I четверть

Элементы музыкальной речи.

Характер музыкальной темы. Развитие темы.

Русское народное музыкальное творчество.

Урок 1

Элементы музыкальной речи.

Музыка окружает нас повсюду. Можно сказать, что мы живем в музыкальном мире. Сегодня ведущей ролью музыки стало развлечение: под нее мы танцуем, отдыхаем, музыкальный фон стал обычным, часто даже неосознаваемым. Но музыка с древних времен имеет гораздо большее значение в нашей жизни. Она воспитывает человека, облагораживает его внутренний мир. Музыка помогает: укачать ребенка, организовать массовое действие или общую работу. Музыка лечит. Музыка налаживает общение людей разных национальностей.

Музыка (от греч. «муза») – искусство, которое отражает действительность и воздействует на человека при помощи организованных звуков (по высоте, длительности, громкости и тембру).

Музыка в чем-то похожа на речь. Она так же обращена к слушателю с целью воздействовать на него. В музыке, как и в речи, внутреннее состояние человека выражается с помощью интонации, регистра, темпа, тембра, динамики их изменения и взаимосвязи. Мелодию, аккомпанемент, лад, тембр, регистр, динамику, темп, штрихи, ритм, и метр - называют элементами музыкальной речи.

1. Мелодия (от греч. «песня, напев») – выраженная одноголосно музыкальная мысль. Мелодия играет самую важную роль в музыкальном искусстве. Мелодия бывает вокальная и инструментальная. Различают два типа мелодии: кантилена (от итал. «пение») – напевная, плавная и речитатив (от лат. «декламировать») – стремление приблизиться к естественной речи. Кроме того, различают мелодии широкого диапазона и узкого диапазона (звуковой объем голоса или инструмента – интервал между самым низким и самым высоким звуком). Большое значение для выразительности мелодии имеет ее направление. Восходящее движение мелодии обычно связано с усилением напряжения, а нисходящее – с расслаблением (влияние закономерностей дыхания и особенностей работы голосовых связок). Но иногда, добиваясь особенного эффекта, композиторы используют, например, нисходящее движение для усиления тревоги, напряжения и наоборот. Чаще мелодия движется волнообразно: широкие ходы вверх заполняет плавное поступенное движение вниз и т.п.

2. Аккомпанемент (от франц.) – сопровождение мелодии. Разделение на мелодию и аккомпанемент свойственно гомофонно-гармонической фактуре (от лат. «обработка, строение» - музыкальное изложение), в отличие от одноголосной, аккордовой или полифонической. Аккомпанемент служит гармонической опорой мелодии (гармония от греч. «стройность, соразмерность» – аккорды и их последовательность). Различают два типа изложения аккомпанемента: аккордовый и фигурированный.

3. Лад (от греч. «согласие, стройность, порядок») – согласованность музыкальных звуков по высоте. В классической музыке чаще используются два основных лада – мажор и минор.

4. Тембр – (от франц. «окраска») – окраска звука. Голоса инструментов, благодаря особому их устройству обладают неповторимым звучанием. По тембру различаются и голоса в хоре (снизу - вверх): бас - тенор - альт - сопрано.

5. Регистр (от лат. «список, перечень») – участки диапазона различных музыкальных инструментов. Различают: низкий, средний и высокий регистры.

6. Динамика (от греч. «сила») – громкость звучания. Для обозначения динамики используются итальянские термины.

7. Темп (от лат. «время») - скорость звучания музыкального произведения. Различают темпы быстрые, умеренные и медленные. Для обозначения темпа используются итальянские термины.

8. Штрих (от нем. «черта, линия») – выразительный элемент, способ исполнения. Так же обозначается итальянскими терминами.

9. Метр (от греч. «мера») – равномерное чередование сильных и слабых долей. Метр и ритм указывают на очень давнюю связь музыки со стихом и телодвижением.

10. Ритм (от греч. «теку») – чередование долгих и коротких звуков. Сочетание разных по длительности музыкальных звуков образует ритмический рисунок. Ритмический рисунок, который используется на протяжении всего произведения или его части, называют ритмоформулой. По ритмоформуле можно узнать некоторые танцы, например, мазурку -

Задания:

1. При помощи таблицы в Приложении 1 найдите и выпишите в тетрадь динамические оттенки по порядку: от очень тихого до очень громкого.

2. При помощи таблицы в Приложении 2 найдите и выпишите в тетрадь умеренные темпы.

3. Прочитайте стихи, выделяя ударения в словах, определите, в каком двухдольный метр, а в каком трехдольный. Как называются эти размеры стихов? Найдите свои примеры.

Б. Заходер

Дедушка Рох

Дедушка Рох

Посеял горох,

Землю пахал –

Тяжко вздыхал,

Когда убирал –

Пот утирал.

Когда молотил -

По пальцу хватил.

Зато, когда ел,

Язык проглотил –

До того было вкусно!

Г. Сапгир

Сколько ног?

Маша кошку рисовала.

Миша ей сказал:

- Смотри,

Ног у кошки вышло мало

– Только три.

-Дай-ка мне подрисовать.

Раз, два, три

Четыре, пять!

Урок 2

Музыкальный образ. Музыкальная тема.

Роль элементов музыкальной речи в создании образа.

Когда мы слушаем музыку, то не пытаемся выделить отдельно мелодию, ритм, регистр, тембр и т. д., а воспринимаем целое. Перед нами возникает неповторимый музыкальный образ, который хотел донести до нас композитор. Вся сложность заключается в том, что невозможно понимать язык музыки в том же прямом смысле, как мы понимаем язык литературы или конкретные образы живописи. Музыка передает эмоции, настроения, чувства.

Подбирая эпитеты (от греч. "приложение") – определения, передающие ​ впечатления о предмете, мы можем описать свои впечатления о музыкальном произведении.

В музыкальном произведении может быть один или несколько образов. Они воплощаются в музыкальных темах. Музыкальная тема (от греч. «то, что положено в основу») – основная мысль произведения, материал для дальнейшего развития. По характеру темы могут быть близкими, дополняющими друг друга или, наоборот, далекими, противоположными – контрастными. Сходное или различное звучание музыкальных тем зависит от тех элементов музыкальной речи, которые подобрал композитор для каждой из них.

Пользуясь Приложением 3, подберем эпитеты к Главной и Побочной темам «Богатырской» симфонии А. П. Бородина. Темы контрастны. Характер Главной мы можем описать эпитетами: значительный, мужественный, решительный, настойчивый, воинственный, тяжелый (необходимо подбирать не менее 5 слов). А характер Побочной темы – ласковый, мягкий, приветливый, светлый, спокойный. Подобранные эпитеты помогут нам потом, при повторном прослушивании, узнать темы.

Если мы сравним элементы музыкальной речи, из которых складываются Главная и Побочная темы, то увидим, что они тоже различаются. Таким образом, контрастный характер музыкальных тем создается различными элементами музыкальной речи. И, наоборот, в сходных по характеру темах мы обязательно обнаружим общие элементы музыкальной речи.

Задания:

1. Пользуясь таблицей в Приложении 4, найдите даты жизни и смерти А. П.

Бородина. Какие композиторы жили с ним в одно время?

2. Попробуйте сочинить свое музыкальное произведение. Придумайте и запишите название, характер музыкальной темы и элементы музыкальной речи, из которых он сложился.

3. Сравните характер Главной и Побочной тем в Увертюре к опере «Руслан и Людмила» М. И. Глинки. Есть общие черты? Сходны ли элементы музыкальной речи?

Урок 3

Музыкальный образ.

Программная музыка.

Иногда композитор, желая быть понятым более точно, пользуется способностью музыки передавать не только настроение, но и образы движения, а так же умением подражать различным звукам, например: пению птиц, топоту коней, плеску волн. И перед нашим внутренним взором разворачиваются целые картины, «нарисованные» музыкальными звуками: образ-портрет, образ-сцена, образ-пейзаж, образ-настроение. А чтобы уточнить наши впечатления, направить их, композитор дает произведению название или даже описывает словами то, что мы должны понять из услышанного. Такая музыка называется программной.

Музыкальный образ «Полета валькирий» Р. Вагнера доступен каждому слушателю - погоня, битва и падение. Это то, что передано исключительно элементами музыкальной речи. Воинственность музыке придает схожесть с маршем: четкий пунктирный ритм, мелодия с интонациями сигналов, движением по звукам трезвучия. Тембры медных духовых инструментов напоминают военный оркестр. Изменения динамики позволяют представить, как герои приближаются издалека, проносятся мимо и удаляются. Пользуется Вагнер и звукоизобразительностью: скачка, свист, рассекающей воздух стрелы, гром ударов, падение. Таким образом, общий замысел вполне понятен. А знание сюжета оперы «Валькирия» (2 часть тетралогии «Кольцо нибелунга»), где и звучит этот симфонический антракт (музыкальный фрагмент, предваряющий действие в опере) позволяет еще более конкретизировать его содержание: Богиня-воительница, нарушившая волю отца, пытается спастись от его гнева на своем крылатом коне.

Прослушав «Полет валькирий» Р. Вагнера, напишем небольшое сочинение, в котором воссоздадим картину, которая нам представилась. Не забудем о том, что яркие музыкальные образы нуждаются в ярком описании.

Задания:

1. Пользуясь таблицей в Приложении 4, найдите даты жизни и смерти Р.

Вагнера. Какие композиторы жили с ним в одно время?

2. Что обозначает немецкая поговорка: «Настоящий музыкант умеет слышать глазами и видеть ушами»?

3. Запишите элементы музыкальной речи, которыми воспользовался Р. Вагнер в «Полете валькирий».

4. Запишите названия и авторов трех известных вам программных

произведений (возможно из репертуара по специальности).

Урок 4

Развитие музыкальной темы.

Секвенция.

Мы узнали, что тема занимает ведущее положение в музыкальном произведении. И не только благодаря запоминающейся мелодии или яркому образу, но и способности к развитию (изменению). Каждая музыкальная тема на протяжении своего изложения изменяется полностью или частично. Развитие темы приводит к кульминации (от лат. «вершина») – самому напряженному моменту музыкального произведения, или его части. Существует несколько приемов развития музыкальной темы: повторение, секвенция, вариационное развитие, имитация.

Самый простой прием развития – повторение. Обычно он встречается в песнях, где одна и та же мелодия повторяется с разными словами. На повторении основана и секвенция (от лат. «следую») - прием развития, который усложнен тем, что тема повторяется на разной высоте, через одинаковый интервал, точно или приблизительно.

Прослушаем фрагмент симфонической сюиты Н. А. Римского-Корсакова «Шехеразада» (1888). Эта музыка программная. Всем хорошо известны арабские сказки «1000 и одна ночь». Но Римский-Корсаков еще предваряет симфоническую сюиту программой: «Султан Шахриар, убежденный в коварности и неверности женщин дал зарок казнить каждую из жен после первой брачной ночи; но султанша Шехеразада спасла свою жизнь тем, что сумела занять его сказками, рассказывая их ему в продолжение 1001 ночи, так, что, побуждаемый любопытством, Шахриар постоянно откладывал ее казнь и наконец совершенно оставил свое намерение. Много чудес рассказала ему Шехеразада, приводя стихи поэтов и слова песен, вплетая сказку в сказку, рассказ в рассказ».

Две важные музыкальные темы открывают произведение: Тема Шахриара и Тема Шехеразады – они контрастны. Подберем эпитеты для каждой из них. Развертывание Темы Шехеразады плавно подводит нас к следующей теме – «Море». Мы легко узнаем, откуда она «выросла» - из Темы Шахриара. Тема Моря звучит сначала очень широко, неторопливо, покачиваясь. Постепенно характер темы меняется, представляется, что на море поднимаются волны, они все выше и выше, и вот разражается настоящая буря. Этот эффект достигнут при помощи секвенции – Тема Моря с каждым разом звучит все выше, благодаря этому и нарастет напряжение.

Задания:

1. Пользуясь таблицей в Приложении 4, найдите даты жизни и смерти Н. А.

Римского-Корсакова. Какие композиторы жили с ним в одно время?

2. Найдите в произведениях по специальности секвенцию.

3. Напишите небольшое сочинение по Теме Моря. Отразите в тексте те

изменения, которые с ней происходят.

Урок 5

Развитие музыкальной темы.

Вариационное развитие.

Вариационное развитие – это тоже повторение, но видоизмененное, отличающееся от первого изложения темы. Изменениям могут подвергнуться все элементы музыкальной речи, из которых состоит тема. Вариационное развитие – один из старинных способов изменения музыкальной темы, и основной в народной музыке. Не удивительно, что в произведениях, написанных с использованием народных мелодий, композиторы выбирают именно этот способ развития темы.

Прослушаем фрагмент Симфонической фантазии «Камаринская» М. И. Глинки (1848). Здесь звучат две русские народные темы. Первая – свадебная песня «Из-за гор, гор высоких», а вторая – плясовая «Камаринская». Вариационное развитие помогает Глинке приблизиться к особенностям исполнения народных мелодий. Например, часто русские народные песни начинаются с одноголосного запева, к которому постепенно добавляются голоса, варьирующие основную мелодию. Так и первая тема «Камаринской» излагается сначала одноголосно. Потом к ней добавляются новые тембры различных инструментов, пока не вступает весь оркестр. Плясовая тема также первый раз звучит одноголосно. Ее развитие напоминает разудалую народную пляску, в которой танцоры стараются удивить нас все новыми и новыми «коленцами». Наступает даже такой момент, когда композитор вообще убирает мелодию, оставляя только аккомпанемент. Но плясовая тема уже врезалась в нашу память, и нам кажется, что она продолжает звучать. Удивительнее всего переходы между темами – совершенно различные контрастные первоначально темы после развития совершенно естественно соединяются одна с другой.

В финале (4 части) 4 симфония П. И. Чайковского (1877). В композитор тоже использует русскую народную песню. Она настолько известна, что не нуждается в напоминании. Мы ее, конечно, узнали. Для ее развития композитор также пользуется вариационным способом развития.

Вариационное развитие помогает раскрыть музыкальную тему по-новому, более полно, с разных сторон, и это очень обогащает звучание.

Задания:

1. Пользуясь таблицей в Приложении 4, найдите даты жизни и смерти М. И. Глинки. Какие композиторы жили с ним в одно время?

2. Вспомните и запишите, какие элементы музыкальной речи изменялись в первой теме «Камаринской» М. И. Глинки. Какие во второй?

3. Вспомните и запишите 5 названий произведений П. И. Чайковского.

Урок 6

Русское народное музыкальное творчество.

Календарные песни.

Мы уже начали говорить о народных мелодиях и особенностях их развития. И теперь остановимся подробнее на этом особом искусстве. Вокальное и инструментальное творчество народа называется музыкальный фольклор (от англ. «народная мудрость»). Авторы народных песен неизвестны, они передаются из уст в уста, и каждый исполнитель добавляет что-то от себя. Благодаря такому коллективному творчеству песни существуют в нескольких вариантах. Кроме того, многократная переработка шлифует напев, оставляя в нем только самые яркие мелодические обороты и интонации. Народная песня неразрывно связана с жизнью народа, его трудом, бытом, мировоззрением. С русской историей сравнивал Максим Горький русскую народную песню.

Жизнь древнего человека напрямую зависела от проявления сил природы. Неудивительно, что наши предки не только обожествляли эти таинственные силы, но и подмечали их особенности, закономерности. Все это выражалось в обрядах, а обряды сопровождались песнями, танцами. Сложился годовой круг праздников: Рождество, Святки, Масленица, Сороки (Жаворонки), Пасха, Егорьев день, Троица, Ивана Купалы. Любопытно, что все они были приурочены к еще более древним – языческим праздникам, посвященным дням солнцестояния и солнцеворота. Так сложился самый древний круг песен – календарные.

Год начинался весной, именно тогда звучали веснянки. Все действия людей были направлены на то, чтобы поскорее пришло тепло. Дети бегали с выпеченными из теста жаворонками, разбрасывая их в поле или раскачивая на шестах, чтобы они казались летящими. Женщины и девушки поднимались на заре на пригорки или крыши домов и звали весну. Мелодии этих песен состоят из настойчиво повторяющихся восклицательных интонаций. Узкий диапазон и переменный лад – особенности веснянок. Кроме того, каждая строфа заканчивается особым выкриком – «гуканьем».

Колядки (от лат. «первый день каждого месяца») – народные величальные песни, приуроченные к зимним обрядовым праздникам: Рождество, Новый год, Крещение. Колядки исполнялись молодыми людьми, часто ряженными, чтобы отпугнуть нечистую силу. На шестах они несли круг с лентами – символ солнца. В каждой колядке есть обязательная часть – величально - поздравительная. За добрые пожелания хозяева должны были одарить колядовщиков.

На Святки (время от Рождества до Крещения) молодежь гадала. Часто гадания сопровождались специальными песнями – подблюдными. Они состояли из куплетов-загадок: о скорой свадьбе, богатстве, благополучии, болезни, даже смерти. На блюдо или чашу с водой складывались серьги, кольца всех присутствующих. Во время песни выбранная девушка доставала вещицы по одной - хозяину кольца или сережки и предназначалось предсказание.

Хороводные первоначально были одной из разновидностей весенних песен. Позже они стали звучать на протяжении всего года. Хороводы (караводы, карагоды, круги) были круговые и некруговые – песни-игры (танки или гаивки). В песнях-играх танцующие подражали трудовым движениям или разыгрывали шуточные сценки. Хороводные песни могли быть лирическими, плавными, неторопливыми, или – скорыми, шуточными.

Задания:

1. По верованиям древних славян Весна прилетала на крыльях птиц. Самой почитаемой птицей был жаворонок. Догадайтесь, почему у него такое название?

2. Зачем колядовщики наряжались медведем, козой, чертом? Нарисуйте такой костюм.

3. Знаете ли вы гадания? Расспросите взрослых и опишите одно.

Урок 7

Русское народное музыкальное творчество.

Семейно-бытовые. Былины. Лирические песни. Частушки.

Еще один обширный круг песен – семейно-бытовые. Русские народные песни были почти на все случаи жизни: Родинные, Крестьбинские, Колыбельные, Свадебные, Плачи.

Колыбельная песня служит для убаюкивания ребенка. Очень простая, даже однообразная мелодия звучит спокойно, размеренно, слова и мелодические обороты часто повторяются - ребенка надо усыпить, а не развлечь.

Старинная русская свадьба состояла из традиционных комедийных и драматических сцен, игр и сопровождалось все действо разнохарактерными свадебными песнями. Этот «спектакль», в котором были точно расписаны и известны «роли» длился иногда несколько дней, увлекая в свои участники, всех жителей. Руководил всем человек – сват или дружка, который в совершенстве знал все тонкости обряда. Начинались свадебные гуляния в доме невесты: сватовство, смотрины невесты, девичник, выкуп невесты, прощание невесты с семьей. Потом все ехали в церковь на венчание. И вторая часть свадьбы проходила уже в доме жениха. Здесь были накрыты столы и постоянно звучали песни: величальные, застольные, шуточные, плясовые.

Особое место в народной музыке занимает песня-плач – напевно интонируемая поэтическая импровизация, связанная с выражением горя, скорби. Пелись плачи на похоронах, при печальных известиях, проводах в чужедальнюю сторону или в солдаты и даже на свадьбах – при прощании невесты с родным домом. Мелодия этих песен очень простая, состоит из нисходящих малосекундовых интонаций, в узком диапазоне. Строчка иногда обрывается вздохами, выкриками или плачем. Уметь плакать должна была каждая русская женщина, но были плакальщицы, которые делали это с особым искусством.

Неписанной историей Руси являются былины (старины, старинки) – легендарные поэтические повествования о далеком историческом прошлом. Герои былин – богатыри, носители лучших черт народа, заступники земли Русской. Былины сказывались нараспев под мерный аккомпанемент гуслей. На первом месте был текст, а мелодия только добавляла ему выразительность. Сказителей былин называли Боянами. Это были профессиональные музыканты, которые хранили в памяти огромное количество историй.

Народ не делал различий между былиной и исторической песней, называя и ту и другую стариной. Но отличия были и весьма существенные. В исторических песнях события русской истории излагались более точно. Их складывали непосредственные участники татаро-монгольского ига, взятия Иваном Грозным Казани, польской интервенции XVII века, восстаний Ермака и Пугачева, наполеоновского нашествия и др. В музыкальном отношении исторические песни гораздо сложнее былин. Яркие запоминающиеся мелодии с четкой структурой подчеркивают содержание текста.

Протяжные лирические песни обращались к внутреннему миру человека, его переживаниям, чувствам. Протяжными их называют за то, что в них широко распеваются слоги - «песня с целую версту». В лирических песнях очень сложные мелодии, свободный ритм, переменный метр и лад. Они являются более поздними – расцвет лирических протяжных песен приходится на XVIII век. А рассказывают они о родной сторонушке, горькой судьбе, разлуке, женской доле, тяжелом подневольном труде и, конечно, о любви. Им свойственна импровизационнть (импровизация - от лат. «неожиданный, внезапный»), поэтому в разных районах одну и ту же песню поют по-разному.

Позже всех в XIX веке появились частушки (от «частый» «быстрый») – шуточные песенки-куплеты, четырехстишия, исполняемые обычно под аккомпанемент гармони или балалайки. «Припевки», «прибаски», «коротушки», «тараторки», «припляски» - названия частушек в разных областях России очень точно передают суть этих песен. Лирические частушки назывались «страдания». Частушки русские люди сочиняют до сих пор, отзываясь на события современной жизни хлесткими, шуточными стихами.

Задания:

1. Каких былинных героев вы знаете? Запишите их имена.

2. Вспомните и запишите названия известных вам (или вашим родителям) исторических песен. О каких событиях русской истории они рассказывают?

3. Знаете ли вы частушки? Запишите слова известной вам или сочините свою частушку. Спойте ее.

Урок 8

Народная песня в русской классической музыке.

Творчество русских композиторов неразрывно связано народной песней. М. И. Глинка говорил: «Музыку создаем не мы, создает народ: мы только записываем и аранжируем» (от нем. «приводить в порядок, устраивать» - переложение обработка музыкального произведения). С конца XVIII века профессиональные музыканты начинают обращать внимание на народные мелодии, используя в своих произведениях подлинные песни или подражая их звучанию. Тогда же появляются и первые сборники русских народных песен. Но особенное внимание русское народное творчество привлекло в XIX веке, в творчестве М. И. Глинки, А. С. Даргомыжского, П. И. Чайковского, композиторов «Могучей кучки» - М. А. Балакирева, Н. А. Римского-Корсакова, А. П. Бородина, М. П. Мусоргского и Ц. А. Кюи. Они записывали, обрабатывали и изучали мелодии народных песен. Самые известные сборники русских народных песен в обработке М. А. Балакирева, Н. А. Римского-Корскакова, П. И. Чайковского и Н. А. Лядова.

М. А. Балакирев – русский композитор, музыкально-общественный деятель, организатор объединения музыкантов «Могучая кучка» - после поездки по Волге в 1860 году выпустил сборник «40 русских народных песен в обработке для голоса и фортепиано».

Особенно часто обращался в своем творчестве к народным сюжетам, образам и мелодиям Н. А. Римский-Корсаков. В своей опере «Садко» (1896), написанной на сюжет русской былины о новгородском гусляре композитор размышляет о великой силе искусства - идея, которая привлекала внимание композиторов, как прошлого, так и современности (вспомним хотя бы миф о древнегреческом певце Орфее). Своими песнями Садко покорил грозного Морского царя, завоевал любовь его дочери Волховы, принес богатство и славу родному Новгороду. Мелодии и речитативы оперы очень близки напевам русских народных песен, например, ария Садко из 2 картины «Ой, ты темная дубравушка!» является очень тонкой и точной стилизацией протяжной лирической песни. Лирическое и волшебное начало сливаются в колыбельной Морской царевны - Волховы «Сон по бережку ходил». Использует Римский-Корсаков здесь и подлинные народные мелодии - хор «Высота ли, высота поднебесная» написан на мелодию былины «Соловей Будимерович». Композитор сохранил здесь не только напев, но и народные слова.

В опере «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии» (1907) Римский-Корсаков обращается к народной легенде. Еще во времена татаро-монгольского нашествия в XIII веке родилась в народе эта удивительно светлая легенда о чудесном спасении заволжского града Китежа от врагов. Когда вышли татары к скрытому в непроходимых лесах городу Китежу, открылся им только пустой берег озера Светлояр. Но в водах его отражались стены города, маковки церквей, терема и избы. Увидев это, враги, объятые ужасом, бежали прочь. Симфонический антракт «Сеча при Керженце» рассказывает музыкальными средствами о неравной битве защитников Китежа и татарами. Сопоставляя две контрастные темы – русской и вражеской – композитор создает образ битвы. В теме захватчиков-татар Римский-Корсаков использовал (в измененном виде) мелодию исторической песни «Про татарский полон».

Задание:

1. Вспомните произведения, прослушанные на уроке, в которых композиторы воспользовались русскими народными мелодиями.

2. Вспомните и запишите названия сказок, рассказов, повестей, или стихотворений, где речь идет о музыкантах.

3. Прослушав Симфонический антракт «Сеча при Керженце» Н. А. Римского-Корсакова, напишите небольшое сочинение.

II четверть Музыкальные тембры

Урок 1

Значение тембра в создании образа. Орган.

Тембром называют окраску звука. Каждый инструмент обладает своим особым тембром, по которому мы его узнаем. Тембр зависит от очень многих факторов: материала, из которого изготовлен инструмент (деревянный, металлический), типа инструмента (струнный, духовой или ударный), особенностей строения инструмента, способа извлечения звука (щипком, смычком, вдуванием воздуха, ударом), размера инструмента и величины помещения, в котором он играет.

Слушатели характеризуют тембр, сравнивая качество звука со своими зрительными, осязательными и даже вкусовыми впечатлениями. Например, тембр флейты часто характеризуют, как холодный, легкий, блестящий, яркий.

Тембром обладает и музыкальный инструмент, который есть у каждого из нас – это голос человека. Голоса певцов принято подразделять на четыре основные группы (снизу – вверх): бас, тенор, альт, сопрано. Существуют и некоторые разновидности, так, мужской голос выше баса, но ниже тенора называют баритоном, невысокий женский голос – меццо-сопрано, а самый низкий женский голос – контральто.

Тембр – важное средство музыкальной выразительности. Поручая исполнение темы тому или иному музыкальному инструменту, композитор придает ей особый характер. С помощью тембра можно подчеркнуть смену разделов формы, усилить или ослабить контрасты, подчеркнуть сходства и различия в процессе развития образа и многое другое.

На протяжении всей истории развития музыкального искусства композиторы искали новые тембры. Так рождались новые инструменты. Не закончился этот процесс и сегодня – электромузыкальные инструменты, а также синтезаторы звуков позволяют получать новые тембры.

Знакомство с музыкальными тембрами начнем с органа, по праву признанного королем среди инструментов.

Орган (Organo – в переводе с латинского «инструмент, орудие») - клавишно-духовой музыкальный инструмент сложного устройства.

Орган ведет свою родословную с далеких времен. Его предшественниками были волынка и флейта Пана. Но уже в Древнем Египте и в Древнем Риме был известен настоящий орган. А в 660 году папа римский Виталиан ввел орган в католическую церковь. Колоссальные размеры, великолепная отделка, прекрасный звучный голос, способный наполнить целый собор сделал орган главным церковным инструментом.

Типы органов многообразны: от небольших переносных (портатив) до гигантских инструментов, имеющих более 30.000 труб. Составные части инструмента можно разделить на три основные группы: набор труб, механизм для нагнетания воздуха и кафедра, где размещается органист, управляющий всей этой сложной системой. Перед музыкантом находятся несколько (от двух до семи) клавиатур для рук – мануалы (от латинского «рука»), клавиатура для ног – педаль (от латинского «нога»). Справа и слева от органиста расположены регистровые переключатели, которые нужны для управления регистрами (голосами) – группами труб одного тембра. У крупного органа несколько сотен регистров. Смешение регистров называется микстурами (от латинского «смешение, сочетание»)

Трубы органа изготавливают из дерева и металла, а по строению они делятся на простые и язычковые. Звучать трубу заставляет поступающая в нее из складных мехов под строго определенным давлением струя воздуха. Такой механизм называют пневматическим. До середины XIX века меха качали руками или ногами, сегодня это делает электромотор. Музыкант нажимает клавишу, открывается клапан, воздух попадает в трубу и раздается звук.

Трубы органа заключены в красивый деревянный корпус, передняя стенка которого называется фасадом, его отделка соответствует стилю эпохи, когда конструировался этот конкретный инструмент.

Орган имеет самый большой диапазон среди всех известных инструментов. По красоте и богатству тембров, по разнообразию динамических оттенков орган не имеет себе равных среди музыкальных инструментов.

Игра на органе сложна, но, несмотря на это, всегда были талантливые исполнители-органисты. Замечательным органистом был немецкий композитор Иоганн Себастьян Бах.

Задания:

1. Какова роль тембра в музыке? Вспомните «Полет валькирий» Р. Вагнера, почему композитор использовал тембры медных духовых инструментов для ведения мелодии? Можете привести свои примеры использования тембра в пройденных музыкальных произведениях?

2. Объясните, почему орган называется клавишным, духовым, пневматическим инструментом?

3. Как называются трубы, которые изготавливаются из одного материала, имеют одинаковую форму и ширину?

4. Благодаря чему у органа самый широкий диапазон среди всех известных инструментов?

Урок 2

Струнные клавишные инструменты.

В XVII – XVIII веках все струнные клавишные инструменты называли клавирами (от латинского «клавис» - «ключ», отсюда «клавиша»): клавикорд, клавесин, фортепиано. У всех этих инструментов схожая конструкция – при нажатии клавиши приводится в действие механизм и струну заставляет звучать медиатор (от латинского «посредник»). Но различают их материалы, из которых изготовлены медиаторы и способ извлечения звука.

Клавесин – клавишный щипковый инструмент известен с XVI века. При нажатии на клавишу струну клавесина зацепляло воронье перо. Звук получался блестящий, звенящий, но не певучий (отрывистый). Чтобы его продлить музыканты применяли мелизмы (украшения): трели, морденты, форшлаги, группетто. Нельзя было исполнить на клавесине и динамические оттенки. Для того чтобы придать клавесину динамически более разнообразное звучание изготовляли инструменты с двумя (иногда с тремя) клавиатурами. А регистровые переключатели в виде рычажков по бокам инструмента, кнопок под клавиатурой или педалей служили для изменения тембровой окраски (лютневый регистр, фаготовый регистр и др.).

Внешне клавесин отделывался очень изящно. Его крыловидный, напоминающий современный рояль корпус покрывался рисунками, резьбой, инкрустациями. Иной, чем на современных клавишных инструментах была окраска клавиатуры: нижние клавиши были черные, верхние – белые.

Большие концертного типа инструменты крыловидной формы назывались во Франции клавесином, в Италии – клавичембало (или просто чембало), В Англии – арпсихордом, в Германии – флюгель. Клавесины меньших размеров назывались эпинет во Франции, спинет в Италии, вёрджинел в Англии. В России инструменты обоих типов называли клавесинами.

Во Франции к XVIII веку сложилась клавесинная школа. Среди ярких её представителей Ф. Куперен, Ж. Ф. Рамо, Л. Дакен, Ф. Дандриё. В это время во Франции получает распространение галантный стиль (рококо – от французского «раковина»). Деликатное и холодноватое звучание клавесина гармонировало с «хорошим тоном» избранного общества. Музыка должна была, как бы продолжать легкий светский разговор, выраженный только языком музыкальных звуков. В этих небольших по размеру произведениях (миниатюрах) слушатели легко угадывали очаровательные женские образы, галантные танцы, картинки крестьянского быта или подражание пению птиц.

Клавикорд (от латинских слов «клавиша» и «струна») – клавишный ударный инструмент, известен с XV века. При нажатии клавиши струну ударяла снизу металлическая пластинка – тангент (от латинского «касающийся»). Звучание инструмента отличалось теплотой, выразительностью, нежностью звучания. Чуть покачивая нажатую клавишу, можно было придать звуку вибрацию. Первые клавикорды имели форму прямоугольного ящика и при игре лежали на столе. Позднее их снабдили ножками. Клавикорд использовался для домашнего музицирования, так как уступал клавесину в силе и блеске звучания.

В конце XVIII века клавесин и клавикорд вытесняет фортепиано –клавишный ударный инструмент. При нажатии на клавишу по струне ударяет специальный деревянный молоточек, обтянутый войлоком. Изобретение инструмента приписывают итальянскому мастеру Бартоломео Кристофори в начале XVIII века. Но понадобилось почти сто лет, чтобы новый инструмент, названный за возможность по необходимости усиливать или уменьшать силу звука, фортепиано (от итальянского «громко», «тихо») занял свое достойное место.

Современное фортепиано отличает яркий, певучий звук. Его диапазон включает диапазоны почти всех музыкальных инструментов. Фортепиано может звучать нежно, как флейта и бархатно, как виолончель, и даже как целый оркестр. Сила звука может быть различной: от легкого pp до мощного ff. На нем можно исполнять певучие мелодии, сложные пассажи и многозвучные аккорды.

Разновидности фортепиано – рояль (от французского «королевский») и пианино. Они отличаются формой и расположением струн (у рояля струны натянуты горизонтально, а у пианино – вертикально).

В числе первых композиторов, писавших для фортепиано, были венские классики Й. Гайдн, В. А. Моцарт, Л. Бетховен. Сегодня нотная литература для фортепиано не поддается исчислению. Ежегодно она пополняется.

Фортепиано самый популярный инструмент. Играть на нем можно одному или сразу двум музыкантам – «в четыре руки». Два исполнителя могут одновременно играть на двух фортепиано. Фортепианная игра прекрасно сочетается с игрой почти на всех инструментах, а также с оркестром.

Задания:

1. По характеристике тембра узнайте инструмент:

а) яркий, певучий, виртуозный, с разнообразной силой звука;

б) блестящий, звенящий, не певучий, однообразный звук;

в) выразительный, теплый, вибрирующий, слабый звук.

2. Запомните фамилии выдающихся пианистов-исполнителей: С.

Рихтер, Э. Гилельс, В. Клиберн, В. Софроницкий, М. Плетнев.

3. Найдите в тетради по музыкальной литературе или в нотах по

фортепиано фамилии не менее пяти композиторов, которые

писали для этого инструмента, запишите их.

Урок 3

Оркестр. Типы оркестров.

Слово «оркестр» известно давно. В древнегреческом театре «орхестрой» называли место перед сценой, где располагался хор во время исполнения трагедии. Позднее так стали называть большой инструментальный ансамбль в отличие от маленького – камерного (от латинского «камера» - «комната»). Большие инструментальные ансамбли сопровождали музыкально-театральные представления, или выступали самостоятельно. В современном понимании оркестр – это большой коллектив музыкантов-исполнителей, играющих на различных инструментах. От подбора инструментов зависит тип оркестра.

Оркестр народных инструментов. У разных народов инструменты различны, поэтому составы и звучание подобных оркестров заметно разнятся между собой. Неаполитанский оркестр состоит из мандолин и гитар, оркестры национальных инструментов Африки и Индонезии состоят в основном из ударных инструментов. В составе оркестра русских народных инструментов играют домры, балалайки, гусли, свирели, жалейки, рожки, баяны, бубны. Таким его создал в конце XIX века Василий Васильевич Андреев. Сейчас в оркестр русских народных инструментов входит группа деревянных духовых инструментов, значительно расширена и группа ударных. Исполняют такие оркестры обработки русских народных песен, произведения, специально написанные для этого состава.

Духовой оркестр коллектив исполнителей на духовых (деревянных и медных или только медных, так называемая банда) и ударных инструментах. Духовой оркестр способен выступать в любых условиях – в помещении, на открытом воздухе, и даже в движении. Благодаря этому духовой оркестр издавна используется армиями многих стран. Духовой оркестр зародился в далеком прошлом. Еще в Древнем Египте, Персии, Греции, Китае, Индии торжественные религиозные обряды и военные действия сопровождались ансамблями духовых и ударных инструментов. Первые духовые оркестры появились в Европе в XVII веке. Во второй половине XVIII века они пополнились инструментами «янычарской» (турецкой) музыки – большим и малым барабанами, тарелками и другими. Духовой оркестр и сегодня непременный участник культурно-массовых или спортивных мероприятий.

Джазовый оркестр. Джаз - особое явление в музыке XX века. Он родился из соединения двух культур – европейской и африканской. Первые джаз-банды появились в Америке в 10-е годы XX века. Любимыми инструментами этих коллективов были: труба, тромбон, кларнет, рояль, контрабас, саксофон, гитара, банджо. Вообще, джаз охотно использует любые инструменты. Строение большинства джазовых пьес напоминает вариационную форму: в начале весь ансамбль играет тему, затем идет ряд вариаций-импровизаций, а в конце опять проводится тема. Искусство импровизации, причудливый ритм – свинг («качание»), особая манера исполнения, словно танцуя, - все это в свое время ошеломило и покорило публику. До сих пор на слуху имена знаменитых джазовых музыкантов: певца и трубача Луи Армстронга, певицы Эллы Фицджеральд, кларнетиста Бенни Гудмена, пианиста Дюка Эллингтона.

Эстрадный оркестр – использует самые различные типы составов, включая и те, что характерны для джаза. Самый распространенный тип - эстрадно-симфонический оркестр. Эстрадная инструментальная музыка отличается от джазовой большей простотой и мелодичностью, отсутствием импровизационности. Эстрадные оркестры исполняют часто музыку танцевальную, развлекательную, обработки песен, переложения классических произведений.

Симфонический оркестр сложился во второй половине XVIII века. Музыканты долго искали наилучшее сочетание и соотношения инструментов. Сначала подбор их в оркестре не был точно установлен и мог значительно меняться. Основателями классического симфонического оркестра стали

Й. Гайдн и В. А. Моцарт, в творчестве которых он оформился как объединение четырех инструментальных групп: струнной смычковой, деревянной духовой, медной духовой и ударной. Основа оркестра осталась неизменной до сегодняшнего дня, но за прошедшие столетия его состав постоянно обогащался новыми инструментами, а уже известные все время совершенствовались. У симфонического оркестра самые широкие выразительные возможности.

Любой оркестр – это большой коллектив музыкантов-исполнителей, их слаженная игра невозможна без дирижера (от французского «направлять, управлять»). Перед его глазами партитура – ноты, в которые вписаны партии всех инструментов. По партитуре дирижер показывает музыкантам время их вступления, отсчитывает доли, объединяя всех в единый ансамбль, представляет свое понимание содержания произведения. В руках дирижера не всегда была легкая палочка. Сначала дирижеры громко отбивали такт баттутой (палкой), некоторые стучали ногой, или свернутыми нотами. Часто оркестром управлял первый скрипач - капельмейстер, используя для этого смычок. Дирижерская палочка появилась в руках дирижера в начале XIX века. А первым повернулся лицом к музыкантам Рихард Вагнер.

Задания:

1. Какой оркестр часто звучит на открытом воздухе, почему?

2. Какой оркестр сформировал В. Андреев?

3. В каком оркестре может быть любой состав исполнителей,

а главное – импровизация и свинговый ритм?

4. Какой оркестр исполняет симфонии, симфонические поэмы,

сюиты, увертюры?

5. Зачем оркестру нужен дирижер?

Урок 4

Симфонический оркестр. Струнная смычковая группа.

Более подробное знакомство с симфоническим оркестром начнем с самой многочисленной (50 – 60 музыкантов) группы струнных смычковых инструментов. Эта группа – важнейшая часть симфонического оркестра, ее подлинный фундамент. Струнные выступают большой плотной массой для того, чтобы уравновесить звонкие и сильные голоса духовых инструментов.

В струнную группу входят скрипки, альты, виолончели и контрабасы. Их распределение напоминает расположение голосов в хоре: сопрано, альт, тенор, бас. Скрипки разделены на первые и вторые, что тоже совпадает с разделением сопрано на первые и вторые голоса. Подобное разделение группы на несколько партий называется дивизии.

Ведущее место среди струнных смычковых инструментов принадлежит скрипкам (violini). «Королевой оркестра» называют этот инструмент, сочетающий красивый выразительный звук и техническую подвижность.

Струнные смычковые инструменты, предшествовавшие скрипке, известны с глубокой древности. Но самая известная из них семья инструментов под названием виола (от итальянского «фиалка»). Виолы были разных размеров. Мастера украшали их драгоценностями и тончайшей резьбой. Их игра отличалось мягкой, мечтательной и слабой звучностью, непригодной для больших концертных залов. Именно поэтому виолы были постепенно вытеснены семейством скрипок. Но передали им свою внешность и имя, ведь violini в переводе с итальянского языка - «маленькая виола».

История скрипок неотделима от имен замечательных итальянских мастеров из города Кремоны – Амати, Гварнери, Страдивари. На протяжении XVI – XVII веков они от поколения к поколению создавали непревзойденные образцы этого инструмента, точно рассчитав пропорции, толщину деревянных стенок, состав лака, покрывающего инструмент и многое другое.

Очень часто скрипки благодаря своей исключительной певучести используются для ведения основной музыкальной темы. Иногда мелодия поручается скрипке-соло, Тогда ее исполняет первый скрипач – концертмейстер.

Альт (viola) имеет то же устройство, что и скрипка, но его размер больше, поэтому диапазон его ниже, а звук - гуще. Тембр альта называют матовым, глуховатым, неярким. Поэтому альты значительно реже скрипок выдвигались в оркестре на первый план, чаще они удваивали партии скрипок или виолончелей, придавая звучанию большую насыщенность. Но в ХХ веке композиторы все чаще стали поручать альту сольные партии.

Виолончель (violoncello – «меньшая из больших виол») разделяет со скрипкой первенство в струнной смычковой группе. Она обладает великолепным мягким, бархатным тембром. Виолончель уступает скрипке в виртуозности, но успешно конкурирует в мелодическом пении. Виолончель появилась в середине XVI века, но довольно долго она не могла превзойти свою соперницу – виолу да гамба (стоящую на полу виолу). Признание пришло к виолончели только в XVIII веке.

Контрабасы (contrabassi – «очень низкий бас») – самые большие и самые низкие по звучанию инструменты. Музыкант играет на контрабасе стоя или сидя на специальном стуле. При своих внушительных размерах – это самый скромный и незаметный участник струнной смычковой группы. Обязанность контрабасов – создание басовой опоры, часто им поручают удваивать октавой ниже партию виолончелей. Тембр контрабаса – темный, суровый, несколько тяжеловатый. Он солирует в особых редких случаях. Но в ХХ веке на этот инструмент обратили внимание джазовые музыканты, они стали использовать его как бас-гитару, играя на нем щипком.

Струнная смычковая группа включает в себя голоса разнообразного диапазона и характера. Поэтому существуют коллективы, целиком составленные только из этих инструментов: две скрипки, альт и виолончель составляют струнный квартет, большой ансамбль из всех струнных смычковых инструментов называют струнным оркестром. Кроме того, эти инструменты могут гармонично сочетаться со всеми тембрами, в том числе и человеческим голосом.

Частым участником симфонического оркестра является арфа (arha) – струнный щипковый инструмент. Он не принадлежит ни к одной из оркестровых групп. История инструмента насчитывает несколько тысячелетий, ее изображения встречалось еще на древнеегипетских фресках. Арфа обладает красивым, нежным звуком небольшой силы, но не способный для исполнения певучих мелодий. Арфа чаще аккомпанирует другим инструментам воздушными аккордами или фигурациями.

Задания:

1. Расположите инструменты струнной смычковой группы в соответствии с голосами в хоре. Почему это можно сделать?

2. По описанию тембра узнайте инструмент струнной смычковой группы:

1. матовый, глуховатый, неяркий;

в) темный, суровый, тяжеловатый;

г) певучий, яркий, виртуозный;

д) мягкий, бархатный, певучий.

3. Вспомните и запишите произведения, пройденные в этом году, в которых мелодии ведут инструменты струнной смычковой группы.

4. Какова роль арфы в оркестре?

Урок 5

Симфонический оркестр.

Группа деревянных духовых инструментов.

Знакомство с симфоническим оркестром начнем с группы деревянных духовых инструментов. Само название «деревянные» давно уже не вполне правильное. Когда-то инструменты этой группы действительно были деревянными, но сейчас их изготавливают из различного материала, в том числе из металла и пластмассы. Название сохранилось, чтобы отличать эти духовые инструменты от группы медных духовых.

К группе деревянных духовых инструментов относятся: флейта, гобой, кларнет и фагот. Все они звучат с помощью вибрации столба воздуха, заключенного в трубке инструмента, но при этом сильно отличаются друг от друга по тембру, характеру и окраске звучания. Кроме того, каждый из них обладает особым техническим устройством.

Численность музыкантов в группе невелика, со времен Гайдна и Моцарта классическим считается парный состав, т.е. в оркестре играют по два музыканта на каждом инструменте группы.

Самым высоким голосом среди деревянных духовых обладает флейта (flauto). Ее название переводится с латинского как «дыхание». Это один из древнейших музыкальных инструментов, ее происхождение теряется в глубине веков. В современную флейту музыкант вдувает воздух в боковое отверстие, держа ее поперек относительно своего туловища. Такая флейта называется поперечная. Разновидность обыкновенной флейты - флейта-пикколо (piccolo – с итальянского «маленькая»). Инструмент уменьшенного размера звучит на октаву выше большой флейты. Флейта обладает легким и светлым тембром, часто солирует, а благодаря своему техническому совершенству может исполнять сложные виртуозные мелодии.

Гобой (oboe) – название имеет французское происхождение и означает «высокое дерево». Его легко узнать по своеобразному «носовому» оттенку, который получается благодаря двойной трости-язычку. Этот инструмент так же известен с глубокой древности. В отличие от флейты гобой не столь подвижен и блестящ, но зато способен к более проникновенной задушевной выразительности. Композиторы часто пользуются тембром гобоя для изображения картин природы, сельского быта. Разновидность гобоя английский рожок (corno inglese) – это увеличенный гобой, звучащий ниже обычного и обладающий более густым тембром.

Кларнет (clarnetto – с итальянского «ясный, светлый») обладает чистым и прозрачным тембром. В подвижности и виртуозности кларнет с успехом соперничает с флейтой. Его диапазон очень велик – он играет легко и свободно на любой высоте, отличаясь силой и сочностью звучания. В современном оркестре участвуют и разновидности кларнета: малый кларнет

(звучащий на октаву выше основного) и басовый кларнет (звучащий на октаву ниже основного).

Фагот (fagotto) - самый низкий инструмент группы. У него такой же, как у гобоя двойной язычок, придающий его звучанию «хрипоту». Фагот самый длинный инструмент, поэтому его сложили, точно вязанку дров (с итальянского языка его название так и переводится «связка, узел»). Разновидностью фагота является контрафагот, он звучит октавой ниже основного.

К группе деревянных духовых примыкает семейство саксофонов (saxofoni), в которое входят инструменты различной высоты: сопрановые, альтовые, теноровые и баритоновые. Хотя сегодня саксофон зарекомендовал себя как джазовый инструмент, но он был изобретен задолго до рождения джаз-оркестров – в 1840 году его сконструировал бельгийский мастер Адольф Сакс. Выразительный тембр саксофона применяют в качестве дополнительного участника симфонического оркестра.

Задания:

1. Назовите все группы симфонического оркестра.

2. Почему группа деревянных духовых инструментов так называется, точное ли это название?

3. По описанию тембра узнайте инструмент деревянной духовой группы:

а) глухой, хриплый, приглушенный;

б) холодный, легкий, свистящий;

в) чистый, прозрачный, ясный;

г) густой, насыщенный, гнусавый.

Урок 6

Симфонический оркестр. Группа медных духовых инструментов.

Группа ударных инструментов.

Медные духовые инструменты (часто их сокращенно называют «медь») обладают звонким сильным звуком. В современный симфонический оркестр большого состава входит две или три трубы, четыре валторны, три тромбона и одна туба. Все медные духовые инструменты представляют собой длинные металлические трубки, закрученные в несколько раз. Вдувают воздух в них через мундштук (от немецкого «предмет, приспособление для губ»). А звук выходит из широкого раструба на конце инструмента.

Долгое время медные духовые инструменты могли исполнять только некоторые звуки и назывались «натуральными». Только с изобретением специального вентильного механизма (в начале XIX века) эти инструменты получили возможность исполнять сложные многозвучные мелодии и стали называться - «хроматическими».

Знакомство с медными духовыми начнем с трубы (tromba) – инструмента, известного с древности. Звук у трубы – яркий, далеко летящий, она часто солирует. О своем военном прошлом труба напоминает призывными мотивами, которые называют «фанфарами». Задорные, блестящие мелодии исполняет родственник трубы – инструмент небольшого размера корнет-а-пистон.

Валторна (corno – русское название от немецкого «вальдхорн» - «лесной рог») - часто используется для передачи образов природы. Сначала несовершенные натуральные инструменты исполняли так называемый «золотой ход» валторн - наиболее удачные двухголосные созвучия. Сегодня валторна обладает широкими возможностями и часто солирует. Она одинаково хорошо исполняет и певучие нежные и мужественные грозные мелодии, легко справляется со сложными техническими пассажами.

Тромбон (trombone) по характеру звучания близок трубе, но звук у него ниже и массивнее. Высота звука изменяется у него при помощи выдвижной кулисы. Тромбоны пришли в симфонический оркестр последними из оперного оркестра, где использовались для создания острых, драматических эффектов.

Туба (tuba) – самый низкий инструмент медной духовой группы. Звук у нее очень глубокий, густой. Подобно басам других групп – контрабасу, контрафаготу, - туба редко солирует и используется чаще для удвоения мелодии других инструментов или выдержанных звуков в басу («педалей»).

Ударные инструменты. Это самая пестрая, разнохарактерная и шумная группа инструментов и размещается она в конце оркестра. При всем их разнообразии они объединены общим способом извлечения звука – ударом. В современном симфоническом оркестре несколько десятков ударных инструментов. Многие композиторы, стремясь разнообразить звучание своих произведений, вводили в оркестр новые, даже экзотические инструменты этой группы. Принято разделять ударные инструменты на два типа: с определенной высотой звучания и с неопределенной высотой звучания (шумовые).

К инструментам с определенной высотой звучания относятся литавры (timpani). Этот старинный инструмент первым вошел в состав симфонического оркестра. Литавры представляют собой медные котлы, затянутые сверху кожей, по которой ударяют палочками с мягкими наконечниками. Литавра настраивается на определенную высоту звука. Быстро перестроить литавру трудно, поэтому в оркестре присутствуют две, три и даже четыре литавры разной высоты. Тогда они могут сыграть даже небольшую мелодию. Но чаще литавры применяются для ритмической поддержки других групп оркестра. Челеста (celesta) - клавишные инструмент, внешне напоминающий маленькое пианино с набором небольших стальных пластинок. Она дает чистый, волшебно-нежный, словно тающий звук. Колокольчики (campanelli) состоят из набора стальных пластинок, по которым ударяют двумя палочками. Звук колокольчиков напоминает челесту, только тембр их немного звонче, ярче и резче. Колокола (campane) выглядят, как свободно подвешенные металлические брусья или трубки разной длины. Ксилофон (xilofone) состоит из набора деревянных пластин. Он имеет довольно сильный и резкий, щелкающий звук. Близкий родственник ксилофону – инструмент маримба. Вибрафон – по внешнему виду напоминает ксилофон, только с металлическими пластинками. Плывущий, летящий звук получается при помощи специальных труб с задвижками, работающими от электромотора.

Инструментов с неопределенной высотой звучания (шумовых) гораздо больше, поэтому перечислим только самые популярные из них. Тамтам (tam-tam) – большой металлический диск, издает гулкий, раскатистый, долго не затухающий после удара звук. Большой барабан (cassa), иначе называемый «турецким», - инструмент большой мощности. Гулкий, ухающий звук большого барабана хорошо сочетается со звонким тембром тарелок (piatti). Малый барабан (tamburo) отлично воспроизводит любые ритмические узоры. Кроме перечисленных инструментов, в симфоническом оркестре могут встречаться: треугольник, кастаньеты, бубен, маракасы и многие, многие другие.

Задания:

1. По описанию тембра узнайте инструмент медной духовой группы:

а) низкий, глубокий, густой;

б) яркий, призывный, летящий;

в) яркий, низкий, массивный;

г) мягкий, благородный, «грудной».

2. За что медные духовые инструменты называли натуральными и

хроматическими?

3. Вспомните и запишите не менее трех ударных инструментов, не

названных на уроке.

Задание:

1. Вспомните, какие русские народные инструменты вы знаете?

Составьте из их названий кроссворд.

2. Являются ли родственниками баян и аккордеон? Назовите их общего предшественника.

3. Назовите инструмент, популярный у древнерусских скоморохов.

4. Вспомните названия русских ударных инструментов. Как они связаны с бытом простых людей?

Урок 7

Русские народные музыкальные инструменты.

Судьба русских народных инструментов складывалась трагически. Игра на музыкальных инструментах во времена Древней Руси считалась грехом, а тех, кто был почитателем этого искусства, православное духовенство причисляло к язычникам и богохульникам. Только церковное многоголосное пение считалось музыкой достойной христианина. Строгие законы были направлены на борьбу с музыкантами, которых называли скоморохами. Решив разом освободиться от скверны, патриарх Никон в сентябре 1654 года велел собрать и сжечь на берегу реки Москва все инструменты. Только усилиями настоящих преданных энтузиастов русские музыкальные инструменты и традиции игры на них не исчезли и возродились для новой жизни.

Именно таким человеком был Василий Васильевич Андреев (1861 – 1918) – музыкант, виртуоз на балалайке, игравший, кроме того, на фортепиано, скрипке, гармонике, жалейке и свирели. Он изучал русское народное творчество, собирал и совершенствовал инструменты. Сначала он организовал «Кружок любителей игры на балалайках» - ансамбль из 8 музыкантов, из которого позже вырос «Великорусский оркестр». Знакомство с его составом начнем с балалайки – трехструнного щипкового инструмента, который давно стал русским национальным символом.

Само название, типично народное, и передает характер игры на инструменте. Слово балалайка созвучно русским словам: балабонить, балагурить, которые произошли, в свою очередь, от татарского слова балалар – дети. Действительно звучание балалайки легкое, бренчливое, забавное и не всегда серьезное. Самые ранние сведения о балалайке относятся к 1715 году. Современный облик инструмент приобрел благодаря В. В. Андрееву. В русском народном оркестре существует балалайки различных размеров, с разным диапазоном звучания: прима, секунда, альт, бас и другие.

Самым популярным скоморошьим инструментом была домра. Хотя первые упоминания о ней относятся к XVI веку, точного описания и изображения домры не сохранилось, даже само название не находит объяснения в русском языке. В. В. Андреев воссоздал домру по старинному инструменту, который ему привезли из Вятской губернии. Сейчас существует две разновидности домры: трехструнная и четырехструнная. Играют на ней при помощи медиатора. Современная домра – виртуозный инструмент, на котором исполняют не только обработки русских народных песен, но и произведения специально для нее написанные и переложения классических произведений. Так же, как и балалайки, домры в оркестре существуют разных размеров.

Гусли еще один русский струнный щипковый инструмент. Первое упоминание о нем относится к VI веку. Название их происходит от древнеславянского слова «густы» - гудеть, поэтому гусли – гудящие струны. Древний гусляр был не только музыкантом, но и поэтом, и рассказчиком. Существовало несколько разновидностей гуслей: крыловидные (звончатые), шлемовидные. Позже всех (в конце XVI века) были созданы прямоугольные (столообразные) гусли, которые и сегодня входят в состав многих оркестров русских народных инструментов.

Гитара – струнный щипковый инструмент. Ее название происходит от древнегреческого «кифара». Изобретение гитары приписывают Испании – там инструмент получил свою современную форму, хотя распространен он был во всех странах Европы. В России гитара стала известна с 1769 года. Но настоящая популярность пришла к ней, когда она попала в руки цыган, певших под ее аккомпанемент русские и цыганские народные песни. За этой семиструнной разновидностью гитары закрепилось название «русская». В то же время в России получила распространение шестиструнная, как ее называли «испанская» гитара.

Хорошо известный сегодня баян – клавишно-пневматический язычковый инструмент был назван по имени легендарного древнерусского певца-сказителя Баяна. Но его история началась в Германии в 1822 году с инструмента гармоники. В считанные годы гармоника стала популярной по всей Европе, за свою удивительную возможность играть и мелодию, и аккомпанемент, оставаясь при этом компактной и легкой. В России гармоники делали во многих местностях. Название инструмента определялось местом, где ее сделали: «тульская», «бологойская», «саратовская» и другие гармоники. Современный баян сконструировал русский мастер Петр Стерлигов в 1907 году. Аккордеон – гармоника с правой клавиатурой фортепианного типа появилась в России в XIX веке, ранее, чем за рубежом.

Разнообразно представлены русские духовые инструменты: свистульки, свирель, жалейка, рожок, кугиклы и многие другие.

Самобытны русские народные ударные инструменты, они рождены самой жизнью, многие тесно связаны с бытом простых людей: ложки, трещотка, бубенцы, рубель, коробочка, дрова.

В современном мире русские народные инструменты занимают достойное место, пользуясь заслуженным интересом у исполнителей и слушателей .