо V Арагонского

Медаль Лодовико Гонзага. Около 1447 Бронза, литье

Рисунок 5.25 – Бронзовые медали Антонио Пизанелло

Из бронзы во Франции изготовлялись разнообразные изделия: сосуды, водолеи, подсвечники, чернильницы, фигурные дверные молотки. В оружейных мастерских оружие, доспехи, щиты украшались тонкой чеканкой, насечкой, воронением, золочением, гравировкой и т. д. Среди кованых железных изделий выделяют фонари для средневековых и ренессансных домов и пышные решетки барокко.

В Германии своими работами известна семья бронзовщиков Фишер. Самым знаменитым произведением одного из них — Петера Фишера Старшего (1507—1515) — считается рака св. Зебальда в Нюрнберге (рис. 5.22).

Художественная обработка железа особенно широко практикуется в Италии и Испании, где изготовляются самые разнообразные предметы. В Лукке и Венеции производятся железные дворцовые ограды, решетки для балконов и перегородок внутри дома, гербы. Миланская семья Негроли прославилась изготовлением богато украшенного оружия с чеканными фигурами и инкрустированным орнаментом (рис. 5.26).

Рисунок 5.26 - Доспехи для французского и испанского королевских дворов, изготовленные семьей Негроли

В искусстве обработки железа видное место принадлежит также Германии. Стилистическая особенность работ немецких мастеров проявляется в широком использовании растительного завитка, изящные изгибы которого придают оградам, украшенным этим орнаментом, впечатление легкости. Такого же совершенства добивается в своих творениях и пражский мастер Георг Шмидхаммер, автор гробницы Максимилиана I в дворцовой церкви в Инсбруке и решеток собора св. Вита в Праге (рис. 5.27).

Рисунок 5.27 – Гробница Максимилиана I в дворцовой церкви в Инсбруке

Во Франции значительных успехов удается достигнуть в обработке олова, которое широко использовалось и в Германии. Из него изготовлялась посуда, используемая для повседневных нужд, и художественная, парадная, которая выставлялась напоказ для гостей.

Дерево. Большой интерес представляет ренессансная мебель. Ее характеризуют четкая форма, ясное построение и активное использование в оформлении архитектурных элементов (рис. 5.28 – 5.31). Корпусная мебель решается как архитектурное сооружение, как миниатюрный палаццо с колонками, пилястрами, карнизами, фронтонами. Такую составленную из архитектурных элементов мебель, в которой каждая часть является самостоятельной, независимой формой, называют архитектонической. Композиции строятся на красоте пропорций, чистоте контуров, ясности силуэта изделий.

1 – резной стул; 2 – складной стул (курульное кресло), Тоскана, XVв; 3 – касса-панка, Флоренция; 4 – стул «Строцци», Вена, Фигор; 5 – стул железо и бронза; 6 – позднеренессансный сундук-кассоне; 7 – венецианское курульное кресло с резьбой и кожаной обивкой сиденья и спинки; 8 – посудный шкаф-креденца, Тоскана, около 1580 г., Флоренция; 9 – стол с точеными ножками и подстольем с ящиками, Болонья, XVIIв.; 10 – стул с кожаной обивкой, Флоренция, XIVв, Париж, музей Клюни; 11 – дощатый резной стул, Флоренция, XVIв, Лондон, музей Виктории и Альберта; 12, 13 – детали архитектурно-декоративного оформления мебели

Рисунок 5.28 – Итальянская мебель Ренессанса

Рисунок 5.29 – Сундуки эпохи Ренессанса

1 – сундук, украшенный богатой резьбой, Париж, Лувр; 2 – поставец, первая половина XVIв; 3 – кресло токарной работы; 4 – резная филсика с мотивом медальона, 5 –шкафчик, 6 – дощатое кресло, в котором ренессансный орнамент уживается со средневековыми формами; 7 – тронное кресло с высокой спинкой и слабо выраженным архитектоническим началом в структуре; 8 – сундук; 9 – столик на восьми точеных ножках; 10 – мягкое кресло, конец XVIв

Рисунок 5.30 – Итальянская мебель Ренессанса

Рисунок 5.31 – Итальянская мебель Ренессанса

Развитие мебельного производства Ренессанса способствовало изобретению станка для выработки тонких листов древесины (фанеры). Оно открыло путь для широкого распространения техники фанерования, а вместе с ней приема украшения изделий мебели интарсией. Ярким образцом ранних декоративных решений могут служить флорентийские сундуки из ореха XV в. — наиболее нарядные и богатые предметы не слишком еще многочисленной комнатной обстановки того времени. Основной мотив орнамента располагался в центре прямоугольной резной рамки. Вначале для нее часто использовался мотив характерной еще для Средневековья виноградной лозы, затем вливается античная архитектурная орнаментика — акантовый лист и акантовый завиток. Морская раковина также заняла свое место в декоре Возрождения.

Античность принесла в прикладное искусство не только отдельные мотивы, но и новые орнаментальные решения, порожденные новым восприятием классической архитектуры. Фигуры атлантов, кариатид, кронштейны, целые композиции, воспроизводящие античные антаблементы с архитравом, фризом, карнизом, преображаются в декор.

Орнамент. Свойственный ренессансному искусству индивидуализм в контексте орнамента проявляется специфически, путем предельного усиления того личностного начала, которое было присуще римскому декору. Вследствие этого орнамент приобретает характер совершенно самодостаточный, становится замкнутым в себе смысловым пространством, имеющим свои логические закономерности взаимодействий его элементов (рис. 5.32). В то же время художественная самостоятельность орнамента порождает необычайное разнообразие конкретных решений, мотивов. Он чрезвычайно насыщен по колориту, приобретает качества повышенной живописности, реалистичности, находясь под сильным влиянием изобразительного искусства. В композиционных структурах господствуют спокойные, уравновешенные горизонтально-линейные и вертикальные мотивы, а также полуциркульные, украшавшие многочисленные тимпаны.

В содержательном смысле ренессансный орнамент соединил и образно переосмыслил три главных компонента: римский, арабо-мусульманский и готический, из которых римский был основным, стилистически определяющим. Наиболее характерным типом декора эпохи Возрождения является так называемый гротеск (от слова «грот»), получивший свое наименование в связи с тем, что художники создавали его, изучая искусство древних римлян в раскопках. Влияние изобразительного искусства ярко проявилось и в том, что при всей раппортности, ясном симметрическом построении композиций, имеют место черты индивидуальности исполнения конкретных элементов.

Орнамент Ренессанса, находившийся под большим влиянием изобразительного искусства, отчетливо выразил еще одну существенную сторону культуры эпохи, касающуюся ее нравственного состояния. В орнаменте наблюдается заметное вторжение эротического начала, характерного для «большого» искусства Возрождения. Также в орнаменте этой эпохи часто дает о себе знать и прямое влияние арабо-мусульманского искусства, в тесном соседстве с которым развивалась культура Ренессанса. Это влияние особенно характерно для более позднего периода Ренессанса, когда античные традиции в культуре начинают ослабевать. Декор теряет свою проантичную ясность, становится более сложным и насыщенным. Часто это насыщение достигается за счет заполнения свободного фона арабесковым мотивом, который сразу же придает орнаменту «ковровый» вид.

Рисунок 5.32 – Орнамент Ренессанса

Живопись. Интернациональная готика (придворная готика) – стиль, который применялся до Проторенессанса, иногда хронологически пересекается с ним. Для этого стиля характерна вычурность, красочность, экзальтированность и декоративность в изображении алтарных миниатюр. Поэтому вплоть до кватроченто итальянцы, в частности Витторе Карпаччо, Сандро Боттичелли, восхищались интернациональной готикой. Картины писались темперой.

Рождение Венеры	Мадонна Магнификат
Весна	Венера и Марс

Рисунок 5.33 – Полотна Сандро Ботичели

По оценкам историков именно Проторенессанс предвосхитил эпоху Ренессанса, а не интернациональная живопись. Автор термина – Якоб Буркхардт (швейцарский историк). Для искусства этой эпохи, в связи с зародившимся гуманистическим мировоззрением, характерна тенденция к чувственному отражению мира, светскость – одним словом, происходит перестройка художественной системы. Картина заняла место средневековой иконы. Обращение к античному наследию позволило создать более реалистичный образ человека без каких-либо условностей. Так появился светский автономный жанр – портрет итальянского Ренессанса. Яркими представителями этого периода являются Джотто, Пьетро Лоренцетти, Пьетро Каваллини (рис. 5.34).

Раннее Возрождение. Секулярное (нерелигиозное) искусство утверждается окончательно. Как портрет, так и пейзаж становятся самостоятельными жанрами. Художники смогли получить изображения трёхмерного пространства, совершенные по форме. Это стало возможным после открытия флорентийским ученым Филиппо Брунеллески закона линейной перспективы. Даже у персонажей религиозных сюжетов появились выраженные черты индивидуальности. Из известных художников можно выделить (рис. 5.35): Мазаччо, Пьеро Делла Франческо, Джованни Беллини, Андреа Мантенья и др. Некоторые примеры работ: Мазаччо – «Изгнание из Рая», Кастаньо – «Портрет сеньора», Беато Анджелико – «Благовещение», Андреа Мантенья – «Мёртвый Христос», Липпи – «Женщина и мужчина».

Пьетро Лоренцетти. «Мадонна со святыми» 1328-29гг. Сиена, Пинакотека	Пьетро Лоренцетти. «Вход Господень в Иерусалим». Фреска. 1320 г. ц. Сан Франческо, Ассизи	Пьетро Каваллини. Страшный Суд, деталь росписи в церкви Санта-Чечилия-ин-Трастевере (Рим)

Рисунок 5.34 – Картины художников проторенессанса

Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426—27	Мазаччо.Триптих Св. Ювеналия	Андреа Мантенья. Фреска в Камере дельи Спози. 1474. Мантуя

Рисунок 5.35 – Картины художников раннего Возрождения

Высокое Возрождение – хронологически краткий этап эпохи Ренессанса. «Золотой век» итальянского искусства и живописи в частности. В отличие от предыдущих периодов Высокое Возрождение выделяет необычайно широкое представление художников о мире и космосе, а также расширение идейного кругозора. В центре искусства – идеализированный образ человека-героя, совершенного духовно и физически. Художники этого периода – люди огромной культуры, большие оригиналы, «Титаны» своего века. Наивысший расцвет искусства принесли такие творцы, как Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонаротти, Тициан, Якопо Сансовино и другие. В своем творчестве они стремились к синтезу всех самых прекрасных жизненных начал.

Неизменная вера в человеческие возможности, торжество прогресса, высокую нравственность создала те представления о совершенном, которые до сих пор остаются неизменны. Любому искусствоведу чрезвычайно тяжело выбрать избранные работы Высокого Возрождения.

Приведём лишь несколько примеров (рис. 5.36 - ): Рафаэль – «Мадонна Конестабиле», «Святое семейство»; Тициан – «Венера Урбинская», «Кающаяся Мария Магдалина»; Леонардо да Винчи – «Джоконда», «Дама с горностаем»; Джорджоне – «Юдифь», «Три возраста жизни»; Микеланджело – «Страшный суд», «Сикстинская капелла», «Сотворение Адама»; Витторе Карпаччо – «Спаситель и четыре апостола».

Мадонна Конестабиле. Около 1500	Сикстинская мадонна	Святое семейство с ягнёнком

Рисунок 5.35 – Картины Рафаэля Санти

Рисунок 5.36 – Микеланжело «Страшный суд»

«Кающаяся Мария Магдалина» (1560-е)	«Венера Урбинская» (1538)

Рисунок 5.37 – Картины Тициана Вечеллио

Мона Лиза (1503—1505/1506)	«Тайная вечеря» (1498)	«Мадонна с гвоздикой»

Рисунок 5.38 – Картины Леонардо да Винчи

Позднее Возрождение – период угасания эпохи Ренессанса. Это вызвано нарастанием контрреформационной феодально-католической реакции не только в Венеции, но и во всей Италии. Происходит некая деидеализация образов, восприятие мира становится более «нервным», осознается зависимость человека от внешних факторов, утрачивается идеал целостности мироздания. Эти тенденции нашли своё отражение в живописи. Всё чаще мы наблюдаем образ толпы. Однако гуманизм ещё живет на полотнах художников Позднего Возрождения. Яркие представители этого периода и их работы: Паоло Веронезе – «Красавица Нани», «Искушение св. Антония», «Похищение Европы»; Якопо Тиноретто – «Сотворение животных», «Благовещение».

Эпоха Ренессанса стала рубиконом между «варварским» средневековым миром и Новым временем. Эта эпоха заложила основы культуры Западной Европы последующих нескольких столетий. Выработанная декоративным искусством новая стилевая форма распространилась на всю материально-художественную культуру, включая и церковную сферу. Начиная с Возрождения, духовный мир отходит в сторону, искусство обращено к человеку и создается для него.